LAS MEJORES ZARZUELAS

 

AGUA AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE

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Pasillo veraniego en un acto
Texto original de MIGUEL RAMOS CARRIÓN
Música de FEDERICO CHUECA
Estrenada el 23 de junio de 1897 en el Teatro Apolo de Madrid


Elenco del estreno

Asía: ISABEL BRÚ, Pepa: JOAQUINA PINO, Manuela: CLOTILDE PERALES, Doña Simona: PILAR VIDAL, Lorenzo: EMILIO MESEJO, Vicente: ELISEO SAN JUAN, Garibaldi: JUANITA FERNÁNDEZ, Serafín: VICENTE CARRIÓN

La obra

Las pretensiones de los autores eran modestas, de ahí la denominación de “pasillo veraniego” pero obtuvo un éxito de los más memorables de la historia del género, hasta el punto de que Chueca salió a hombros por la puerta grande como los toreros y así fue llevado a su casa. Desde entonces ha formado parte de la trilogía del madrileñismo junto a LA VERBENA DE LA PALOMA y LA REVOLTOSA. De esta forma, siguiendo a José Deleito y Piñuela; “una obra pensada para unas semanas duró varios años en el cartel”, y en el estreno “los temas de niñas, niñeras, nodrizas y Garibaldi produjeron verdadera explosión de gozo en el auditorio,…….. que aumentó con el coro de los barquilleros y el dúo de Asia y Serafín…….. Pero todo eso fue poco para el escándalo apoteósico que promovió el célebre dúo de tiples contrapuntado por sus dos chulos. Cinco veces tuvieron que cantar la Pepa y la Manuela sus cuitas y castizas disidencias subrayadas con las trazas sentenciosas de los castizos Lorenzo y Vicente; y cuando tras esta garbosísima página madrileña se aboca en el pasodoble de los mantones de Manila…..el público se enardeció de tal manera que se puso unánimemente en pie para ovacionar a Chueca”. La obra alcanzó las doscientas representaciones seguidas, duró años en el cartel de teatros españoles e hispanoamericanos y ha permanecido en el repertorio lírico español como una de las obras emblemáticas del género chico.

El compositor

Federico Chueca Robles nació en Madrid (Casa de los Lujanes en la Plaza de la Villa, donde se cuenta que estuvo preso Francisco I de Francia tras su apresamiento en 1520 en la batalla de Pavía) el 5 de mayo de 1846 y murió en la misma capital el 20 de junio de 1908.

Desde su niñez en el Conservatorio Chueca, con sus dotes naturales extraordinarias, no comprendía que hubiera que estudiar para ser músico, le molestaba escribir música y admiraba a quien escribía con soltura en el papel pautado como Barbieri o Bretón. Lo primero de Chueca que se llevó al pentagrama fueron unos valses titulados “El lamento de un preso” que compuso cuando lo estuvo por mor de los incidentes de “La noche de San Daniel” (La noche del 10 de abril de1865 la policía cargó contra las manifestaciones de estudiantes dejando nueve muertos y muchos heridos. Los estudiantes se manifestaban a favor de Castelar que había sido separado de su cátedra por un artículo titulado “El Rasgo” sobre la decisión de Isabel II de vender la mayor parte de su patrimonio regalando el 75% al Tesoro y reservándose el 25%, interpretando que tras su aparente generosidad se escondía un despojo a la Nación propietaria legítima de todo el Patrimonio.), liberado corrió a ver a Barbieri quien le hizo repetir la música y los pasó al pentagrama. Barbieri fue pues su primer colaborador con el que luego estrenó la zarzuela HOY, SALE HOY, el segundo Bretón con el que estrenó BONITO PAIS, siendo el habitual, hasta 1890, Joaquín Valverde, que le escribía la música y aportaba algún elemento técnico de su cosecha. Chueca se servía de “monstruos” (en el argot teatral son unas palabras, más o menos absurdas, pero que siguen una rítmica y que sirven para componer la música) y escribía la letra de muchas partes de sus obras, obviando al libretista.

En 1875 estrenó su primera obra EL SOBRINO DEL DIFUNTO, y desde entonces se suceden los éxitos de los que me limito a detallar BONITO PAIS en 1877, LA CANCION DE LA LOLA en 1880, FIESTA NACIONAL en 1882, HOY, SALE HOY y CARAMELO en 1884, LA GRAN VIA y CADIZ en 1886, DE MADRID A BARCELONA en 1888, EL AÑO PASADO POR AGUA y DE MADRID A PARIS en 1889, LA CAZA DEL OSO O EL TENDERO DE COMESTIBLES en 1891, LOS DESCAMISADOS en 1893, AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE en 1897, los arrastraos en 1899, LA ALEGRIA DE LA HUERTA en 1900 y EL BATEO en 1901.

Cuenta Rafael Mitjana que Camilo Saint-Saëns gustaba de asistir a las zarzuelitas de Chueca y que el le regaló un ejemplar de la partitura de una de ellas, DE MADRID A PARIS (en que se cantaba aquello de “A mi me llaman la Pelos, a mi la de Lavapiés”) no quiso el gran músico el obsequio seguramente para no “contaminarse” con algo hecho sin la disciplina debida, pero cuando echaba a la estufa la partitura, volvió a cantar la picaresca melodía para terminar diciendo “Qué clase de talento tiene este demonio de compositor que, casi sin saber música, la crea de tal fuerza que no se la puede olvidar cuando una vez se la oye”.

Se lee en el Espasa que no eran sus composiciones la más depurada expresión del espíritu nacional, en el sentido que en todas partes se da a la música popular: eran más bien la inspiración de una musa callejera, bastante artificial, que venía a ser como los couplets en Francia, con el mismo descoco, la misma alegría y la misma facilidad que aquellos, que pronto se convertían en música para los organillos callejeros, para los cafés y, en general, para el pueblo. Fue más que un músico español comprensivo para toda España, un madrileño que improvisaba sus canciones, sin grandes conocimientos de técnica pero dotado de extraordinaria facilidad y exquisita sencillez. Este madrileñismo tuvo sus excepciones, pues CARAMELO y CADIZ, son de puro estilo andaluz, LA ALEGRIA DE LA HUERTA, murciana y el tercer cuadro de LA CAZA DEL OSO O EL TENDERO DE COMESTIBLES, es asturiano neto.

Comenta Arnau que a Chueca no se le puede analizar pues antes de que intentemos analizar la construcción de la frase el pensamiento del autor se ha apoderado de nosotros y le seguimos en volandas por los giros inigualados de sus castizos pasacalles. En su creación las cosas fluían de repente o no salían. Lo mismo da en la música que en la letra, si le faltaba una palabra española para llenar su frase musical la inventaba si era necesario en francés macarrónico y se quedaba tan pancho, porque además, el resultado tenía asegurado el éxito.

El libretista

Miguel Ramos Carrión nació en Zamora el 17 de mayo de 1848 y murió en Madrid el 8 de agosto de 1915. Se inició como periodista, colaborando en periódicos satíricos con los seudónimos de Boabdil el Chico y Daniel. Pero pronto descolló su vocación teatral, estrenando en 1866 su primera zarzuela UN SARAO Y UNA SOIREE, con música de Arrieta, desde entonces muchas conocieron el éxito, frecuentemente en colaboración con otros autores, sobre todo con Vital Aza, el de la risa sana. Destaco AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE y EL CHALECO BLANCO, con música de Chueca, LA BRUJA, LA TEMPESTAD y EL REY QUE RABIO, de Chapí, LOS SOBRINOS DEL CAPITAN GRANT de Fernández Caballero, y la ampliación a ópera de MARINA de Arrieta.

Sinopsis

La obra estriba en el desfile de tipos callejeros, niñas, niñeras, amas y barquilleros, que pasan por el aguaducho de Pepa en Recoletos en donde también tiene lugar tanto la trama urdida por Serafín para seducir a la poetisa como la pelea y reconciliación de las aguadoras y sus “hombres”. Previamente en el cuadro primero se nos ha presentado la situación de necesidad de Doña Simona y su hija Atanasia, pintada tan a lo vivo en los primeros versos de las seguidillas cantadas por las niñas “tanto vestido nuevo, tanta parola y el puchero en la lumbre con agua sola” que describe la situación de gran parte de la sufrida clase media de entonces. Allí hemos conocido a la madre y a la hija y se nos ha hablado de Aniceto su pudiente pretendiente y primo de Valdepatata al que ella rechaza ¡De Serafín o de la tumba! También nos han presentado a Aquilino que habla de las hazañas de Serafinito. Estas “presentaciones” eran precisas para entender el segundo cuadro, en que, además del desfile de tipos antes aludido, tiene lugar el intento de Serafín de narcotizar a Doña Simona con la ayuda de Pepa y Lorenzo cuyo desarrollo conocemos en el delicioso número musical “¿Está dormida? y el desenlace lo escuchamos de Asia “Pálido, inerte; fiel imagen de la muerte” y Doña Simona “Se ha decidido mi suerte; ¡volveré a Valdepatata! Y la apoteosis de la obra llega con su cuarto número musical trufado de maravillas “in crescendo” como la pelea de las aguadoras “Ya está ahí la Manuela”, la mediación de Lorenzo y Vicente “Vamos a ver que ha pasao” el desencanto popular porque la sangre no ha llegado al río “Con esta gente siempre es igual: muchos insultos y luego na” y el trepidante pasacalle “Pa que veas Manuela lo que es Vicente”.

Índice de escenas

Zarzuela denominada pasillo veraniego en un acto, con los siguientes números musicales:

Acto único: 1. Preludio y seguidillas: coro de niños, niñeras y amas “Tanto vestido nuevo”. 2. Pasacalle: coro de barquilleros “Vivimos en la Ronda de Embajadores”. 3. Vals cuarteto de Asia, Pepa, Simona y Serafín “¿Está dormida? 4. Mazurca y canción de Garibaldi “Ya es más de la una y media” y “Una niñeira di Barcelona”, Panaderos “Ya está ahí la Manuela, Cuarteto de Pepa, Manuela, Lorenzo y Vicente “Vamos a ver ¿qué ha pasao? y pasacalle “Pa que veas Manuela lo que es Vicente”.

Personajes

Asia: Cursi poetisa enamorada de Serafín. Soprano
Doña Simona: Desahogada madre de Asía. Actriz cantante.
Serafín: Hijo de un ministrable, pretendiente de Asia. Tenor cómico.
Pepa: Aguadora con “puesto” enamorada de Lorenzo. Mezzosoprano.
Manuela: Aguadora ambulante enamorada de Vicente. Soprano
Lorenzo: Picaor que prefiere el alias de “pocavergüenza” al de sabañón. Actor cantante.
Vicente: Amigo de Lorenzo. Actor cantante.
Garibaldi: Embaucador que se hace pasar por italiano. Tiple cómica.
Aquilino: Casero de Doña Simona y prestamista. Actor.
Además participan otros personajes, diríamos colectivos, que paseaban en busca de autor y se encontraron con Ramos Martín y Chueca:

Los barquilleros: Tipo popular en los madriles del sainete que son presentados en esta zarzuela con un pasacalle genial “Vivimos en la Ronda de Embajadores” en el que se lleva a cabo un paseo virtual por el Madrid castizo y se pone de manifiesto el carácter de engaño que llevaba implícito la profesión.

Las niñeras y las amas: Dos tipos adosados a la familia de la época del estreno; se les hace coincidir en el mismo número musical, unas chispeantes seguidillas de niñas y niñeras, que emparedan el nostálgico son de las nodrizas gallegas.

 


 

LA ALEGRIA DE LA HUERTA

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Zarzuela en un acto, y tres cuadros
Texto original de ENRIQUE GARCÍA ÁLVAREZ y ANTONIO PASO
Música de FEDERICO CHUECA
Estrenada el 20 de enero de 1900 en el Teatro Eslava de Madrid


Elenco del estreno

Carola: CONCHA SEGURA, Angustias: Srta. MIRAULES, Alegrías: Sr. GIL, Juan: Sr. MARINER, Heriberto: JOSÉ RIQUELME, Un ciego: Sr. ANGULO

La obra

La obra supuso un gran éxito e incluso se ha escrito que Chueca la consideraba como la más acabada y trabajada de sus partituras. No ha dejado de gustar y sigue representándose.

¿Cómo destacar algo de entre tanta maravilla que compone esta obra? Para mi se trata de un piropo a Murcia de un madrileño que empieza con la canción gitana del churumbel, sigue con las airosas seguidillas del tenor en su dúo “Corre mulilla torda” y con el vistosísimo pasodoble, pasando por el coro de beatas y terminando con la apasionante jota. Todo un paseo por Murcia.

El compositor

Federico Chueca Robles nació en Madrid (Casa de los Lujanes en la Plaza de la Villa, donde se cuenta que estuvo preso Francisco I de Francia tras su apresamiento en 1520 en la batalla de Pavía) el 5 de mayo de 1846 y murió en la misma capital el 20 de junio de 1908. Desde su niñez en el Conservatorio Chueca, con sus dotes naturales extraordinarias, no comprendía que hubiera que estudiar para ser músico, le molestaba escribir música y admiraba a quien escribía con soltura en el papel pautado como Barbieri o Bretón. Lo primero de Chueca que se llevó al pentagrama fueron unos valses titulados “El lamento de un preso” que compuso cuando lo estuvo por mor de los incidentes de “La noche de San Daniel” (La noche del 10 de abril de1865 la policía cargó contra las manifestaciones de estudiantes dejando nueve muertos y muchos heridos. Los estudiantes se manifestaban a favor de Castelar que había sido separado de su cátedra por un artículo titulado “El Rasgo” sobre la decisión de Isabel II de vender la mayor parte de su patrimonio regalando el 75% al Tesoro y reservándose el 25%, interpretando que tras su aparente generosidad se escondía un despojo a la Nación propietaria legítima de todo el Patrimonio.), liberado corrió a ver a Barbieri quien le hizo repetir la música y los pasó al pentagrama. Barbieri fue pues su primer colaborador con el que luego estrenó la zarzuela HOY, SALE HOY, el segundo Bretón con el que estrenó BONITO PAIS, siendo el habitual, hasta 1890, Joaquín Valverde, que le escribía la música y aportaba algún elemento técnico de su cosecha. Chueca se servía de “monstruos” (en el argot teatral son unas palabras, más o menos absurdas, pero que siguen una rítmica y que sirven para componer la música) y escribía la letra de muchas partes de sus obras, obviando al libretista. En 1875 estrenó su primera obra EL SOBRINO DEL DIFUNTO, y desde entonces se suceden los éxitos de los que me limito a detallar BONITO PAIS en 1877, LA CANCION DE LA LOLA (en colaboración con Valverde) en 1880, FIESTA NACIONAL en 1882, HOY, SALE HOY y CARAMELO en 1884, LA GRAN VIA y CADIZ (ambas en colaboración con Valverde) en 1886, DE MADRID A BARCELONA en 1888, EL AÑO PASADO POR AGUA y DE MADRID A PARIS en 1889 (ambas también en colaboración con Valverde), LA CAZA DEL OSO O EL TENDERO DE COMESTIBLES en 1891, LOS DESCAMISADOS en 1893, AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE, en 1897, LOS ARRASTRAOS en 1899, LA ALEGRIA DE LA HUERTA en 1900 y EL BATEO en 1901. Cuenta Rafael Mitjana que Camilo Saint-Saëns gustaba de asistir a las zarzuelitas de Chueca y que el le regaló un ejemplar de la partitura de una de ellas, DE MADRID A PARIS (en que se cantaba aquello de “A mi me llaman la Pelos, a mi la de Lavapiés”) no quiso el gran músico el obsequio seguramente para no “contaminarse” con algo hecho sin la disciplina debida, pero cuando echaba a la estufa la partitura, volvió a cantar la picaresca melodía para terminar diciendo “Qué clase de talento tiene este demonio de compositor que, casi sin saber música, la crea de tal fuerza que no se la puede olvidar cuando una vez se la oye”. Se lee en el Espasa que no eran sus composiciones la más depurada expresión del espíritu nacional, en el sentido que en todas partes se da a la música popular: eran más bien la inspiración de una musa callejera, bastante artificial, que venía a ser como los couplets en Francia, con el mismo descoco, la misma alegría y la misma facilidad que aquellos, que pronto se convertían en música para los organillos callejeros, para los cafés y, en general, para el pueblo. Fue más que un músico español comprensivo para toda España, un madrileño que improvisaba sus canciones, sin grandes conocimientos de técnica pero dotado de extraordinaria facilidad y exquisita sencillez. Este madrileñismo tuvo sus excepciones, pues CARAMELO y CADIZ, son de puro estilo andaluz, LA ALEGRIA DE LA HUERTA, murciana y el tercer cuadro de LA CAZA DEL OSO O EL TENDERO DE COMESTIBLES, es asturiano neto. Comenta Arnau que a Chueca no se le puede analizar pues antes de que intentemos analizar la construcción de la frase el pensamiento del autor se ha apoderado de nosotros y le seguimos en volandas por los giros inigualados de sus castizos pasacalles. En su creación las cosas fluían de repente o no salían. Lo mismo da en la música que en la letra, si le faltaba una palabra española para llenar su frase musical la inventaba si era necesario en francés macarrónico y se quedaba tan pancho, porque además, el resultado tenía asegurado el éxito.

Los libretistas

Enrique García Alvarez nació en Madrid el 10 de octubre de 1873 y murió también en Madrid el 23 (22 según el Espasa) de enero de 1931.Compositor, autor cómico y escritor festivo. En su faceta literaria se dedicó al periodismo de humor en muchos medios como en “Militares y Paisanos” suplemento de la revista “La Correspondencia Militar”. En el teatro se le considera iniciador del género conocido como astracán o astracanada, farsa teatral disparatada y chabacana y llegó a escribir más de 100 obras, casi todas en colaboración, sobre todo, con Antonio Paso, Carlos Arniches y Pedro Muñoz Seca, entre las que destacan LA MARCHA DE CADIZ con música de Joaquín Valverde y Ramón Estellés, LA ALEGRIA DE LA HUERTA, de Chueca, EL POBRE VALBUENA, de Torregrosa y Quinito Valverde, ALMA DE DIOS y EL TRUST DE LOS TENORIOS, de Serrano, y EL NIÑO JUDIO de Luna. También fue un inspirado compositor que, aun careciendo del dominio de la técnica, escribió lindísimos números, muchos de ellos sin firmar, por lo que figuran a nombre de los que musicaron sus libretos de zarzuela, así se cuenta que la famosísima “Habanera del Pompón” de EL POBRE VALBUENA, es suya.

Antonio Paso Cano, nació en Granada el 9 de septiembre de 1870 y murió en Madrid el 11 de julio de 1958. Estudió Derecho pero se dedicó al periodismo y al teatro, como autor y como director de escena. Muchas de sus obras fueron en colaboración con otros autores. En el campo de la zarzuela destacan EL BATEO y LA ALEGRIA DE LA HUERTA, de Chueca, EL ASOMBRO DE DAMASCO, EL NIÑO JUDIO y BENAMOR, de Luna y LA LEYENDA DEL BESO, de los maestros Soutullo y Vert.

Sinopsis

Carola y Alegrías, criados juntos desde chiquititos dan por hecho que han nacido el uno para el otro y no están preparados para el noviazgo oficial que se presenta a Carola con Juan, hijo de un hacendado del pueblo. Cuando el compromiso se anuncia, Juan no hace nada y es Carola la que toma la iniciativa rechazando a Juan y provocando el entusiasmado canto de Alegrías en aquello de “Mira si yo te querré que aunque te cases con otro enjamás te olvidaré”. Tan simple argumento queda enriquecido por la utilización del ambiente regional murciano y la presentación de tipos característicos, gitanos, labriegos, vendedores ambulantes etc… hablando en su dialecto y contándonos y cantándonos todo con una gracia natural y un apego a Murcia emocionante, sirvan de muestra los menesteres que esperaban a las beatas después de sus rezos: “Y cuando regreso de la Fuensantica, limpia de pecados, a eso de las tres, tengo los garbanzos tan mantecositos, que hay que machacarlos con el almirez”.

Índice de escenas

La obra, en un solo acto, cuenta con los siguientes números musicales:

1. Preludio, introducción, coro general y baile “Arza gitana, mata las penas”. 1bis Canción de la gitanilla “La gitanilla que viene hacia aquí….érase el churumbel más bonico”. 2. Romanza: dúo de Carola y Alegrías “¿Ay, ay, ah, ah!, su voz oí…..Corre mulilla torda. 3. Pasacalle por la orquesta. 4. Coro de vendedoras y un ciego “Una limosnita para el pobre ciego”. 4bis Coro de beatas “Señora de los cielos…..Somos las devotas de la Fuensantica….con mi librico y este rosario…..Por las mañanitas dejo el pucherico”. 5. Jota “Porque estás triste, paloma mía…Huertanica de mi vida, mira si yo te querré……La Virgen de los Peligros que está encimita del puente”.

Personajes

Detallo los principales:

Carola: Enamorada de Alegrías. Soprano.
Angustias: Gitanilla. Mezzosoprano.
Alegrías: Enamorado de Carola. Tenor.
Juan: Pretendiente de Carola. Barítono.
Un ciego: Adosado a las beatas. Barítono.

 


ALMA DE DIOS

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Comedia Lírica en un acto, dividido en cuatro cuadros
Texto original de CARLOS ARNICHES y ENRIQUE GARCÍA ÁLVAREZ
Música de JOSÉ SERRANO
Estrenada el 17 de diciembre de 1907 en el Teatro Cómico de Madrid


Elenco del estreno

Ezequiela: LORETO PRADO, Matías: ENRIQUE CHICOTE, Húngaro: Sr. ORTIZ, Mary Carmen: DOLORES SAAVEDRA, Tío Zuro: Sr. SOLER, Carrascosita y Pepe el Liso: Sr. MORALES, Don Ramón: Sr. GONZÁLEZ, Sacramento: Srta. D. GIRÓN

La obra

La zarzuela ALMA DE DIOS, titulada comedia lírica de costumbres populares, fue estrenada el 17 de diciembre de 1907 en el Teatro Cómico de Madrid. El éxito fue de época; la obra se mantuvo en el Cómico tres temporadas seguidas y la compañía de Loreto Prado y Enrique Chicote, entre Madrid y provincias la representaron más de dos mil veces. La prensa se hizo eco unánimemente del colosal triunfo. Parafraseando a Salvador Valverde sabemos que "un auténtico gran suceso de Serrano fue ALMA DE DIOS que se mantuvo tres temporadas….Esa Ezequiela, de belicoso genio, que semeja una furia peleando contra la injusticia, y en el fondo es un "alma de Dios" nos revela la cantidad de espíritu quijotesco que atesora el Madrid popular….Asistir entonces a la "parada" en Palacio (relevo de la guardia), conocer a la nueva soberana y al príncipe de Asturias, y ver a Loreto Prado en ALMA DE DIOS eran atractivos principales de los forasteros por aquellos tiempos. Pasados los tiempos sigue siendo obra sin desperdicio, y la famosa canción húngara ha sido interpretada hasta por Tito Schipa.

El compositor

El compositor José Serrano Simeón nació en Sueca (Valencia) el 14 de octubre de 1873 y murió en Madrid el 8 de marzo de 1941. Tras despuntar precozmente en su ciudad natal como instrumentista y compositor bajo la tutela artística de su propio padre, estudió en el Conservatorio de Valencia en los cursos 1891/3 y recibió lecciones de Salvador Giner con quien ya se destapó su rara facilidad para la melodía, aprovechando composiciones de aquella época para obras posteriores como EL MOTETE. Auspiciado por Don Simón Vila y becado pasó a Madrid en 1895 dedicado de lleno a la composición pero con enormes dificultades para darse a conocer. Perdida la beca cuenta Arnau que escribía romanzas que vendía a cualquier precio y que ofreció a un editor una de ellas, por cinco duros, siendo rechazada por el mismo: esa romanza la incluyó luego en EL CARRO DEL SOL, como la serenata veneciana que daría la vuelta al mundo como la mejor canción veneciana, a juicio de Mascagni. Por aquel entonces, le presentaron a Fernández Caballero quien, por su ceguera, le propuso colaborase en pasar de las musas al papel pautado los frutos tardíos de su inspiración, como así hizo con GIGANTES Y CABEZUDOS; decisiva también fue la amistad trabada en 1900 con los Alvarez Quintero que le surtieron de muchos libretos empezando ese mismo año con EL MOTETE que alcanzó extraordinario éxito y fue la base de su posterior carrera, apoyada sobre todo en el género chico. Fuera de la zarzuela adquirieron popularidad su ópera LA VENTA DE LOS GATOS obra póstuma aunque empezada en los años 20, LA CANCIÓN DEL SOLDADO (1917), el HIMNO A VALENCIA (1909)) escrito para la Exposición levantina de 1909 y entronizado como Himno Regional en 1925 y el himno VALENCIA CANTA compuesto para la Coronación de la Virgen de los Desamparados; pero donde más han proliferado sus éxitos ha sido en el campo de la zarzuela, sobresaliendo LA REINA MORA (1903), EL MAL DE AMORES y MOROS Y CRISTIANOS (1905), LA MALA SOMBRA (1906), ALMA DE DIOS (1907), LA ALEGRÍA DEL BATALLÓN (1909), EL TRUST DE LOS TENORIOS (1910), EL CARRO DEL SOL (1911), EL AMIGO MELQUÍADES (1914), LA CANCIÓN DEL OLVIDO (1916), LOS DE ARAGÓN y LAS HILANDERAS (1927), LOS CLAVELES (1929), LA DOLOROSA (1930) y su obra póstuma GOLONDRINAS DE MADRID (1944), por señalar sólo las que me consta que han tenido trascendencia fonográfica.

Los libretistas

Carlos Arniches y Barrera nació en Alicante el 12 de octubre de 1866 y murió en Madrid el 16 de abril de 1943. Autor dramático español, el más fecundo de los del género chico. El Espasa se hace eco de la opinión de varios críticos sobre Arniches, limitándome a extractar dos de ellas, en primer lugar la de Ramón Pérez de Ayala que, comparándolo con los hermanos Joaquín y Serafín Alvarez Quintero dice "En cuanto a la realidad, me parece que son más densas de realidad las obras del señor Arniches que las de los señores Quintero. En cuanto a la gracia, me parece que la de los señores Quintero es de más noble alcurnia que la del señor Arniches"; la otra procede de Julio Cejador y habla de que "es más autor que escritor o poeta dramático, entendiendo por lo primero al que, como Arniches, posee un hondo conocimiento de los gustos del público poco letrado y de los recursos y triquiñuelas teatrales…….Cábele a Arniches la gloria de haber continuado en su puesto cultivando el género chico, mientras los demás autores dejáronse arrollar por la corriente del género ínfimo". Precisamente a Cejador le escribió Arniches que "mi ideal es sencillo y humilde. Corresponde a la modestia de mi rango literario. Aspiro sólo con mis sainetes y farsas a estimular las condiciones generosas del pueblo y hacerle odioso los malos instintos. Nada más". Casi imposible relacionar sus obras me limito a dejar constancias de algunas dentro de su teatro hablado como LA SEÑORITA DE TREVELEZ, LAS ESTRELLAS o ES MI HOMBRE y de otras de zarzuela como LA ALEGRIA DEL BATALLON, ALMA DE DIOS, EL TRUST DE LOS TENORIOS y EL AMIGO MELQUIADES con música de Serrano, EL CABO PRIMERO de Fernández Caballero, LA FIESTA DE SAN ANTON y EL SANTO DE LA ISIDRA de López Torregrosa, EL POBRE VALBUENA de éste último y Joaquín Valverde (hijo) y EL PUÑAO DE ROSAS, de Chapí, algunas de ellas en colaboración.

Enrique García Alvarez nació en Madrid el 10 de octubre de 1873 y murió también en Madrid el 23 (22 según el Espasa) de enero de 1931.Compositor, autor cómico y escritor festivo. En su faceta literaria se dedicó al periodismo de humor en muchos medios como en "Militares y Paisanos" suplemento de la revista "La Correspondencia Militar". En el teatro se le considera iniciador del género conocido como astracán o astracanada, farsa teatral disparatada y chabacana y llegó a escribir más de 100 obras, casi todas en colaboración, sobre todo, con Antonio Paso, Carlos Arniches y Pedro Muñoz Seca, entre las que destacan LA MARCHA DE CADIZ con música de Joaquín Valverde y Ramón Estellés, LA ALEGRIA DE LA HUERTA, de Chueca, EL POBRE VALBUENA, de Torregrosa y Quinito Valverde, ALMA DE DIOS y EL TRUST DE LOS TENORIOS, de Serrano, y EL NIÑO JUDIO, de Luna. También fue un inspirado compositor que, aun careciendo del dominio de la técnica, escribió lindísimos números, muchos de ellos sin firmar, por lo que figuran a nombre de los que musicaron sus libretos de zarzuela, así se cuenta que la famosísima "Habanera del Pompón" de EL POBRE VALBUENA, es suya.

Sinopsis

El primer cuadro transcurre sin música. El decorado reproduce dos habitaciones de una casa pobre en los barrios bajos de Madrid. Una de las habitaciones es una cocina, y la otra una sala-comedor mal empapelada. Conocemos al señor Matías, en mangas de camisa, con alpargatas y una gorra vieja. Sostiene en el brazo izquierdo a un niño de pecho, y en la mano derecha tiene un soplillo, con el que hace aire en la hornilla. El señor Matías es un calzonazos, al que tiene dominado la señora Ezequiela, su malhumorada mujer, que en el fondo es una malva. Antes de la presentación de Ezequiela, sale a escena Saturiano "un tío destrozón, como de cincuenta y cinco años, con bufanda, gorra de felpa muy estropeada y una garrota al brazo". Saturiano se quiere unir a la comida y se empeña en hacer una salsa para el cocido. Los dos compadres se ponen a gastar bromas con una vecina y en esto le sorprende Ezequiela, que la arma. En la escena cuarta conocemos a Eloísa, prometida de Agustín, y a la que le han colgado un hijo natural su tía "la señá Marcelina" y su prima Irene que es la verdadera madre. Como Irene está casada con el señor Adrián, la situación tiene que aclararse.

El cuadro segundo transcurre en una sala junto a la sacristía de una iglesia. Se oye un intermedio orquestal y el "Kirie eleison" cantado por el coro. Prosigue con un ensayo de los cantores que van a una celebración "Gracias agimus tibi". Llegan todos los personajes, con escenas cómicas por la oscuridad del lugar. El diálogo entre todos y el sacristán Sr. Orencio, esté lleno de frases graciosas. Por fin, resulta que el niño está inscrito en el libro parroquial como hijo natural de Eloísa Martínez. Eloísa jura su inocencia, y las otras se van triunfantes, mientras, Agustín, siente el amargo desengaño.

El cuadro tercero nos presenta una calle de los barrios bajos de Madrid, con un solar y una casa modesta. En un puesto de castañas, con su garita de tablas, su hornillo y su capazo, está el señor Matías pregonando la mercancía. El señor Matías, siempre pirandón, coquetea con las clientes y canta su canción, acompañándose con el ruido de su fuelle: "Hoy me han dicho dos niñas demimondentes". Ezequiela descubre donde tienen escondido al niño, origen del drama, está en las Cambroneras, en una chabola de gitanos. También descubre los juegos de su marido con una parroquiana y vuelve a organizar la acostumbrada bronca, terminando con un: "¡Cerrao por defunción!"

El cuadro cuarto, en el patio de una casa de gitanos en el barrio de las Cambroneras, los humildes habitantes de aquellas casas viven su vida pobre y alegre: Mary Carmen, está echándose las cartas y luego canta "Envuerto en papel de plata" El tío Zuro es un gitano viejo que compone calderos y que interviene en el canto "Cuando será el día, pon, pon, pon, será er día pajolero", Pepe el Liso le echa pienso a un borriquillo en la cuadra y se queja de que al pobre animal le molestan los golpes del calderero "Oiga, tío Zurito no dé usté más gorpes que tiembla la casa". Sacramento y Rafaeliyo aprenden los secretos del baile gitano "Sortura en los brazos… ¡En los pinrrelitos flesibiliá!.....Ay farruca no me llores". Al pobre señor Matías, que llega para arreglarlo todo, le encaja Pepe el Liso su burro por seis pesetas, sin que el castañero se entere de cómo se lo han vendido. Pero antes está la escena de los húngaros vagabundos, con su oso y sus monos. Uno de los húngaros canta el número que se hizo rápidamente famoso "Canta, mendigo errante". Otra vez el húngaro canta el estribillo "Canta, vagabundo, tus miserias por el mundo" y el coro le responde. Esta es la última música de la obra. Ya solo falta que se aclare todo y, efectivamente, Ezequiela y Eloísa descubren el secreto del niño al que se ha registrado indebidamente. Eloísa y Agustín van a vivir tranquilos, pero la buenísima Ezequiela, también se ocupa de Irene, a la que ha convencido su madre, y que de verdad quiere a aquel hijo abandonado. El señor Adrián, aunque está indignado del engaño, volverá a Irene, por los buenos oficios de Ezequiela.

Índice de escenas

Comedia lírica de costumbre en un acto y cuatro cuadros, con los siguientes números musicales:

Acto único: 1. Preludio. 2. Intermedio. "Kirie eleison". 3 El ensayo de la misa "Gracias agimus tibi". 4. Seguidillas del fuelle "Hoy me han dichos dos niñas demimondentes". 5. Escena "Envuerto en papel de plata……Mi nena cuando se lava en la fuente…..Cuando será er día, pon, pon, pon, será er día pajolero" y baile de la farruca "Ay farruca no me llores". 6. Canción húngara "Canta mendigo errante, cantos de tu niñez".

Personajes

Los principales, de los que intervienen cantando, son:

Ezequiela: Mujer "fuerte y brava" pero buena, casada con Matías. Actriz
Matías: Calzonazos y marido de Ezequiela. Tenor cómico.
Mary Carmen. Gitana. Soprano
Húngaro: Mendigo. Barítono (o tenor)
Tío Zuro: Gitano viejo componedor de calderos. Cantaor o Tenor cómico
Pepe el liso: Gitano. Actor cantante.
Carrascosita: Cantor de iglesia. Tenor cómico.
Don Ramón: Músico de la parroquia. Actor cantante.

 


LA ALEGRIA DEL BATALLON

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Cuento militar en un acto, dividido en cuatro cuadros en prosa
Texto original de CARLOS ARNICHES y FÉLIX QUINTANA
Música de JOSÉ SERRANO
Estrenada el 11 de marzo de 1909 en el Teatro de Apolo de Madrid


Elenco del estreno

Dolores: JOAQUINA PINO, Rafael: CARLOS RUFART, Tajuña: ANTONIO MORENO, Cascale: JOSÉ MONCAYO

La obra

Obtuvo un buen éxito a tenor de las crónicas, algo frías, que nos sirve el Diccionario de la Zarzuela, destacando la canción guajira, la jota del gato (lo que a mi particularmente me sorprende) y el dúo de Dolores y Rafael. Curiosamente no se citan ni la romanza de Dolores que contiene la frase musical “La que quiera sabé” más determinante de la obra que además salpica constantemente la partitura, ni la canción de la gitana, a mi parecer aunque no de lo más hondo sí de lo más brillante de toda la obra.

Por cierto que Arnau cuenta la anécdota de que para la famosa guajira, Serrano rechazó a varios tenores y la hizo cantar a un corista que la bordó en los ensayos pero que al atacarla en el estreno no le salió de la boca ni un sonido. El maestro paró la orquesta y recomendó serenidad al cantante, siendo luego el éxito grandioso y repitiéndola cuatro veces. En donde no se ponen de acuerdo las fuentes consultadas es en el nombre del corista, pues si Arnau le llama José Monteagudo, Salvador Valverde dice que era Emilio Moreno y el Diccionario de la Zarzuela Antonio Moreno.

El compositor

El compositor José Serrano Simeón nació en Sueca (Valencia) el 14 de octubre de 1873 y murió en Madrid el 8 de marzo de 1941. Tras despuntar precozmente en su ciudad natal como instrumentista y compositor bajo la tutela artística de su propio padre, estudió en el Conservatorio de Valencia en los cursos 1891/3 y recibió lecciones de Salvador Giner con quien ya se destapó su rara facilidad para la melodía, aprovechando composiciones de aquella época para obras posteriores como EL MOTETE. Auspiciado por Don Simón Vila y becado pasó a Madrid en 1895 dedicado de lleno a la composición pero con enormes dificultades para darse a conocer. Perdida la beca cuenta Arnau que escribía romanzas que vendía a cualquier precio y que ofreció a un editor una de ellas, por cinco duros, siendo rechazada por el mismo: esa romanza la incluyó luego en EL CARRO DEL SOL, como la serenata veneciana que daría la vuelta al mundo como la mejor canción veneciana, a juicio de Mascagni. Por aquel entonces, le presentaron a Fernández Caballero quien, por su ceguera, le propuso colaborase en pasar de las musas al papel pautado los frutos tardíos de su inspiración, como así hizo con GIGANTES Y CABEZUDOS; decisiva también fue la amistad trabada en 1900 con los Alvarez Quintero que le surtieron de muchos libretos empezando ese mismo año con EL MOTETE que alcanzó extraordinario éxito y fue la base de su posterior carrera, apoyada sobre todo en el género chico. Fuera de la zarzuela adquirieron popularidad su ópera LA VENTA DE LOS GATOS obra póstuma aunque empezada en los años 20, LA CANCIÓN DEL SOLDADO (1917), el HIMNO A VALENCIA (1909)) escrito para la Exposición levantina de 1909 y entronizado como Himno Regional en 1925 y el himno VALENCIA CANTA compuesto para la Coronación de la Virgen de los Desamparados; pero donde más han proliferado sus éxitos ha sido en el campo de la zarzuela, sobresaliendo LA REINA MORA (1903), EL MAL DE AMORES y MOROS Y CRISTIANOS (1905), LA MALA SOMBRA (1906), ALMA DE DIOS (1907), LA ALEGRÍA DEL BATALLÓN (1909), EL TRUST DE LOS TENORIOS (1910), EL CARRO DEL SOL (1911), LAS ESTRELLAS, EL PRINCIPE CARNAVAL y EL AMIGO MELQUÍADES, con Quinito Valverde (1914), LA CANCIÓN DEL OLVIDO (1916), LOS DE ARAGÓN y LAS HILANDERAS (1927), LOS CLAVELES (1929), LA DOLOROSA (1930) y su obra póstuma GOLONDRINAS DE MADRID (1944).

Los libretistas

Carlos Arniches y Barrera nació en Alicante el 12 de octubre de 1866 y murió en Madrid el 16 de abril de 1943. Autor dramático español, el más fecundo de los del género chico. El Espasa se hace eco de la opinión de varios críticos sobre Arniches, limitándome a extractar dos de ellas, en primer lugar la de Ramón Pérez de Ayala que, comparándolo con los hermanos Joaquín y Serafín Alvarez Quintero dice “En cuanto a la realidad, me parece que son más densas de realidad las obras del señor Arniches que las de los señores Quintero. En cuanto a la gracia, me parece que la de los señores Quintero es de más noble alcurnia que la del señor Arniches”; la otra procede de Julio Cejador y habla de que “es más autor que escritor o poeta dramático, entendiendo por lo primero al que, como Arniches, posee un hondo conocimiento de los gustos del público poco letrado y de los recursos y triquiñuelas teatrales…….Cábele a Arniches la gloria de haber continuado en su puesto cultivando el género chico, mientras los demás autores dejáronse arrollar por la corriente del género ínfimo”. Precisamente a Cejador le escribió Arniches que “mi ideal es sencillo y humilde. Corresponde a la modestia de mi rango literario. Aspiro sólo con mis sainetes y farsas a estimular las condiciones generosas del pueblo y hacerle odioso los malos instintos. Nada más”. Casi imposible relacionar sus obras me limito a dejar constancias de algunas dentro de su teatro hablado como LA SEÑORITA DE TREVELEZ, LAS ESTRELLAS o ES MI HOMBRE y de otras de zarzuela como LA ALEGRIA DEL BATALLON, ALMA DE DIOS, EL TRUST DE LOS TENORIOS y EL AMIGO MELQUIADES con música de Serrano, EL CABO PRIMERO de Fernández Caballero, LA FIESTA DE SAN ANTON y EL SANTO DE LA ISIDRA de López Torregrosa, EL POBRE VALBUENA de éste último y Joaquín Valverde (hijo) y EL PUÑAO DE ROSAS, de Chapí, algunas de ellas en colaboración.

Félix Quintana. El único dato que he conseguido, en una página de Internet, es que falleció en 1973.

Sinopsis

La acción se desarrolla durante la primera guerra carlista en el Maestrazgo (el Diccionario de la Zarzuela indica la segunda que se desarrolló entre 1846/9 aunque debe tratarse de un lapsus pues la denomina correctamente como la de los siete años: 1833/40). La obra escenifica un cuento militar según el cual un soldado roba unas joyas de la Virgen del Monasterio de Lucena del Cid para dárselas a su novia y cuando es identificado es condenado a muerte. En la zarzuela se cambia el final, ya que Cascales “la alegría del batallón” agradecido a Rafael Montoya, el ladrón que le había salvado la vida en un combate, interviene en la causa alegando que fue la Virgen de las Angustias -la de su Granada- la que le dio las joyas para Dolores, introduciendo la idea de un milagro que la Iglesia y el Ejército no se atreven a desmentir, aunque en lo venidero todo soldado que reciba regalos milagrosos será fusilado.

Índice de escenas

Cuento militar en un acto, con los siguientes números musicales:

Acto único: 1: Preludio y canción-guajira “Aquí está quien lo tiene to…Al mismito rey del moro”. 2. Jota del gato “A ver si te han guipao”. 2.bis Intermedio y romanza de Dolores “La que quiera sabé”. 3. Dúo de Dolores y Rafael “Ay Rafaé de mi arma”. 4. Intermedio. 5. Canción gitana “¿Cuál será la suerte del pobre soldao?....A una gitana presiosa”.

Personajes

Los principales, son:

Dolores: Gitana enamorada de Rafael. Mezzosoprano.
Rafael: Soldado gitano. Barítono.
Tajuña: Soldado. Tenor.
Cascales: Soldado apodado “la alegría del batallón”. Actor.

 


 

LA ALSACIANA

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Zarzuela en un acto, y dos cuadros
Texto original de JOSÉ RAMOS MARTÍN
Música de JACINTO GUERRERO
Estrenada el 12 de Noviembre de 1921 en el teatro Tívoli de Barcelona


Elenco del estreno

Margot: LUISA VELA, Flora: MARÍA FERRER, Capitán: EMILIO SAGI-BARBA, Frandinet: JOSÉ ACUAVIVA, Fritz: JOSÉ LLIMONA

La obra

La zarzuela LA ALSACIANA se estrenó en el Teatro Tívoli de Barcelona el 12 de noviembre de 1921, tras un largo calvario por parte de los autores en busca de empresa, que al fin solventó Emilio Sagi Barba que supo ver las posibilidades de la obra. El estreno obtuvo un triunfo apoteósico, cantándose hasta cuatro veces los fragmentos más festejados, singularmente la canción de Margot “Viva mi Alsacia”, incrustada en su dúo cómico con Frandinet, la presentación del capitán “Ese soy yo, un capitán”, la marcha-dúo del capitán y Margot “Eres alsaciana tu, la bella flor”, la cómica serenata de Frandinet “A ver como redobláis” y el dúo final “Acude al reclamo de tu capitán…Rendido ya quedé”.

El compositor

El compositor Jacinto Guerrero Torres, nació en Ajofrín (Toledo) el 16 de agosto de 1895 y murió en Madrid el 15 de septiembre de 1951. Se inició en la música en su pueblo y desde 1904 en Toledo donde fue seise en la catedral y un “todoterreno” como intérprete, pues tocó instrumentos de viento, piano, órgano y violín, hasta que la composición de un HIMNO A TOLEDO propició la concesión de una beca y su traslado a Madrid en 1914. Fue violinista de la orquesta de Teatro Apolo y esto le sirvió para adquirir experiencia teatral y relaciones. Ha sido, junto con Alonso, un músico dotado para logros más importantes pero tentado por el triunfo fácil que le hizo compartir producción de obras muy dignas con otras arrevistadas o directamente revistas, causando con ello daño a la zarzuela. Su catálogo es impresionante, solo detallaré, las zarzuelas de las que conozco que han tenido trascendencia fonográfica, así LA ALSACIANA (1921), LA MONTERÍA (1922), LOS GAVILANES (1923), EL COLLAR DE AFRODITA (de esta obra aun conservo un disco de La Voz de su Amo grabado en 1927, de 78 rpm en que Amparo Saus canta “Java faraónica” y Federico Caballé “Curva de mujer”, ambos dirigido por Guerrero) y MARÍA SOL (1925), EL HUÉSPED DEL SEVILLANO (1926), MARTIERRA (1928), LA ROSA DEL AZAFRÁN (1930), LA FAMA DEL TARTANERO (1931), EL AMA (1933) y EL CANASTILLO DE FRESAS (zarzuela póstuma terminada por amigos del compositor y estrenada en 1951). Con este simple detalle, se ve como, salvo “El Canastillo” la producción importante de Guerrero terminó en 1933, por eso digo que desaprovechó su inspiración en cosas menores que privó a la Zarzuela de otras composiciones de más calado.

El libretista

El libretista fue José Ramos Martín (hijo del famoso Miguel Ramos Carrión) nació en Madrid el 10 de marzo de 1892 y murió en la misma ciudad el 16 de octubre de 1974. Escribió en prensa y para el teatro, destacando sus zarzuelas LA ALSACIANA, LA MONTERÍA y LOS GAVILANES de Guerrero y XUANÓN de Moreno Torroba.

Sinopsis

Historia rocambolesca que cuenta como llega a un pueblo de Alsacia un escuadrón napoleónico. Allí vive Fritz con su mujer Flora y su nieta Margot que es cortejada por un tal Frandinet que se hace pasar por un Barón realista desterrado pero que es un vividor. Al mando de la tropa va un capitán, que se enamora de Margot, y un mariscal que al final resulta ser el padre de Margot, cuando años antes, siendo teniente, sedujo a Adriana, madre de la muchacha. El final de la obra es feliz al terminar prometidos los enamorados y Margot reconocida por su padre.

Índice de escenas

Zarzuela en un acto con los siguientes números musicales:

1. Coro de labradores “¡Marchad labriegos a la campiña! y romanza de Margot “Duerme, duerme corderito”. 2. Dúo de Frandinet y Margot “La mujer que se case conmigo” y canción de la alsaciana “¡Viva mi Alsacia!”. 3. Coro de tenientes y aldeanas “Ahí tenéis al soldado más valeroso” y salida del capitán “Ese soy yo, un capitán…Miradme alsacianas cubierto de polvo”. 4. Dúo de Margot y el capitán con coro de tenientes “Eres alsaciana tu, la bella flor”. 5. Margot y coro “Jóvenes y viejos”. 6. Serenata de Frandinet y los tambores “A ver como redobláis….Si no me quieres oír lo que aquí vengo a cantarte”. 7. Dúo-Serenata del capitán y Margot “Acude al reclamo de tu capitán”.

Personajes

Los principales son:

Margot: Bella aldeana. Soprano.
Flora: Abuela de Margot. Soprano.
Capitán: Enamorado de Margot. Barítono.
Frandinet: Barón ficticio. Tenor cómico.
Fritz: Abuelo de Margot. Barítono.
Mariscal: Que resulta ser padre de Margot. Actor.

 


 EL AMIGO MELQUIADES

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Zarzuela en un acto, dividido en tres cuadros
Texto original de CARLOS ARNICHES
Música de JOSÉ SERRANO y QUINITO VALVERDE
Estrenada el 14 de mayo de 1914 en el Teatro Apolo de Madrid


Elenco del estreno

Benita: CONSUELO MAYENDÍA, Nieves: ROSARIO LEONÍS, Señá Celes: ELISA MOREU, Melquíades: JOSÉ MONCAYO, Serafín el Pinturero: CARLOS RUFART

La obra

El sainete EL AMIGO MELQUIADES (o POR LA BOCA MUERE EL PEZ) se estrenó el 14 de mayo de 1914 en el Teatro Apolo de Madrid. El éxito de la obra fue inmenso tanto en su parte literaria como en la musical, advirtiéndose la sincronía entre libro y partitura, bastante más amplio aquél que ésta, y también el adecuado “reparto” de la música entre sus dos compositores, aprovechando la diferencia, podríamos decir complementaria, entre ambos: más elevada inspiración en Serrano y mayor vivacidad y ritmo “tipo Chueca” en Quinito Valverde a quien, según el Diccionario de la Zarzuela se deben los números 1 y 2 de la obra, respectivamente un chotis y una mazurca, correspondiendo a Serrano el famoso pasacalle y la escena y dúo final en el que el músico vierte gotas de su tarro de esas esencias maravillosas tan profusas en otras obras suyas como LA REINA MORA, EL MAL DE AMORES, ALMA DE DIOS, etc.

Los compositores

El compositor José Serrano Simeón nació en Sueca (Valencia) el 14 de octubre de 1873 y murió en Madrid el 8 de marzo de 1941. Tras despuntar precozmente en su ciudad natal como instrumentista y compositor bajo la tutela artística de su propio padre, estudió en el Conservatorio de Valencia en los cursos 1891/3 y recibió lecciones de Salvador Giner con quien ya se destapó su rara facilidad para la melodía, aprovechando composiciones de aquella época para obras posteriores como EL MOTETE. Auspiciado por Don Simón Vila y becado pasó a Madrid en 1895 dedicado de lleno a la composición pero con enormes dificultades para darse a conocer. Perdida la beca cuenta Arnau que escribía romanzas que vendía a cualquier precio y que ofreció a un editor una de ellas, por cinco duros, siendo rechazada por el mismo: esa romanza la incluyó luego en EL CARRO DEL SOL, como la serenata veneciana que daría la vuelta al mundo como la mejor canción veneciana, a juicio de Mascagni. Por aquel entonces, le presentaron a Fernández Caballero quien, por su ceguera, le propuso colaborase en pasar de las musas al papel pautado los frutos tardíos de su inspiración, como así hizo con GIGANTES Y CABEZUDOS; decisiva también fue la amistad trabada en 1900 con los Alvarez Quintero que le surtieron de muchos libretos empezando ese mismo año con EL MOTETE que alcanzó extraordinario éxito y fue la base de su posterior carrera, apoyada sobre todo en el género chico. Fuera de la zarzuela adquirieron popularidad su ópera LA VENTA DE LOS GATOS obra póstuma aunque empezada en los años 20, LA CANCIÓN DEL SOLDADO (1917), el HIMNO A VALENCIA (1909)) escrito para la Exposición levantina de 1909 y entronizado como Himno Regional en 1925 y el himno VALENCIA CANTA compuesto para la Coronación de la Virgen de los Desamparados; pero donde más han proliferado sus éxitos ha sido en el campo de la zarzuela, sobresaliendo LA REINA MORA (1903), EL MAL DE AMORES y MOROS Y CRISTIANOS (1905), LA MALA SOMBRA (1906), ALMA DE DIOS (1907), LA ALEGRÍA DEL BATALLÓN (1909), EL TRUST DE LOS TENORIOS (1910), EL CARRO DEL SOL (1911), LAS ESTRELLAS, EL PRINCIPE CARNAVAL y EL AMIGO MELQUÍADES, con Quinito Valverde (1914), LA CANCIÓN DEL OLVIDO (1916), LOS DE ARAGÓN y LAS HILANDERAS (1927), LOS CLAVELES (1929), LA DOLOROSA (1930) y su obra póstuma GOLONDRINAS DE MADRID (1944).

Joaquín Valverde Sanjuán, conocido como Quinito Valverde para diferenciarlo de su padre Joaquín Valverde Durán, nació en Madrid el 2 de enero de 1875 y murió en Méjico el 4 de noviembre de 1918. Orientado hacia el mundo del teatro por su padre, estrenó su primera obra CON LAS DE CAIN con sólo 14 años. Como su padre, acostumbró a escribir en colaboración la mayoría de sus obras, destacando LA MARCHA DE CADIZ (1896) con Estellés, EL POBRE VALBUENA (1904) con López Torregrosa y LAS ESTRELLAS, EL PRINCIPE CARNAVAL y EL AMIGO MELQUIADES (1914) con Serrano. Según cuenta el Diccionario de la Zarzuela los últimos años de su corta vida no fueron halagüeños por motivo extramusicales, incluso habiendo tenido que emigrar varios años a París en donde adquirió celebridad, colaborando con La Fornarina para quien escribió su célebre canción CLAVELITOS, luego muy interpretada, entre otros, por Conchita Supervía y Luis Mariano.

El libretista

Carlos Arniches y Barrera nació en Alicante el 12 de octubre de 1866 y murió en Madrid el 16 de abril de 1943. Autor dramático español, el más fecundo de los del género chico. El Espasa se hace eco de la opinión de varios críticos sobre Arniches, limitándome a extractar dos de ellas, en primer lugar la de Ramón Pérez de Ayala que, comparándolo con los hermanos Joaquín y Serafín Alvarez Quintero dice “En cuanto a la realidad, me parece que son más densas de realidad las obras del señor Arniches que las de los señores Quintero. En cuanto a la gracia, me parece que la de los señores Quintero es de más noble alcurnia que la del señor Arniches”; la otra procede de Julio Cejador y habla de que “es más autor que escritor o poeta dramático, entendiendo por lo primero al que, como Arniches, posee un hondo conocimiento de los gustos del público poco letrado y de los recursos y triquiñuelas teatrales…….Cábele a Arniches la gloria de haber continuado en su puesto cultivando el género chico, mientras los demás autores dejáronse arrollar por la corriente del género ínfimo”. Precisamente a Cejador le escribió Arniches que “mi ideal es sencillo y humilde. Corresponde a la modestia de mi rango literario. Aspiro sólo con mis sainetes y farsas a estimular las condiciones generosas del pueblo y hacerle odioso los malos instintos. Nada más”. Casi imposible relacionar sus obras me limito a dejar constancias de algunas dentro de su teatro hablado como LA SEÑORITA DE TREVELEZ, o ES MI HOMBRE y de otras de zarzuela como LA ALEGRIA DEL BATALLON, ALMA DE DIOS y EL TRUST DE LOS TENORIOS con música de Serrano; LAS ESTRELLAS y EL AMIGO MELQUIADES con música de Serrano y Quinito Valverde, EL CABO PRIMERO de Fernández Caballero, LA FIESTA DE SAN ANTON y EL SANTO DE LA ISIDRA de López Torregrosa, EL POBRE VALBUENA de éste último y Quinito Valverde y EL PUÑAO DE ROSAS, de Chapí, algunas de ellas en colaboración.

Sinopsis

Serafín con la ayuda de su amigo Melquíades pretende a Nieves a lo que se oponen su novio Higinio y su hermana Benita que seduce a Melquíades para que éste le cuente la verdad que ella sospecha, o sea que Serafín está liado con Paca la fiera con la que ha tenido 5 hijos. De ahí el otro título de la zarzuela “Por la boca muere el pez”: la boca es la de Melquíades y el muerto Serafín el pinturero.

Índice de escenas

Sainete lírico en un acto, con los siguientes números musicales:

Acto único: Preludio. 1: Presentación de Melquíades y Serafín: Chotis “¡Quieto todo el mundo! 2. Mazurca “Picadito y afinao….La redowa se baila con coba”. 3. Pasacalle “Empezó el día con sol….Que llueva que llueva la Virgen de la cueva”. 4. Escena de las cartas y dúo de Nieves y Serafín “Eche usted cuatro botellas…..Ramón del alma mía…..Que mi vida ya no es vida”. 4 bis. Intermedio y final.

Personajes

Los principales, son:

Nieves: Novia de Higinio que se encapricha de Serafín. Mezzosoprano.
Benita: Hermana de Nieves que ayuda a Higinio para desenmascarar a Serafín. Soprano.
Señá Celes: Echadora de cartas. Mezzosoprano.
Serafín: Pretendiente de Nieves pese a tener 5 hijos con Paca la fiera. Tenor.
Melquíades: Amigo de Serafín que ayuda a descubrirle. Tenor.

 


 EL ANILLO DSE HIERRO

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Drama lírico en tres actos, y en verso
Texto original de MARCOS ZAPATA
Música de PEDRO MIGUEL MARQUÉS
Estrenada el 7 de Noviembre de 1878, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid


Elenco del estreno

Margarita: DOLORES FRANCO DE SALAS, Rodolfo: ROSENDO DALMAU, William Belfort: BANQUELLS, Ermitaño: FERRER, Rutilio Walter: SALA, Tiburón: TORMO, Ledia: CONCEPCIÓN BAEZA

La obra

El ANILLO DE HIERRO es una zarzuela (denominada como “signo de distinción” drama lírico) en tres actos. Tuvo un éxito colosal en su época, pero luego, como el resto de sus obras, cayó en un gran olvido del que la salvó la versión discográfica de Columbia. Si Arnau se pregunta si valdría la pena repasar las sinfonías de Marqués por ver si merecen al absoluto olvido o alguna de ellas pudiera servir para enriquecer el repertorio sinfónico español, en cuanto a su obra teatral atribuye su pérdida de interés a haber querido hacer teatro musical universal huyendo del folklore que, a su modo de ver, empequeñecía las intenciones artísticas de algunos de sus compañeros, como Barbieri. A la vista está que se equivocó y que al analizar hoy esta obra, apreciamos su música pero no su carácter “zarzuelero”, paralelamente a como los versos sonoros y rimbombantes del libretista pasaron pronto de moda.

El compositor

Pedro Miguel Marqués y García nació en Palma de Mallorca el 20 de mayo de 1843 y murió en la misma ciudad el 25 (26 según el Espasa) de febrero de 1918. Mostró desde niño afición y aptitud para la música, siendo sus primeros profesores Noguera, Mntís y Foce. Destacó sobremanera en el violín y a los 11 años era primer violín en Palma siendo enviado en 1859 a París en donde obtiene una de las 2 plazas convocadas para 62 opositores. Allí estudió armonía con Bazín e instrumentación con Berlioz. En 1869 ingresa en el Conservatorio de Madrid logrando los primeros premios de armonía y violín en 1869 y 1869, bajo los auspicios, respectivamente de Monesterio y Galiana. Obtuvo su primer triunfo como compositor con su Primera Sinfonía en si bemol estrenada por la Sociedad de Conciertos de Madrid, dirigida por Monasterio y de la que nuestro biografiado era ejecutante; esta obra fue ensayada “a regañadientes” y sin mencionar a su autor, cosa que se hizo pública ante el entusiasmo de los profesores, se estrenó el 2 de mayo de 1869 con un gran éxito. Prosiguió su camino como sinfonista conociéndosele hasta 5 sinfonías, 5 polonesas y otras muchas obras clásicas de envergadura hasta el punto de ser llamado el Beethoven español. Pero nuestras “circunstancias” hicieron que, como muchas otras veces, no se pusiera en valor la tremenda aportación de este músico, que desde entonces se dedicó preponderantemente a la música teatral, siendo su primera zarzuela LOS HIJOS DE LAS COSTA (1871) siendo generalmente bien acogido pero no faltando las habituales excepciones como Arrieta y sus discípulos que le llamaban “la urraca ladrona”y luego otras muchas como LA MONJA ALFEREZ (1875), EL ANILLO DE HIERRO (1878), CAMOENS (1879), EL RELOJ DE LUCERNA (1884), todas ellas zarzuelas grandes, deslizándose hacia el género chico a partir de 1889 destacando en esta parcela de su actividad compositora EL MONAGUILLO (1891).

El libretista

Marcos Zapata y Mañes, nació el 25 de abril de 1842 en Ainzón, cerca de Borja (Zaragoza) y murió en Madrid en 1914. Poeta y autor dramático que desde su mocedad mostró su vocación literaria que se deslizó, gracias a sus admirados modelos: Zorrilla, García Gutiérrez, Hartzenbusch y otros, hacia el teatro histórico, tanto en sus inicios en Zaragoza como en Madrid a partir de 1869. Y así vemos que sus principales obras fueron LA CAPILLA DE LANUZA (basada en los sucesos del “Justicia” de Aragón en que Felipe II actuó contra Antonio Pérez), EL CASTILLO DE SIMANCAS (sobre las Comunidades de Castilla), EL SOLITARIO DE YUSTE (sobre Carlos V) y LA PIEDAD DE UNA REINA (sobre la sublevación de Villacampa en 1886 durante la Regencia de María Cristina), esta última obra provocó un gran revuelo e incluso fue prohibida por Sagasta; el Espasa, cáusticamente, dice que esta prohibición “veló muy sinceramente por el prestigio del buen Marcos porque el tal drama, como hecho a la medida de los acontecimientos, es lo más deleznable que ha salido de la pluma del notable vate aragonés”. En cuanto a la zarzuela fue autor, entre otros, de los siguientes libretos: EL ANILLO DE HIERRO (1878) y EL RELOJ DE LUCERNA (1884) con música de Marqués y COVADONGA (1901) de Tomás Bretón.

Sinopsis

La acción de la obra, se sitúa en las costas de Noruega, hacia finales del siglo XVIII. Un gran amor une a Rodolfo y Margarita, hija del Conde William Belfort, poderoso señor de la comarca. Rodolfo es una persona noble, generosa y apuesto. Pero existe un obstáculo insalvable para que el Conde acceda a aprobar la unión con su hija, es plebeyo y aunque sea el dueño de una pequeña flota pesquera que dirige, no deja de ser un villano que se gana la vida en el mar. El Conde tiene empeñada su palabra, de unir en matrimonio a su hija Margarita, con Rutilio Walter, Barón de San Marcial, hombre de mas edad, pero con apetencias matrimoniales hacia Margarita. El Conde tiene interés en casar a su hija con Rutilio, Barón de San Marcial, al ser este conocedor de un secreto que puede llevar al señor de Belfort a la deshonra y aún al patíbulo. Al margen de todas estas intrigas, está situado el gran amor entre Rodolfo y Margarita. La oposición del Conde, a las relaciones de los dos enamorados es firme y está a fraguando el más severo castigo. Al parecer, el malvado Rutilio, Barón de San Marcial, fue en otro tiempo criado de un noble señor llamado don Ramiro, muerto en su propio barco en misteriosas circunstancias, durante una travesía de vuelta de las Indias. En aquellas circunstancias también desapareció un niño de corta edad, hijo del noble. En la trama aparece un ermitaño, Ramón, quien parece conocer el pasado de Rutilio Walter, y los hechos ocurridos durante la noche en que perdió la vida don Ramiro. Por su parte, la conciencia del Conde William se rebela contra la injusticia que va a cometer contra su propia hija, y se niega a entregársela a Rutilio. Pero el cruel Barón de San Marcial amenaza al Conde con desvelar su secreto si no accede a su pretensión de matrimonio con su hija. Margarita aparece en la escena y al ver el sufrimiento de su padre, se ofrece voluntariamente a los designios del hombre que tiene en sus manos la vida del Conde. Se precipitan los hechos y el pobre Rodolfo se ve impotente para evitar la pérdida de Margarita. Los celos le hacen creer que Margarita le ha traicionado en su juramento de amor, cuando la hizo entrega de su anillo de hierro, pero más tarde puede comprobar que, tanto Margarita como su padre, son víctimas del desalmado Rutilio. Es en el mismo momento en que se va ha llevar a efecto el enlace entre Margarita y Walter, en el propio del Conde William, cuando Rodolfo, irrumpe ciego de furor en la estancia, e interrumpe la boda. Pero no viene solo, es acompañado por Ramón, el ermitaño, que cree llegado el momento de desenmascarar al falso Barón de San Marcial. Ramón desvela que Rutilio, criado entonces de don Ramiro, quien dio muerte a éste y arrojó al mar a su pequeño hijo, que no se ahogo al ser salvado por Ramón, entonces marinero en el barco. Gracias a él, que se lanzó al agua tras el niño, éste pudo salvarse. El niño fue llevado a Noruega, donde creció y se hizo un hombre de provecho. El anillo de hierro que el joven Rodolfo, entregó a su hija Margarita da la certeza al Conde William de Belfort de la verdadera personalidad del pescador. Al verse descubierto, Rutilio Walter intenta huída, pero encuentra la muerte, al saltar por una ventana.

Salvador Valverde, al comentar esta obra ironiza al decir ¿Por qué tantas heroínas de zarzuela y muchas de ópera han de llamarse Margarita, ya sean pasiegas, ya de un fiord noruego? Para concluir que al margen de este enigma justo es reconocer que esta Margarita conquistó al público con la romanza del primer acto, que cantaron al piano todas las niñas cursis de la época. Y es que, ahora en palabras de Juan Arnau, la música de EL ANILLO DE HIERRO, es un alarde de labor bien hecha, meticuloso ensamblaje entre voz humana y orquesta que se acerca a los patrones operísticos y que en muy pocas ocasiones nos recuerda al mundo de la zarzuela en el que está enmarcado. El preludio orquestal habitual en este tipo de obras se convierte en una obertura tanto por el tratamiento como por la duración del número, excesivamente larga para lo habitual en el género, y en la que vemos el oficio de Marqués, un consumado sinfonista. Esta gran música prepara el ambiente en el que se sitúa el habitual primer coro “Tranquilo está el cielo, serena la mar”, que es más bien operístico pues la orquesta no ejerce un mero papel de comparsa sino que establece un interesante diálogo con la voz humana. Situación similar tiene la primera romanza de Margarita “Pasión del alma mía” que cuenta con una introducción orquestal y un tratamiento de los violines que van doblando la voz de la soprano en una hermosa combinación entre unos y otra que culmina en un final apoteósico. Luego Rodolfo y Margarita cantan sus desvelos en su dúo “Negra noche es mi pasado” que preludia un momento musical tenso llevado a cabo por la voz grave del tenor y la aguda de la soprano. Termina el Acto I con el quinteto “Tal infamia, tal deshonra” que rebosa lirismo. El drama queda aparcado al comienzo del segundo acto con la intervención de Tiburón (personaje mal tratado por el libretista con los tópicos sobre los andaluces, claro que aun no habían llegado los Falla, Juan Ramón, Machado….. nada chirigoteros) y sus coplas. Retorna la tensión con el dúo de Margarita y su padre “Llorando y por culpa mía” en que el barítono luce su registro bajo, acabando el acto con la barcarola, momento muy rimado y juguetón, seguido de un concertante muy bien desarrollado. El tercer acto, expurgado en la única versión discográfica que tenemos de su preludio, de la tempestad y del final, queda reducido a otra gran romanza de Margarita “Lágrimas mías” que nos sumerge en la tristeza de la protagonista, lejos de todo entusiasmo típico de este tipo de obras.

Índice de escenas

Zarzuela en tres actos (aunque tanto el Libro de la Zarzuela como el vinilo de la única versión discográfica existente, hablan de dos actos) distribuidos, según el Diccionario de la Zarzuela, en los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Preludio. 2. Coro de introducción “Tranquilo está el cielo, serena la mar”, plegaria y stretta “Venid, venid, bogad, bogad”. 3. Romanza de Margarita “Pasión del alma mía”. 4. Dúo de Rodolfo y Margarita “Negra noche es mi pasado”. 5. Quinteto “Tal infamia, tal deshonra”.
Acto II: 6. Introducción, coro “Habla presto, nada temas”, y coplas de Tiburón “El sol se despedía”. 7. Dúo de Ledia y Tiburón “Eres tu Ledia mía”. 8. Dúo de Margarita y William “Llorando y por culpa mía”. 9. Barcarola “Yo no salgo de mi asombro”, concertante “En las flores más hermosas” y escena.
Acto III: 10. Preludio. 11. Romanza de Margarita “Lagrimas mías”, Escena y tempestad “La vista se me nubla, sufrir no puedo más”. 12. Final orquestal.

En la versión discográfica se omiten los números 7, 10 y 12 y la segunda parte del 11, y se hace partir el Acto II del número 5.

Personajes

Los principales son:

Margarita: Hija del conde William, enamorada de Rodolfo. Soprano.
William Belfort: Conde, con un secreto que le atormenta. Barítono.
Rodolfo: Supuesto pescador y enamorado de Margarita. Tenor
Rutilio Walter: Barón que chantajea al conde para conseguir a Margarita. Bajo.
Ermitaño: “Desfacedor” de entuertos. Bajo.
Tiburón: Compañero de Rodolfo. Tenor cómico.
Ledia. Aya de Margarita. Tiple
Notario. Barítono.



EL AÑO PASADO POR AGUA

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Revista general de sucesos de 1888 en un acto, y cuatro cuadros
Texto original de RICARDO DE LA VEGA
Música de FEDERICO CHUECA y JOAQUÍN VALVERDE
Estrenada el 1 de marzo de 1889 en el Teatro Apolo de Madrid


Elenco del estreno

El año 1889: Sr. MONTIJANO, Mariano, guardia municipal: Sr. MESEJO, Neptuno: Sr. OGLADI, Julio Ruiz: JULIO RUIZ, Lavandera y señora de Huelva: PILAR VIDAL, Modista y la Menegilda: LEOCADIA ALBA, Manolo: Sr. GONZÁLEZ

La obra

El éxito popular fue extraordinario y la obra se mantuvo en cartel (en Apolo y otros) tres años consecutivos. La crítica, sin embargo, no fue unánime aunque no dejó de reconocer los méritos de la partitura, principalmente Chispero que la elogió como deliciosa, alegre y casticísima, o Delito y Piñuela que destacó el recurso de sacar a escena a Julio Ruiz interpretando a…..Julio Ruiz. Incluso la crítica actual fluctúa, ya que, por ejemplo, en el Libro de la Zarzuela no sale bien parada esta obra, ni siquiera la mazurca y menos la habanera ¡Yo no lo comprendo!

Recorramos esta pequeña obra maestra de la mano de Juan Arnau quien en su obra La Zarzuela dice: ……Ricardo de la Vega y Federico Chueca, ambos impregnados de un casticismo que absorbieron en las calles de los barrios bajos matritenses y que llevaron a la escena con fidelidad tan lograda que enciende la duda de si verdaderamente las gentes eran así, como ellos las describen, o se hicieron luego a semejanza de los tipos que estos autores dieron vida en sus obras. Parece ser que fue la pertinaz lluvia que cayó sobre la capital de España en los primeros meses de 1889 lo que influyó decisivamente en el título EL AÑO PASADO POR AGUA, y por ello quizá la obra empieza, lloviendo, con la conocida canción infantil:

Que llueva, que llueva.
La Virgen de la Cueva.
Los pajaritos cantan.
Las nubes se levantan.
Que si.
Que no.
Que llueva a chaparrón.

No es la única vez que Federico Chueca utilizó canciones “del corro”, cuyo recurso aparece también en AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE. Lo que sí fue novedad, y muy sonada por cierto, es la ocurrencia de sacar a escena, como un personaje más de la farsa, al actor que lo representaba. Es decir, Julio Ruiz -artista mimado por el público madrileño- hacía el papel de “Julio Ruiz”, con alusión a su vida privada -dice Deleito- y aun a sus debilidades y vicios, que él ostentaba sin pizca de aprensión y hasta con orgullo; sobre todo el vicio de la bebida, generalizado entonces entre cómicos y gentes de letras, pero del que Ruiz, entre los primeros, y Dicenta, entre los segundos, hicieron un airón y un penacho. Salía Julio con chistera, que usaba a la sazón todo el mundo, y con un paraguas abierto (pues, naturalmente, llovía), persiguiendo a una modistilla, que sujetaba su larga falda para preservarla del barro; papel que interpretaba magistralmente Leocadia Alba. Ambos cantaban la celebérrima mazurca, que ha dado la vuelta al mundo:

Julio: Hágame usté el favor
de oírme dos palabras.
sólo dos palabras.
Modistilla: Va usté a saltarme un ojo
si se acerca,
con la punta
del paraguas.
…………………….
¿No sería muchísimo mejor
cerrar un paragüitas de los dos
y así, juntitos,
y agarraditos,
marcharnos al café de San Marcial?

Este café de San Marcial, existente entonces en la Plaza de la Cebada, era un local muy acreditado por sus platos, y huelga decir que desde la publicidad que le hizo la mazurca de los paraguas lo fue mucho más. En el menú que a continuación cantaba Julio Ruiz está clarísima la mano y la guasa de Chueca, cuando dice:

Mandar que nos preparen enseguí
un solomillo y unos langostí,
y unas chuletas,
y unas croquetas….

Ya lo escribimos en otro capítulo: cuando Chueca necesitaba una palabra, la inventaba, si en el diccionario de la lengua castellana no existía; el curso de la música no se interrumpiría por ello. Y ahí están unos “langostí” que saben a casticismo del más puro. La mazurca de EL AÑO PASADO POR AGUA dio mucho juego, particularmente en el fragmento que viene a continuación, cuando la modistilla preguntaba a Julio Ruiz su nombre:

Modistilla: ¿Su nombre
Julio: Julio Ruiz
Modistilla: ¿El actriz?
Julio: ¡El actor!
Modistilla: ¡Ay, que horror!
¡qué fama tiene usté de acá y de aquí! (de jugador y de bebedor)
Julio: Ya lo sé
esas son habladurías que corren por ahí.
Modistilla: Que maldad
Pues desde hoy
si usté ha de ser el dueño de mi amor…
Julio: ¿Qué he de hacer?
Modistilla: Jure morigerarse (alusión al juego que, digo yo, quizá él juegue a confundir con el “mujerío”)
Julio: Yo se lo juro a usté
Modistilla: Jure que ha de enmendarse (alusión a la bebida)
Julio: Eso si que no lo sé.

Al llegar a este punto, para entender todo lo que este diálogo significaba y lo que el público consentía a sus artistas mimados, volvemos al relato de Deleito, testigo presencial del estreno: “la voz vinosa de Ruiz (única que le conocí siempre) demostraba lo imposible de tal morigeración. Había realmente cinismo en el cómico, cinismo en los autores y una tolerancia en el público que solo se explica por la gracia de la letra, de la música y de los intérpretes del famoso dúo. En él metía después Ruiz toda clase de “morcillas”, sin duda para salpimentar el almuerzo”. Según el testimonio de Chispero el dúo de los paraguas lo tuvieron que repetir hasta seis veces la noche del estreno sus magistrales intérpretes Leocadia Alba y Julio Ruiz, que posiblemente no alcanzaron nunca éxito mayor dentro de sus afanes cómico-líricos..….. El ambiente acuático de EL AÑO PASADO POR AGUA, acomodó bien la idea de hacer aparecer al dios Neptuno, que sale a escena sobre las figuradas aguas en un magnífico carro tirado por dos caballos, a semejanza del que figura en la fuente del Prado. Llega a la orilla y desembarca al compás de una marcha -acuatica, dice el libreto- que toca la orquesta. Neptuno viste de frac encarnado, a la última moda. Chueca compuso para este momento uno de sus característicos valses, muy parecido al del Caballero de Gracia, de LA GRAN VIA:

De los mares rey me llaman
y sobre mi carroza
me paseo por doquier.
Y a las olas más bravías
las manejo a mi libre albedrío y placer.
De la fuente me he escapado,
pues ya me molestaba
tanto tiempo estar allí,
presenciando ciertas cosas
que, francamente, no se pueden decir.

Contesta el coro preguntándose qué sastre le habrá hecho a Neptuno el bonito traje que lleva y exponiendo sus dudas sobre si lo habrá pagado o no. Aludiendo a los sastres se nombraban los más prestigiosos de Madrid. A poco que se estudie este vals hallaremos que, nuevamente, su construcción nos recordará a Chueca. Lógicamente, por la música, pero es que su mano pecadora, aunque graciosa, es evidente en la letra de este pasaje, que sólo podía escribir él:

Grandes pescados habrá por allí,
pero mayores los hay en Madrid,
Hay tiburones que de un coletá…
casi derrumban el Banco de Espá…
Hay ballenatos de tal magnitud,
Que se asusta de verlos Neptú.
Y hay perecí
como el coral,
que son más listos
que Ducazcal (el empresario de Apolo).

La representación de EL AÑO PASADO POR AGUA es un seguido de escenas muy movidas, con tipos de todas las cataduras: de la actualidad de entonces, antiguos, representativos de algo, etc. Desde “el año 1890” que es el protagonista de la farsa, hasta la República, la Inquisición. El Chulo, la Lavandera, la Menegilda, los Guardias, Manolo y su señora, el Labrador y los Cursis, todos son tipos muy bien estudiados por Ricardo de la Vega y vitalizados por una personalidad castiza bien notable en los giros de su vocabulario. Por cierto, hablando de vocabulario, y volviendo a las diabluras de Chueca con el lenguaje, ¿puede ser de alguien que no sea el autor de LA GRAN VIA este verso?:

Te estuve esperando
en la sastrería.
Dispensa, Manolo,
que no lo sabía.
¿No es una vergüenza
ver a estos bailar
tan apegaditos
y tan tarantán?
Si al río vas mañana…
¿Qué hay?
La ropa sucia
tengo apartá.
Pues no puede ser mañana.
¿Por qué?
No es día de colá.

Forma parte del número del baile y de los guardias que empieza así:

Traemos los cuerpos trunzaus
¡Recataplau!
De estar en la esquina paraus
¡Recataplau!
Vaya un alcalde que Dios nos ha dau
Tan diplomático y tan estirau.

Realmente asombroso. Claro que estos monstruos (todo parece indicar que fueron pautas figuradas que, por lo que fuese, pasaron tal cual al libro) cuando se escuchan envueltos en la música de Chueca no admiten el menor análisis. Nos arrastran con su gracia de repente y los aplaudimos.

Los compositores

Federico Chueca Robles nació en Madrid (Casa de los Lujanes en la Plaza de la Villa, donde se cuenta que estuvo preso Francisco I de Francia tras su apresamiento en 1520 en la batalla de Pavía) el 5 de mayo de 1846 y murió en la misma capital el 20 de junio de 1908. Desde su niñez en el Conservatorio Chueca, con sus dotes naturales extraordinarias, no comprendía que hubiera que estudiar para ser músico, le molestaba escribir música y admiraba a quien escribía con soltura en el papel pautado como Barbieri o Bretón. Lo primero de Chueca que se llevó al pentagrama fueron unos valses titulados “El lamento de un preso” que compuso cuando lo estuvo por mor de los incidentes de “La noche de San Daniel” (La noche del 10 de abril de1865 la policía cargó contra las manifestaciones de estudiantes dejando nueve muertos y muchos heridos. Los estudiantes se manifestaban a favor de Castelar que había sido separado de su cátedra por un artículo titulado “El Rasgo” sobre la decisión de Isabel II de vender la mayor parte de su patrimonio regalando el 75% al Tesoro y reservándose el 25%, interpretando que tras su aparente generosidad se escondía un despojo a la Nación propietaria legítima de todo el Patrimonio.), liberado corrió a ver a Barbieri quien le hizo repetir la música y los pasó al pentagrama. Barbieri fue pues su primer colaborador con el que luego estrenó la zarzuela HOY, SALE HOY, el segundo Bretón con el que estrenó BONITO PAIS, siendo el habitual, hasta 1890, Joaquín Valverde, que le escribía la música y aportaba algún elemento técnico de su cosecha. Chueca se servía de “monstruos” (en el argot teatral son unas palabras, más o menos absurdas, pero que siguen una rítmica y que sirven para componer la música) y escribía la letra de muchas partes de sus obras, obviando al libretista. En 1875 estrenó su primera obra EL SOBRINO DEL DIFUNTO, y desde entonces se suceden los éxitos de los que me limito a detallar BONITO PAIS en 1877, LA CANCION DE LA LOLA (en colaboración con Valverde) en 1880, FIESTA NACIONAL en 1882, HOY, SALE HOY y CARAMELO en 1884, LA GRAN VIA y CADIZ (ambas en colaboración con Valverde) en 1886, DE MADRID A BARCELONA en 1888, EL AÑO PASADO POR AGUA y DE MADRID A PARIS en 1889 (ambas también en colaboración con Valverde), LA CAZA DEL OSO O EL TENDERO DE COMESTIBLES en 1891, LOS DESCAMISADOS en 1893, AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE, en 1897, LOS ARRASTRAOS en 1899, LA ALEGRIA DE LA HUERTA en 1900 y EL BATEO en 1901. Cuenta Rafael Mitjana que Camilo Saint-Saëns gustaba de asistir a las zarzuelitas de Chueca y que el le regaló un ejemplar de la partitura de una de ellas, DE MADRID A PARIS (en que se cantaba aquello de “A mi me llaman la Pelos, a mi la de Lavapiés”) no quiso el gran músico el obsequio seguramente para no “contaminarse” con algo hecho sin la disciplina debida, pero cuando echaba a la estufa la partitura, volvió a cantar la picaresca melodía para terminar diciendo “Qué clase de talento tiene este demonio de compositor que, casi sin saber música, la crea de tal fuerza que no se la puede olvidar cuando una vez se la oye”. Se lee en el Espasa que no eran sus composiciones la más depurada expresión del espíritu nacional, en el sentido que en todas partes se da a la música popular: eran más bien la inspiración de una musa callejera, bastante artificial, que venía a ser como los couplets en Francia, con el mismo descoco, la misma alegría y la misma facilidad que aquellos, que pronto se convertían en música para los organillos callejeros, para los cafés y, en general, para el pueblo. Fue más que un músico español comprensivo para toda España, un madrileño que improvisaba sus canciones, sin grandes conocimientos de técnica pero dotado de extraordinaria facilidad y exquisita sencillez. Este madrileñismo tuvo sus excepciones, pues CARAMELO y CADIZ, son de puro estilo andaluz, LA ALEGRIA DE LA HUERTA, murciana y el tercer cuadro de LA CAZA DEL OSO O EL TENDERO DE COMESTIBLES, es asturiano neto. Comenta Arnau que a Chueca no se le puede analizar pues antes de que intentemos analizar la construcción de la frase el pensamiento del autor se ha apoderado de nosotros y le seguimos en volandas por los giros inigualados de sus castizos pasacalles. En su creación las cosas fluían de repente o no salían. Lo mismo da en la música que en la letra, si le faltaba una palabra española para llenar su frase musical la inventaba si era necesario en francés macarrónico y se quedaba tan pancho, porque además, el resultado tenía asegurado el éxito.

Joaquín Valverde Durán, nació en Badajoz el 27 de febrero de 1846 y murió en Madrid el 17 de marzo de 1910. Inició sus estudios musicales en su ciudad natal formando parte de bandas militares y orquestas y los prosiguió, a partir de 1862, en el Conservatorio de Madrid bajo la dirección de Arrieta y Aranguren. En 1867 y 1870 obtuvo primeros premios de flauta y composición. Dedicado a la dirección de orquestas y a la composición de más de 200 obras, teatrales sobre todo. Muchas de ellas en colaboración con Bretón, Rogel, Julian Romea, Fernández Caballero, López Torregrosa, su hijo Quinito y sobre todo con Chueca. Sus obras más afamadas fueron LA CANCION DE LA LOLA (1880), LA GRAN VIA y CADIZ (1886), ), DE MADRID A PARIS (1888) y EL AÑO PASADO POR AGUA (1889), todas ellas junto con Chueca con quien colaboró desde 1876 hasta principios de los 90 aportando Valverde sus mayores conocimientos musicales a la intuición, originalidad y gracia de Chueca.

El libretista

Ricardo de la Vega, hijo de Ventura de la Vega, libretista de JUGAR CON FUEGO de Barbieri, nació en Madrid el 7 de febrero (era el santo del día) de 1839 y murió en la misma capital el 22 de junio de 1910. Destaca sobre todo en el sainete y en el madrileñismo por lo que se le considera heredero de Don Ramón de la Cruz. Escribió libretos para Chueca y Barbieri y además de LA VERBENA DE LA PALOMA, continúa en el repertorio EL AÑO PASADO POR AGUA de Chueca y Valverde.

Sinopsis

La escena representa una calle, comienza a amanecer y esta lloviendo a mares, cruzan la escena algunas personas madrugadoras. Aparece el personaje del actor “Julio Ruiz”, persiguiendo a una modista. Ambos llevan el paraguas abierto y cantan una mazurca. En la escena segunda aparece un personaje que representa el Año 1890 y Mariano un guardia municipal, ambos conversan sobre lo lluvioso que ha sido el año anterior, motivo por el cual le llaman el año pasado por agua. 1890 confiesa al guardia sus deseos de entrar en acción, tan pronto muera 1889. Los dos personajes recorren Madrid para ver los efectos de las inundaciones. El público que está en la calle achicando agua, les saluda con júbilo, confiando que el reinado del Año 1890 sea menos lluvioso que el anterior. Aparece Neptuno sobre las aguas, en un magnifico carro tirado por dos caballos, igual que el que figura en la fuente del Paseo del Prado. Neptuno viste un frac encarnado. Mariano presenta a Neptuno el nuevo año, entablando entre ellos una animada conversación sobre cuestiones de la actualidad de la época. El coro interpreta un pasacalle y dos nuevos personajes, El Madrileño y La Menegilda, comentan las excelencias de la Villa y Corte. Aparece en las aguas una góndola que lleva dos personajes, que representan el tenor y la tiple de La Bruja, con el hábito de fraile, y ella con manto negro, haciéndose una parodia de la indicada zarzuela. Seguidamente, tres guardias municipales comentan la dureza de su trabajo, y con una escena en la que un chulo y una chula explican su situación familiar, con alusiones a la actualidad política, termina la obra.

Índice de escenas

La obra, en un solo acto, cuenta con los siguientes números musicales:

1. Preludio y coro general “Que llueva, que llueva. 2. Mazurca “Haga usté el favor de oírme dos palabras”. 3. Vals de Neptuno “De los mares rey me llaman”. 4. Pasacalle y coro general “La la larala…¡Aquí viene la flor de Maravillas! 5. Habanera “Oiga usté, caballero”. 6. Zortzico “¡Ay, niña de mis ojos!”. 7. Vals instrumental. 8. Escena “traemos los cuerpos trunzaus” y chotis “Te estuve esperando en la sastrería”. 9. Final “De las luces, soy la que tiene más chic”.

Personajes

Detallo los principales:

Julio Ruiz: El actor, no “el actriz”. Tenor cómico.
Neptuno: Rey de los mares. Tenor cómico.
Manolo: Galán enamorado. Tenor cómico.
Una modista: Soprano.
Menegilda: Soprano

 


EL ASOMBRO DE DAMASCO

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Zarzuela en dos actos
Texto original de ANTONIO PASO y JOAQUÍN ABATI
Música de PABLO LUNA
Estrenada el 20 de septiembre de 1916 en el Teatro de Apolo de Madrid


Elenco del estreno

Zobeida: ROSARIO LEONÍS, Fahima: JULIA CASTRILLO, Nhuredin: FRANCISCO MEANA, Ben-Ibhen: CASIMIRO ORTAS, Alí-Mon: VALERIANO LEÓN, Derviche 1º: CARLOS RUFART

La obra

El éxito fue tremendo, llegándose a las 100 representaciones el 3 de diciembre siguiente, traduciéndose al inglés y estrenándose en el Teatro Oxford de Londres; los cuplés de Alí-Mon, en tiempo de marcha, fueron muy interpretados por las bandas militares en los desfiles. El cronista Ruiz Albéniz “Chispero” relató así el estreno: “EL ASOMBRO DE DAMASCO fue uno de los éxitos más claros que se recuerdan en el género lírico. No hay que decir cómo estaba la sala de Apolo aquella noche. Cuando Pablo Luna empuño la batuta, un rumor de mal contenido nerviosismo y general expectación zumbó en el ámbito teatral. ¿Qué será esto?, se preguntaban los estrenistas. Porque aun cuando en el cartel y programas se calificaba de zarzuela, había transcendido al público que EL ASOMBRO DE DAMASCO de zarzuela tenía muy poco y sí mucho de otros géneros, empezando por el ballet y acabando por la opereta. Pronto empezó a transformarse la nerviosa ansiedad en atención o interés. La silueta de Casimiro Ortas, vestido a la otomana, ya provocó las risas y preparó el ambiente hilarante, que desató y acabó en ovación formidable con la presentación del grotesco Alí-Mon, al que Valeriano León daba toda la necesaria vis cómica. El éxito estaba asegurado. Pero vino el dúo entre la tiple (Rosario Leonís) y el bajo (Francisco Meana), página magistral en la que cabe decir que culminó la inspiración del músico aragonés. La ovación que alcanzó este dúo habrá podido tener en dos o tres ocasiones, a lo sumo, su parigual, pero superarse no se superó jamás. El maestro Luna recibió el homenaje más efusivo del público de Apolo, que sentía por él una extraordinaria simpatía por estar habituado a verle dirigir temporada tras temporada la orquesta del teatro. No disminuyó el éxito en el segundo acto, y a los pocos días EL ASOMBRO DE DAMASCO era popular en España entera”.

El compositor

Pablo Luna y Carné nació en Alhama de Aragón el 21 de mayo de 1880 y murió en Madrid el 28 de enero de 1942. Era hijo de un teniente de la Guardia Civil. Estudió composición y armonía, pensionado por la Diputación, en la Escuela de Música de Zaragoza y cuando terminó sus estudios dirigió varias compañías de zarzuela hasta que en 1908 fue nombrado Director del Teatro de la Zarzuela de Madrid (este teatro se incendió el 8 de noviembre de 1909 y tardó cuatro años en reconstruirse), y desde 1914 fue además empresario del mismo en donde emprendió, junto con su socio Arturo Serrano, una campaña a favor de la música española, dando entrada a compositores noveles de tanto mérito como Vives, Falla, Turina, Conrado del Campo, Guridi y especialmente Millán. Desde su primera zarzuela LA ESCALERA DE LOS DUENDES (1904), su actividad compositora fue frenética. De sus obras detallo casi exclusivamente las que han tenido trascendencia fonográfica, MUSSETA (1908), MOLINOS DE VIENTO (1910), LOS CADETES DE LA REINA (1913), EL ASOMBRO DE DAMASCO (1916), EL NIÑO JUDIO y LOS CALABRESES (1918), BENAMOR (1923), SANGRE DE REYES en colaboración con Balaguer (1925), LA PASTORELA en colaboración con Moreno Torroba (1926), LA PICARA MOLINERA y LA CHULA DE PONTEVEDRA (1928), LAS CALATRAVAS (1941) y su obra póstuma EL PILAR DE LA VICTORIA (1944), con libreto de Manuel Machado.

Fue quizás el compositor español que más destacó en el cultivo de la opereta española, a la que aportó originalidad de estilo, elegancia melódica, fantasía para la expresión y un cierto exotismo que hicieron decir al maestro Vives que Pablo Luna escribía “música rubia”. Al hablar de Luna como cultivador de la opereta considero de interés releer los comentarios que introduje en la Reseña de KATIUSKA y cuyas generalidades, son también aquí de utilidad. Sobre este tema genérico hubo hace algún tiempo un esbozo de debate en el Foro Nueva Zarzuela a raíz de la pregunta de algún aficionado y no me acuerdo si fue El Pichi el que explicaba la diferencia entre opereta y zarzuela, pero el tema no fue acotado con rotundidad, yo diría que porque es tema menor que no afecta a la esencia del género y quizás se ha utilizado esa denominación para obras cuyo argumento no se ha desarrollado en el ambiente castizo o regional español, como ocurre por ejemplo MOLINOS DE VIENTO, LA GENERALA, KATIUSKA, EL ASOMBRO DE DAMASCO, etc..... En resumen podríamos decir que, aunque la opereta vienesa se asentaba en dos pilares fundamentales: la ambientación exótica y distante sobre la base de una ingenua trama amorosa y las edulcoradas melodías a ritmo de vals y ambos elementos se detectan en algunas obras de Luna según lo cual su opereta está todavía más cercana al espíritu vienés que lo estuvo luego la de Sorozabal, no es menos cierto que también se vislumbran ya en el compositor aragonés los caracteres que el Padre Sopeña advirtió en el músico vasco: alejamiento de la procacidad arrevistada dotando de una elegancia a sus partituras que impulsó a Vives a denominarla “música rubia” y observar que, bajo el ropaje de la forma opereta, se esconde la verdadera zarzuela: el acento sobre la romanza, sobre lo emotivo.

Los libretistas

Antonio Paso Cano, nació en Granada el 9 de septiembre de 1870 y murió en Madrid el 11 de julio de 1958. Estudió Derecho pero se dedicó al periodismo y al teatro, como autor y como director de escena. Muchas de sus obras fueron en colaboración con otros autores. En el campo de la zarzuela destacan EL BATEO y LA ALEGRIA DE LA HUERTA, de Chueca, EL ASOMBRO DE DAMASCO, EL NIÑO JUDIO y BENAMOR, de Luna y LA LEYENDA DEL BESO, de los maestros Soutullo y Vert.

Joaquín Abati Díaz. Nació en Madrid el 29 de junio de 1865 y allí murió el 30 de julio de 1936, de padre italiano y madre española, cursó Derecho obteniendo sobresaliente en todas las asignaturas y varias matrículas de honor; cuenta el Espasa que al tiempo que preparaba oposiciones a Abogados del Estado escribió y publicó “Respuestas a los temas…..” de dicha oposición, dándose la paradoja que todos los que obtuvieron plaza en la misma habían estudiado su libro, pero el autor no logró plaza, decidiendo no ejercer su profesión y dedicarse a la literatura, llegando a ser de los más fecundos y graciosos autores españoles. Fue miembro de la Real Academia de Jurisprudencia y Legislación y tres veces Presidente de la Sociedad General de Autores de España. Escribió más de cien obras, muchas de ellas pertenecientes al género lírico y en bastantes ocasiones en colaboración, con Arniches, Martínez Sierra, Jardiel Poncela y, sobre todo, Antonio Paso. En el campo de la zarzuela triunfó con EL TREBOL de Serrano y Valverde, TIERRA POR MEDIO de Chapí y algunas más pero sobre todo con EL ASOMBRO DE DAMASCO de Luna. Hizo incluso sus pinitos como compositor con LAS VENECIANAS.

Sinopsis

La acción se inicia en una plaza pública en Damasco. Fahima, tiene una tienda de esencias mágicas, y está vendiendo a un grupo de mujeres; en la tienda de medicamentos, que hay a su lado, el médico Ben-Ibhen atiende a varios enfermos y heridos. Al marcharse todos los clientes y quedar vacía la plaza llegan dos hombres, que piden hospitalidad a Fahima, y luego una mujer lujosamente ataviada que, con el rostro oculto a la usanza musulmana, se aproxima a la tienda de la vendedora. Se descubre al llegar junto a Fahima, y ésta, con alegría, descubre en ella a su amiga Zobeida, casada con Omar, un comerciante de Mosul. Zobeida, muy consternada, refiere a su amiga la enfermedad de su esposo y sobre todo la ruina a que han llegado debido a su mal negocio. Zobeida dice a la amiga, que su viaje a Damasco se debe a que un vendedor llamado Ben-Ibhen tiene una antigua deuda de mil dinares de oro con su marido, y hoy este dinero se necesita urgentemente para la enfermedad de Omar, y aunque no existe ningún documento para confirmarlo, espera que Ben-Ibhen reaccione como corresponde a su honradez y amistad con Omar. Fahima lleva a Zobeida ante Ben-Ibhen, y éste recuerda la deuda y está dispuesto a pagarla; pero curioso, pide que antes le sea mostrado el rostro de la mujer que deberá llevar el dinero. Zobeida se descubre, y Ben-Ibhen queda maravillado ante su belleza. Dice a la mujer que le entregará el dinero si consiente en acudir por la noche a su trastienda. Al desaparecer el médico, las dos mujeres, maldiciendo la suerte de Zobeida, se van a la tienda de Fahima. Entonces aparece el cadí de Damasco, Alí-Mon, con varios soldados, y lee un decreto del Gran Visir en el que se pide, vivo o muerto, la captura del terrible corsario Ka-Fur. Zobeida piensa que el cadí podrá hacer justicia, y sale a su encuentro, explicándole lo ocurrido; pero Alí-Mon, lo mismo que el médico, queda prendado de la belleza de ella, y sugiere, a cambio de la obtención del dinero, la misma exigencia que Ben-Ibhen. Nuevamente desalentada, y negándose, Zobeida se retira con su amiga, y ésta le dice que el único que puede hacerle justicia es el Visir en persona. Mientras, el cadí se ha acercado a la tienda del médico para hablar con él, y cuando va a reprocharle su conducta con la esposa de Omar, le distrae un ruido de tumultuosa gente y, ante sus propios ojos aparece, portado en un lujoso palanquín, el Gran Visir Nhuredin. La muchedumbre le rodea y aclama reverenciosa. Zobeida piensa que es aquel el mejor momento para pedir justicia, y se acerca al Visir refiriéndole su desgracia. Pero al descubrirse ante él, el Visir queda también trastornado por su belleza. Zobeida, otra vez desazonada, se aparta de él, y entonces, uno de los hombres que pidieron la hospitalidad de Fahima, le aconseja que cite separadamente a los tres hombres, aquella misma noche, en la casa de Fahima, que se halla en las afueras de la ciudad. Así lo hace la mujer.

El acto segundo transcurre en una habitación de la casa de Fahima, donde varias esclavas se esmeran en adornar y acicalar a Zobeida. Un gran banquete aguarda a los tres citados. El primero en llegar es Ben-Ibhen. Zobeida, muy solícita, sale a su encuentro, pero nada más empezar a hablar se hace anunciar Alí-Mon. Consternado, Ben-Ibhen finge que se halla allí para reconocer a Zobeida, que sufre una repentina dolencia. Alí-Mon lo cree así, pero no finge su mal humor. Entonces aparece el tercer citado, el Visir, que se encuentra sorprendido ante la presencia de los dos hombres. Nada más empezar a pedir explicaciones, llega corriendo un esclavo para avisar que en las proximidades de la casa se halla el corsario Ka-Fur y sus hombres, cuyo único deseo es cenar y descansar allí. Zobeida, rápidamente, ordena a los tres hombres que se disfracen de esclavos, para no ser reconocidos y capturados por el bandido. Así lo hacen, y entra Ka-Fur, muy cubierto, con sus hombres. Se inicia el banquete que Zobeida prepara para los tres citados, y una vez finalizado, Ka-Fur demuestra que, a pesar de los disfraces ha reconocido al médico, al Cadí y al Gran Visir. Ben-Ibhen, intentando salvarse, dice que no tiene inconveniente alguno en pasar a engrosar las huestes del corsario, puesto que, en realidad, es tan deshonrado en su profesión de médico como el propio corsario. Siguiendo su ejemplo, Alí-Mon confiesa que él tampoco hace justicia si no es a cambio de un favor, y finalmente el Visir revela que hace todo lo posible por extraer el dinero del pueblo, ya que el Califa no está enterado de nada de aquello. Zobeida, mientras tanto, ha reconocido en Ka-Fur a uno de los hombres que le aconsejara aquella mañana, pero la sorpresa es general cuando Ka-Fur, despojándose de su siniestra indumentaria, resulta ser el Califa en persona, cuya costumbre de ir peregrinando disfrazado por el país, a fin de conocer la verdad, le ha salvado esta vez de tres hombres indeseables. El médico, el Cadí y el Gran Visir son despojados de todos sus bienes, y éstos entregados a Zobeida.

En narración de “El libro de la Zarzuela” leemos que EL ASOMBRO DE DAMASCO empieza con un curioso solo de clarinete que presenta el tema con que se inicia el canto del coro en la primera escena. No puede decirse que la música sea oriental en este primer tema, pero no tarda en aparecer el “color local” que nos traslade al Damasco de opereta que fue el marco de esta obra de Luna. Un generoso uso del triángulo y de la percusión contribuye a crear este ambiente, así como las melodías serpenteantes de los distintos grupos instrumentales. Sigue ahora una página orquestal bien instrumentada y un tanto meditativa. De pronto surge, de mano de la trompeta, una página mucho más agitada y convencional, propia del mundo de la opereta, que incluye el canto del coro con el tenor cómico. Más serio resulta el número que viene a continuación, con el canto de la perfumista primero con el coro y luego en forma de canción “Yo he descubierto un perfume”, en la que el coro también interviene. Es una página bastante lograda. Ben-Ibhen, el tenor cómico, vuelve a intervenir con sus chistes sin interés, con las dos sopranos en un trío bastante variado. El clima de opereta reaparece en el gracioso número del cadí “Soy Alí-Mon, soy el cadí”, con abundantes intervenciones del metal y decorativas frases del clarinete. Más hierética resulta la presentación del visir, su dúo con la soprano adquiere un carácter sumamente atractivo cuando el visir empieza a intentar la seducción y prorrumpe en una romanza de gran belleza “Esto que pides aquí y que esperas de mi”, con un delicado acompañamiento de arpa y cuerda en pizzicato. Es una página exquisita que nos compensa de tantas otras malogradas por una comicidad trasnochada. Entra tras la romanza la soprano con un tema emparentado con el del visir que este repite nuevamente en su forma original. Cuando la soprano cae en la cuenta de la seducción el dúo continúa en un clima de agitación hasta el final, en que la orquesta toma el tema amoroso de la romanza y lo va repitiendo como fondo de las suplicas de la protagonista, que modifica levemente el tema. El acto termina con la “zambra de las almeas” que vuelve a permitir la presencia de la danza, fundamental en el género, y concluye con la presencia del coro para cerrar el telón con la orquesta recordando el tema del dúo de la seducción.

En el segundo acto una especie de marcha, más occidental que oriental reemplaza al coro, y después de ella se inicia otro número instrumental, en el que el oboe evolucionará de modo similar al de un instrumento oriental. El protagonismo pasará después al clarinete y perderá su carácter oriental al pasar a la cuerda, convirtiéndose en exponente de un hermoso tema de ritmo pausado, sobre un fondo de oboe plañidero. Entra ahora la voz de las sopranos “Por esta noche nada de velos” mientras al fondo se arrastra misteriosamente el clarinete. Un ritmo agitado de aspecto orientaloide presenta a un coro femenino “Sultana de los amores” muy zarzuelero en su forma. Sigue presente en muchos instantes el clarinete. La página resulta, en general, ágil y graciosa. Una página de tenor cómico y soprano “Musulmana apetitosa” viene a formar un dúo cuya música es más interesante que el texto. Sigue lo que el propio tenor anuncia como “la danza de la Meca” con lo que volvemos a estar en pleno pseudos-orientalismo. Sigue otro dúo cómico “Allá van los preceptos que ordena el Corán” de tema frívolo y chistes de poca gracia. La música, amable, rescata la escena en lo que cabe.

Índice de escenas

Zarzuela en dos actos con los siguientes números musicales:

Acto I 1. Preludio, voz lejana “Ya el sol por el oriente su luz asoma” y escena “¡Alto! Dejad ya de gritar y atentos escuchad…..Yo he descubierto un perfume”. 2. Terceto “Danos pronto algo…..Merezco tus rencores merezco tus enojos……Bien mirado estoy quedando como un gran sinvergonzón”. 3. Cuplés de Alí-Mon “Soy Alí-Mon, soy el Cadí, lo único bueno que entre la turba de funcionarios existe aquí….Soy el ser más inflexible”. 4. Presentación de Nhuredin “Viva, viva Nhuredin”, dúo “Esto que pides aquí....Ven a mis brazos mujer” y zambra de las almeas “Que bailen las almeas….Baila odalisca hermosa….Baila, baila musulmana”.

Acto II: 5. Escena “Por esta noche nada de velo” y cantadoras de Palmira “Sultana de los amores…..Tus ojos tienen Zobeida”. 6. Dúo cómico de Ben-Ibhem y Zobeida “Musulmana apetitosa…..A la Meca te llevo mi vida montada en camello….La joroba molesta un poquito pero hay que aguantarse”. 7. Cuplés del Corán “Allá van los preceptos que ordena el Corán”. 8. Final.

Personajes

Los principales son:

Zobeida: Esposa de Omar, de extraordinaria belleza, acosada por todos. Soprano.
Fahima: Perfumista y amiga de Zobeida. Soprano.
Ben-Íbhen: Médico algo “sinvergonzón”. Tenor cómico
Alí-Mon: Cadí con una vara justiciera muy peculiar. Barítono.
Nhuredín: Gran Visir que quiso “hacer justicia” a Zobeida. Barítono.

 


AZABACHE

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Zarzuela en tres actos
Texto original de ANTONIO QUINTERO y PASCUAL GUILLÉN
Música de FEDERICO MORENO TORROBA
Estrenada el 18 de agosto de 1933 en el Teatro Calderón de Madrid


Elenco del estreno

María Paz: ANGELITA DURÁN, Pitillera: FLORA PEREIRA, José: JOSÉ LUIS LLORET, Azabache: EDUARDO MARCÉN, Estayío: MANUEL HERNÁNDEZ, Juan Ortega: JOSÉ MARÍN, Golosina: RAMONA GALINDO

La obra

El Diccionario de la Zarzuela no dedica entrada independiente a esta obra pero en el artículo dedicado al compositor señala que "en 1933, además de reponer con bastante frecuencia diversas obras suyas, estrenó en el Calderón dos nuevas zarzuelas de su autoría -Xuanón y Azabache" y en el apartado "OBRAS" de dicho artículo indica el 18 de agosto de 1928 como la fecha de estreno de Azabache. Tampoco me consta con certeza el reparto del estreno, pero basándome en que la costumbre de la versión discográfica era contar con los intérpretes del estreno, y en que Faustino Arregui había sido contratado por Moreno Torroba como empresario del Calderón a la sazón (así se afirma además en la biografía del tenor incluida por Félix Portales en nuestra página asociada) es lógico considerar dicho reparto compuesto por los intérpretes de la versión discográfica abajo citada. La obra, según el Diccionario de la Zarzuela, aunque se aproximó no llegó a obtener el éxito de LA CHULAPONA, estrenada en 1934. En opinión de Joaquim Zueras Navarro en la obra citada en el apartado bibliográfico de esta reseña "Es rica en elementos andalucistas, como la canción granadina, de cuidada factura, inspirada la romanza, airoso el pasacalle, asombrosa la partida de matrimonio musicada". Yo incluiría además la sentida oración popular y el vistosísimo dúo cómico.

El compositor

El compositor Federico Moreno Torroba nació en Madrid el 3 de marzo de 1891 y murió también en Madrid el 12 de septiembre de 1982. En su amplia trayectoria de compositor, director de orquesta y empresario, destacan éxitos fuera del ámbito de la zarzuela, como su obra sinfónica LA AJORCA DE ORO (1918), las óperas LA VIRGEN DE MAYO (1925) y EL POETA (1980, estrenada por Plácido Domingo que tenía verdadero afecto personal al maestro) y sus composiciones para guitarra clásica. Pero donde más han proliferado sus éxitos ha sido en el campo de la zarzuela, desde la primera LA MESONERA DE TORDESILLAS (1925), y luego LA MARI BLANCA Y LA PASTORELA (1926, la segunda en colaboración con Pablo Luna), LA MARCHENERA (1928), MARÍA LA TEMPRANICA (1930 adaptación de la obra de Giménez), AZABACHE y LUISA FERNANDA (1932), XUANÓN (1933), LA CHULAPONA (1934), MONTECARMELO (1939), MARAVILLA (1941), LA CARAMBA (1942), LA ILUSTRE MOZA (1943) y MARÍA MANUELA (1957), sólo por señalar las que me consta que han tenido trascendencia fonográfica.

Los libretistas

Antonio Quintero Ramírez, dramaturgo nacido en Jerez de la Frontera (Cádiz) en 1895 y muerto en Madrid en 1977, se dedicó fundamentalmente a la realización de espectáculos de copla andaluza, no en balde formó parte de la trilogía "Quintero, León y Quiroga" y de otros espectáculos líricos, como las zarzuelas AZABACHE, en colaboración con Pascual Guillén, (1932) y MARAVILLA (1941), ambas con música de Federico Moreno Torroba.

Pascual Guillén es el pseudónimo de Manuel Desco Sanz, compositor y dramaturgo nacido en Valencia en 1892 y muerto en Madrid en 1972. Escribió la letra de numerosos espectáculos de copla y líricos, destacando, en el campo de la zarzuela, su obra AZABACHE (1932) en colaboración con Antonio Quintero Ramírez y con música de Federico Moreno Torroba.

Sinopsis

En Granada y en una típica iglesia, se celebra una boda de gitanos. Después de treinta años de relaciones y ya con hijos mayores, contraen matrimonio los gitanos Juan Ortega y La Golosina. En el momento de celebrarse la boda, Paz, hija de dichos gitanos, expone a sus padres el deseo de contraer matrimonio con un gitano culto y de carrera, el ingeniero José Moreno. Pero sus padres se lo rechazan por antiguos resentimientos familiares. Ella, entonces jura que seguirá queriéndole y que será suya, y cuando llega José Moreno y se van a escapar se interpone Azabache, gitano rico que adora a Paz en silencio, y evita la huida. Cuando termina la boda de los gitanos, aparece Azabache, mortalmente herido y acusando a José Moreno. Azabache, cuidado por Paz ha mejorado de sus heridas, y al calor del cariño de ella, se siente casi feliz pues cada día la ama más. La hermana de José Moreno viene a hablar con Paz y Azabache para que vean de aliviar la situación de su hermano que está preso y niega haber herido a Azabache. Azabache promete pagar la fianza para poner en libertad a José Moreno y de esta forma poder comprobar lo que Paz siente por él, que en realidad no es otra cosa que gratitud y cariño pero sigue queriendo a José Moreno. Azabache ve comprobados sus temores, su dolor es grande y entonces confiesa que no fue José Moreno quien le hirió. Fue él mismo. Y lleno de dolor, se separa de Paz que será feliz con José Moreno y se marcha con Cenizo un gitanillo desgraciado.

Índice de escenas

Zarzuela en tres actos con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Preludio y oración "Santo Dios redentó der género humano". 2. Dúo cómico "Estayío, dueño mío". 3. La partida de casamiento "Aquí está el expediente". 4a. Mira que vivo loca. 4b. Dúo ¿Por qué sufre y llora la flor de mi encanto? 5. Por bulerías "A la Virgen María".

Acto II: Preludio. 6. Déjame que yo te diga. 7. Pasacalle de los aviadores "Venimos comprometíos".

Acto III: 7bis Intermedio. 8. Canción granadina "Granaina de la Alhambra de Graná". 9. Romanza de José "Er bien de manita agena".

Personajes

Los principales son:

María Paz: Gitana enamorada de José Moreno. Soprano.
Pitillera: Hermana de María Paz y pareja de Estayío. Tiple cómica.
José: Gitano culto enamorado de María Paz. Tenor
Azabache: Gitano rico pretendiente de María Paz. Actor cantante.
Estayío: Aviador pareja de Pitillera. Tenor cómico.
Juan Ortega: Padre de Maria Paz. Actor cantante.
Golosina: Madre de María Paz. Tiple cómica.

 


 

EL BAILE DE LUIS ALONSO

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Sainete Lírico en un acto, dividido en tres cuadros, en verso
Texto original de JAVIER DE BURGOS
Música de GERÓNIMO GIMÉNEZ
Estrenada el 27 de febrero de 1896 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid


Elenco del estreno

María Jesús: MARÍA MONTES, Juana: LUCRECIA ARANA, Doña Manuela: Srta. GONZÁLEZ, Luis Alonso: JULIÁN ROMEA, Tinoco: JOSÉ MONCAYO

La obra

El sainete EL BAILE DE LUIS ALONSO o “El mundo comedia es” se estrenó, en la segunda sección de las cuatro que cada noche tenían los teatros de género chico, el 27 de febrero de 1896. Siguiendo a Juan Arnau sabemos que en la noche del 14 de diciembre de 1889 se estrenó en el Teatro Español, un breve sainete de Javier de Burgos con el titulo doble de EL MUNDO COMEDIA ES o EL BAILE DE LUIS ALONSO. El estreno se hizo con sencillez y sin ninguna intención de gran éxito, pues el sainete era un simple fin de fiesta después de la obra importante, un drama de Don José Echegaray titulado LO SUBLIME EN LO VULGAR. Pero la pequeña obra de Javier de Burgos destacó por la pintura de tipos populares y el acierto del lenguaje. La crítica se hizo eco del éxito, y se dijo que aquel cuadro popular estaba rebosando color, exactitud y movimiento. Antonio Vico, director de la Compañía del Español, se lucía recitando los grandielocuentes versos de Echegaray. Pero Julián Romea triunfó después, dando veracidad y comicidad especial al papel de Luis Alonso. No en vano Javier de Burgos, gaditano cien por cien, se había inspirado en un tipo real, un profesor de baile de raza gaditana que existió en Cádiz hacia 1840. Bastante tiempo después, Julián Romea había dejado la comedia por el género chico y dirigía una compañía en el Teatro de la Zarzuela. En 1896, el maestro Giménez le ofreció una obra particular: había puesto música al sainete de Javier de Burgos sin cambiar nada del libro. Sólo había pedido al comediógrafo algunos versos añadidos que vinieran bien para la música. Ya en el sainete original se tarareaban algunos temas de baile, pero de lo que se trataba ahora era de lograr un verdadero sainete lírico, con ocasiones propicias para la garbosa música de Giménez. Con el mismo doble título, EL BAILE DE LUIS ALONSO se estrenó en una función extraordinaria organizada por la Asociación de la Prensa de Madrid. El éxito fue enorme, y la interpretación cantada superó si cabe a la del estreno recitado siete años antes (Por cierto que en la página de cantables de Pepi se encuentra el sainete completo, no sólo los cantables, echarle un vistazo ¡es una joya!).

En las escenas primeras conocemos a María Jesús, que arregla el ambigú y prepara el lugar para las lecciones de baile, y al marqués, que es un viejo verde, en busca de ocasión. También a Doña Manuela, con sus hijas Moma y Quica, que van buscando novio, auxiliadas por su madre. En el primer número musical aparece Luis Alonso. Es curioso recordar la acotación de Javier de Burgos “Este personaje representa de cincuenta a cincuenta y seis años; viste de chaqueta, sombrero de copa de ala estrecha, zapatos de orillo, y habla un tanto amanerado sin caer en la afeminación”. Luis Alonso saluda muy fino a Doña Manuela: “Mi señora intendenta” y a los demás, que proclaman la fama del personaje como profesor de baile. No tarda Luis Alonso en demostrar sus conocimientos de todas las variedades de danza “Es el vasto repertorio de los bailes de salón…..Luego der Congo se trasplantó…Ahora coreado el schottisch verá”. Tinoco es un guitarrista, aficionado al vino, blanco o tinto, y aficionado también a María Jesús, la mujer de Luis Alonso. La corteja y hasta llega a regalarle unos zarcillos, que ha sustraído a Juana, su mujer legítima y hembra bravía. Entre Tinoco y María Jesús se desarrolla un dúo “¡Ay! Comarita de mi vía, capullo de Jericó….Compare cierre usté er pico” en el que el guitarrista declara su pasión y María Jesús trata de resistir sin armar escándalo. En el cuadro, después del famoso intermedio y de la canción de Juana “Ay malhaya la presona que se fía de un gachó”, vemos a los alumnos bailando una brillante polka “Bailar al fin podemos ya, con expansión y libertad”. Reina la alegría, hasta que llega Sánchez, el zapatero de Doña Manuela, reclamando todo lo que se le debe y no tarda mucho en aparecer Juana, “¡Ya estoy dentro! ¡La Tinoca!”, que se ha enterado del asunto de los zarcillos y del cortejo. Viene dispuesta a castigar a su marido y a dejar en evidencia a los dueños de la casa, que permiten tantas aventurillas. Tinoco logra escapar de su mujer envolviéndose en la capa del marqués, pero así recibe una paliza del novio de la cigarrera a la que persigue el viejo verde, y que le confunde con él. El escándalo es impresionante. Luis Alonso repite, como siempre, su frase “el mundo comedia es” y al enterarse del cortejo de Tinoco, afirma: “Mi honor está por encima del honor de Carlos Quinto”. Llega un sereno y la emprende a palos con todos. Así termina el sainete.

La crítica fue más que entusiasta; “El Liberal” afirmaba que “para Romea se escribió el Luis Alonso”, “El Imparcial” decía que “la música puesta por el compositor gaditano al sainete de su coterráneo es una verdadera delicia, por su carácter, por su gracejo y por su sobriedad” y “Blanco y Negro” destacaba el papel de Lucrecia Arana que “ha puesto toda su conciencia en la Tinoca. Y de un modesto embolado que hubiera sido en otras manos, en las de ellas ha adquirido el relieve de un primer papel”.

El compositor

El compositor Gerónimo Giménez (grafía de la que él gustaba) nació en Sevilla el 10 de octubre de 1852 y murió en Madrid el 19 de febrero de 1923. La fecha, y aun el lugar, de nacimiento no están exentos de polémica, yo cito los datos del Diccionario de la Zarzuela, contrastados según ellos con la partida de bautismo, pero en la Historia de la Zarzuela de Arnau se cita el año de 1854 y se hace eco de que en algunos lugares figura como gaditano y nacido en 1858 y tanto en "El libro de la Zarzuela" como en la Enciclopedia Espasa figuran el 10 de octubre de 1854 como fecha de nacimiento. En su niñez se traslada su familia a Cádiz, en donde 1864 ingresa como primer violín en la orquesta del Teatro Principal y en 1866 debuta como director de orquesta. Desde 1874 hasta 1877 está en París estudiando en su Conservatorio donde se relaciona con Sarasate, Chabrier, Lalo, Saint Saens y Debussy al que venció en premio de piano. De vuelta a España, primero en Cádiz y luego en Madrid gana gran prestigio como Director de Orquesta, contribuyendo además a la difusión de la música. Fue Director de Orquesta del Teatro Apolo, del de la Zarzuela, de la Unión Musical Española y de Sociedad Madrileña de Conciertos. Como compositor estrenó ingente cantidad de zarzuelas, la mayoría de ellas, como es habitual en el género, sobre libretos de poca calidad. En ellas destaca su españolismo, pese a su formación parcialmente francesa, y su gracia (fue llamado por Vives el "músico del garbo" y por otros considerado como el antecedente de Falla, así como LA TEMPRANICA precursora de LA VIDA BREVE) y desde la primera EL VERMOUTH DE NICOMEDES (1885) destacaré, sólo por señalar las que me consta que han tenido trascendencia fonográfica, las siguientes: LOS VOLUNTARIOS (1893 y cuyo pasodoble fue exaltado por el espíritu popular a la categoría de himno nacional, como antes había ocurrido con el "Viva España" de Chueca, todo ello según Arnau), EL BAILE DE LUIS ALONSO (1896), LA BODA DE LUIS ALONSO (1897), LOS BORRACHOS (1899), LA TEMPRANICA (1900), EL BARBERO DE SEVILLA (1901, con Miguel Nieto), ENSEÑANZA LIBRE (1901), LA TORRE DEL ORO (1902), EL HÚSAR DE LA GUARDIA (1904 con Amadeo Vives), LA GATITA BLANCA (1905 también con Vives), CINEMATÓGRAFO NACIONAL (1907), EL PATINILLO (1909) y SOLEARES (1919). Desde entonces se produjo su dramático declive, no pudiendo ni siquiera conseguir, como pretendió, una cátedra en el Conservatorio de Madrid, muriendo en la más absoluta pobreza.

El libretista

Francisco Javier de Burgos Sarragoiti (el Diccionario de la Zarzuela convierte equivocadamente el segundo apellido en Larragoiti), nació en El Puerto de Santa María (Cádiz) en 1842 y murió en Madrid el 12 de marzo de 1902. No confundir con el político y escritor Francisco Javier de Burgos y del Olmo, de Motril ni con Francisco Javier de Burgos Rizzoli, sobrino de nuestro biografiado. Sainetero que iba para Ingeniero de Camino pero al que la muerte de su padre y su vocación destinaron al teatro. Sus obras se distinguen por el gracejo con que están escritas, el acertado movimiento escénico y lo bien dibujado de los personajes. En el campo de la zarzuela destacan sus obras CADIZ con música de Chueca y Valverde, EL BAILE DE LUIS ALONSO, LA BODA DE LUIS ALONSO Y TRAFALGAR, todas estas con música de Gerónimo Giménez.

Sinopsis

Cuenta “El Libro de la Zarzuela” que aunque estrenada con anterioridad a LA BODA DE LUIS ALONSO, la acción, situada en el Cádiz de 1840, ofrece una situación posterior en la vida del matrimonio protagonista. Por la vivienda y a la vez academia del famoso profesor de danza Luis Alonso desfilan personas de todas las clases sociales de Cádiz, para aprender el arte del baile. De vez en cuando, el maestro organiza una fiesta en su salón para sus amigos y discípulos, que incluye un banquete y una danza general. La mujer de Luis Alonso, María Jesús, ayuda en todo a su marido. Ambos cuentan con el concurso de Tinoco, guitarrista de la academia, quien ameniza las fiestas con su música. Tinoco está enamorado de María Jesús, y aunque ella no le presta atención acepta del guitarrista unos magníficos zarcillos como regalo. Cada personaje de los que acuden al baile trae consigo una aventura, un problema personal, una tragedia. Mas todo el mundo intenta disimular sus secretos y fingir lo que no es. Así por la casa de Luis Alonso desfilan un marqués viejo pero aficionado aun a las mozas, una viuda interesada en colocar a sus hijas para salvarse de las deudas, la mujer de Tinoco, Juana, que sospecha que su marido quiere engañarla y que busca sus zarcillos…los mismos que el guitarrista regaló a María Jesús. En plena fiesta ser descubren las interioridades de cada uno, incluidas las de Luis Alonso, quien se creía libre de toda culpa. Todo ello causa un gran revuelo y proporciona un fondo moral aleccionador amable y divertido.

EL BAILE DE LUIS ALONSO se inicia con un preludio en el que aparece un ritmo de polka, y después de unos acordes de interrupción, una especie de vals. “Mi señora intendenta” es la primera pieza de esta obra en la que intervienen Luis Alonso, María Jesús, Doña Manuela y sus dos hijas. Se prepara una escena de baile que nos presenta en la orquesta los ritmos de minueto, varsoviana, schottisch, lanceros y bolero “vasto repertorio de los bailes de salón” como dice el propio protagonista. Giménez escribe pequeñas obras maestras de la elegancia y el buen gusto orquestal. Un dúo entre María Jesús y Tinoco: “Comarita de mi vía”, nos conduce después a otro intermedio para la orquesta menos conocido que el de su obra gemela LA BODA DE LUIS ALONSO, pero también bastante divulgado por las orquestas españolas. El oboe lleva en algún momento la parte protagonista de la melodía. Al fondo se oye el sonido de las castañuelas, pero la instrumentación va presentando diferentes voces: comentarios del fagot, tintineo del triángulo, frases serias del metal, trinos del flautín etc. La “Canción de la gitana”, cantada por Juana con vocalizaciones a la flamenca, sigue al intermedio, y a continuación Luis Alonso aparece para cantar una brillante polka tan inspirada como cualquiera de las de Johann Strauss II. El coro se suma a la pieza, comentando las excelencias de la academia de Luis Alonso. Un concertante en el que reside el nudo de la sencilla acción de este sainete lírico se desarrolla con todos los personajes y el coro con ideas musicales en las que se percibe todavía la influencia de Rossini. Unos brevísimos compases concluyen la obra.

Índice de escenas

Zarzuela en un acto con los siguientes números musicales:

Acto único: 1: Preludio. 2: Lección de baile “Mi señora intendenta….Luego der Congo se trasplantó……Ahora coreado el schottisch verá”. 3. Dúo “Comarita de mi vía”. 4. Intermedio. 5. Canción de la gitana “Ay malhaya la presona que se fía de un gachó”. 6. Polka “Bailar al fin podemos ya con expansión”. 7. Concertante “¡Ya estoy dentro! ¡La Tinoca!

Personajes

Los principales son:

María Jesús: Mujer de Luis Alonso. Soprano o mezzosoprano.
Juana: Gitana, mujer de Tinoco, en busca de sus zarcillos. Soprano o mezzosoprano.
Doña Manuela: Mujer del Intendente que trata de casar a sus hijas. Soprano
Luis Alonso: Maestro de baile. Tenor.
Tinoco: Guitarrista de la academia qu
e le tira los tejos a María Jesús. Tenor cómico.

 


EL BARBERILLO DE LAVAPIES


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Zarzuela en tres actos
Texto original de LUIS MARIANO DE LARRA
Música de FRANCISCO ASENJO BARBIERI
Estrenada el 18 de diciembre de 1874 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid


Elenco del estreno

Paloma: DOLORES FRANCO DE SALAS, Marquesita: CECILIA DELGADO, Don Luis: ROSENDO DALMAU, Lamparilla: MIGUEL TORMO

La obra:

Se estrenó en el Teatro de la Zarzuela el 18 de diciembre de 1874 (Salvador Valverde cita el día 19) días antes del pronunciamiento militar de Martínez Campos en Sagunto el 29 de diciembre que estuvo a punto de dar al traste con la restauración de Alfonso XII preparada por Cánovas. Fue fruto de la colaboración de Francisco Asenjo Barbieri y Luis Mariano de Larra, iniciada dos años antes con SUEÑOS DE ORO, pero registrándose en el Diccionario de la Zarzuela cierta disparidad en cuanto a los precedentes próximos de esta obra, ya que si por un lado se nos dice en la reseña del Barberillo que Larra desaconseja a Barbieri el “paralelismo” con “Pan y Toros”, por otro lado en la biografía del libretista se indica que se inspiró en el enorme éxito de “Pan y Toros”, relación que yo no veo tan de “causa/efecto” pues esa zarzuela, aunque siempre gozó de éxito, se había estrenado diez años atrás e incluso llegó a ser prohibida en 1867. Siguiendo a Salvador Valverde vemos que se repitió el suceso clamoroso de diez años antes con PAN Y TOROS, y que llegó a tiempo de salvar al teatro de la Zarzuela y al género lírico con esta obra maestra

El compositor

Francisco Asenjo Barbieri, nació en Madrid el 3 de agosto de 1823 y murió en la misma ciudad el 17 de febrero de 1894. Tras iniciar estudios de Medicina e Ingenieria, oyó una opera italiana que decidió su vocación; fue de todo, hasta el punto de que la presentación de Lamparilla le va como anillo al dedo. Marcos Redondo en “Un hombre que se va” considera a la Zarzuela como la consecuencia de una revolución contra la música italiana, y viene a reconocer como el caballero andante de dicha revolución a Barbieri “hombre bueno y enamorado de la música que, después de una vida novelesca, y contando con la protección de Carnicer, se propuso dignificar la música española”. De sus grandes obras destacan todavía: JUGAR CON FUEGO (1851), LOS DIAMANTES DE LA CORONA (1854), PAN Y TOROS (1864) y EL BARBERILLO DE LAVAPIES (1984), todas ellas trufadas de tramas conspiratorias, pero su actividad de investigador musical va pareja y subyacente con su actividad de compositor, y así publicó el “Cancionero de Palacio” fuente inagotable de inspiración para él y los músicos que le sucedieron. Además contribuyó decisivamente a la construcción del Teatro de la Zarzuela inaugurado el 10 de octubre de 1856.

El libretista

Luis Mariano de Larra Wetoret, hijo del famoso Fígaro, nació en Madrid el 17 de diciembre de 1830 y murió en la misma capital el 20 de febrero de 1901. Fue novelista, poeta, autor dramático y periodista, destacando sobre todo en el campo de la zarzuela en donde, al coincidir con el sentimiento popular, se convirtió en el escritor favorito, alcanzando sus obras un número de representaciones entonces desconocido. En el campo de la zarzuela destacan CHORIZOS Y POLACOS y EL BARBERILLO DE LAVAPIES, ambas con música de Barbieri. Pero cosechó antipatías en la crítica, en parte heredadas por las dirigidas a su padre y en parte por la independencia de su carácter, hasta tal punto que el Espasa se hace eco de la crítica del P. Blanco sobre nuestro comentado en que llega a decir “pero las vaciedades de un sentimentalismo trasnochado, la condescendencia con el mal gusto de los mas, la intención moralizadora comprometida por gravísimos tropiezos, y la infidelidad psicológica e histórica, han convertido frecuentemente los dramas de Larra en mosaicos de desaciertos”. En fin nunca llueve a gusto de todos, ni ahora con Calisto Beitio cuyo montaje de la obra que nos ocupa tanto revuelo formó incluso en el Foro Nueva Zarzuela, ni en 1916 cuando se editó el tomo 29 del Espasa.

Sipnosis

La acción transcurre durante el reinado de Carlos III, tras el motín de Esquilache provocado por la prohibición de capas largas y sombreros anchos, fue la época en que se iluminó la Villa y Corte con faroles de aceite y en que se crearon los serenos; ninguna de estas medidas fueron bien acogidas por quien buscaba la complicidad del disimulo y de la oscuridad en apoyo de su impunidad. El argumento, en un ambiente castizo, cuenta, en tres actos, dos historias de amor, una de plebeyos: Paloma y Lamparilla y otra de nobles: la Marquesita (seguidora política de Floridablanca) y Don Luis (partidario y sobrino de Grimaldi, rival político de Floridablanca), todo aderezado de un clima conspiratorio no exento de picardía y de crítica social y política; dichas historias se entrecruzan y se entremezclan con escenas costumbristas. A esta trama aplica Barbieri una música vibrante, destacan en unos números su brillantez (el preludio y presentación de Lamparilla, las seguidillas etc.....), en otros su sustrato popular (la canción de Paloma, el dúo de Paloma y Lamparilla, el de las majas, las caleseras etc.....) y en todos una orquestación genial, una gracia que no caduca y que componen una obra extraordinaria de las que sin ningún sonrojo pueden competir con buena parte de las óperas.

Indice de escenas

Musicalmente la obra se articula en tres actos y en los siguientes números:

Acto I: 1. Introducción “Dicen que en el Pardo, madre”, presentación de Lamparilla y coro general “Salud, dinero y bellotas”. 2. Presentación de Paloma y coro “Como nací en la calle de la Paloma. 3. Terceto de la Marquesita, Don Luis y Don Juan “Este es el sitio” 4. Terceto de la Marquesita, Paloma y Lamparilla! “¡Lamparilla, ¡Servidor!”. 5. Jota de los estudiantes “Ya los estudiantes, madre” y final del actoI.

Acto II: 6. Escena de los guardias “Aquí está la ronda”, guardias, clientes y mancebos “Pobre Lamparilla” y relato de Lamparilla “Mil gracias vecinos”. 7. Dúo de la Marquesita y Don Luis “En esta casa solariega”. 8. Dúo de Paloma y Lamparilla “Una mujer que quiere ver a un barbero”. 9. Seguidillas “En el templo de Marte vive Cupido”. 10. Final del acto II “La puerta de esta casa.

Acto III: 11. Coro de Paloma y costureras “El noble gremio de costureras. 12. Intermedio orquestal. 13. Dúo de las majas “Aquí estoy ya vestida”. 14. Cuarteto y caleseras “El sombrero hasta las cejas”. 15. Coro de costureras y guardias “Aquí están los que buscamos. 16. Final “Y es necesario pedir perdón” y repetición de las caleseras “En entrando una maja”.

Personajes

Son los siguientes:

Paloma: Simpática costurera enamorada del barbero Lamparilla y protegida de la Marquesita del Bierzo a la que ayuda a salir del enredo político en que se mete. Su papel lo suele cantar una mezzosoprano.

Lamparilla: Barbero y “alma mater” de esta obra. Trapisondista y somático, enamorado de Paloma y por ella le ayuda en la conspiración. Es interpretado por un tenor cómico, con la excepción de Luis Sagi Vela.

Marquesita: Noble que gusta del ambiente popular partidaria de Floridablanca y que conspira contra Grimaldi, pese a estar enamorada de su sobrino Don Luis de Haro. Su papel lo canta una soprano

Don Luis: Sobrino de Grimaldi y rival por tanto de Floridablanca pese a estar enamorado de la Marquesita. El papel lo canta un tenor.

Don Juan de Peralta: Noble conspirador al servicio de Floridablanca. Suele cantarlo un bajo.

Don Pedro de Monforte: Militar al servicio de Grimaldi. El papel lo canta un bajo.

 


EL BARBERO DE SEVILLA

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Zarzuela cómica en un acto, dividido en tres cuadros, original y en prosa
Texto original de GUILLERMO PERRÍN y MIGUEL DE PALACIOS
Música de MANUEL NIETO y GERÓNIMO GIMÉNEZ
Estrenada el día 5 de Febrero de 1901 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid


Elenco del estreno

La Roldan: LUCRECIA ARANA, Elena: ANTONIA ARRIETA, Doña Casimira: NIEVES GONZÁLEZ, Ricardo Martín: JOSÉ SIGLER, Bataglia: JULIÁN ROMEA, Don Nicolás: JOSÉ MONCAYO

La obra

La obra que contiene algunos recordatorios de óperas (El barbero de Sevilla, Lucía de Lammermoor, Dinorah y La favorita) goza de una excelente partitura en que destacan el dúo de soprano y barítono “¿Barítono tú? la romanza de soprano “Yo soy la tiple más eminente” y sobre todo la polonesa, también para soprano, “Me llaman la primorosa”. Y es obra que, como consta en el apartado discográfico de esta reseña, no ha caído en el olvido.

Los compositores

El compositor Gerónimo Giménez (grafía de la que él gustaba) nació en Sevilla el 10 de octubre de 1852 y murió en Madrid el 19 de febrero de 1923. La fecha, y aun el lugar, de nacimiento no están exentos de polémica, yo cito los datos del Diccionario de la Zarzuela, contrastados según ellos con la partida de bautismo, pero en la Historia de la Zarzuela de Arnau se cita el año de 1854 y se hace eco de que en algunos lugares figura como gaditano y nacido en 1858 y tanto en "El libro de la Zarzuela" como en la Enciclopedia Espasa figuran el 10 de octubre de 1854 como fecha de nacimiento. En su niñez se traslada su familia a Cádiz, en donde 1864 ingresa como primer violín en la orquesta del Teatro Principal y en 1866 debuta como director de orquesta. Desde 1874 hasta 1877 está en París estudiando en su Conservatorio donde se relaciona con Sarasate, Chabrier, Lalo, Saint Saens y Debussy al que venció en premio de piano. De vuelta a España, primero en Cádiz y luego en Madrid gana gran prestigio como Director de Orquesta, contribuyendo además a la difusión de la música. Fue Director de Orquesta del Teatro Apolo, del de la Zarzuela, de la Unión Musical Española y de Sociedad Madrileña de Conciertos. Como compositor estrenó ingente cantidad de zarzuelas, la mayoría de ellas, como es habitual en el género, sobre libretos de poca calidad. En ellas destaca su españolismo, pese a su formación parcialmente francesa, y su gracia (fue llamado por Vives el "músico del garbo" y por otros considerado como el antecedente de Falla, así como LA TEMPRANICA precursora de LA VIDA BREVE) y desde la primera EL VERMOUTH DE NICOMEDES (1885) destacaré, sólo por señalar las que me consta que han tenido trascendencia fonográfica, las siguientes: LOS VOLUNTARIOS (1893 y cuyo pasodoble fue exaltado por el espíritu popular a la categoría de himno nacional, como antes había ocurrido con el "Viva España" de Chueca, todo ello según Arnau), EL BAILE DE LUIS ALONSO (1896), LA BODA DE LUIS ALONSO (1897), LOS BORRACHOS (1899), LA TEMPRANICA (1900), EL BARBERO DE SEVILLA (1901, con Miguel Nieto), ENSEÑANZA LIBRE (1901), LA TORRE DEL ORO (1902), EL HÚSAR DE LA GUARDIA (1904 con Amadeo Vives), LA GATITA BLANCA (1905 también con Vives), CINEMATÓGRAFO NACIONAL (1907), EL PATINILLO (1909) y SOLEARES (1919). Desde entonces se produjo su dramático declive, no pudiendo ni siquiera conseguir, como pretendió, una cátedra en el Conservatorio de Madrid, muriendo en la más absoluta pobreza.

Manuel Nieto Matán, nació en Reus (Tarragona) el 17 de octubre de 1844 y murió en Madrid el 6 de agosto de 1915. Hijo de un músico de regimiento estrenó su primera zarzuela LA TOMA DE TETUAN, a los quince años, en Córdoba. Tras residir, también, en Badajoz y Valladolid se afinca en Madrid en 1969 dedicándose primero a la dirección de coros y orquesta y luego a la composición de zarzuelas, muchas de ellas en colaboración con otros eminentes músicos como Fernández Caballero, Chapí, Giménez, Bretón y Marqués. Sus obras se distinguen por una cierta fluidez melódica no exenta de elegancia pero adolecen de monotonía debido, según el Espasa, a lo descuidado de la técnica. Su primer estreno “serio” fue LA SONAMBULA en 1872 alcanzando el cenit de su fama a partir de los 80, destacando entre sus obras CERTAMEN NACIONAL y EL GORRO FRIGIO (1888), CUADROS DISOLVENTES (1896), y EL BARBERO DE SEVILLA (1901) en colaboración con Giménez.

Los libretistas

Miguel de Palacios Brugueras nació en Gijón en 1863 y murió en Covadonga el 3 de octubre de 1920, estudió Medicina pero no ejerció. En solitario escribió alguna obra como la opereta “El rajá de Bengala” con música de Rafael Calleja pero casi todas sus obras, unas 140, las compuso “al alimón” con su “hermano siamés del género chico” Perrín, todas ellas dotadas de elementos dramáticos y cómicos, aunque el sentido del humor sea la constante de sus obras y entre ellas destacaron: CERTAMEN NACIONAL y CUADROS DISOLVENTES de Nieto, PEPE GALLARDO de Chapí, ENSEÑANZA LIBRE y LA TORRE DEL ORO de Giménez, LA CORTE DEL FARAON de Lleó, BOHEMIOS y LA GENERALA de Vives, EL BARBERO DE SEVILLA de Nieto y Jiménez y “EL HUSAR DE LA GUARDIA de Vives y Giménez.

Guillermo Perrín Vico, nacido en Málaga en 1857 y muerto en Madrid en 1923, estudió Derecho, pero no ejerció. En solitario escribió algunas obras como MONOMANIA MUSICAL y EL GRAN TURCO de Manuel Nieto y LA CUNA de Chapí, pero casi todas sus obras, unas 140, las compuso “al alimón” con su “hermano siamés del género chico” Perrín, todas ellas dotadas de elementos dramáticos y cómicos, aunque el sentido del humor sea la constante de sus obras y entre ellas destacaron: CERTAMEN NACIONAL y CUADROS DISOLVENTES de Nieto, PEPE GALLARDO de Chapí, ENSEÑANZA LIBRE y LA TORRE DEL ORO de Giménez, LA CORTE DEL FARAON de Lleó, BOHEMIOS y LA GENERALA de Vives, EL BARBERO DE SEVILLA de Nieto y Jiménez y “EL HUSAR DE LA GUARDIA de Vives y Giménez.

Sinopsis

Se nos cuentan las incidencias sufridas por “una compañía en busca de representación” de la ópera de Rossini EL BARBERO DE SEVILLA. Elena, la futura Rosina, es vetada por su padre, Don Nicolás, para el canto, Ricardo Martín el novio de la niña oculta que es barítono de ópera, Bataglia el maestro de música de Elena es maltratado por el cafre del padre, así y todo hay final feliz, gracias a que se descubren los “picos pardos” de Don Nicolás y éste tiene que transigir.

Índice de escenas

Zarzuela cómica en un acto, con los siguientes números musicales:

Acto único: 1. Introducción y terceto de Elena, Doña Casimira y Bataglia “Vamos Elena sal por favor que quiere verte tu profesor”. 2. Dúo de Elena y Ricardo Martín “¿Barítono tú? Barítono yo, ya nos une el arte. 3. Terceto de La Roldán, Don Nicolás y Benito “Aun estoy nerviosa con lo sucedido….Yo soy la tiple más eminente”. 4. Cuarteto “Ya por fin por la senda del arte, discípula, vas” y Polonesa “Me llaman la primorosa”. 5. Concertante “Tira de la falda para que se iguale” y final “Celebremos con alegría el aplauso que supo alcanzar”.

Personajes

Elena: Hija de Don Nicolás y Doña Casimira. Tiple en ciernes. Soprano.
La Roldán: Tiple profesional liada con Don Nicolás. Soprano.
Ricardo Martín: Novio de Elena y barítono de ópera. Barítono.
Doña Casimira: Madre de Elena. Actriz cantante.
Don Nicolás: Padre de Elena. Actor.
Bataglia: Profesor de música. Actor cantante.
Benito Sánchez: Amigo y encubridor de Don Nicolás. Actor.

 


EL BATEO

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El bateo

Sainete lírico en un acto, y cuatro cuadros
Texto original de ANTONIO PASO y ANTONIO DOMÍNGUEZ
Música de FEDERICO CHUECA
Estrenada el 7 de noviembre de 1901 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid


Elenco del estreno

Nieves: ELENA SALVADOR, Visita: ISABEL LÓPEZ, Señora Valeriana: NIEVES GONZÁLEZ, Wamba: PEPE RIQUELME, Lolo: VALENTÍN GONZÁLEZ, Pamplinas: PABLO ARANA, Virginio: ANTONIO GONZÁLEZ, Película: Sr. MARINER, El músico: Sr. SÁNCHEZ

La obra

EL BATEO, sainete lírico en un acto, fue el último éxito de Chueca y su única obra estrenada en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, lo que acaeció el 7 de noviembre de 1901 (aunque el Libro de la Zarzuela señala el 17 de noviembre).

Los libretistas, casi sin argumento, trataron de plasmar unas escenas populares con tipos curiosos y lo consiguieron plenamente. En cuanto a la música de Chueca, no tiene que envidiar a la de ninguna otra obra del inspirado autor madrileño, componiendo una especie de mosaico o suite de diversos bailes, como las seguidillas o sevillanas del inicio, el tango en las coplas de Wamba, el vals en el dúo, el popurrí de los organilleros, la polka del fotógrafo y la gavota del músico. La obra obtuvo un gran éxito, y se ha mantenido airosamente a lo largo de los años como lo prueba su actual reposición en el Teatro de la Zarzuela.

El compositor

Federico Chueca Robles nació en Madrid (Casa de los Lujanes en la Plaza de la Villa, donde se cuenta que estuvo preso Francisco I de Francia tras su apresamiento en 1520 en la batalla de Pavía) el 5 de mayo de 1846 y murió en la misma capital el 20 de junio de 1908. Desde su niñez en el Conservatorio Chueca, con sus dotes naturales extraordinarias, no comprendía que hubiera que estudiar para ser músico, le molestaba escribir música y admiraba a quien escribía con soltura en el papel pautado como Barbieri o Bretón. Lo primero de Chueca que se llevó al pentagrama fueron unos valses titulados “El lamento de un preso” que compuso cuando lo estuvo por mor de los incidentes de “La noche de San Daniel” (La noche del 10 de abril de1865 la policía cargó contra las manifestaciones de estudiantes dejando nueve muertos y muchos heridos. Los estudiantes se manifestaban a favor de Castelar que había sido separado de su cátedra por un artículo titulado “El Rasgo” sobre la decisión de Isabel II de vender la mayor parte de su patrimonio regalando el 75% al Tesoro y reservándose el 25%, interpretando que tras su aparente generosidad se escondía un despojo a la Nación propietaria legítima de todo el Patrimonio.), liberado corrió a ver a Barbieri quien le hizo repetir la música y los pasó al pentagrama. Barbieri fue pues su primer colaborador con el que luego estrenó la zarzuela HOY, SALE HOY, el segundo Bretón con el que estrenó BONITO PAIS, siendo el habitual, hasta 1890, Joaquín Valverde, que le escribía la música y aportaba algún elemento técnico de su cosecha. Chueca se servía de “monstruos” (en el argot teatral son unas palabras, más o menos absurdas, pero que siguen una rítmica y que sirven para componer la música) y escribía la letra de muchas partes de sus obras, obviando al libretista. En 1875 estrenó su primera obra EL SOBRINO DEL DIFUNTO, y desde entonces se suceden los éxitos de los que me limito a detallar BONITO PAIS en 1877, LA CANCION DE LA LOLA (en colaboración con Valverde) en 1880, FIESTA NACIONAL en 1882, HOY, SALE HOY y CARAMELO en 1884, LA GRAN VIA y CADIZ (ambas en colaboración con Valverde) en 1886, DE MADRID A BARCELONA en 1888, EL AÑO PASADO POR AGUA y DE MADRID A PARIS en 1889 (ambas también en colaboración con Valverde), LA CAZA DEL OSO O EL TENDERO DE COMESTIBLES en 1891, LOS DESCAMISADOS en 1893, AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE, en 1897, LOS ARRASTRAOS en 1899, LA ALEGRIA DE LA HUERTA en 1900 y EL BATEO en 1901. Cuenta Rafael Mitjana que Camilo Saint-Saëns gustaba de asistir a las zarzuelitas de Chueca y que el le regaló un ejemplar de la partitura de una de ellas, DE MADRID A PARIS (en que se cantaba aquello de “A mi me llaman la Pelos, a mi la de Lavapiés”) no quiso el gran músico el obsequio seguramente para no “contaminarse” con algo hecho sin la disciplina debida, pero cuando echaba a la estufa la partitura, volvió a cantar la picaresca melodía para terminar diciendo “Qué clase de talento tiene este demonio de compositor que, casi sin saber música, la crea de tal fuerza que no se la puede olvidar cuando una vez se la oye”. Se lee en el Espasa que no eran sus composiciones la más depurada expresión del espíritu nacional, en el sentido que en todas partes se da a la música popular: eran más bien la inspiración de una musa callejera, bastante artificial, que venía a ser como los couplets en Francia, con el mismo descoco, la misma alegría y la misma facilidad que aquellos, que pronto se convertían en música para los organillos callejeros, para los cafés y, en general, para el pueblo. Fue más que un músico español comprensivo para toda España, un madrileño que improvisaba sus canciones, sin grandes conocimientos de técnica pero dotado de extraordinaria facilidad y exquisita sencillez. Este madrileñismo tuvo sus excepciones, pues CARAMELO y CADIZ, son de puro estilo andaluz, LA ALEGRIA DE LA HUERTA, murciana y el tercer cuadro de LA CAZA DEL OSO O EL TENDERO DE COMESTIBLES, es asturiano neto. Comenta Arnau que a Chueca no se le puede analizar pues antes de que intentemos analizar la construcción de la frase el pensamiento del autor se ha apoderado de nosotros y le seguimos en volandas por los giros inigualados de sus castizos pasacalles. En su creación las cosas fluían de repente o no salían. Lo mismo da en la música que en la letra, si le faltaba una palabra española para llenar su frase musical la inventaba si era necesario en francés macarrónico y se quedaba tan pancho, porque además, el resultado tenía asegurado el éxito.

Los libretistas

Antonio Paso Cano, nació en Granada el 9 de septiembre de 1870 y murió en Madrid el 11 de julio de 1958. Estudió Derecho pero se dedicó al periodismo y al teatro, como autor y como director de escena. Muchas de sus obras fueron en colaboración con otros autores. En el campo de la zarzuela destacan EL BATEO y LA ALEGRIA DE LA HUERTA, de Chueca, EL ASOMBRO DE DAMASCO, EL NIÑO JUDIO y BENAMOR, de Luna y LA LEYENDA DEL BESO, de los maestros Soutullo y Vert.

Antonio Domínguez Fernández nació en Santa Cruz de Tenerife en 1877 y murió en la misma capital el 13 de noviembre de 1942. Fue Juez de Primera Instancia en Madrid (regía el nº. 13 cuando en 1936 hubo de refugiarse en la Embajada de Cuba hasta que en noviembre de 1937 pasó a la llamada zona nacional) y Magistrado de la Audiencia en Málaga y su ciudad nativa. Colaboró en numerosas publicaciones, pero sobre todo destacó como aplaudidísimo autor dramático desde su primera obra EL BATEO con música de Chueca, sobresaliendo EL CIEGO DE BUENAVISTA, EL FRESCO DE GOYA con música de Quinito Valverde, COLGAR LOS HABITOS con música de Lleó y Foglietti y EL SEDUCTOR con música de Chapí.

Sinopsis

El bautizo (bateo) es el del niño de Nieves y Lolo, cuya paternidad es puesta en duda por Pamplinas, antiguo enamorado de Nieves que se propone estropear el bautizo, ayudado por Visita una chulapa encaprichada de Lolo y a quien quiere Virginio; para ello propaga el rumor de que en casa de Nieves entre un hombre de madrugada, el hombre en cuestión es Wamba pero no busca a Nieves sino a su madre. Al final todo termina con la alegría de todos, Pamplinas queda burlado, Nieves y Lolo se disponen a casarse, al igual que Valeriana y Wamba. El pobre Virginio es el que paga el pato pues todos le echan la culpa de las conspiraciones.

Este argumento, simple aunque humorísticamente enredado, es adornado con afortunadas intervenciones de Wamba, Virginio, Visita o de tipos populares como los organilleros, el fotógrafo y el músico.

Índice de escenas

La obra, en un solo acto, cuenta con los siguientes números musicales:

1. Preludio y sevillanas “No quiere el municipio regar en el Lavapiés”. 1.bis. Tango de Wamba “Tum purumpum….Cuchichí, cuchichí….El día menos pensado pasa una barbaridad…..El día que yo gobierne si es que llego a gobernar”. 2. Dúo de Virginio y Visita “Yo me llamo Virginio Lechuga”. 2.bis. Coro “Bateo pelao”. 3. Popurrí de organilleros “Somos los organilleros, somos los pianistas de la capital, que nos declaramos en huelga por necesidad. 4. Polka del fotógrafo “¡Qué grupo más bonito!”. 5. Gavota del director y coro “Pianísimo ese Re, empieza el minué”. 6. Final orquestal.

Personajes

Detallo los principales:

Visita: Chulapa enamorada de Lolo y pretendida por Virginio. Soprano o mezzo.
Nieves: Madre del bautizado. Soprano
Señora Valeriana: Madre de Nieves que tiene un “apaño” con Wamba. Actriz.
Wamba: “Terrible” anarquista y padrino en el bateo. Tenor (en el estreno).
Virginio: Hortera, mancebo o dependiente de una casa de empeño. Tenor
Lolo: Empleado de Consumos y padre del bautizado. Actor.
Pamplinas: Chulo que disputa la paternidad del niño a Lolo. Actor.
Película: Fotógrafo. Tenor.
Músico: Tenor.


LA BEJARANA

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La bejarana

Zarzuela en dos actos.
Texto de LUIS FERNANDEZ ARDAVIN.
Música de FRANCISCO ALONSO LOPEZ Y EMILIO SERRANO
Estrenada el 31 de mayo de 1924 en el Teatro Apolo de Madrid.


Elenco del estreno

Luz María: MARIA CABALLE; Inesilla: EUGENCIA GALINDO; Ana: EMILIA CABALLE; José Luís: ARTURO CASTRO; Blasillo: FRANCISCO GALLEGO; El sargento de los quintos: FERNANDO LATORRE; El señor Pedro: VALENTIN GONZALEZ; Don Esteban: JESUS NAVARRO.

La obra:

Los comentarios periodísticos tras el estreno de LA BEJARANA destacaron el hecho de que era una zarzuela al viejo estilo, con música elegante, muy apoyada en el folclore salmantino. Del texto, se destacó la sonoridad de la rima y la fluidez del verso. El éxito fue extraordinario. Llegó a representarse tres veces al día durante los meses de junio y julio, se ofreció en París con intérpretes de primera fila: Cora Raga, Marcos Redondo, Eduardo Marcén, Antonio Palacios. Entre sus muchos números musicales, llamaron la atención la "Canción de Inés y coro de mozas" con que se inicia; sendos dúos, de Luz María y José LuÍs y el cómico de Inesilla y Blasillo; una "Charrada", baile típico salmantino, y un pasodoble que se convirtió en música patriótica influenciada por el espíritu enardecido por los sucesos bélicos de Marruecos y que se conoce como "Pasodoble de los quintos".

Los compositores

Francisco Alonso, nació en Granada el 9 de mayo de 1987 y murió en Madrid el 18 de mayo de 1948. De 1900 datan sus primeras obras conocidas, estrenadas en Las Escuelas del Ave María del Padre Manjón, poco después en 1903 es nombrado director de la Orquesta Filarmónica de Granada y de la Banda de obreros polvoristas de El Fargue (según el Diccionario de la Zarzuela en 1906). En 1911 marcha a Madrid aunque nunca perdió su idiosincrasia "granaína", pues prácticamente fue embajador de Granada en Madrid. Imposible relacionar ni siquiera un porcentaje considerable de sus obras, solo citaré entre las zarzuelas LA LINDA TAPADA y LA BEJARANA (1924), CURRO EL DE LORA y LA CALESERA (1925), LA PARRANDA (1928) y LA PICARONA (1930), ME LLAMAN LA PRESUMIDA (1935), ROSA LA PANTALONERA (1939), MANUELITA ROSAS y LA ZAPATERITA (1941) y LA RUMBOSA (1951) y entre las Revistas, LAS CORSARIAS (1919), LAS CASTIGADORAS (1927) y LAS LEANDRAS (1931), entre otras composiciones destaca la famosísima MAITECHU MÍA y EL HIMNO DE LA EXPOSICIÓN IBEROAMERICANA DE SEVILLA (1929) reliquia recientemente desenterrada por Blue Moon al incluirla en los 5 CDs de Miguel Fleta. Compositor chispeante y brillante que yo creo que pudo alcanzar más calidad de habérselo propuesto pero, como a Guerrero y otros, le atrapó el éxito pronto y fácil, con apresuramiento salvado sólo por su inspiración (consta que los ensayos de La Calesera empezaron sin haber acabado los números musicales, entre ellos el famoso pasacalle y más todavía la romanza final para Marcos Redondo cuya frase musical "tu me puedes olvidar, yo jamás te olvidaré" pasó de las musas al teatro unos días antes del estreno) desembocando en la Revista que en definitiva dañó a la Zarzuela, y eso que aquellas Revistas eran muy superiores a las que les sucedieron. Por eso me hace gracia que "sea políticamente correcto" asimilar lo zarzuelero con su predominio en una determinada época de España, más o menos desde los felices 20 hasta la mediación de la dictadura franquista, cuando, a mi parecer, precisamente la Zarzuela ha sido víctima y no verdugo de la situación vivida en esos años por la música en España.

Emilio Serrano nació en Vitoria el 13 de marzo de 1850 y murió en Madrid el 9 de abril 1939. Músico de sólida formación que inició su vida profesional dedicado a la enseñanza, sucediendo a Arrieta en 1894 en la cátedra de composición del Conservatorio de Madrid y desempeñándolo hasta 1920. Se sintió atraído por la composición orientada hacia la música sinfónica y la ópera, defendiendo durante toda su vida la creación de una ópera nacional española. Su relación con la zarzuela se limita a la composición de algunas que no destacaron como EL JUICIO DE FRINE, LA VOZ DE LA TIERRA O LA BALADA DE LOS VIENTOS, logrando la fama al componer junto a Alonso LA BEJARANA. El Mundo de la Zarzuela le atribuye la coautoría de la zarzuela EL ROMERAL, junto a Díaz Giles, confundido seguramente con Domingo "Serrano" uno de los libretistas o con "Emilio" Acevedo uno de los compositores de dicha obra.

El libretista

Luís Fernández Ardavín, nació en Madrid el 16 de julio de 1891 y murió en la misma capital el 17 de diciembre de 1962. Su estilo está dentro del casticismo y temas regionales, siendo sus obras más conocidas, LA BALADA DE CARNAVAL y EL SEÑOR PANDOLFO de Amadeo Vives, LA BEJARANA de Alonso y Emilio Serrano (el Diccionario de la Zarzuela en la reseña del libretista indica José Serrano), LA PARRANDA y MANUELITA ROSAS de Alonso, LA CARAMBA de Moreno Torroba y EL AMA de Guerrero.

Sinopsis

Ambientada en las cercanías de Béjar (Salamanca) en el 1860, desarrolla un tema muy frecuente en el teatro: El amor entre Luz María, la hija del labrador adinerado, y José Luis, el mozo de labor, con intromisión de Don Esteban, el rico del pueblo, cuya taimada conducta tiene que rendirse a la justicia, en virtud de la cual triunfa el amor pobre, pero honrado. Paralelamente transcurre un segundo amor, el de Ana y Juan que termina muriendo él en la guerra y ella de pena por la muerte de su novio "a quien había dado su honra" ¡cosas que pasan! Tampoco falta la pareja cómica, Inesilla y Blasillo ni las referencias al folklore salmantino.

Índice de escenas

Zarzuela en dos actos, con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Introducción, canción de Inés con coro de mozas "La tejedora de Bejar" y coro de quintos "A la guerra van los mozos". 2. Presentación de Luz María "El manto que tejía". 3. Canción de Blasillo "A la vera de un arroyo". 4. Pasacalle de los quintos "Bejarana no me llores". 5. Dúo de Luz María y José Luís "Tanto te amo, que daría". 6. Dúo cómico de Inesilla y Blasillo "Yo te daré pa que arañes". 7. Coro general "Las mujeres de Béjar". 7bis. Charrada "Por verme bailar" y final del acto I "Si tu lo sabes no importa".

Acto II: 8. Introducción "¡Que viva la nuestra tierra!". 9. Coplas de tururú "Favor le pido a Jesús". 10. Plegaria de Luz María "Jesucristo que en la cruz". 11. Sargento y coro de vaqueros "Yo tengo amores con ella". 12. Romanza de José Luís "Con ella siempre soñaba". 13. Coro de tiples "El amor purifica" y final "Por verte mía, la vida"

Personajes

Luz María: Rica hacendada enamorada de José Luís. Soprano.
Ana: Amiga de Luz María Enamorada de Juan. Soprano.
Inesilla: Novia de Blasillo. Tiple cómica.
José Luis: Mayoral. Tenor.
Blasillo: Pretendiente de Inesilla. Tenor cómico.
Sargento de quintos: Barítono.
El señor Pedro: Padre de Luz María. Bajo.
Juan: Novio de Ana. Actor.
Don Esteban: Rico pretendiente de Luz María con malas artes. Actor.

 


BENAMOR

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Benamor

Opereta en tres actos.
Texto de ANTONIO PASO CANO y RICARDO GONZALEZ DEL TORO.
Música de PABLO LUNA.
Estrenada el 12 de mayo de 1923 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.


Elenco del estreno

Benamor: ESPERANZA IRIS; Darío: MIMI DERBA; Nitetis: PILAR ESCUER; Cachemira: CARMEN ESPINOSA; Pantea: RAMONA GALINDO; Abedul: JOSE GALENO; Juán de León: ENRIQUE RAMOS; Rajah-Tabla: BALTASAR BLANQUELLS; Jacinto de Florelia: VALERIANO RUIZ PARIS; Alifafe: LUIS GUZMAN; Babilón: JOSE MARIA CASTEJON; Osmín: JOSE PINEDA.....y otros.

La obra

Forma, junto con EL ASOMBRO DE DAMASCO y EL NIÑO JUDIO la llamada trilogía oriental de Luna que compuso una amplia partitura de diecinueve números musicales, algunos muy extensos y todos dotados de bellas e inspiradas melodías con valiosa armonización y brillante orquesta. BENAMOR fue uno de los mayores éxitos de Luna y lo que aun hoy resulta inexplicable es que se haya dejado "morir" algo tan maravilloso según lo mucho leído y lo poco escuchado (la romanza "País de sol" y la danza del fuego), se repitieron casi todos los números, algunos hasta tres veces y la función terminó a las tres de la madrugada. Destacaron sobre todo, la canción del pajarito "Junto al mirador de tu camerín, canta un pajarillo, por la tarde, así", la canción española "País de sol, de grandeza bravía de sublime poesía esa es España la patria mía", los cuplés de Abedul "Al gobierno dile siempre que no puedes con las cargas; al tendero no le pagues y al casero dale largas. Si te cercan los deudores antes que pagar, emigras, y si estás enamorado no te cases, que peligras"; la canción de Juan de León "Por una mujer el hombre desprecia riqueza y poder y sin vacilar la vida por ella se deja quitar" y por supuesto la sinfónica Danza del Fuego. Esperanza Iris triunfó en su creación de la princesa Benamor y el barítono Enrique Ramos cantaba con brío y pasión la romanza "País de sol" teniendo que interrumpirla para que terminase el desbordante entusiasmo del público arrebatado por aquellas magníficas y valientes estrofas musicales, emotivas y bizarras. El 14 de junio celebró Esperanza Iris su beneficio interviniendo en la representación Luisa Vela y Emilio Sagi Barba que cantó por primera vez la famosa romanza que luego quedó como uno de los mayores logros de su repertorio. También Marcos Redondo la incorporó al suyo en la forma brillante que es comprobable en la discografía.

Como curiosidad traslado lo que cuenta Sagardía sobre la utilización de "monstruos" (frases ficticias que se adaptaban como armadura a la escritura musical) por el maestro Luna, el "monstruo" de la canción española era la repetición (hasta 14 veces) de la frase "Las mujeres, todas tienen muebles en su casa" cuando los libretistas escuchan esto casi le pegan al maestro pero este se los lleva a su casa y les hace oir la música, la escucharon, observaron la justeza del monstruo a la música y escribieron aquella letra que dice: "Su recuerdo, llena mi alma de melancolía, y despierta las pasiones en el alma mía, su recuerdo como un beso de mujer amada.......". Haced la prueba y veréis.

El compositor

Pablo Luna y Carné nació en Alhama de Aragón el 21 de mayo de 1880 y murió en Madrid el 28 de enero de 1942. Era hijo de un teniente de la Guardia Civil. Estudió composición y armonía, pensionado por la Diputación, en la Escuela de Música de Zaragoza y cuando terminó sus estudios dirigió varias compañías de zarzuela hasta que en 1908 fue nombrado Director del Teatro de la Zarzuela de Madrid (este teatro se incendió el 8 de noviembre de 1909 y tardó cuatro años en reconstruirse), y desde 1914 fue además empresario del mismo en donde emprendió, junto con su socio Arturo Serrano, una campaña a favor de la música española, dando entrada a compositores noveles de tanto mérito como Vives, Falla, Turina, Conrado del Campo, Guridi y especialmente Millán. Desde su primera zarzuela LA ESCALERA DE LOS DUENDES (1904), su actividad compositora fue frenética. De sus obras detallo casi exclusivamente las que han tenido trascendencia fonográfica, MUSSETA (1908), MOLINOS DE VIENTO (1910), LOS CADETES DE LA REINA (1913), EL ASOMBRO DE DAMASCO (1916), EL NIÑO JUDIO y LOS CALABRESES (1918), BENAMOR (1923), SANGRE DE REYES en colaboración con Balaguer (1925), LA PASTORELA en colaboración con Moreno Torroba (1926), LA PICARA MOLINERA y LA CHULA DE PONTEVEDRA (1928), LAS CALATRAVAS (1941) y su obra póstuma EL PILAR DE LA VICTORIA (1944), con libreto de Manuel Machado.

Fue quizás el compositor español que más destacó en el cultivo de la opereta española, a la que aportó originalidad de estilo, elegancia melódica, fantasía para la expresión y un cierto exotismo que hicieron decir al maestro Vives que Pablo Luna escribía "música rubia". Al hablar de Luna como cultivador de la opereta considero de interés releer los comentarios que introduje en la Reseña de KATIUSKA y cuyas generalidades, son también aquí de utilidad. Sobre este tema genérico hubo hace algún tiempo un esbozo de debate en el Foro Nueva Zarzuela a raíz de la pregunta de algún aficionado y no me acuerdo si fue El Pichi el que explicaba la diferencia entre opereta y zarzuela, pero el tema no fue acotado con rotundidad, yo diría que porque es tema menor que no afecta a la esencia del género y quizás se ha utilizado esa denominación para obras cuyo argumento no se ha desarrollado en el ambiente castizo o regional español, como ocurre por ejemplo MOLINOS DE VIENTO, LA GENERALA, KATIUSKA, EL ASOMBRO DE DAMASCO, etc..... En resumen podríamos decir que, aunque la opereta vienesa se asentaba en dos pilares fundamentales: la ambientación exótica y distante sobre la base de una ingenua trama amorosa y las edulcoradas melodías a ritmo de vals y ambos elementos se detectan en algunas obras de Luna según lo cual su opereta está todavía más cercana al espíritu vienés que lo estuvo luego la de Sorozabal, no es menos cierto que también se vislumbran ya en el compositor aragonés los caracteres que el Padre Sopeña advirtió en el músico vasco: alejamiento de la procacidad arrevistada dotando de una elegancia a sus partituras que impulsó a Vives a denominarla "música rubia" y observar que, bajo el ropaje de la forma opereta, se esconde la verdadera zarzuela: el acento sobre la romanza, sobre lo emotivo.

Los libretistas

Antonio Paso Cano, nació en Granada el 9 de septiembre de 1870 y murió en Madrid el 11 de julio de 1958. Estudió Derecho pero se dedicó al periodismo y al teatro, como autor y como director de escena. Muchas de sus obras fueron en colaboración con otros autores. En el campo de la zarzuela destacan EL BATEO y LA ALEGRIA DE LA HUERTA, de Chueca, EL ASOMBRO DE DAMASCO, EL NIÑO JUDIO y BENAMOR, de Luna y LA LEYENDA DEL BESO, de los maestros Soutullo y Vert.

Ricardo González del Toro, nació en Cádiz en 1875 y murió en Madrid el 11 de mayo de 1958. Dramaturgo que casi siempre escribió en colaboración primero con Miguel Mihura y a partir de 1920 con otros. En el campo de la zarzuela, con Mihura, escribió LA CANCION ESPAÑOLA con música de Vives, con Paso POR UNA MUJER con música de Lambert (que incluye la famosa romanza para barítono "Carretera Castellana"), con Fernando Luque LA MARCHENERA con música de Moreno Torroba del que también escribió MARI BLANCA y MARIA LA TEMPRANICA y con Antonio Paso BENAMOR con música de Luna.

Sinopsis

El asunto se basa en un cuento oriental que lleva a escena los equívocos generados por la confusión de identidades entre un sultán persa, Darío, y su hermana; Benamor, que son en realidad el uno una mujer y la otra un varón, a quienes su madre hizo pasar como tales para evitar que fueran sacrificados, puesto que la ley preveía la muerte del primogénito, si no era hombre, y la del segundo hijo, si no era mujer. Los verdaderos sentimientos de cada uno afloran cuando ambos sufren la llamada del amor y el deseo, lo que en la trama de la opereta da ocasión a incidentes pintorescos y divertidos, terminando la obra con la asunción de sus verdaderas identidades.

Índice de escenas

Opereta en tres actos con los siguientes números musicales:

Acto I: Preludio y tenor: "Va mi vida triste acabando". 1. Alifafe y genízaros "Del palacio del sultán". 1bis. Odaliscas y genízaros: "La luz de la mañana besó mi celosía". 2. Darío, Cachemira, Abedul y Odaliscas; "Las perlas de tu harén". 3. Darío y otros "Oh que lindos pajes" y romanza de Rajah-Tabla: "Terror del enemigo". 4. Juan de León, Benamor y Darío: "Princesa misteriosa". 5. Benamor, Juan de León y otros "Las regias danzarinas de la corte de Ispahán" y canción del pajarito "Junto al mirador de tu camerín". 5bis. Canción de Juan de León "Oye este canto bravío....País de Sol".

Acto II: 6. Vendedoras y coro general: "Cuando cae la tarde". 6bis. Cuplés de Abedul "Al gobierno dile siempre". 7. Paso del camello "Mirad mirad que hermosa criatura". 8. Benamor y Darío: "¡Quien lo pensara!". 9. Benamor, Jacinto y Rajah-Tabla: "Por vuestro aspecto pendenciero". 10. Quinteto de Benamor, Darío y los tres pretendientes: "Señor perdonad pero es mi deber" y canción de Juan de León: "Por una mujer". 11. Danza del fuego y danzarinas "La mitra refulgente".

Acto III: 12. Benamor y otros "Señores que cosas las de este jardín". 12bis. Benamor y odaliscas "Al contemplaros tan hermosas". 13. Dúo de Benamor y Nitetis: "¡Vos príncipe, señora! 14. Dúo de Darío y Juan de León: Ya que tanto me estimáis" y final "Por una mujer".

Personajes

Los principales son:

Darío: Sultán que en realidad es una hembra. Soprano.
Benamor: Hermana (en realidad hermano) del sultán. Soprano.
Juan de León: Caballero español pretendiente de Benamor. Barítono.
Rajah-Tabla: Feroz guerrero también pretendiente de Benamor.
Jacinto de Florelia: Joven enclenque, pretendiente de Benamor.
Pantea: Madre del sultán. Actriz cantante.
Alifafe: Eunuco.
Babilón: Mercader.


BLACK EL PAYASO

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Black el payaso

Opereta en un prólogo, y tres actos
Texto original de FRANCISCO SERRANO ANGUITA
Música de PABLO SOROZÁBAL
Estrenada el 21 de abril de 1942 en el Teatro Coliseum de Barcelona


Elenco del estreno

Sofía: GLORIA ALCARAZ, Catalina: ANGELITA NAVALÓN, Black: MARCOS REDONDO, White: MANUEL GAS, Dupont: RICARDO MAYRAL, Marat: ANTONIO GARRIDO

La obra

Adaptación de la novela “La princesse aux clowns” de Jean-José Frappa. La obra obtuvo un enorme éxito, sobre todo por la partitura de Sorozabal; de “ampulosa y grande” la calificó José María Junyent, “de gran impulso lírico” Arnau, destacando los dúos de soprano y barítono “Para mi príncipe” y de barítono y tenor “Dibujos de clara belleza”, los números cómicos: un dúo “Dos besos míos” y un cuarteto “¡Ya se encontró!” y las respectivas romanzas de los cuatro protagonistas: la de soprano “Yo que jamás había sentido”, la de barítono “Hacer de un mísero payaso”, la de bajo “Aunque todos nos daban por muertos” y la de tenor “Deja la guadaña segador”.

En esta obra se produjo, por desgracia, el enfado entre Pablo Sorozabal y Marcos Redondo, unión que tan buenos frutos produjo desde el estreno de KATIUSKA en 1931. Apunta el “Diccionario de la zarzuela” que ninguno de ellos da explicaciones del motivo en sus respectivos libros de memorias. Yo aun no tengo el de Sorozabal, pero Marcos Redondo sí dice literalmente en las suyas “En el Coliseum de Barcelona estuvimos representado BLACK EL PAYASO hasta el 25 de mayo, último día de la temporada. Por cierto que Sorozabal, autor de la música de esta obra, se enfadó conmigo. Alguien, nunca he sabido quién, le dijo que yo pensaba retirar la obra del cartel. No era verdad, por supuesto, pero no hubo forma de convencerle. Y el maestro y yo estuvimos sin hablarnos unos cuantos años”. Por lo dicho, yo me inclino a que fuese, por vía de la maledicencia, un obstáculo más de los que puso al maestro el entorno oficial y en el que con gusto colaboraron otros, que siendo excelentes músicos, no rayaron a la misma altura en el plano personal consiguiendo el rompimiento temporal de dos grandes personas y amigos, aunque no lograron su objetivo de hundir al gran compositor.

El compositor:

Pablo Sorozabal nació en San Sebastián el 18 de septiembre de 1897 y murió en Madrid el 26 de diciembre de 1988. Se inició musicalmente en San Sebastián primero en la Academia de Bellas Artes estudiando solfeo con Manuel Cendoya, luego en el Orfeón Donostiarra en que estudió violín con Alfredo Larrocha y piano con Germán Cendoya y finalmente como violinista en la Orquesta del Gran Casino dirigida por el citado Larrocha y eventualmente por Fernández Arbós quien en 1919 propició su llegada a Madrid integrado en la Orquesta Sinfónica de Madrid. De allí su salto a Alemania, pensionado, en donde consolidó sus conocimientos de composición, violín y dirección de orquesta. Durante varios años (hasta 1932) estuvo a caballo entre Alemania y Madrid, en donde iba componiendo KATIUSKA e incluso la posterior ADIOS A LA BOHEMIA, contándose que ni los mismos libretistas de KATIUSKA confiaban en él por no ser músico de teatro, pero, según La Voz de San Sebastián antes del estreno, “la obra llegó a Marcos Redondo, el barítono de las delicadezas, de la verdadera sapiencia de cantor y gusto. Sorozabal encontró al poderoso padrino que había de presentar su obra ante el público”. Además de su actividad como compositor, sobre todo de zarzuelas (aunque también hay en su haber obras sinfónicas), destacó en la Dirección de Orquesta desempeñando durante los dos primeros años de la guerra civil la de la Banda Municipal de Madrid, lo que a la postre le causó sinsabores derivados de su carácter fuerte e independiente y del “desvío”, por utilizar un eufemismo, que le demostraron las instancias oficiales y con que le obsequiaron algunos de sus compañeros como, al parecer, Guerrero y Moreno Torroba, no pudiendo pese a todo dar con Sorozabal en tierra. De su producción zarzuelística detallaré: KATIUSKA (1931), LA ISLA DE LAS PERLAS y ADIOS A LA BOHEMIA (1933), LA DEL MANOJO DE ROSAS (1934), LA TABERNERA DEL PUERTO (1936), CUIDADO CON LA PINTURA (1939/40), BLACK EL PAYASO (1942), LA ETERNA CANCION (1945), LOS BURLADORES (1948), ENTRE SEVILLA Y TRIANA (1950) y LAS DE CAIN (1958).

El libretista

Francisco Serrano Anguita, “Tartarín”. Nació en Sevilla el 10 de septiembre de 1887 y murió en Madrid el 12 de febrero de 1968. Se dedicó al periodismo, donde desempeñó muchas funciones en diversos medios de comunicación, destacando por sus chispeantes e intencionadas crónicas no exentas de sensacionalismo. Se encaminó más tarde hacia la poesía y el teatro, en donde, como comediógrafo fue considerado como un brillante discípulo de Benavente. En esta faceta destacaron sus obras LA PETENERA (1927), en colaboración con Manuel de Góngora y MANOS DE PLATA (1930). En relación con el género lírico escribió TODO EL MUNDO ES FUTBOLISTA (1925) con música de Guerrero, LUCES DE VERBENA (1935) en colaboración con Tellaeche y música de Soutullo y PALOMA MORENO (1935) con música de Moreno Torroba, y, sobre todo, BLACK EL PAYASO (1942) con música de Sorozabal.

Sinopsis

Tras una guerra civil es destronado el Príncipe Daniel de Orsonia, antiguo prometido de la Princesa Sofía de Surevia a la que había regalado una placa con la partitura de “Las melodías de la estepa”. Black, el hijo del orfebre que había grabado la placa y que por ello conocía la música, triunfa en Paris como payaso en unión de White, y una noche va a presenciar la función la Princesa Sofía junto con otros exiliados de Orsonia. Black interpreta “Las melodías de la estepa” y la Princesa cree que el payaso es el Príncipe Daniel. Black sigue la corriente porque se enamora de Sofía. Restaurada la monarquía en Orsonia, el payaso es desenmascarado por el verdadero Príncipe, Carlos Dupont, que sin embargo no aspira al trono. Al final todo termina bien, pues Black, valientemente, desarticula otro golpe revolucionario, y Dupont cuenta la verdad a la Princesa y convence al payaso para que acepte el trono, lo que al final hace si Sofía, como efectivamente ocurre, le confiesa su amor.

Indice de escenas

La obra se desglosa musicalmente en tres actos y los siguientes números:

Prólogo: 1. “Ilustre concurrencia”.

Acto I: 2. Dueto cómico de Catalina y Marat “Dos besos míos…Catalina, Catalina”. 3. Romanza de Sofía “Yo que jamás había sentido…Princesita de sueños de oro”. 4. Dúo de Sofía y Black “Para mi príncipe…Yo soy un payaso loco”. 5. Romanza de White “Aunque todos nos daban por muertos”. 6. Final del Acto I “Sofía ¿Qué ocurre?

Acto II: 7. Escena “Para ofrecer a nuestra soberana”. 8. Romanza de Black “Hacer de un mísero payaso”. 9. Cuarteto cómico “Ya se encontró…Y la novia con traje bordado”. 10. Dúo de Black y Dupont “Dibujos de clara belleza…Tengo dos hijos que adoro”. 11. Dúo final del Acto II entre Sofía y Black “¡Ay, Daniel! ¡Ay que gracia, Daniel! ..... ¡Di que quieres a Black el payaso!

Acto III: 1. Romanza de Dupont “Deja la guadaña segador”. 2. Final del Acto III “Al habla ¿jefatura?

Personajes

Los principales son los siguientes:

Sofía: Princesa de Surevia, enamorada de Black. Soprano.
Catalina: Hermana de Sofía. Tiple cómica.
Black. Payaso que es confundido con el Príncipe Daniel. Barítono.
White: Otro payaso. Bajo
Dupont: Verdadero Príncipe Daniel, pianista en el exilio. Tenor
Marat: Periodista francés. Tenor cómico.


LA BODA DE LUIS ALONSO

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La boda de Luis Alonso

Sainete lírico en un acto, dividido en tres cuadros, en verso
Texto original de JAVIER DE BURGOS
Música de GERÓNIMO GIMÉNEZ
Estrenada el 27 de Enero de 1897 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid


Elenco del estreno

María Jesús: MARÍA MONTES, La Picúa: Sra. GONZÁLEZ, Luis Alonso: JULIÁN ROMEA, Gabrié: Sr. OREJÓN, Chano: VICENTE GARCÍA VALERO, Don Paco: JOSÉ MONCAYO

La obra

Sabemos, por Arnau, que de las cuatro secciones en que se dividían las representaciones de género chico LA BODA DE LUIS ALONSO ocupó la segunda, EL BAILE DE LUIS ALONSO la tercera por ser posterior en tema y acción, como primera y última obra se ofrecían dos éxitos de Fernández Caballero CHATEAU MARGAUX y EL PADRINO DEL NENE y como atracción interesante se incluían dos pequeñas secciones de cine, entonces una gran novedad, que se anunciaban no solo como espectáculo, sino como atracción científica, con el nombre del creador CINEMATOGRAFO LUMIERE.

En la obra se presenta al protagonista cuando, ya cincuentón, va a contraer matrimonio con la joven María Jesús que había tenido relaciones con un mala cabeza, Grabié que aunque no intenta impedir la ceremonia sí la quiere estropear. Los padres de María Jesús ven el cielo abierto cuando colocan a su hija con un excelente partido, el profesor de baile que además tiene un padrino rico y poderoso, el señor Paco. En la primera escena en que aparece “Entren ustés señores en este sielo” Luis Alonso se declara rejuvenecido y con ganas de juerga; el señor Paco, por su parte, expresa su convencimiento de que, siendo él el padrino, no puede faltar vino, cante y baile. Los demás esperan la fiesta con gran ilusión y algazara, y llega la aparición de María Jesús vestida de boda, cantando con Luis Alonso el dúo “¡Luis Alonso! ¡Claveyina!” con las inevitables expresiones de “caló” en el lenguaje. En el segundo cuadro, tras el intermedio, la fiesta está en todo su apogeo porque el matrimonio se ha celebrado. Grabié aparece y dice con tremendas palabras que ha debido matar a María Jesús, sus padres y al carcamal de bailarín que se la roba, pero la sangre no llega al río y Grabié se limita por ahora a contarle sus penas a un vendedor ambulante, el tío Cachipuchi. En el cuadro tercero María Jesús canta una preciosa habanera “Manué yo me sofoco” y Luis Alonso participa cantando en la preparación de las parejas que bailarán las boleras. Y llega el desenlace, Paco huye como alma que lleva al diablo ante el falso rumor de que hay toros sueltos y se lleva un sobresalto mayúsculo al confundir al burro del tío Cachipuchi con un toro. Todo el mundo corre y se pone a salvo. Hasta Luis Alonso, abandonando a la mujer que acaba de convertir en su esposa y que trataba de refugiarse en su hombría, se tira por una ventana. Así es la vida y Paco demuestra sus conocimientos del arte de la tauromaquia…..cuando los toros están lejos; María Jesús, que ya sabe de la vida todo lo que haga falta, finge rubor ante las insinuaciones de su marido; la Picúa y el Chano fingen también una pena enorme al despedirse de su hija, cuando lo que realmente sienten es la alegría de colocarla y el galán, Luis Alonso, se las da de jovencito teniendo ya muchos años encima.

El estreno significó un éxito señaladísimo. El preludio se repitió, y así casi todos los demás números, pero donde el entusiasmo llegó al máximo, con las palmas echando humo y los gritos de ¡bravo! premiando al compositor, fue en el luego famosísimo intermedio.

Se ha dicho que el segundo sainete LA BODA DE LUIS ALONSO es inferior al anterior EL BAILE DE LUIS ALONSO, pese a basarse en los mismos tipos, pero también está lleno de soltura y fluidez en el lenguaje (pueden comprobarlo acudiendo a la página de cantables de Pepi), lo que, a juicio de Arnau, en realidad diferencia ambas obras es la música, pues si en la primera obra Giménez hizo sólo unas ilustraciones musicales para animar la escena, en la segunda puso toda su técnica de compositor y su salero gaditano para escribir una partitura llena de acierto inspirada en temas populares para lograr números que son verdaderas obras maestras de fina raíz andaluza.

El compositor

El compositor Gerónimo Giménez (grafía de la que él gustaba) nació en Sevilla el 10 de octubre de 1852 y murió en Madrid el 19 de febrero de 1923. La fecha, y aun el lugar, de nacimiento no están exentos de polémica, yo cito los datos del Diccionario de la Zarzuela, contrastados según ellos con la partida de bautismo, pero en la Historia de la Zarzuela de Arnau se cita el año de 1854 y se hace eco de que en algunos lugares figura como gaditano y nacido en 1858 y tanto en "El libro de la Zarzuela" como en la Enciclopedia Espasa figuran el 10 de octubre de 1854 como fecha de nacimiento. En su niñez se traslada su familia a Cádiz, en donde 1864 ingresa como primer violín en la orquesta del Teatro Principal y en 1866 debuta como director de orquesta. Desde 1874 hasta 1877 está en París estudiando en su Conservatorio donde se relaciona con Sarasate, Chabrier, Lalo, Saint Saens y Debussy al que venció en premio de piano. De vuelta a España, primero en Cádiz y luego en Madrid gana gran prestigio como Director de Orquesta, contribuyendo además a la difusión de la música. Fue Director de Orquesta del Teatro Apolo, del de la Zarzuela, de la Unión Musical Española y de Sociedad Madrileña de Conciertos. Como compositor estrenó ingente cantidad de zarzuelas, la mayoría de ellas, como es habitual en el género, sobre libretos de poca calidad. En ellas destaca su españolismo, pese a su formación parcialmente francesa, y su gracia (fue llamado por Vives el "músico del garbo" y por otros considerado como el antecedente de Falla, así como LA TEMPRANICA precursora de LA VIDA BREVE) y desde la primera EL VERMOUTH DE NICOMEDES (1885) destacaré, sólo por señalar las que me consta que han tenido trascendencia fonográfica, las siguientes: LOS VOLUNTARIOS (1893 y cuyo pasodoble fue exaltado por el espíritu popular a la categoría de himno nacional, como antes había ocurrido con el "Viva España" de Chueca, todo ello según Arnau), EL BAILE DE LUIS ALONSO (1896), LA BODA DE LUIS ALONSO (1897), LOS BORRACHOS (1899), LA TEMPRANICA (1900), EL BARBERO DE SEVILLA (1901, con Miguel Nieto), ENSEÑANZA LIBRE (1901), LA TORRE DEL ORO (1902), EL HÚSAR DE LA GUARDIA (1904 con Amadeo Vives), LA GATITA BLANCA (1905 también con Vives), CINEMATÓGRAFO NACIONAL (1907), EL PATINILLO (1909) y SOLEARES (1919). Desde entonces se produjo su dramático declive, no pudiendo ni siquiera conseguir, como pretendió, una cátedra en el Conservatorio de Madrid, muriendo en la más absoluta pobreza.

El libretista

Francisco Javier de Burgos Sarragoiti (el Diccionario de la Zarzuela convierte equivocadamente el segundo apellido en Larragoiti), nació en El Puerto de Santa María (Cádiz) en 1842 y murió en Madrid el 12 de marzo de 1902. No confundir con el político y escritor Francisco Javier de Burgos y del Olmo, de Motril ni con Francisco Javier de Burgos Rizzoli, sobrino de nuestro biografiado. Sainetero que iba para Ingeniero de Camino pero al que la muerte de su padre y su vocación destinaron al teatro. Sus obras se distinguen por el gracejo con que están escritas, el acertado movimiento escénico y lo bien dibujado de los personajes. En el campo de la zarzuela destacan sus obras CADIZ con música de Chueca y Valverde, EL BAILE DE LUIS ALONSO, LA BODA DE LUIS ALONSO Y TRAFALGAR, todas estas con música de Gerónimo Giménez.

Sinopsis

Cuenta “El Libro de la Zarzuela” que aunque estrenada con posterioridad a EL BAILE DE LUIS ALONSO, la acción, situada en el Cádiz de 1840, ofrece una situación anterior en la vida del matrimonio protagonista, justamente lo que acontece el día de su boda. Luis Alonso, el maestro de baile más famoso de Cádiz, se ha casado con María Jesús, una mujer bastante más joven que él. La diferencia de edad preocupa al maestro en plena celebración, pues, aunque sabe que su esposa es honrada, en el fondo teme que el matrimonio pueda verse alterado. Sobre todo, porque ha llegado a sus oídos que María Jesús pudo tener anteriormente relaciones con Gabrié. A requerimiento de su marido, la joven niega la verdad de esas relaciones, cosa que, al saberlo Grabié, le ofende y le mueve a urdir una venganza. Por la noche la fiesta de boda llega a su apogeo y se espera de que pase el encierro de los toros por delante de la casa del matrimonio. Gabrié ve en el acto taurino una ocasión para su venganza: lanza la voz de que los animales se han desmandado y cunde la alarma general. Todos los invitados huyen en desbandada y el propio Luis Alonso se tira por una ventana, dejando abandonada a su suerte a María Jesús. Grabié aprovecha entonces la soledad en que la joven esposa se encuentra para reprocharle su conducta. Una vez restablecida la calma, todos vuelven a su sitio. Todos menos Luis Alonso, quien ha recibido un fuerte golpe al tirarse de la ventana y debe ser llevado en una silla entre dos hombres. Su estado es lamentable y no presagia precisamente una buena noche de bodas.

Musicalmente la obra se inicia con unos compases de danza que son seguidos por unas boleras imitadas del siglo XVIII que se hicieron muy famosas como piezas de ballet en España. Una serie de temas con ritmos distintos se suceden formando una partitura llena de encanto con numerosos ribetes de folklore. Comienza con unas escalas ascendentes y descendentes de cinco notas mientras se oye avanzar unas caballerías que frenan en escena. Reaparece el tema de las boleras, con castañuelas en la orquesta. Se inicia la parte vocal con el número a cuatro personajes “Entre ustés señores en este sielo” que cantan Luis Alonso, Paco, Miguelito y Tarugo con bastante gracia. La intervención de María Jesús se produce junto con Luis Alonso, Picúa, Pilili y el coro femenino. Luis Alonso canta, en estilo próximo al cante jondo “Claveyina….mariquilla de mi vía” emprendiendo luego un número de ritmo rápido y gran brillantez en el que intervienen las mujeres y el coro. Sigue el intermedio, página orquestal que se interpreta sola muchas veces, formado por piezas folklóricas que ya aparecían en el preludio y se extienden ahora y son la mejor demostración del garbo de Giménez en un estilo ligero y elegante, personal y sin equivalente en la zarzuela de su tiempo. El número siguiente “Manué yo me sofoco” es una habanera protagonizada por María Jesús y que empieza con los mismos compases de la introducción. Luis Alonso dispone luego las parejas que han de interpretar la versión completa de las boleras que figuraban en el preludio. Su elegancia y ritmo característico merecen la divulgación que han tenido por lo que son una página orquestal muy frecuentemente interpretada en los repertorios españoles. Un brevísimo final orquestal pone fin a esta pequeña obra maestra del “músico del garbo”.

Índice de escenas

Zarzuela en un acto con los siguientes números musicales:

Acto único: 1. Preludio. 2. Salida de Luis Alonso “Entren ustés señores en este sielo”. 3. Tercero y zapateado “¡Luis Alonso! ¡Claveyina!”. 4. Intermedio. 5. Habanera “Manué yo me sofoco tóo el aire es poco”, y Boleras. 6. El encierro y lucha de Gabrié y María Jesús. 7. Final.

Personajes

Los principales son:

María Jesús: Mujer de Luis Alonso. Soprano o mezzosoprano.
Picúa: Madre de María Jesús. Soprano.
Pilili: Amiga de María Jesús. Actriz cantante.
Luis Alonso: Maestro de baile. Tenor.
El Charro: Padre de Maria Jesús. Actor.
Gabrié: Antiguo novio de Maria Jesús. Actor.
Paco: Padrino de la boda, aficionado a los toros y “torero” de boquilla. Tenor.
Miguelito: Amigo de Luis Alonso. Tenor.
Tarugo: Amigo de Luis Alonso. Barítono.

 


BOHEMIOS

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Bohemios

Zarzuela en un acto, y tres cuadros
Texto original de GUILLERMO PERRÍN y MIGUEL DE PALACIOS
Música de AMADEO VIVES
Estrenada el 24 de marzo de 1904 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid


Elenco del estreno

Cosette: AMPARO TABERNER, Victor: ANTONIO GONZÁLEZ, Pelagia: NIEVES GONZÁLEZ, Marcelo: VICENTE GARCÍA VALERO, Un bohemio: Sr. SANZ, Roberto: CARLOS ALLEN PERKINS

La obra:

El señor Carlos Allen Perkins, al parecer primo de Don Alfonso XIII, no era cantante sino actor, hasta el punto de que antes del estreno el poeta José Jurado de la Parra le endilgó estos versos:

 

El es casi príncipe

 

casi hace comedias

 

casi canta y casi

 

también es poeta.

 

Es semi de verso

 

semi de zarzuela.

 

Lo hace todo, todo,

 

pero todo a medias.


sin embargo, según se dijo, hizo una excelente interpretación, y eso a pesar de que “no tenía voz de tenor ni de barítono, pues padecía afonía crónica”. Pues bien, pese a estas perspectivas, la obra resultó un éxito aquel día no dejando nunca de estar entre el ramillete de mejores zarzuelas escritas. Hasta tal punto que en sus primeros 25 años se contabilizaron 18.000 representaciones (o sea un promedio de dos diarias) y en Barcelona hubo noches que se dieron hasta 21 representaciones contando la de todos los teatros de la Ciudad Condal. En su “currículum vitae” esta obra registró dos transformaciones, la primera, cuando Conrado del Campo (en vida de Vives y con su autorización) la convirtió en ópera musicando los añadidos de los libretistas originales, estrenándose con éxito en el Teatro Real de Madrid el 26 de febrero de 1920 con las voces principales de Ofelia Nieto (asociada al triunfo de MARUXA en 1914) y de Juan de Casenave (que sería el primer “Fernando” en DOÑA FRANCISQUITA en 1923). Otra transformación la “sufrió” (pues en este caso no salió bien la cosa) en 1965 cuando le añadieron un acto mediante arreglos al libreto por José López Rubio y a la partitura por Rafael Ferrer.

El compositor

Amadeo Vives nació en Collbató (Barcelona) el 18 de noviembre de 1871 y murió en Madrid el 2 de diciembre de 1932. De niño estuvo internado en el Asilo de San Juan de Dios de Barcelona que le generó pésimos recuerdos pero que le dio la posibilidad de su primer contacto serio con la música en 1886: la Dirección de la Banda del Asilo de la misma orden en Málaga (donde su hermano era sacerdote). Luego vuelve a Barcelona, pasando por una etapa en Toledo en donde en 1886 compuso una sinfonía. En 1891 funda con Luis Millet el Orfeo Catalá en donde estrena diversas composiciones, destacando en 1894 L'Emigrant, en esos tiempos tuvo determinada relación personal y musical con el catalanismo. En 1897 marcha a Madrid en donde compagina su actividad principal de compositor de zarzuelas (salvo su ópera Arthus de 1897 y las Canciones Epigramáticas de 1915), con la de empresario de los Teatros de la Zarzuela, Cómico y Eslava, aventuras que algunas veces le depararon desastres económicos. Imposible relacionar sus obras, me limitaré a detallar las más significativas: DON LUCAS DEL CIGARRAL (1899), LA BALADA DE LA LUZ (1900), BOHEMIOS y EL HUSAR DE LA GUARDIA (1904), LA GATITA BLANCA (1905), JUEGOS MALABARES (1910), LA GENERALA (1912), MARUXA (1914) DOÑA FRANCISQUITA (1923), LA VILLANA (1927) y LOS FLAMENCOS (1928). Estamos ante uno de los compositores más grandes de la zarzuela de todos los tiempos, con una formación intelectual y musical de primerísimo nivel, pero a los efectos “zarzueleros” que interesa a los aficionados constituye además una personalidad con criterios tan importantes que merecen un análisis más completo de sus opiniones, que dejo para otra ocasión.

Los libretistas

Miguel de Palacios Brugueras nació en Gijón en 1863 y murió en Covadonga el 3 de octubre de 1920, estudió Medicina pero no ejerció. En solitario escribió alguna obra como la opereta “El rajá de Bengala” con música de Rafael Calleja pero casi todas sus obras, unas 140, las compuso “al alimón” con su “hermano siamés del género chico” Perrín, todas ellas dotadas de elementos dramáticos y cómicos, aunque el sentido del humor sea la constante de sus obras y entre ellas destacaron: CERTAMEN NACIONAL y CUADROS DISOLVENTES de Nieto, PEPE GALLARDO de Chapí, ENSEÑANZA LIBRE y LA TORRE DEL ORO de Giménez, LA CORTE DEL FARAON de Lleó, BOHEMIOS y LA GENERALA de Vives, EL BARBERO DE SEVILLA de Nieto y Jiménez y “EL HUSAR DE LA GUARDIA de Vives y Giménez.

Guillermo Perrín Vico, nacido en Málaga en 1857 y muerto en Madrid en 1923, estudió Derecho, pero no ejerció. En solitario escribió algunas obras como MONOMANIA MUSICAL y EL GRAN TURCO de Manuel Nieto y LA CUNA de Chapí, pero casi todas sus obras, unas 140, las compuso “al alimón” con su “hermano siamés del género chico” Perrín, todas ellas dotadas de elementos dramáticos y cómicos, aunque el sentido del humor sea la constante de sus obras y entre ellas destacaron: CERTAMEN NACIONAL y CUADROS DISOLVENTES de Nieto, PEPE GALLARDO de Chapí, ENSEÑANZA LIBRE y LA TORRE DEL ORO de Giménez, LA CORTE DEL FARAON de Lleó, BOHEMIOS y LA GENERALA de Vives, EL BARBERO DE SEVILLA de Nieto y Jiménez y “EL HUSAR DE LA GUARDIA de Vives y Giménez.

Sinopsis

El argumento cuenta una historia de amor entre artistas dentro del ambiente bohemio que su título confiesa, muy parecido, en cuanto al “perfume”, a las “Escenas de la vida bohemia” de Murguer en que se basa el libreto de LA BOHEME de Puccini pero muy distinto al tema de Pío Baroja que originó el libreto de ADIOS A LA BOHEMIA de Sorozabal. El efecto pretendido está plenamente conseguido, sin salirse de sus modestas aspiraciones, y no hay trasfondo psicológico ni vidas atormentadas como en la obra de Baroja, sólo unas escenas supuestamente realistas bien contadas, pero quedándose en la lisonjera “cáscara” de tan manido tema. A esta intranscendencia le dedica Vives una música sencillamente deliciosa, desde el principio hasta el final.

Indice de escenas

La obra se estructura musicalmente en un acto y tres cuadros y cuenta con los siguientes números:

1 - Preludio y romanza de Roberto “Mudos testigos de mis amores”, delicada y poderosa al mismo tiempo, en la romanza hay frases también de Victor. 2 - Romanza de Cosette “La niña de ojos azules” poética y llena de arabescos, en que interviene también Pelagia. 3 - Escena verdaderamente mágica que precede al no menos subyugante coro de bohemios “La noche misteriosa envuelta en nieve está”. 4 - Cuarteto y dúo, juguetón el primero en que intervienen Roberto, Victor, Juana y Cecilia y pletórico de musicalidad y buen decir el segundo entre Roberto y Cosette. 5 - Intermedio, solemne y brillante, es uno de los fragmentos más célebres del repertorio zarzuelístico. 6 - Concertante “Ven linda Cosette”, en que destaca el dúo de Roberto y Cosette con intervención del coro y resto de personajes, fundamentalmente el patriarcal Girard.

Personajes

Son los siguientes:

Cosette: Una chica que vive en una buhardilla del París romántico preparándose como cantante para su debut en la Opera; es el principal papel femenino y requiere ser interpretado por una soprano con soltura para los pasajes de coloratura que se prodigan en su participación.

Pelagia: Portera de la casa donde vive Cosette. Suele interpretarla una soprano.

Juana y Cecilia: Dos amigas que “se mueven” en el mundo de la bohemia. Pueden cantar estos papeles, sopranos o mezzosopranos (como en el caso de Teresa Berganza en la versión de Argenta).

Roberto: Compositor que vive con las escaseces propias del tema y que lucha por estrenar su ópera “Luzbel”. El papel se compuso por Vives para un tenor, pero el mismo compositor “trabajó” hasta lograr que un barítono lo cantase, como ocurrió con Marcos Redondo en 1930 y con varios desde entonces.

Un bohemio: Que interviene individualmente en el famoso “Coro” difuminándose luego en el colectivo que corre en la noche misteriosa que envuelta en nieve está. Cuando Roberto es interpretado por un barítono, este papel lo suele hacer el mismo cantante; si es un tenor se precisa otro cantante de la cuerda de barítono, aunque, salvo en la portentosa excepción del Marcos Redondo de 1930, es muy difícil que un mismo cantante esté a las duras en la romanza inicial o en el exigente concertante y a las maduras en este célebre coro..

Victor: Poeta, acompañante de Roberto y libretista de “Luzbel”. Lo canta un tenor o tenor cómico.

Marcelo: Tenor retirado y padre de Cosette a quien prepara para su debut. Lo interpreta un tenor.

Girard: Más o menos un “mecenas” o eso quisiera ser; a la hora de la verdad “todo el mundo se pregunta que quien es este señor” y resulta que “ni su madre lo conoce aunque fue quien le alumbró”. Lo canta un barítono.


LA BRUJA

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La bruja

Zarzuela grande en tres actos
Texto original de MIGUEL RAMOS CARRIÓN y VITAL AZA
Música de RUPERTO CHAPÍ
Estrenada el 10 de diciembre de 1887 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid


Elenco del estreno

Blanca: ALMERINDA SOLER DI-FRANCO, Rosalía: EULALIA GONZÁLEZ, Magdalena: Sra. GUERRA, Superiora: MARÍA BARDÁN, Leonardo: EDUARDO BERGÉS, Tomillo: RAMÓN GUERRA, Cura: Sr. LOITIA, Inquisidor: MIGUEL SOLER. Dirigió la orquesta Gerónimo Giménez.

La obra

El éxito fue delirante, ninguna zarzuela alcanzó tantas representaciones en los últimos años del siglo, ni produjo tantos derechos de autor, si atendemos a lo que dice Salvador Valverde que además señala que el libro de Ramos Carrión lleva su marca zarzuelera hasta el melodramático final del segundo acto, pues el tercero es totalmente cómico y denuncia la mano……..de Vital Aza, a quien Cejador atribuye la paternidad del mentado tercer acto, cuyo secreto no guardó el escritor como lo había prometido. Sagardía también da como segura la autoría del tercer acto por parte de Vital Aza, que, con recursos cómicos, sacó a su amigo Ramos Carrión del atolladero “trágico” en que se había metido. La partitura de Chapí es una pura filigrana que confirmó el genio del músico levantino y reconquistó al público que había desertado de la zarzuela grande. Pedrell destacó en ella el profundo españolismo de Chapí, cuya música se nutre en las raíces de lo popular ibérico, de las que recibe su generosa savia.

La obra comienza con un bello coro de hilanderas que manejan sus ruecas al amor de la lumbre del fogaril, mientras los hombres juegan al mus y le sigue un romance musical de sabor hispano-morisco que canta Rosalía. A los ecos del Islam replica el cristianismo con la campana de las Ánimas, que prepara una oración breve y emotiva. Prosigue la obra con un chispeante dúo cómico entre Tomillo y Rosalía en presencia de la durmiente Magdalena. Luego canta Leonardo el relato de la aparición y tras un cuarteto y el apasionado dúo de Leonardo y Blanca “Así, así te quiero yo”, llega uno de los momentos culminantes el pasacalle y la jota universalmente conocida “No extrañéis, no, que se escapen” que representa respecto a la jota navarra lo que la jota de LA DOLORES significa para la jota aragonesa. En el segundo acto el coro de aldeanas es un número de irreprochable factura popular, donde se conjuga el gracejo, la ternura y la delicadeza que culmina “En lo robusto sale a su madre, pero los ojos son de su padre”. Otra página musical de plena viveza y colorido es la partida de pelota que nos lleva a la famosa romanza “Todo está igual” que canta Leonardo, luego al trabajado concertante en que destaca un precioso zortzico y a otro dúo de Leonardo y la bruja, desenvolviéndose el final del acto en un clima melodramático de creciente tensión. Sin embargo el tercer acto representa un vuelco hacia la zarzuela cómica, con las escenas militares de la ciudadela de Pamplona, el vibrante brindis de Leonardo, el alegre rataplán, la complicada trama final en que intervienen “celestiales” coros de novicias, la graciosa y bien construida escena del falso exorcista y el terceto de las brujas.

El compositor

Ruperto Chapí y Llorente nació en Villena (Alicante) el 27 de marzo de 1851 y murió en Madrid el 25 de marzo de 1909. Su quintoabuelo, Claudio Sapi era oriundo de Lyon, pero a su hijo se le encuentra en Ayora, y su nieto vive ya en Villena. El apellido se transforma en Chapí posiblemente en 1708. Tras el paso de otras tres generaciones llegamos a la del padre del músico, barbero sangrador y, según el Espasa, gran aficionado a la música en una familia en que se aprendía solfeo al mismo tiempo que a leer y escribir. Primero Villena y luego Bocairente conocen la voluntad de hierro y el talento de un joven abnegado. En 1866 compuso ESTRELLA DEL BOSQUE, su primera zarzuela y en 1867 marcha a Madrid matriculándose en el Conservatorio y viviendo con mil apreturas hasta conseguir en 1872, junto con Bretón, el premio extraordinario del Conservatorio. Desde 1874 reside en Roma y París a causa de haber sido el primer español que logró la concesión del pensionado de número en la Academia de Roma, volviendo a Madrid en 1880. En 1873 compone ABEL Y CAIN, que el Diccionario de la Zarzuela reputa como su primera zarzuela, desde entonces han sido innumerables citando entre ellas MUSICA CLASICA (1880), LA TEMPESTAD (1881), EL MILAGRO DE LA VIRGEN (1884), LA BRUJA (1887), LAS HIJAS DEL ZEBEDEO (1889), EL REY QUE RABIO (1881), EL TAMBOR DE GRANADEROS (1894), LAS BRAVIAS (1896), LA REVOLTOSA (1897), PEPE GALLARDO, LA CHAVALA y CURRO VARGAS (1898), EL BARQUILLERO (1900), EL PUÑAO DE ROSAS y LA VENTA DE DON QUIJOTE (1902) y LA PATRIA CHICA (1907). Además compuso música religiosa, una sinfonía sobre DON QUIJOTE DE LA MANCHA, la famosa FANTASIA MORISCA y varias óperas de las que cito CIRCE (1902) y MARGARITA LA TORNERA (1909), los esfuerzos que hizo para la composición de esta última obra le llevaron a la muerte un mes después de su estreno, hora suprema que le llegó cuando en su delirio agónico balbuceaba la zarabanda de su ópera. Pese a tantas obras, hay que decir con Carlos Gómez Amat que “Bretón compuso numerosas óperas y Chapí cuenta con un extenso catálogo en varios géneros, pero uno y otro siempre serán los autores de LA VERBENA DE LA PALOMA y LA REVOLTOSA”.

No se puede olvidar su contribución tanto a la renovación de la Zarzuela rescatándola del italianismo en que estaba inmersa, como al fortalecimiento de los derechos de los autores primero con la creación en 1895/6 de la Sociedad de Autores Compositores y Editores de Música que cristalizó finalmente en la Sociedad de Autores formada en 1901 con la ayuda de Silesio Delgado y pese a los ataques de los mismos autores que se oponían a su redención: ¡Vivan las caenas si parecen buenas y son de reloj!

El libretista

Miguel Ramos Carrión nació en Zamora el 17 de mayo de 1848 y murió en Madrid el 8 de agosto de 1915. Se inició como periodista, colaborando en periódicos satíricos con los seudónimos de Boabdil el Chico y Daniel. Pero pronto descolló su vocación teatral, estrenando en 1866 su primera zarzuela UN SARAO Y UNA SOIREE, con música de Arrieta, desde entonces muchas conocieron el éxito, frecuentemente en colaboración con otros autores, sobre todo con Vital Aza, el de la risa sana. Destaco AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE y EL CHALECO BLANCO, con música de Chueca, LA BRUJA, LA TEMPESTAD y EL REY QUE RABIO, de Chapí, LOS SOBRINOS DEL CAPITAN GRANT de Fernández Caballero, y la ampliación a ópera de MARINA de Arrieta.

Sinopsis

Acto I: Una casa típica del Valle del Roncal, propiedad de Leonardo, hombre joven y fuerte, gran cazador. Este vive en compañía de Magdalena, su madrastra, y de Rosalía, hermanastra del joven. Tomillo, mozo pastor y bonachón, comenta aquella noche, en la cocina de la casa ante un nutrido auditorio de mozos que juegan al mus, entre los que se cuenta el cura, y mozas que hilan la rueca, que aquella misma tarde, ya de anochecida, ha visto una bruja. Ya se habla en el pueblo hace tiempo de su presencia, pero hasta ahora, nadie la vio. Tomillo da detalles de ella y hasta cuenta, entre las protestas del cura, que censura tal creencia contraria a la religión, que por ayudarla a vadear una charca, le dio un doblón, que muestra a los presentes. Unos creen y otros dudan, pero todos están atemorizados. Tomillo bebe los vientos por Rosalía, y la moza le corresponde. Pero su madre, Magdalena, se opone a las relaciones porque el mozo es pobre. La desesperación del pastor cada día que pasa va en aumento, así como el odio hacia lo que podía ser su suegra. Rosalía y su madre se retiran a descansar, y Tomillo queda en espera de Leonardo, que aquella noche se retrasa más de la cuenta en su regreso de la diaria excursión por el monte. La llegada de Leonardo sirve a Tomillo para desahogarse contándole sus penas. Le relata lo que le ocurrió con la bruja y le confiesa que le es simpática, aunque le cause mucho respeto. Leonardo también conoce a la bruja, pero hace mucho tiempo. Se puede decir que son amigos y que le protege. El sabe la manera de hacer que acuda en su ayuda cuando la necesite: tocando tres veces seguidas su cuerno de caza. Leonardo está triste porque se ha enamorado de una mujer bellísima, a la que vio una sola vez y por un instante, bañándose en las aguas del río junto al bosque. Intentó perseguirla, pero perdió su pista para siempre. Ahora la busca día a día, con desesperación, pero inútilmente. La bruja le aconsejó que tenga paciencia y no pierda la esperanza, que esa mujer llegará a ser su esposa. El tiene fe y espera, aunque con la tristeza de no poder contemplarla. Tomillo no ceja en buscar solución a su problema amoroso. Magdalena le ha dicho que si fuera capaz de reunir cien doblones, llegaría a ser el esposo de Rosalía. Y él piensa que, quizás la bruja... y como lo piensa lo hace. Toma el cuerno de caza de Leonardo y hace las tres llamadas, antes de que éste pueda impedirlo. Al instante aparece la bruja, que enterada de la necesidad de Tomillo, le entrega una bolsa con más dinero del que necesita. El mozo y Rosalía, que salió poco antes de despedir a Tomillo, dan las gracias a su bienhechora, despidiéndose de ella agradecidos. Al quedar solos, la bruja hace a Leonardo la confesión de que es ella misma la mujer que él vio un día bañándose en el río. Es ella como fue, no como es ahora. Ante la estupefacción del joven, la bruja le cuenta su historia. Era una mujer muy bella. Una corte de numerosos admiradores solicitaba su mano con insistencia. Ella no quiso a ninguno; y ellos, despechados, se unieron para vengarse de su desprecio. Solicitaron la ayuda de un hechicero, y consiguieron de él que hiciera de la bella joven una vieja tan horrible y con tantos años como la que tiene delante. De corazón joven, los años cubren su hermosura interior. Sólo hay una forma y una pequeña esperanza de que algún día pueda volver a ser lo que fue: Cuando encuentre a un hombre capaz de los mayores sacrificios para conseguir honores y riquezas que ofrecerla, unido a un noble cariño. Leonardo sabe que ese hombre debe ser él, y hace su promesa a la bruja de que cumplirá lo exigido para conseguir su rehabilitación. Al día siguiente, Leonardo parte hacia Italia a luchar con los Tercios españoles en busca de gloria y fama para ofrecer a la mujer que ama tanto.

Acto II: Han pasado los años. De Leonardo no se han vuelto a tener noticias en el pueblo. Le dieron por muerto, le lloraron y casi le han olvidado ya. Rosalía y Tomillo se casaron. Tienen tres hijos preciosos, y la abuela Magdalena es feliz con sus nietecillos. El marido de Rosalía ha prosperado, dejó de ser pastor y ahora es dueño de un molino. La suegra le quiere y él es feliz en su matrimonio. Se están celebrando las fiestas del pueblo, donde no faltan los célebres partidos de pelota entre navarros y vizcaínos. Leonardo, por fin, ha vuelto. Entra en el pueblo solo y en silencio: nadie lo ve llegar en principio. Vuelve cubierto de gloria y es Capitán de los Tercios españoles. Consiguió la victoria y se la viene a ofrecer a la mujer que ama: a la bruja. El primero que se encuentra con Leonardo es Tomillo, que no quiere creer lo que ven sus ojos. Luego es Rosalía, con gran sorpresa, la que celebra de veras volverle a ver. Leonardo ruega a los dos que no denuncien su presencia en el pueblo. Quiere presentarse ante la bruja para ofrecerla su triunfo, y que recobre su verdadera personalidad. Corre hacia el castillo donde vive ella, con la esperanza en el corazón. Es sólo unos momentos más tarde cuando se presenta en el pueblo el Inquisidor, seguido de sus esbirros. Trae la misión de apresar a la bruja, de quien tanto se habla por toda la comarca. Todos los vecinos, incluido el cura, temen por ella. No hay uno solo que no tenga que estarle agradecido por lo caritativa que es. Hace la caridad en la sombra, sin ser vista; pero todos saben que es ella quien les socorre siempre que lo necesitan. El Inquisidor pide que algunos mozos le acompañen a él y a su gente hasta el castillo. Todos obedecen atemorizados y le siguen. Leonardo hace rato que llegó al castillo. El toque de su cuerno hace que las puertas se abran, dando paso a la bruja. Celebra el triunfo de su amado, y su corazón joven late con fuerza de alegría. Tomillo y Rosalía llegan jadeantes. Vienen a prevenir a los enamorados de que el Inquisidor y su gente están llegando al castillo para detener a la bruja. Leonardo se dispone a defenderla con sus armas, pero ella prefiere defenderse por sí misma. Vuelve al interior del castillo y cierra las puertas. Leonardo. Rosalía y Tomillo se esconden. Llegan el Inquisidor y la gente que le acompaña. Una fuerte llamada a la puerta de la fortaleza queda en principio sin respuesta. Breve espera, las puertas se abren y, ante ellas aparece una bellísima joven, la misma que un día viera Leonardo. Ante el Inquisidor y los presentes, la joven da a conocer su verdadera personalidad. Se llama Blanca de Acevedo, hija del dueño del castillo. Su padre murió en el destierro, y ella quedó huérfana y sola. Quiso volver a su patria sin que nadie advirtiera su presencia y vivir apartada de todo. Creó el misterio a su alrededor a propio intento y con ese fin; pero siempre pendiente de hacer el bien a todo el que pudiera necesitarlo. Ella quiso probar el cariño de Leonardo y es feliz porque triunfaron los dos. Está dispuesta a seguir al Santo Oficio, y no permite que el Capitán la defienda, porque sabe que no pecó. Se entrega, y parten todos hacia donde han de juzgarla por el delito de hechicería. Leonardo sufre otra vez la pena de la separación, aunque otra vez vuelve a él la esperanza, porque sabe que Blanca le espera.

Acto III: Ha pasado algún tiempo. Blanca ha sido juzgada y condenada a internamiento perpetuo en un convento, en Pamplona, precisamente al lado donde se encuentra el cuartel de Leonardo. Este comienza a trabajar la manera de rescatar a Blanca. Con la ayuda de Tomillo, Rosalía y Magdalena y valiéndose del fanatismo que reina dentro del convento, donde no ven más que brujas por todas partes desde que llegó a él Blanca. Leonardo logra sacarla de allí, haciéndoles ver a las monjitas que fueron las propias brujas, hermanas de la que allí tenían, las que se han llevado a la pobre Blanca. Y aún la superiora del convento da las gracias al valeroso Capitán Leonardo, cuando va a comunicarla que ya nunca más volverán las brujas al convento. El rey hechizado ha muerto y Felipe V comienza a reinar.

Índice de escenas

Obra en tres actos, con los siguientes números musicales,

Acto I: 1. Preludio, coro de hilanderas y bebedores (Mujeres y hombres) “Al amor de la lumbre que nos presta calor”, escena (El cura, Rosalía, Magdalena y Tomillo) “Basta ya de vino y juego y dejad la rueca luego” y cuento (Rosalía y coro) “Pues señor este era un rey, un rey moro de Granada”. 2. El toque de queda “La triste queda ya sonó, con Dios quedad”. 3. Terceto cómico (Rosalía, Magdalena y Tomillo) “Chito que ya mi madre da cabezadas”. 4. Canción “Noche oscura que me amedrentas”. 5. Relato de la aparición (Leonardo y Tomillo) “En una noche plácida del ardoroso estío”. 6. Cuarteto (Blanca, Leonardo, Rosalía y Tomillo) “¡Oh, ya está aquí! 7. Dúo (Blanca y Leonardo) “Así, así te quiero yo”. 8. Pasacalle (Tomillo, Magdalena y Leonardo) “Señá Magdalena, venid por acá” y Jota (Leonardo y coro) “No extrañéis no, que se escapen”.

Acto II: 9. Coro general “Hoy todos celebran la Virgen de Agosto”, escena y raconto (Tomillo y coro) “Allí viene Tomillo”, escena y coro (Aldeanas, Magdalena, Rosalía y Tomillo) “Ya presentó a la Virgen la madre cariñosa”. 10. Número de pelotaris (Coro, Tomillo y Rosalía) “En la plaza ya la gente grita”. 11. Romanza (Leonardo) “Todo está igual, parece que fue ayer”. 12. Escena y zortzico (Inquisidor, Coro, Tomillo y Rosalía) “Al cabo los del pueblo salieron vencedores….Seguid seguir bailando….Siempre mi mozo lleva el compás”. 13. Dúo (Leonardo, Blanca) “¡Por fin llegué! ¡No hay nadie! 14. Final del acto II (Tomillo, Rosalía, Blanca y Leonardo) “Ese rumor, silencio. Alguien se acerca” (Inquisidor, Leonardo, Tomillo, Rosalía y Blanca) “¡Ah, del castillo!”.

Acto III: 15. Brindis (Leonardo) “En tanto que la guerra nos deja descansar”.16.Rataplán (coro) “Retírase el soldado al toque de retreta”. 17. Coro de novicias (Profesas y novicias) “Et ne nos inducas in tentationem”. 18. Dúo con coro (Leonardo, La Superiora, Tomillo y Blanca) “Aquí está ya el padre exorcizador”. 19. Romanza (Blanca) “Inquieto late el pecho mío”. 20. Terceto de las brujas (novicias, Rosalía, Tomillo y Magdalena) “¡La campana ha sonado! ¿Qué pasará? 21. Final: orquesta.

En la versión discográfica de Columbia que cito no aparecen los números 2 y 4.

Personajes

Los principales son los siguientes:

Blanca: La Bruja. Soprano.
Rosalía: Enamorada de Tomillo. Soprano.
Magdalena: Madre de Rosalía. Soprano.
Leonardo: Enamorado de Blanca. Tenor.
Tomillo: Pastor, enamorado de Rosalía. Tenor.
El inquisidor: Bajo
El cura: Bajo
Madre Superiora: Soprano

 


LOS BURLADORES

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Los burladores

Zarzuela en tres actos
Texto original de SERAFÍN y JOAQUÍN ALVAREZ QUINTERO
Música de PABLO SOROZÁBAL
Estrenada el 10 de Diciembre de 1948 en el Teatro Calderón de Madrid


Elenco del estreno

Rosela: CARMEN DE LA PUENTE, Celito: ENRIQUETA SERRANO, Doña Mariana: ELVIRA PIQUER, Marqués de Don Juan: ESTEBAN ASTARLOA, Baratillo: FÉLIX CASAS, Capitán Santa Cruz: FRANCISCO MAROTO, Bachiller: MARCO TÚNEZ, Talavera: ALEJANDRO BRAVO, Perini: FERNANDO HERNÁNDEZ, Don Tomás: PACO OBREGÓN

La obra

A falta de cita en el Diccionario de la Zarzuela, inserto la que el Espasa dedica al estreno en el suplemento correspondiente, suscrito por Antonio J. Mezieres: “El libro es interesante e ingenioso y, con arreglo a las modalidades características del género, está constituido por situaciones perfectamente medidas que se van alternando, ofreciendo momentos de comicidad y escenas sentimentales, para que el compositor pueda lucir sus dotes de orquestador y su inspiración. El maestro Sorozabal confirmó una vez más que puede hacer mucho a favor del resurgimiento y renovación de la zarzuela nacional: fueron varios los números musicales que tuvieron que repetirse, ante la unanimidad e insistencia de los aplausos del público. La interpretación fue muy loable, corriendo los principales papeles a cargo de…….”. Por otro lado, Antonio Fernández-Cid dijo “LOS BURLADORES se conserva fresca y lozana en la partitura. En ella campean las dos virtudes fundamentales del músico vasco: el deseo constante de claridad y fluidez melódicas -buen ejemplo, esa romanza de barítono tan cantábile para la voz y la cuerda que le acompaña- y su dominio y brillantez en la orquestación. Es la suya una instrumentación rica, directa, de gran pujanza, llena de intención, diríamos de picardía si se considera el término como reflejo del buen oficio, el instinto agudo y la sensibilidad alerta para no perder un solo efecto eficaz. Pasacalles, mazurcas, fragmentos cómicos y serios, líricos para una, dos voces, o de conjunto, se suceden con extraordinaria fuerza y la tienen más ofrecidos así, en bloque, sin otras palabras que aquellas, completamente esenciales, que se recitan con fondo musical”.

De mi cosecha añado que esta zarzuela es una más de las tantas obras que inexplicablemente no han tenido mayor trascendencia para la posteridad, pues está cuajada de magníficos momentos, brillantes como la “Presentación de los Burladores” o el siguiente “Cuarteto”, sumamente líricos como la “Romanza del Marqués”, con tendencia “goyesca” como el bien hilvanado “Preludio del acto III” o la alusión al fandango de candil del bello “Raconto de Celito o, en suma, típicamente zarzueleros como cualquiera de los tres dúos de soprano y barítono o, incluso, el dúo de tiples en que se diseccionan los distintos caracteres de ambas, impetuoso y sereno. Para mi, aunque no haya una analogía exacta, sí hay un “perfume” en esta obra que me recuerdan otras del “mediocre Sorozabal” (en infeliz expresión del prejuicioso Emiliano) como teatralidad de BLACK EL PAYASO, comicidad de LA DEL MANOJO DE ROSAS y lirismo de ADIOS A LA BOHEMIA.

El compositor:

Pablo Sorozabal nació en San Sebastián el 18 de septiembre de 1897 y murió en Madrid el 26 de diciembre de 1988. Se inició musicalmente en San Sebastián primero en la Academia de Bellas Artes estudiando solfeo con Manuel Cendoya, luego en el Orfeón Donostiarra en que estudió violín con Alfredo Larrocha y piano con Germán Cendoya y finalmente como violinista en la Orquesta del Gran Casino dirigida por el citado Larrocha y eventualmente por Fernández Arbós quien en 1919 propició su llegada a Madrid integrado en la Orquesta Sinfónica de Madrid. De allí su salto a Alemania, pensionado, en donde consolidó sus conocimientos de composición, violín y dirección de orquesta. Durante varios años (hasta 1932) estuvo a caballo entre Alemania y Madrid, en donde iba componiendo KATIUSKA e incluso la posterior ADIOS A LA BOHEMIA, contándose que ni los mismos libretistas de KATIUSKA confiaban en él por no ser músico de teatro, pero, según La Voz de San Sebastián antes del estreno, “la obra llegó a Marcos Redondo, el barítono de las delicadezas, de la verdadera sapiencia de cantor y gusto. Sorozabal encontró al poderoso padrino que había de presentar su obra ante el público”. Además de su actividad como compositor, sobre todo de zarzuelas (aunque también hay en su haber obras sinfónicas), destacó en la Dirección de Orquesta desempeñando durante los dos primeros años de la guerra civil la de la Banda Municipal de Madrid, lo que a la postre le causó sinsabores derivados de su carácter fuerte e independiente y del “desvío”, por utilizar un eufemismo, que le demostraron las instancias oficiales y con que le obsequiaron algunos de sus compañeros como, al parecer, Guerrero y Moreno Torroba, no pudiendo pese a todo dar con Sorozabal en tierra. De su producción zarzuelística detallaré: KATIUSKA (1931), LA ISLA DE LAS PERLAS y ADIOS A LA BOHEMIA (1933), LA DEL MANOJO DE ROSAS (1934), LA TABERNERA DEL PUERTO (1936), CUIDADO CON LA PINTURA (1939/40), BLACK EL PAYASO (1942), LA ETERNA CANCION (1945), LOS BURLADORES (1948), ENTRE SEVILLA Y TRIANA (1950) y LAS DE CAIN (1958).

Los libretistas

Los hermanos Serafín y Joaquín Alvarez Quintero, nacieron en Utrera (Sevilla) el 26 de marzo de 1871 y el 21 de enero de 1873 y murieron en Madrid el 12 de abril de 1938 y el 14 de junio de 1944. Fueron dos de los mejores saineteros del teatro lírico español. Su éxito fue tan precoz como su vocación, y en enero de 1888 estrenaron su primera obra teatral, ESGRIMA Y AMOR, en el Teatro Cervantes de la capital de Andalucía. Se trasladaron a Madrid en 1889. De temperamentos muy diferentes, Serafín era abierto, locuaz, comunicativo, en tanto que Joaquín mostraba habitualmente un hermetismo silencioso e introvertido, consistiendo su gran parecido en que, cada cual a su modo, derrochaban simpatía e ingenio.

La popularidad de “los niños sevillanos” fue inmensa en España y en la América española, llegando a escribir 227 obras, de las cuales intento hacer relación completa de las relativas al género lírico, pudiendo servir la misma de demostración, a través de los nombre de los compositores con los que trabajaron, de su ingente aportación a nuestra querida zarzuela: GILITO (1889 - Osuna), LA BUENA SOMBRA (1898 - Brull), EL PEREGRINO (1898 - Gómez-Zarzuela), LOS BORRACHOS (1899 - Giménez), EL TRAJE DE LUCES (1899 - Fernández Caballero y Hermoso), EL MOTETE (1900 - Serrano), EL ESTRENO (1900 - Chapí), EL GENERO INFIMO (1901 - Valverde hijo y Barrera), ABANICOS Y PANDERETAS o A SEVILLA EN EL BOTIJO (1902 - Chapí), LA REINA MORA (1903 - Serrano), EL MAL DE AMORES (1905 - Serrano), FEA Y CON GRACIA (1905 - Turina), EL AMOR EN SOLFA (1905 - Chapí y Serrano), LA MALA SOMBRA (1906 - Serrano), NANITA NANA (1907 - Serrano), LA BELLA LUCERITO (1907 - Saco del Valle), LA PATRIA CHICA (1907 - Chapí), LAS DE CAIN (1908; estrenada en 1958 con música de Sorozabal, padre e hijo), LAS MIL MARAVILLAS (1908 - Chapí), EL PATINILLO (1909 - Giménez), LA MUELA DEL REY FARFAN (1909 - Vives), ANITA LA RISUEÑA (1911 - Vives), SABADO SIN SOL (1912 - Bravo), EL AMOR BANDOLERO (1913 - Bravo y Torres), ISIDRIN O LAS 49 PROVINCIAS ( 1915 - Giménez), BECQUERIANA (1915 - Opera de Maria Rodrigo), DIANA CAZADORA o PENA DE MUERTE AL AMOR (1915 - María Rodrigo), LA HISTORIA DE SEVILLA (1917 - Bravo), LA CASA DE ENFRENTE (1917 - Luna), LA DEL DOS DE MAYO (1928 - Barrera), LOS PAPIROS (1921 - Luna), MARIANELA (1923 - Opera de Jaime Pahissa), LAS MUERTES DE LOPILLO (1925 - Font), EL NIÑO ME RETIRA (1929 - Calleja), LAS RAYAS DE LA MANO (1931 - Guerrero), PITOS Y PALMAS (1932 - Alonso), LA MANGA ANCHA (1933 - Cayo Vela), COLORES Y BARRO (1934 - Guerrero), LA GIRALDA (1939 - Padilla), EL MALEFICIO (1939 - Moreno Torroba), LA VENTA DE LOS GATOS (1943 - Opera póstuma de Serrano), LOS BURLADORES (Estrenada en 1948 - Sorozabal).

Sinopsis

Los amigos del Marqués le preparan una trampa por su fama de seductor disfrazando de dama a un peluquero, pero antes se enamora de Rosela que acudió en busca de ayuda contra el acoso de su tío el Corregidor. El Marqués despeja el campo endiñándole el peluquero disfrazado al Corregidor y abriendo puertas a su amor y, de paso, al de la pareja secundaria.

Indice de escenas

La obra se desglosa musicalmente en tres actos y los siguientes números:

Acto I: 1. Presentación de los burladores “¡Ah de la casa!......Estará con una dama en Palacio”. 2. Cuarteto “¡Talavera! ¡Santa Cruz!....¡Oh mujeres! ¡De la vida paz y guerra!”. 3. Raconto de Baratillo “No hay como ser el sirviente”. 5. Dúo de Rosela y Marqués “Reina y señora mía….¿Cómo pudo un celaje nublar?......¡Ojos, boca, frente, rizos!.....Oh caballero apasionado”.

Acto II: 6. Dúo de Rosela y Celito “Si volviera a nacer”. 7. Sexteto concertante “Dinos solo si es morena”. 8. Escena “¡Aquí yega ya!” y Dúo de Rosela y Marqués “Reina y señora mía, preciosa majestad……..Hay profanas aventuras”.

Acto III: 9. Preludio. 10. Raconto de Celito “Pajecito primoroso”. 11. Duetto de Celito y Baratillo “Vestía anoche de pajesiyo”. 12. Dúo final de Rosela y Marqués “Una mujer, Dios es testigo……Yo no nací para encerrarme”.

Personajes

Los principales son los siguientes:

Rosela: Dama acosada por su viejo tío que termina enamorada del marqués. Soprano.
Celito: Criada de Rosela, que acaba casándose con Baratillo.
Marqués de Don Juan: Afamado donjuán que deviene caballero. Barítono.
Santa Cruz: Capitán amigo del Marqués. Tenor.
Baratillo: Criado del Marqués. Tenor


EL CABO PRIMERO

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El cabo primero

Zarzuela cómica en un acto, y seis cuadros, en prosa
Texto original de CARLOS ARNICHES y CELSO LUCIO
Música de FERNÁNDEZ CABALLERO
Estrenada el 24 de mayo de 1895 en el Teatro Apolo de Madrid


Elenco del estreno

Rosario: JOAQUINA PINO, Simona: PILAR VIDAL, Don Fabián: JOSÉ MESEJO, Parejo: MANUEL RODRÍGUEZ, Juan: JOSÉ RIQUELME, Sargento: ISIDRO SOLER

La obra

Crónicas coetáneas hablan de que constituyó uno de los triunfos más resonantes que hasta entonces se habrían registrado en Apolo, éxito que se inició con la romanza de la soprano “Yo quiero a un hombre” que Joaquina Pino hubo de cantar tres veces , pero también destacaron el número de soldados y el sargento de la introducción que contiene la copla “Era una cantinera de primera”, el coro de los rancheros “Hoy nos ha salido el rancho muy bueno”, el número de la instrucción “¿De frente!...Venimos a pedirle señor sargento” y como no, aquello de “Buenas noches señores, yo soy Parejo” que pasó a ser obligado saludo de todo aquel que se incorporaba a una tertulia. Tres temporadas consecutivas se mantuvo en cartel en el Apolo, a veces en doble sesión. En definitiva una auténtica joya que esperemos no sea “premiada” con alguna de las actualizaciones que está sufriendo nuestro género.

El compositor

Manuel Fernández Caballero nació en Murcia el 14 de marzo de 1835 y murió en Madrid el 26 de febrero de 1906. Hijo póstumo, fue el menor de dieciocho hermanos. Encauzado en la música desde pequeño, con cinco años empezó a estudiar el violín y otros instrumentos y a los siete años ya tocaba en bandas y orquestas. Su primer maestro fue su cuñado y notable violinista Julian Gil y luego Indalecio Soriano Fuentes. A los 15 años se traslada a Madrid siendo admitido como primer violín de la orquesta del Teatro Real e ingresando en el Conservatorio donde obtuvo el primer premio de composición en 1856. Siguió estudiando con José Vega, Indalecio Soriano, Hilarión Eslava y Pedro Albeniz. A partir de los 18 años fue Director de Orquesta de varios teatros, el de Variedades, Lope de Vega, Circo y Español. En 1853 consigue de Luís de Eguilaz su primer libreto de zarzuela LA VERGONZOSA EN PALACIO, que sin embargo se estrenó con posterioridad a TRES MADRES PARA UNA HIJA, que firmó bajo el seudónimo de Florentino Durillo, precisamente por respeto y consideración a Luís de Eguilaz. Desde entonces son innumerables las zarzuelas que compuso (cerca de 200), alternando este trabajo con la dirección de orquesta, muchas veces en Portugal e Hispanoamérica, llegando a residir 7 años en Cuba. También compuso en abundancia música religiosa, encontrándose entre ella, diversas Misas, Misereres, Salves, Oficios de Difuntos (el primero lo compuso en 1851), Himnos, Letanias, Motetes etc….

Aquejado de cataratas desde 1890 aproximadamente, la última partitura que escribió de su puño y letra fue EL DUO DE LA AFRICANA en 1893, requiriendo desde entonces la ayuda de colaboradores, principalmente su hijo Mario y también la del luego famoso José Serrano que le ayudó en la escritura musical de GIGANTES Y CABEZUDOS. En 1899 y 1902 fue intervenido quirúrgicamente por el Doctor Mansilla batiéndole las cataratas de los ojos derecho e izquierdo respectivamente. Fue persona muy honrada por el público en general y por las Instituciones y así en 1891 fue elegido individuo de la Real Academia de San Fernando, cuyo discurso de ingreso no pudo efectuar hasta el 2 de marzo de 1902 con el sugerente título para nuestro querido género de “Los cantos populares españoles considerados como elemento indispensable para la formación de nuestra nacionalidad musical”; pertenecía a la Orden del Cristo de Portugal y el 22 de enero de 1903 le fue concedida la Gran Cruz de Alfonso XII siéndole regaladas las insignias correspondientes por suscripción popular en Murcia.

Cuenta Arnau que Caballero tenía la costumbre de dirigir los ensayos en el Teatro de la Zarzuela junto a la concha del apuntador, golpeando continuamente con su grueso bastón la tarima del escenario marcando el compás, como se cargó la tarima dos veces, el propietario del teatro colocó en aquel sitio una placa de bronce con la leyenda “A Caballero, sostén de la zarzuela, 1897”, y esto da pie para hacer notar la importancia que para nuestro género tuvo este compositor, en cualquiera de las facetas del mismo, la zarzuela grande hasta la década de los 70 en que entró en crisis y el género chico al que supo no solo adaptarse sino triunfar memorablemente, basta para comprobar la realidad de tal aseveración con releer los títulos compuestos a partir de 1887.

Entre sus zarzuelas detallo sobre todo las muy conocidas por su difusión discográfica, LA MARSELLESA (1876) LOS SOBRINOS DEL CAPITAN GRANT (1877), EL SALTO DEL PASIEGO (1878), CHATEAU MARGAUX (1887), EL DUO DE LA AFRICANA (1893), EL CABO PRIMERO (1895), EL PADRINO DEL NENE (1896), LA VIEJECITA (1897) GIGANTES Y CABEZUDOS y EL SEÑOR JOAQUIN (1898).

Los libretistas

Carlos Arniches y Barrera nació en Alicante el 12 de octubre de 1866 y murió en Madrid el 16 de abril de 1943. Autor dramático español, el más fecundo de los del género chico. El Espasa se hace eco de la opinión de varios críticos sobre Arniches, limitándome a extractar dos de ellas, en primer lugar la de Ramón Pérez de Ayala que, comparándolo con los hermanos Joaquín y Serafín Alvarez Quintero dice “En cuanto a la realidad, me parece que son más densas de realidad las obras del señor Arniches que las de los señores Quintero. En cuanto a la gracia, me parece que la de los señores Quintero es de más noble alcurnia que la del señor Arniches”; la otra procede de Julio Cejador y habla de que “es más autor que escritor o poeta dramático, entendiendo por lo primero al que, como Arniches, posee un hondo conocimiento de los gustos del público poco letrado y de los recursos y triquiñuelas teatrales…….Cábele a Arniches la gloria de haber continuado en su puesto cultivando el género chico, mientras los demás autores dejáronse arrollar por la corriente del género ínfimo”. Precisamente a Cejador le escribió Arniches que “mi ideal es sencillo y humilde. Corresponde a la modestia de mi rango literario. Aspiro sólo con mis sainetes y farsas a estimular las condiciones generosas del pueblo y hacerle odioso los malos instintos. Nada más”. Casi imposible relacionar sus obras me limito a dejar constancias de algunas dentro de su teatro hablado como LA SEÑORITA DE TREVELEZ, LAS ESTRELLAS o ES MI HOMBRE y de otras de zarzuela como LA ALEGRIA DEL BATALLON, ALMA DE DIOS, EL TRUST DE LOS TENORIOS y EL AMIGO MELQUIADES con música de Serrano, EL CABO PRIMERO de Fernández Caballero, LA FIESTA DE SAN ANTON y EL SANTO DE LA ISIDRA de López Torregrosa, EL POBRE VALBUENA de éste último y Joaquín Valverde (hijo) y EL PUÑAO DE ROSAS, de Chapí, algunas de ellas en colaboración.

Celso Lucio y López, nació en Burgos el 6 de abril de 1865 y murió en Madrid el 3 de octubre de 1915. Poeta, político y dramaturgo. Su primera obra, A VISTA DE PAJARO, se estrenó en 1888. Es autor de un libro de versos titulado GENERO CHICO, pero sus obras de mayor éxito fueron, MARIA DE LOS ANGELES, música de Chapí, LOS APARECIDOS y EL CABO PRIMERO, música de Fernández Caballero, LOS PURITANOS, música de López Torregrosa y Valverde, PANORAMA NACIONAL, con música de Apolinar Brull todas ellas en colaboración con Arniches; EL GORRO FRIGIO, música de Nieto en colaboración con Limendoux y LA MARCHA DE CADIZ, con música de Valverde y Estellés, en colaboración con García Alvarez. Su aportación al género consistió en grandes dosis de buen humor, habilidad teatral y su talento poético para hacer cantables.

Sinopsis

La acción transcurre en un campamento militar aledaño a un pueblo. Don Fabián, es padre de Rosario a quien impone como novio a Colás aunque ella está enamorada de Juan; también tuvo un hijo natural hace 20 años, al que no conoce y que sirve de soldado “muy raso” en el regimiento, tomando por tío a su padre. Este habla con Victorio, médico del campamento, para pedirle que vaya su hijo a verle a su casa aquella noche. Por otro lado Simona, criada de Rosario, concierta para esa noche una cita entre su “señorita” y Juan. La fatalidad y la inaudita e hilarante torpeza de Parejo que sólo piensa en comer, hacen que coincidan ambos al acercarse a la casa y Don Fabián toma a Juan como si fuera su hijo, llega luego el hambriento Parejo que a duras penas es convencido por Rosario y Simona para que se calle. Por si fuera poco entra en escena Colás el desatendido novio oficial. Tras un cúmulo de situaciones cómicas, la obra tiene un desenlace feliz para Rosario y Juan, Colás se queda sin novia y Parejo sigue a la espera de su cena.

Índice de escenas

Zarzuela cómica en un acto con los siguientes números musicales:

1. Introducción, coro de mujeres “Taratara, tarara”, seguidillas “Que no hay razones, voto va, para que estés colorá….Dale, dale que dale” y canción de la cantinera “Era una cantinera de primera”. 2. Coro de rancheros “Hoy nos ha salido el rancho muy bueno….Somos seis cocineros de lo mejorcito de la guarnición”. 3. Coro de mujeres “Cuéntanos Rosario todos tus pesares” y romanza de Rosario “Yo quiero a un hombre”. 4. Número de la instrucción “¡De frente! ¡March! ….Salid muchachas, venid acá…Venimos a pedirle, señor sargento…De mirar todos los días como forma el batallón”. 5. Cuarteto “¡Ah! ¿Se pué pasar?...Buenas noches señores, yo soy Parejo….Tengo un tío que me quiere de verdá…Yo le ruego por favor que se marche sin tardar….Yo su acción premiar sabré”.

Personajes

Los principales papeles, son:

Rosario: Hija de Don Fabián prometida de Colás pero enamorada de Juan. Soprano.
Simona: Criada de Rosario. Tiple cómica.
Sargento: Tenor cómico.
Don Fabián: Padre también de Parejo al que abandonó hace años. Tenor cómico.
Parejo: Acrisolado componente del pelotón de los torpes, en ejercicio. Tenor cómico.
Juan: Cabo del campamento. Barítono.


 LOS CADETES DE LA REINA

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Los cadetes de la reina

Opereta en un acto, dividido en dos cuadros en un acto, en verso y prosa
Texto original de JULIÁN MOYRÓN
Música de PABLO LUNA
Estrenada el 18 de enero de 1913 en el Teatro Price de Madrid


Elenco del estreno

Herminia: LUISA VELA, Luisa: MILAGROS PUJOL, Rosa: Srta. URDAZPAL, Carlos: EMILIO SAGI-BARBA, Heliodoro: Sr. VIÑAS, Presidente: DANIEL BANQUELLS

La obra

La obra tuvo un gran éxito tras pasar un calvario para su estreno del que lo redimió Sagi Barba, éxito que no ha dejado de acompañarle aunque ya limitado a alguno de sus números, sobre todo el “Septimino” y también la “Marcha de los cadetes”, la “Balada”, el “Intermedio” y el dúo final de Herminia y Carlos.

El compositor

Pablo Luna y Carné nació en Alhama de Aragón el 21 de mayo de 1880 y murió en Madrid el 28 de enero de 1942. Era hijo de un teniente de la Guardia Civil. Estudió composición y armonía, pensionado por la Diputación, en la Escuela de Música de Zaragoza y cuando terminó sus estudios dirigió varias compañías de zarzuela hasta que en 1908 fue nombrado Director del Teatro de la Zarzuela de Madrid (este teatro se incendió el 8 de noviembre de 1909 y tardó cuatro años en reconstruirse), y desde 1914 fue además empresario del mismo en donde emprendió, junto con su socio Arturo Serrano, una campaña a favor de la música española, dando entrada a compositores noveles de tanto mérito como Vives, Falla, Turina, Conrado del Campo, Guridi y especialmente Millán. Desde su primera zarzuela LA ESCALERA DE LOS DUENDES (1904), su actividad compositora fue frenética. De sus obras detallo casi exclusivamente las que han tenido trascendencia fonográfica, MUSSETA (1908), MOLINOS DE VIENTO (1910), LOS CADETES DE LA REINA (1913), EL ASOMBRO DE DAMASCO (1916), EL NIÑO JUDIO y LOS CALABRESES (1918), BENAMOR (1923), SANGRE DE REYES en colaboración con Balaguer (1925), LA PASTORELA en colaboración con Moreno Torroba (1926), LA PICARA MOLINERA y LA CHULA DE PONTEVEDRA (1928), LAS CALATRAVAS (1941) y su obra póstuma EL PILAR DE LA VICTORIA (1944), con libreto de Manuel Machado.

Fue quizás el compositor español que más destacó en el cultivo de la opereta española, a la que aportó originalidad de estilo, elegancia melódica, fantasía para la expresión y un cierto exotismo que hicieron decir al maestro Vives que Pablo Luna escribía “música rubia”. Al hablar de Luna como cultivador de la opereta considero de interés releer los comentarios que introduje en la Reseña de KATIUSKA y cuyas generalidades, son también aquí de utilidad.
Sobre este tema genérico hubo hace algún tiempo un esbozo de debate en el Foro Nueva Zarzuela a raíz de la pregunta de algún aficionado y no me acuerdo si fue El Pichi el que explicaba la diferencia entre opereta y zarzuela, pero el tema no fue acotado con rotundidad, yo diría que porque es tema menor que no afecta a la esencia del género y quizás se ha utilizado esa denominación para obras cuyo argumento no se ha desarrollado en el ambiente castizo o regional español, como ocurre por ejemplo MOLINOS DE VIENTO, LA GENERALA, KATIUSKA, EL ASOMBRO DE DAMASCO, etc... En resumen podríamos decir que, aunque la opereta vienesa se asentaba en dos pilares fundamentales: la ambientación exótica y distante sobre la base de una ingenua trama amorosa y las edulcoradas melodías a ritmo de vals y ambos elementos se detectan en algunas obras de Luna según lo cual su opereta está todavía más cercana al espíritu vienés que lo estuvo luego la de Sorozabal, no es menos cierto que también se vislumbran ya en el compositor aragonés los caracteres que el Padre Sopeña advirtió en el músico vasco: alejamiento de la procacidad arrevistada dotando de una elegancia a sus partituras que impulsó a Vives a denominarla “música rubia” y observar que, bajo el ropaje de la forma opereta, se esconde la verdadera zarzuela: el acento sobre la romanza, sobre lo emotivo.

El libretista

Julián Moyrón Sánchez nació en Madrid el 7 de julio de 1883 y murió en la misma ciudad el 18 de febrero de 1935. Autor cómico y periodista que en cuanto al género lírico aportó las siguientes obras, entre otras, LAS LINDAS PARAGUAYAS (1908) en colaboración con Alvarez Díaz y otros y música de Luis Foglietti y Jesús Aroca Ortega, LOS HOMBRES QUE SON HOMBRES (1912) con música de Giménez, LOS CADETES DE LA REINA (1913) con música de Luna, y EL DINERO Y LA VERGÜENZA (1917) con música de Alonso.

Sinopsis

El pueblo de un país imaginario cree que su reina Herminia es una devoradora de “favoritos” y, a la muerte del que hace el número doce, teme la elección del siguiente. La reina está enamorada en secreto de Carlos, capitán de sus cadetes pero elige a Heliodoro para darle celos a aquél, lo que consigue, terminando la obra con el triunfo del amor y el abandono por la reina de su trono.

Índice de escenas

Opereta en un acto, y dos cuadros, con los siguientes números musicales:

Cuadro primero: 1. Introducción y coro “Honrados ciudadanos”. 2. Duetto cómico de Rosa y Heliodoro “Helio, Rosa”. 3. Septimino “Es el pecado más horrible….Mariposa es la reina gentil”. 4. Concertante “¡Oh reina! Vos sois la flor…. Soberana encantadora, vuestra guardia que os adora” y marcha de los cadetes “Avancen ya en formación….Por mis amores ese es el lema fiel”. 4b Balada de tiple y coro “Cadetes de la reina…Una reina no puede querer….Feliz la mujer que inspira un querer”. 5. Final del primer cuadro “Sonreir sin cesar vuestro pueblo quiere no veros llorar”.

Cuadro segundo: 6. Intermedio: Minueto. 7. Escena instrumental. 8. Duetto de Luisa y el Presidente “Cuando impaciente la corte toda….Ella, al verla tan linda….Amores son traviesos”. 9. Dúo de la carta de Carlos y Heliodoro “Pobre carta…Si es de amor entendido el que lee”. 10. Dúo final de Herminia y Carlos “Tu torpeza bien merece….Reina mía escúchame….Era un pobre capitán que cegó con el amor…Por fin escucho tu voz que dice”. 10.bis Final “¡Oh! No eso no es posible….Tierno y bello despertar”.

Personajes

Los principales son:

Herminia de Tolosa: Reina. Soprano.
Rosa: Dama de la corte. Tiple cómica.
Luisa: Dama de la corte. Tiple cómica.
Carlos: Capitan de los cadetes. Barítono.
Heliodoro: Antiguo jardinero de palacio. Tenor.
Presidente del Gobierno: Bajo.


CADIZ

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Cádiz

Episodio nacional cómico-lírico-dramático en dos actos, y nueve cuadros
Texto original de JAVIER DE BURGOS
Música de FEDERICO CHUECA y JOAQUÍN VALVERDE
Estrenada el 20 de noviembre de 1886 en el teatro Apolo de Madrid


Elenco del estreno

Curra: ADELAIDA LATORRE, Una mulata: CECILIA DELGADO, Una mamá: MERCEDES GUERRA, Carmencita: JOAQUINA PINO, Doña Angustias: Srta. BORJA, Etelvina: LORETO PRADO, Señorita: Sra. BERMEJO, El Marqués: RICARDO MORALES, Don Cleto: GABRIEL SÁNCHEZ CASTILLA, Fray Casto, un Negrito y un Ciego: JULIO RUIZ, El Rubio: Sr. CRUZ, Lorenzo: PABLO DÍAZ, Fray Cirilo: JULIÁN CASTRO, Fernando: Sr. CAMPOS, Oficiales ingleses: Sr. ALENTÓN y MANUEL BARREAL. Las famosas Joaquina Pino y Loreto Prado estaban casi en el principio de lo que habían de ser gloriosas carreras artísticas. Simancas pintó los nueve decorados que reproducían la luminosa bahía gaditana, Puerta Tierra, el Barrio de la Viña, La Cortadura, el Trocadero, las Cortes...

La obra

CADIZ constituye un modelo de zarzuela popular, pintura brillante y expresiva de un momento culminante de la historia de España, entresacado, en cuanto a la idea, de uno de los Episodios Nacionales de Don Benito Pérez Galdós. “Chispero” describe el estreno diciendo que “el éxito fue clamoroso. El libro gustó mucho y la música muchísimo más. El desfile final del primer acto con la briosísima marcha, que luego fue histórica en los anales españoles, puso al público en pie, la ovación con que se premió la salida del liberador de Cádiz, montando brioso corcel blanco, enardeció a todos los espectadores, muchos de los cuales, a decir de los cronistas en los periódicos, enronquecieron vitoreando a España, totalmente ajenos al hecho de estar asistiendo a una evocación teatral y como si tal y verdaderamente hubieran formado parte del pueblo de Cádiz que aclamaban a sus héroes. Todo el acto segundo transcurrió entre ovaciones pocas veces superadas en el teatro, y los autores fueron aclamadísimos durante la representación y al final de ella”. Curiosamente la famosa marcha no fue compuesta para esta zarzuela sino que lo había sido 20 años antes con el nombre de “Himno de Prim” y luego fue incluida en esta obra.

Deleito y Peña comentó que la “marcha” de CADIZ pasó a todos los regimientos españoles y a los pianos de todos los cafés. En 1898 cuando la guerra contra los Estados Unidos (a la que sirvió de excusa la voladura del “Maine” de la que aviesa y mentirosamente se nos culpó cual si de “armas de destrucción masiva” se hubiese tratado, para robarnos Cuba y Filipinas) exaltó la fiebre españolista, se trató de convertir aquella pieza en himno nacional, y por el resultado militarmente adverso, esta marcha pareció después responso fúnebre y se la maldijo como exaltadora de la loca aventura.

Los compositores

Federico Chueca Robles nació en Madrid (Casa de los Lujanes en la Plaza de la Villa, donde se cuenta que estuvo preso Francisco I de Francia tras su apresamiento en 1520 en la batalla de Pavía) el 5 de mayo de 1846 y murió en la misma capital el 20 de junio de 1908. Desde su niñez en el Conservatorio Chueca, con sus dotes naturales extraordinarias, no comprendía que hubiera que estudiar para ser músico, le molestaba escribir música y admiraba a quien escribía con soltura en el papel pautado como Barbieri o Bretón. Lo primero de Chueca que se llevó al pentagrama fueron unos valses titulados “El lamento de un preso” que compuso cuando lo estuvo por mor de los incidentes de “La noche de San Daniel” (La noche del 10 de abril de1865 la policía cargó contra las manifestaciones de estudiantes dejando nueve muertos y muchos heridos. Los estudiantes se manifestaban a favor de Castelar que había sido separado de su cátedra por un artículo titulado “El Rasgo” sobre la decisión de Isabel II de vender la mayor parte de su patrimonio regalando el 75% al Tesoro y reservándose el 25%, interpretando que tras su aparente generosidad se escondía un despojo a la Nación propietaria legítima de todo el Patrimonio.), liberado corrió a ver a Barbieri quien le hizo repetir la música y los pasó al pentagrama. Barbieri fue pues su primer colaborador con el que luego estrenó la zarzuela HOY, SALE HOY, el segundo Bretón con el que estrenó BONITO PAIS, siendo el habitual, hasta 1890, Joaquín Valverde, que le escribía la música y aportaba algún elemento técnico de su cosecha. Chueca se servía de “monstruos” (en el argot teatral son unas palabras, más o menos absurdas, pero que siguen una rítmica y que sirven para componer la música) y escribía la letra de muchas partes de sus obras, obviando al libretista. En 1875 estrenó su primera obra EL SOBRINO DEL DIFUNTO, y desde entonces se suceden los éxitos de los que me limito a detallar BONITO PAIS en 1877, LA CANCION DE LA LOLA (en colaboración con Valverde) en 1880, FIESTA NACIONAL en 1882, HOY, SALE HOY y CARAMELO en 1884, LA GRAN VIA y CADIZ (ambas en colaboración con Valverde) en 1886, DE MADRID A BARCELONA en 1888, EL AÑO PASADO POR AGUA y DE MADRID A PARIS en 1889 (ambas también en colaboración con Valverde), LA CAZA DEL OSO O EL TENDERO DE COMESTIBLES en 1891, LOS DESCAMISADOS en 1893, AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE, en 1897, LOS ARRASTRAOS en 1899, LA ALEGRIA DE LA HUERTA en 1900 y EL BATEO en 1901. Cuenta Rafael Mitjana que Camilo Saint-Saëns gustaba de asistir a las zarzuelitas de Chueca y que el le regaló un ejemplar de la partitura de una de ellas, DE MADRID A PARIS (en que se cantaba aquello de “A mi me llaman la Pelos, a mi la de Lavapiés”) no quiso el gran músico el obsequio seguramente para no “contaminarse” con algo hecho sin la disciplina debida, pero cuando echaba a la estufa la partitura, volvió a cantar la picaresca melodía para terminar diciendo “Qué clase de talento tiene este demonio de compositor que, casi sin saber música, la crea de tal fuerza que no se la puede olvidar cuando una vez se la oye”. Se lee en el Espasa que no eran sus composiciones la más depurada expresión del espíritu nacional, en el sentido que en todas partes se da a la música popular: eran más bien la inspiración de una musa callejera, bastante artificial, que venía a ser como los couplets en Francia, con el mismo descoco, la misma alegría y la misma facilidad que aquellos, que pronto se convertían en música para los organillos callejeros, para los cafés y, en general, para el pueblo. Fue más que un músico español comprensivo para toda España, un madrileño que improvisaba sus canciones, sin grandes conocimientos de técnica pero dotado de extraordinaria facilidad y exquisita sencillez. Este madrileñismo tuvo sus excepciones, pues CARAMELO y CADIZ, son de puro estilo andaluz, LA ALEGRIA DE LA HUERTA, murciana y el tercer cuadro de LA CAZA DEL OSO O EL TENDERO DE COMESTIBLES, es asturiano neto. Comenta Arnau que a Chueca no se le puede analizar pues antes de que intentemos analizar la construcción de la frase el pensamiento del autor se ha apoderado de nosotros y le seguimos en volandas por los giros inigualados de sus castizos pasacalles. En su creación las cosas fluían de repente o no salían. Lo mismo da en la música que en la letra, si le faltaba una palabra española para llenar su frase musical la inventaba si era necesario en francés macarrónico y se quedaba tan pancho, porque además, el resultado tenía asegurado el éxito.

Joaquín Valverde Durán, nació en Badajoz el 27 de febrero de 1846 y murió en Madrid el 17 de marzo de 1910. Inició sus estudios musicales en su ciudad natal formando parte de bandas militares y orquestas y los prosiguió, a partir de 1862, en el Conservatorio de Madrid bajo la dirección de Arrieta y Aranguren. En 1867 y 1870 obtuvo primeros premios de flauta y composición. Dedicado a la dirección de orquestas y a la composición de más de 200 obras, teatrales sobre todo. Muchas de ellas en colaboración con Bretón, Rogel, Julian Romea, Fernández Caballero, López Torregrosa, su hijo Quinito y sobre todo con Chueca. Sus obras más afamadas fueron LA CANCION DE LA LOLA (1880), LA GRAN VIA y CADIZ (1886), ), DE MADRID A PARIS (1888) y EL AÑO PASADO POR AGUA (1889), todas ellas junto con Chueca con quien colaboró desde 1876 hasta principios de los 90 aportando Valverde sus mayores conocimientos musicales a la intuición, originalidad y gracia de Chueca.

El libretista

Francisco Javier de Burgos Sarragoiti (el Diccionario de la Zarzuela convierte equivocadamente el segundo apellido en Larragoiti), nació en El Puerto de Santa María (Cádiz) en 1842 y murió en Madrid el 12 de marzo de 1902. No confundir con el político y escritor Francisco Javier de Burgos y del Olmo, de Motril ni con Francisco Javier de Burgos Rizzoli, sobrino de nuestro biografiado. Sainetero que iba para Ingeniero de Camino pero al que la muerte de su padre y su vocación destinaron al teatro. Sus obras se distinguen por el gracejo con que están escritas, el acertado movimiento escénico y lo bien dibujado de los personajes. En el campo de la zarzuela destacan sus obras CADIZ con música de Chueca y Valverde, EL BAILE DE LUIS ALONSO, LA BODA DE LUIS ALONSO Y TRAFALGAR, todas estas con música de Gerónimo Giménez.

Sinopsis

La obra se inicia con un coro de gaditanos desconcertados ante los preparativos para defender la ciudad del ataque del ejército francés. Lorenzo y el Rubio, un fraile y un currutaco, de diferente condición social, discuten sobre las posibilidades de éxito. Por otro lado, Carmencita, joven casadera enamorada de un capitán, sufre los asedios de su aya Angustias y de su tutor Cleto, que intenta sacarle de la cabeza las ideas de boda con el capitán para seducirla él mismo. En la escena siguiente el Marqués comunica a Cleto que todo el pueblo está colaborando en la construcción de fortificaciones para proteger la ciudad y que arrasará la casa de verano que posee en las afueras, lo que induce al tutor a urdir una huida con Carmencita, para librarse de los que cree perdedores en la batalla. A continuación la escena presenta un lance de amor entre Curra y el Rubio, llena de gracia. El tutor ha salido de Cádiz en una calesa para organizar su huida y por ello Carmen se ve obligada a pedir cobijo en casa del Marqués; Lorenzo, sobrino de éste, le ruega que no huya. Mientras, el Rubio, conductor de la calesa, la ha hecho volcar sospechando lo que tramaba Cleto. Anuncian la llegada de soldados de refuerzo y con ello la de Fernando, prometido de Carmen; hay un jolgorio popular que se completa con la detención del tutor.
El segundo acto se inicia con una fiesta popular que celebra las dificultades de los franceses para acercarse a la ciudad; a dicha fiesta asisten las fuerzas inglesas de apoyo, a quienes los andaluces cantan el número de los lores. Cleto sigue tramando la huida mientras Lorenzo y Fernando hablan de sus acciones de guerra. La desaparición de Carmen y Cleto moviliza a todos para intentar localizarlos. Se da paso a un cuadro titulado “La Constitución” en donde el pueblo canta diversos aires en honor de “la Pepa”, entre ellos el famoso tango de la negra. Encerrado con Carmen, Cleto intenta que ésta colabore en sus planes afirmándole que la suerte de la ciudad está echada, pero aparecen Lorenzo y Fernando poniendo a buen recaudo al tutor. En los breves cuadros octavo y noveno el pueblo celebra su victoria frente al invasor.

La partitura es una de las más espontáneamente inspiradas de Chueca, y eso que en lo tocante a espontaneidad probablemente no tuvo rival. Sus números son a cual más brillante y no es de extrañar que rápidamente pasaran al dominio público. En honor al compositor ha de manifestarse que en esta música, siendo tan característicamente chuequista, no se da el tono chulángano que mayormente cultivó, sino que se adapta al ambiente andaluz con mucha propiedad. Por ejemplo las sevillanas y caleseras que cantan Curra y El Rubio. El pasodoble, número 3 de la partitura lleva en todo la “marca de la fábrica”. Es el inimitable, garboso y pimpante estilo de Chueca con un asombroso aroma andalucista. El tango flamenco del número 6 es un auténtico primor de gracia por la habilidad con que Chueca juega con las canciones populares de la época, rematando el número un zapateado extraordinariamente cadencioso. Otro fragmento popularizado fue la polka de los ingleses y damiselas. La canción del ciego es uno de los fragmentos que el cronista de Apolo señala como uno de los números más aplaudidos, después de la marcha, claro. El número final es una jota briosa, cuyo tema ya habíamos escuchado en el preludio.

Índice de escenas

Zarzuela denominada “episodio nacional cómico-lírico” en dos actos distribuidos en los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Preludio, introducción y diana, “¡Vaya una jarana!”. 2. Dúo, sevillanas y caleseras, “¡Ven para aquí, retesalá!”. 3. Pasacalle, “El barrio de la Viña”. 4. Barcarola. “El que sea patriota”. 5. Marcha de Cádiz (Pasodoble) “Los cornetas nos anuncian”.

Acto II: 6. Preludio y tango flamenco, “Enfrente e la Cortaúra”. 7. Panaderos y zapateado, “Cuando en Cádiz sale el sol”. 8. Polka de los ingleses y damiselas, “Miss lord, miss lord, me paece a mí”. 9. Coro y danza de los negritos, “A reír y cantar gaditanos……Era una pobe nega”. 10. Canción del ciego “Tin, tipi, tipi, tipité…..¿Quién compra un papelito”. 11. Marcha de la Constitución. 12. Orquestal: La tormenta. 13. Orquestal. 14. Jota “Ya habrán visto los franceses”.

Personajes

Curra: Una maja. Soprano.
Carmencita: Joven casadera enamorada de un capitán. Actriz
Doña Angustias: Aya de Carmencita.
Una mulata: “Habanera” de Cádiz. Soprano.
Una mamá: Soprano.
Etelvina: Actriz
El Rubio: Calesero. Tenor.
Fray Casto: Actor cantante.
Fray Cirilo: Actor cantante.
Lorenzo: Sobrino del marqués. Barítono.
El Marqués: Actor.
Don Cleto: Tutor de Carmencito. Barítono.
Fernando: Joven capitán alistado contra Napoleón. Actor.
Señoritas: Actrices.
Oficiales ingleses: Barítonos.


LA CALESERA

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La calesera

Zarzuela en tres actos
Texto original de EMILIO GONZÁLEZ DEL CASTILLO y LUIS MARTÍNEZ ROMÁN
Música de FRANCISCO ALONSO
Estrenada el 12 de diciembre de 1925 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid


Elenco del estreno

Maravillas: CORA RAGA, Elena: BEATRIZ CARRILLO, Piruli: ENRIQUETA SOLER, Rafael: MARCOS REDONDO, Calatrava: EDUARDO MARCÉN, Gangarilla: ANTONIO PALACIOS, El Bajo: JOAQUÍN TORRÓ, Luís Candela: VICENTE CARRASCO

La obra

La obra comenzó a gestarse tres años atrás y, ¡lo que son las cosas!, no se terminó hasta horas antes del estreno pues al maestro Alonso no le salía la frase angular de la romanza final de barítono. Fue en 1922 cuando el músico conoce al ingeniero (Luís Martínez Román) quien le lee una zarzuela que lleva por título LA CALESERA, y Paco Alonso, ya a esas alturas con muchos tiros dados huele un buen tema pero falto de picardía teatral, técnica y oficio, por lo que le presenta a Emilio González del Castillo para que arregle la obra, lo que hace tomándose su tiempo pues hasta 1924 no lo entrega, y tampoco el músico, recreándose en la suerte, no tiene prisa; esta llega por la acuciante situación del Teatro de la Zarzuela que necesita una obra que lo salve; Alonso retoca y acaba su música a la medida de los cantantes que la van a estrenar, pero no da con la tecla de la última romanza, hasta que le llega la inspiración y la frase musical “tu me puedes olvidar, yo jamás te olvidaré” que completa la romanza y la partitura casi en el umbral de la representación. El estreno previsto para el día 11 se atrasa al día siguiente por dificultades de última hora.

El estreno es un éxito rotundo, cinco veces se canta el pasacalle, dos el himno (“el pasacalle de los chisperos fue algo de locura” dijo García Iniesta en La Libertad añadiendo “dos veces cantó Marcos Redondo el himno a la libertad ¡Qué ovaciones! Inmensas, prorrogadas, inacabables”) y tres la romanza final (“Si grande fue el triunfo del maestro Alonso, lo fue mayor, si cabe, el logrado por Marcos Redondo que estuvo insuperable en todo momento y repitió todos sus números, y algunos hasta tres veces, cantando cada vez mejor y demostrando que es un verdadero divo” según la Gaceta Teatral.) “Hacía tiempo, dice Bejarano en El Liberal, que no presenciábamos en el teatro una parecida explosión de entusiasmo”. Otra perspectiva nos la da Marcos Redondo en sus Memorias, al contarnos que la tarde del estreno le había a su mujer “que preparase las maletas por si tenían que salir para Barcelona en el tren de las nueve. ¿Es que ha pasado algo? Todavía no, Es esta noche cuando tiene que pasar.” Y sigue contando “No la dejé ir al teatro. Me lo jugaba todo en aquella ocasión y no podía exponerla al bochorno de un fracaso estrepitoso, dado el avanzado estado de su gravidez. Y he dicho que me lo jugaba todo, porque yo estaba decidido a ahilar la voz hasta lo inverosímil. Un fallo, cualquier quiebro o vacilación, dadas las circunstancias, hubiera sido de fatales consecuencias. Y yo lo sabía. Por eso no pude ser dueño de mi hasta el tercer acto.”

Pero no termina ahí la cosa, se suceden los homenajes y el mejor de ellos el contrato para el Apollo de París en donde se representó LA CALESERA en los meses de junio y julio de 1927, con Cora Raga, Marcos Redondo, Pablo Gorgé, Eduardo Marcén y Antonio Palacios en los principales papeles, siendo la cumbre la función de gran gala a la que asistieron los Reyes de España, el Gobierno Francés y el Cuerpo Diplomático. Los años no privan a esta zarzuela de un éxito asegurado cada vez que se representa, y el pasacalle de los chisperos ha quedado como un símbolo de la música española. El 1 de abril de 1965 se representó LA CALESERA en el Teatro de la Zarzuela de Madrid en función homenaje a Marcos Redondo, con Vicente Sardinero interpretando a Rafael Sanabria, no pude asistir (si lo hicieron mis padres, ella ya herida de muerte) y lo lamenté tanto por el barítono joven como por el veterano que participó en el fin de fiesta pese a llevar retirado 8 años.

El compositor

Francisco Alonso, nació en Granada el 9 de mayo de 1987 y murió en Madrid el 18 de mayo de 1948. De 1900 datan sus primeras obras conocidas, estrenadas en Las Escuelas del Ave María del Padre Manjón, poco después en 1903 es nombrado director de la Orquesta Filarmónica de Granada y de la Banda de obreros polvoristas de El Fargue (según el Diccionario de la Zarzuela en 1906). En 1911 marcha a Madrid aunque nunca perdió su idiosincrasia “granaína”, pues prácticamente fue embajador de Granada en Madrid. Imposible relacionar ni siquiera un porcentaje considerable de sus obras, solo citaré entre las zarzuelas LA LINDA TAPADA y LA BEJARANA (1924), CURRO EL DE LORA y LA CALESERA (1925), LA PARRANDA (1928) y LA PICARONA (1930); y entre las Revistas, LAS CORSARIAS (1919), LAS CASTIGADORAS (1927) y LAS LEANDRAS (1931), entre otras composiciones destaca la famosísima MAITECHU MÍA y EL HIMNO DE LA EXPOSICIÓN IBEROAMERICANA DE SEVILLA (1929) reliquia recientemente desenterrada por Blue Moon al incluirla en los 5 CDs de Miguel Fleta. Compositor chispeante y brillante que yo creo que pudo alcanzar más calidad de habérselo propuesto pero, como a Guerrero y otros, le atrapó el éxito pronto y fácil, con apresuramiento salvado sólo por su inspiración (consta que los ensayos de La Calesera empezaron sin haber acabado los números musicales, entre ellos el famoso pasacalle y más todavía la romanza final para Marcos Redondo cuya frase musical “tu me puedes olvidar, yo jamás te olvidaré” pasó de las musas al teatro unos días antes del estreno) desembocando en la Revista que en definitiva dañó a la Zarzuela, y eso que aquellas Revistas eran muy superiores a las que les sucedieron. Por eso me hace gracia que “sea políticamente correcto” asimilar lo zarzuelero con su predominio en una determinada época de España, más o menos desde los felices 20 hasta la mediación de la dictadura franquista, cuando, a mi parecer, precisamente la Zarzuela ha sido víctima y no verdugo de la situación vivida en esos años por la música en España.

Los libretistas

Emilio González del Castillo nacido en Madrid el 4 de abril de 1882 y muerto en la misma ciudad el 31 de enero de 1940. Libretista e Interventor del Estado en los ferrocarriles de España. Fue autor de la letra de muchas revistas de su gran amigo Alonso, de su famosísima canción “Maitechu mía” y de más de ochenta obras líricas, muchas en colaboración con José Muñoz Román, entre las que destacan las siguientes zarzuelas: LAS LEANDRAS, LA CALESERA y LA PICARONA de Alonso, estas dos últimas en colaboración con Luís Martínez Román, LOS CALABRESES de Luna y KATIUSKA de Sorozabal.

Luís Martínez Román nació y murió en Madrid, respectivamente, el 30 de septiembre de 1875 y el 3 de junio de 1942. Fue ingeniero, catedrático de ingeniería, dramaturgo, poeta y un gran aficionado al teatro. En solitario y para el teatro hablado escribió diversas obras, pero ha pasado a la posteridad por las zarzuelas de Alonso que escribió en colaboración con Emilio González del Castillo, LA CALESERA y LA PICARONA

Sinopsis

El primer acto se desarrolla en el interior de un café. Al alzarse el talón están sentados a las mesas varios comediantes, entre ellos Maravillas, “la Calesera”, tres cómicos, dos jóvenes conspiradores de la libertad, un mozo de café, un hombre embozado, un par de parroquianos y en la puerta de la calle, cantando y rodeado de chiquillería. Perico el ciego con su lazarillo. Maravillas, a su vez canta una de las canciones de ciego, y es jaleada por el público, hasta que una cercana música de bandurrias y guitarras les distrae de su diversión, y escuchan. Se trata de una boda que pasa de largo, llevándose a toda la chiquillería que se entretenía con el ciego. A1volver la quietud los tres cómicos reclaman su sueldo a García, padre de Maravillas. Mas, este confiesa que aún no puede pagarles, y ante la insistencia de los cómicos es su propia hija quien va a defenderle. En aquel preciso instante aparece Gangarilla, novio de Pirulí, otra de las cómicas. Trae una nueva obra que va a ser representada por la compañía, y habla también acerca de los revuelos de la política, pero se interrumpe al reparar en la sospechosa presencia del embozado, que permanece silencioso en su mesa. Manolo, uno de los jóvenes, se acerca al embozado y le pregunta su nombre. Este, sin contestar a la pregunta, le pide la hora, Manolo advierte que de pronto le ha desaparecido el reloj, pero el embozado se lo muestra en la palma de su mano y pregunta a Manolo si aquel incidente es suficiente para identificarle. El embozado se marcha a la calle, y Manolo, aún algo aturdido, se acerca a sus amigos para comunicarles que se trataba del famoso Luís Candelas. Nuevamente enfrascados en la conversación se habla de Rafael Sanabria, revolucionario político de mucho talento, a quien se persigue, y de quien Maravillas está secretamente enamorada. Gangarilla añade que Sanabria va a casarse con la Marquesa de Albar, Maravillas queda asombrada y dolorida, pero sin demostrarlo. De pronto vuelve a acercarse la música de la boda, y entran los novios en el establecimiento. Los cómicos aprovechan la ocasión para unirse a la comitiva y beber gratis. Cuando más entretenidos están, entra Elena, Marquesa de Albar, seguida por su mayordomo, Calatrava. Elena viene en busca de Rafael Sanabria, y al no hallarlo presente decide aguardar. Por medio de un anónimo ha sabido que Rafael tiene amores con Maravillas. Maravillas, al acercarse casualmente por la mesa de Elena, reconoce a la Marquesa, que a su vez sabe quién es “la Calesera” Con ironía celosa se disputan el amor de Rafael, hasta que Maravillas admite su propia derrota y queda llorando con el consuelo de Gangarilla. Entonces, entre ruido de gritos, tiros y cristales rotos, aparece el propio Rafael Sanabria, herido. Elena se adelanta con serenidad y se lo lleva para curarle. Maravillas presencia con dolor la escena. Todos gritan de entusiasmo hacia Sanabria, pero entonces entran Eduardo y Luís Candelas exclamando que les quieren arrebatar la bandera. Rafael no puede levantarse para impedirlo, pero Maravillas echa a correr hacia Eduardo, le arrebata la bandera y marcha hacia el foro. Rafael queda asombrado, mirándola.

El acto segundo se desarrolla en el interior de un teatro, donde los cómicos ensayan una obra. Entre ellos, y disfrazados para representar sendos papeles, se ocultan Rafael y Elena. Un par de policías entran en el lugar con objeto de buscar a Sanabria, y se quedan a ver el ensayo. Este resulta impecable, pero hacia el final irrumpe en escena un cómico que había estado ausente, y en voz alta, saluda por su nombre a la Marquesita de Albar. Los policías comprenden que Rafael no puede andar lejos, y prenden a Elena. Pero entonces, Rafael se despoja de su disfraz y se entrega. El cuadro siguiente nos presenta el interior de la cárcel donde está preso Rafael. Para libertarle, Gangarilla se ha disfrazado de vigilante, y Pirulí y Maravillas, fingiendo ser hermanas suyas, que vienen a hacerle una visita. Al mismo tiempo Elena entrega una carta a su mayordomo, Calatrava, para que logre llevársela a Rafael por medio de Gangarilla. Calatrava confunde a otro vigilante con Gangarilla y como la única solución que le queda es cometer un atraco y dejarse prender para poder ver a Rafael en la cárcel, sale y asalta, a nada menos que al bandolero Candelas. Este, en lugar de pedir auxilio o de agredirle, le entrega una onza de oro y prosigue su camino. Calatrava le reconoce al fin. Mientras, Gangarilla, que ha vertido polvos soporíferos en el vino de los vigilantes, aprovecha la falta de lucidez de éstos para abrir la puerta de la celda de Rafael. Un guardia da la señal de alarma, pero Rafael ha logrado huir.

El acto tercero se desarrolla en el interior de un parador-posada, en la carretera de Francia. Beben y bailan los comediantes. Rafael y Elena tienen proyectado escapar a través de la frontera, mientras Maravillas, en un rincón, está a solas con su dolor. Entra Luís Candelas, y Maravillas, sin poder contener su angustia, le pide urgente ayuda, confesándole que, en un momento de celos, y, por no perder a Rafael, le delató a la policía, que estará próxima a llegar. Candelas promete arreglarlo y va en busca de Rafael. El bandolero entrega a Sanabria un documento mediante el cual puede entrar sin dificultades en Italia, y al abrazarse los dos amigos, en señal de despedida, Candelas extrae el pasaporte de Rafael del interior de su chaqueta. Nada más finalizar esta escena, entra la policía. Candelas es preguntado si es él Sanabria, y el bandolero muestra su pasaporte, que es el de Rafael, quedando prendido en el acto. Todos acompañan a Rafael y Elena en su despedida, y Maravillas queda sollozando, preguntándose si alguien la quiso alguna vez. Y es Luís Candelas, quien, esposado, y al pasar por su lado, dice en un susurro que él la quiso siempre.

Las fuentes consultadas no son muy benévolas con el libreto, atribuyendo todo el éxito a la música de Alonso que construye su obra, sin un verdadero trabajo de cohesión musical, por acumulación de cantables pero con una eficacia total. Arnau se hace eco de la opinión del historiador Martínez Olmedilla quien dice que LA CALESERA se compuso con elementos preexistentes que en improvisada urgencia se encadenan para que la obra resultante pueda ser estrenada por Marcos Redondo, que en aquellos días actuaba en la Zarzuela. Y opina Arnau que “sea como fuere, lo cierto es que LA CALESERA acredita la personalidad de Alonso y todos los números de la partitura se mantienen a un nivel de fuerza expresiva pareja. Desde el “canto a la libertad” tan vibrante; la bella romanza del barítono, nada fácil, y el dúo de sopranos, tan bien cortado, hasta el garboso, arrastrante pasacalle de los chisperos que ha dado la vuelta al mundo, toda la música de LA CALESERA es un primor de inspiración fácil y amable”. Así lo cuenta Marcos Redondo “La música, del maestro Alonso, se caracteriza por una alegría deslumbradora, y en ella se han mezclado sabiamente números llenos de gracia y picardía, como el duettino cómico del segundo acto, con otros de solemne factura, como la pavana o la romanza que cantaba yo. Pero sobre todo destacan el pasacalle del chispero y el “Canto a la libertad”, sin duda el más conmovedor de todos. Es pues una música fresca, jugosa, y sobre todo llena de españolismo. Pero nada fácil, y susceptible de ser cantada con una variedad de gamas y una riqueza de matices que no puede dar más que el artista intérprete. Y yo tenía empeño en hacer de esos números algo inolvidable…..Desde el comienzo del primer acto, con una canción que bordó Cora Raga, seguida del dúo de tiples y del conmovedor “Canto a la libertad” no cesaron las manifestaciones de entusiasmo…..En el segundo acto gustó mucho el pasacalle coreado….así como el dúo, pero es en el tercer acto, de gran dulzura musical y de una línea melódica extraordinaria, donde tenía que jugármela, en un racconto no tan difícil en si como quise hacerlo yo. Lo conseguí, gracias a Dios, porque ya era dueño de mi mismo y me crecía tanto como el público se me iba entregando. Sé que empezamos a las diez y cuarto y el público desfilaba a las dos menos veinte”.

Índice de escenas

Zarzuela en tres actos, con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Preludio, introducción “Tadeo y Doña Carlota” (que glosa el episódico bofetón de la infanta, cuñada de Fernando VII, al ministro Calomarde) y coro general “se casa una maja señores”. 2. Romanza de Maravillas “Todos dicen que te quiero……Corre mulilla torda”. 3. Gavota “Usía no recuerda seguramente”. 4. Terceto de Rafael, Elena y Maravillas “No hay que temer por mi” que desemboca en el Canto a la libertad “No hay bien más hermoso que la libertad……Los esclavos de la tierra”.

Acto II: 5. Dúo cómico de Gangarilla y Pirulí “Es la Pipiripona……pobre sacristán”. 6. Escena “He aquí los nuevos cómicos” y canción de Calatrava “Pim pom, pim pom…. Tu cuerpo gitano”. 7. Dúo de Maravillas y Rafael “El veto a mi amor sincero….Maja ya no puede ser…..Flores de azahar has de ver en tu vida brotar”. 8. Pasacalle “Dice el rey que le debo guardar….Yo no quiero querer a un chispero”. 9. Terceto de Rafael, Maravillas y Elena “¡Atrás, atrás! Nadie ha de osar”. 10. Romanza de Rafael “Sin alma viven los presos”. 11. Dúo cómico de Pirulí y Gangarilla “Críspulo se ha casado….Arremángate pa pasar el río”. 12. Final del acto II “No me cortejes niña por la ventana”.

Acto III: 13. Escena cómica “Por mi dices, Elías…Un fraile del convento salió por vino”. 14. Dúo cómico “Soñé yo anoche”. 15. Racconto de Rafael “Agua que río abajo marchó…..Tu me puedes olvidar, yo jamás te olvidaré”.

El número 14 no viene en ninguna grabación ni tampoco figura en el libreto conocido. El número 6 no figura en la versión completa de Columbia.

Personajes

Detallo los principales:

Maravillas: Cómica llamada “La Calesera” enamorada de Rafael. Soprano
Elena: Marquesa de Albar, también enamorada de Rafael. Mezzosoprano.
Rafael: Apuesto liberal y conspirador. Barítono
Pirulí: Novia de Gangarilla. Tiple cómica.
Gangarilla: Novio de Pirulí. Tenor cómico.
Calatrava: Mayordomo de la marquesa. Tenor cómico menos para el nº. 6 de la obra que precisa un bajo.
Luís Candelas: Idealizado bandolero. Actor.


EL CANASTILLO DE FRESAS

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El canastillo de fresas

Zarzuela en siete cuadros y una evocación, distribuidos en dos actos
Texto original de GUILLERMO y RAFAEL FERNÁNDEZ-SHAW
Música de JACINTO GUERRERO
Estrenada el 16 de noviembre de 1951 en el Teatro Albéniz de Madrid


Elenco del estreno

Mari Cruz: DOLORES PÉREZ, Clara: PILAR LORENGAR, Andrés: PEDRO TEROL, Bautista: LORENZO SÁNCHEZ-CANO TÉLLEZ

La obra

EL CANASTILLO DE FRESAS se estrenó en el Teatro Albéniz de Madrid el 16 de noviembre de 1951 como homenaje a Jacinto Guerrero muerto dos meses antes. Como la obra quedó sin instrumentar a ello se pusieron nada menos que doce compañeros, a saber: Conrado del Campo, Enrique Estela, Jesús García Leoz, José Luis Lloret, Agustín Moreno Pavón, Federico Moreno Torroba, Daniel Montorio, José Olmedo, Manuel Parada, Joaquín Quintero, Jesús Romo y Ernesto Rosillo. Orquestó cada número un compositor diferente, lo que unido a que, según el Libro de la Zarzuela, la partitura es una amalgama de temas folklóricos que se entrecruzan en el desarrollo temático del drama, da como resultado algún que otro número musical sin demasiada conexión con la historia que cuenta el libro. El reparto de la obra fue realmente extraordinario, en palabras de Marcos Redondo en sus Memorias, concretamente el papel de barítono lo cantó en el estreno Pedro Terol, ocho días después se hizo cargo del papel el hijo del gran tenor Emilio Vendrell, a quien sucedió Manuel Ausensi y por último fue Marcos Redondo el intérprete de Andrés. En el resto de personajes intervinieron Dolores Pérez como Mari Cruz, Pilar Lorengar como Clara, Lorenzo Sánchez-Cano Téllez como Bautista, y en otros papeles (sin poder acoplarlos a ciencia cierta, pues curiosamente El Diccionario de la Zarzuela no contiene reseña de esta obra) Conchita Bañuls, Charito Leonís, Manolita Rodríguez, Luis Bellido y Carlos Oller.

Según Arnau, esta obra que sus libretistas “calificaron de zarzuela a la moderna en un loable esfuerzo por modernizar el género, ya prácticamente desaparecido de los escenarios. Guerrero colaboró al intento con una partitura fluida, amena, actual en su época, y que la zarzuela podía haber tenido continuidad por este camino, lo prueba el éxito que la obra obtuvo en la noche de su estreno y en todas las representaciones que posteriormente se han dado”.

En el Espasa leemos “La zarzuela consta de ocho cuadros hilvanados con delicado gusto y tiene situaciones musicales habilidosamente preparadas y sugestivas en las que la inspiración del malogrado maestro Guerrero se manifiesta ampliamente. En realidad, la representación significó una velada de homenaje al músico desaparecido, transcurrida entre unánimes ovaciones del público, que hizo repetir hasta tres veces algunos números como la Serenata Española cantada por Pedro Terol y la delicada romanza del cuadro Oro y marfil deliciosamente cantada por la tiple Pilar Lorengar”. Concretamente a esta gran cantante, entonces de 22 años, se refiere Marcos Redondo en el libro citado, al decir “Recuerdo que cada vez que cantaba con Pilar Lorengar el dúo del abanico, pensaba en lo lejos que llegaría aquella muchacha. Pero nunca imaginé que alcanzase las cumbres de la fama con la rapidez que lo hizo”.

Para mi gusto, sin olvidarme de la Nana “A la vera vera” del rol de Mari Cruz, son las páginas musicales dedicadas a Clara y Andrés las mejores de la obra, las romanzas de ambos, respectivamente, “Mi cariño” y “¿Qué ha querido decirme?” que contiene ritmos de marcha procesional, la “Serenata Española” cantada por Andrés, sobre todo en la majestuosa interpretación de un Marcos Redondo con 62 años y el dúo del abanico.

El compositor

El compositor Jacinto Guerrero Torres, nació en Ajofrín (Toledo) el 16 de agosto de 1895 y murió en Madrid el 15 de septiembre de 1951. Se inició en la música en su pueblo y desde 1904 en Toledo donde fue seise en la catedral y un “todoterreno” como intérprete, pues tocó instrumentos de viento, piano, órgano y violín, hasta que la composición de un HIMNO A TOLEDO propició la concesión de una beca y su traslado a Madrid en 1914. Fue violinista de la orquesta de Teatro Apolo y esto le sirvió para adquirir experiencia teatral y relaciones. Ha sido, junto con Alonso, un músico dotado para logros más importantes pero tentado por el triunfo fácil que le hizo compartir producción de obras muy dignas con otras arrevistadas o directamente revistas, causando con ello daño a la zarzuela. Su catálogo es impresionante, solo detallaré, las zarzuelas de las que conozco que han tenido trascendencia fonográfica, así LA ALSACIANA (1921), LA MONTERÍA (1922), LOS GAVILANES (1923), EL COLLAR DE AFRODITA y MARÍA SOL (1925), EL HUÉSPED DEL SEVILLANO (1926), MARTIERRA (1928), LA ROSA DEL AZAFRÁN (1930), LA FAMA DEL TARTANERO (1931), EL AMA (1933) y EL CANASTILLO DE FRESAS (zarzuela póstuma terminada por amigos del compositor y estrenada en 1951). Con este simple detalle, se ve como, salvo “El Canastillo” la producción zarzuelera de Guerrero terminó en 1933, por eso digo que desaprovechó su inspiración en cosas menores que privó a la Zarzuela de otras composiciones de más calado.

Los libretistas

Guillermo Fernández-Shaw Iturralde, nació en Madrid el 26 de febrero de 1893 y allí murió el 17 de agosto de 1965; hijo de Carlos Fernández Shaw (libretista de LA REVOLTOSA, LA VIDA BREVE y muchas más) siguió sus pasos académicos, estudiando Derecho, profesionales, ejerciendo el periodismo, y vocacionales como libretista teatral. Es esta la faceta que nos ocupa y en la que sucedió a su padre fallecido en 1911, heredando de él su gracia gaditana y …. su amigo Federico Romero que se convirtió en su colaborador hasta 1951, época en la que estrenaron LA CANCION DEL OLVIDO de Serrano en 1916, DOÑA FRANCISQUITA de Vives y EL DICTADOR de Millán, en 1923, EL CASERIO de Guridi en 1926, LA VILLANA de Vives en 1927, LA ROSA DEL AZAFRAN de Guerrero en 1930, LUISA FERNANDA de Moreno Torroba en 1932, LA TABERNERA DEL PUERTO de Sorozabal en 1936, finalizando su “entente cordial” con la zarzuela LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS (1951) del compositor y guitarrista granadino Angel Barrios sobre texto de Antonio y Manuel Machado. Luego todavía estrenó con su hermano Rafael, EL CANASTILLO DE FRESAS de Guerrero en 1951, EL GAITERO DE GIJON de Romo en 1953, la transformación en ópera de LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS en 1955 y MARIA MANUELA de Moreno Torroba en 1957. Fue Laureado con la Legión de Honor francesa y su labor literaria se extendió también a la poesía y a la traducción de autores del calibre de Rostand, Goethe y Schiller.

Rafael Fernández-Shaw Iturralde nació en Madrid el 10 de noviembre de 1905 y murió en la misma capital el 26 de septiembre de 1967; hijo de Carlos Fernández Shaw (libretista de LA REVOLTOSA, LA VIDA BREVE y muchas más) y hermano del más famoso y prolífico Guillermo. Fue oficial del Banco de España y luego conservador del edificio. En cuanto a la zarzuela detallo su primera obra, en solitario, LA BARBIANA de Magenti en 1932 y luego, colaborando con su hermano, LA DUQUESA DEL CANDIL de Leoz en 1949, EL CANASTILLO DE FRESAS de Guerrero en 1951 y MARIA MANUELA de Moreno Torroba en 1957.

Sinopsis

Bautista, aristócrata de costumbres licenciosas y prometido de Paula, “pierde” a Mari Cruz llevando el desconsuelo a su madre la Condesa no por la amoralidad del hijo sino por que no quiere que se case con una plebeya, para evitarlo incita a su protegido Andrés a que cargue con el muerto. ¡Olé con la Condesa! Al final todo se arregla y Bautista es el que se casa con Mari Cruz.

Índice de escenas

Zarzuela a la moderna en dos actos con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Introducción “Este canastillo”. 2. Jota “Con flor y fresas”. 3. Dúo de Clara y Andrés “Este abanico de mujer”. 4. Serenata española “En una noche de luna…..Mujer que tras los encajes”. 5. Canto al Tajo “Padre Tajo”.

Acto II: 6. Nana “A la vera vera”. 7. El juego de prendas “¡Jesús que sofoco! ¡Jesús que calor!”. 8. Romanza de Clara “Si el mundo entero supiera…..Mi cariño es muy tierno y al par bravío”. 9. Pasacalle “Enhorabuena, enhorabuena….Excelentísimo señor”. 10. Romanza de Andrés “¿Qué ha querido decirme?.....Adiós esperanzas de un día”.

Personajes

Los principales son:

Mari Cruz: Hermana de Tinoco, seducida por Bautista, con quien luego se casa. Mezzo.
Clara: Joven de la que está enamorado Andrés. Soprano
Condesa: Madre de Bautista. Soprano.
Andrés: Protegido de la Condesa e hijo de su lavandera. Barítono.
Bautista: Mala cabeza que al final se comporta con honor. Tenor
Tinoco: Mayordomo de la condesa. Tenor.

 


LA CANCION DEL OLVIDO

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La canción del olvido

Comedia lírica en un acto, dividida en cuatro cuadros
Texto original de FEDERICO ROMERO y GUILLERMO FERNÁNDEZ-SHAW
Música de JOSÉ SERRANO
Estrenada el 17 de Noviembre de 1916 en el Teatro Lírico de Valencia


Elenco del estreno

Rosina: CONCHITA GIL, Flora Goldoni: AMPARO MARTÍ, Casilda: Sra. GORGÉ, Leonello: JOSÉ SALA, Toribio: PATRICIO LEÓN, Sargento Lombardi: PEPE CABALLER, Pietro: RICARDO ITURBI, Paolo: MANUEL VIVAS, El hostelero: Sr. TOMÁS

La obra

El éxito fue de impresión, fervoroso le titularon los coetáneos, y así ha continuado a lo largo de los años. Se cuenta en el citado Diccionario que no se estrenó en Madrid por problemas del compositor con la SGAE, pero solventados los mismos, ante el eco descomunal del éxito valenciano, el empresario Arturo Serrano arrendó el Teatro de la Zarzuela para reestrenar en Madrid la obra, lo que acaeció el 1 de marzo de 1918 con Fernández Carbonell, como novedad en el reparto levantino, como Capitán Leonello.

El compositor

El compositor José Serrano Simeón nació en Sueca (Valencia) el 14 de octubre de 1873 y murió en Madrid el 8 de marzo de 1941. Tras despuntar precozmente en su ciudad natal como instrumentista y compositor bajo la tutela artística de su propio padre pasó a Madrid en 1895 dedicado de lleno a la composición pero con enormes dificultades para darse a conocer; aprovechando la posibilidad que le deparó Fernández Caballero quien, por su ceguera, le propuso colaborase en pasar de las musas al papel pautado los frutos tardíos de su inspiración, como así hizo con GIGANTES Y CABEZUDOS; decisiva también fue la amistad trabada en 1900 con los Alvarez Quintero que le surtieron de muchos libretos empezando ese mismo año con EL MOTETE que alcanzó extraordinario éxito y fue la base de su posterior carrera, apoyada sobre todo en el género chico. Fuera de la zarzuela adquirieron popularidad su ópera LA VENTA DE LOS GATOS obra póstuma aunque empezada en los años 20, LA CANCIÓN DEL SOLDADO (1917), el HIMNO A VALENCIA (190)) verdadero Himno Regional escrito para la Exposición levantina de 1909 y el himno VALENCIA CANTA compuesto para la Coronación de la Virgen de los Desamparados; pero donde más han proliferado sus éxitos ha sido en el campo de la zarzuela, sobresaliendo LA REINA MORA (1903), EL MAL DE AMORES y MOROS Y CRISTIANOS (1905), LA MALA SOMBRA (1906), ALMA DE DIOS (1907), LA ALEGRÍA DEL BATALLÓN (1909), EL TRUST DE LOS TENORIOS (1910), EL CARRO DEL SOL (1911), EL AMIGO MELQUÍADES (1914), LA CANCIÓN DEL OLVIDO (1916), LOS DE ARAGÓN y LAS HILANDERAS (1927), LOS CLAVELES (1929), LA DOLOROSA (1930) y su obra póstuma GOLONDRINAS DE MADRID (1944), por señalar sólo las que me consta que han tenido trascendencia fonográfica.

Los libretistas

Guillermo Fernández-Shaw Iturralde, nació en Madrid el 26 de febrero de 1893 y allí murió el 17 de agosto de 1965; hijo de Carlos Fernández Shaw (libretista de LA REVOLTOSA, LA VIDA BREVE y muchas más) siguió sus pasos académicos, estudiando Derecho, profesionales, ejerciendo el periodismo, y vocacionales como libretista teatral. Es esta la faceta que nos ocupa y en la que sucedió a su padre fallecido en 1911, heredando de él su gracia gaditana y …. su amigo Federico Romero que se convirtió en su colaborador hasta 1951, época en la que estrenaron LA CANCION DEL OLVIDO de Serrano en 1916, DOÑA FRANCISQUITA de Vives y EL DICTADOR de Millán, en 1923, EL CASERIO de Guridi en 1926, LA ROSA DEL AZAFRAN de Guerrero en 1930, LUISA FERNANDA de Moreno Torroba en 1932, LA TABERNERA DEL PUERTO de Sorozabal en 1936, finalizando su “entente cordial” con LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS del compositor y guitarrista granadino Angel Barrios sobre la obra de Antonio y Manuel Machado. Luego todavía estrenó con su hermano Rafael, EL CANASTILLO DE FRESAS de Guerrero en 1951, EL GAITERO DE GIJON de Romo en 1953 y MARIA MANUELA de Moreno Torroba en 1957. Fue Laureado con la Legión de Honor francesa y su labor literaria se extendió también a la poesía y a la traducción de autores del calibre de Rostand, Goethe y Schiller.

Federico Romero Sarachaga, nació en Oviedo en noviembre de 1886 (el día 11 según el Espasa y el 15 si hacemos caso al Diccionario de la Zarzuela) y murió en Madrid el 30 de junio de 1976, pero aunque vivió también en Zaragoza, se le considera “manchego de pro” al no haber perdido su relación con La Solana desde que su familia se instaló allí a principios del siglo XX y al haber colaborado decisivamente en “La Rosa del Azafrán” zarzuela emblemática de esa región, musicada por otro manchego ilustre. Muy amigo de Carlos Fernández Shaw, a su muerte comenzó una colaboración con su hijo Guillermo que duró cuarenta años y que fructificó en obras como: LA CANCION DEL OLVIDO de Serrano en 1916, DOÑA FRANCISQUITA de Vives y EL DICTADOR de Millán, en 1923, EL CASERIO de Guridi en 1926, LA ROSA DEL AZAFRAN de Guerrero en 1930, LUISA FERNANDA de Moreno Torroba en 1932, LA TABERNERA DEL PUERTO de Sorozabal en 1936 y LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS de Barrios en 1951, destacadas de entre su producción de 65 obras. Fue impulsor en 1932 de la Sociedad General de Autores de España, y su denodado cariño por los temas madrileños y manchegos fue reconocido al ser nombrado miembro de número del Instituto de Estudios Madrileños e hijo adoptivo de La Solana.

Sinopsis

El argumento presenta una historia de amor donjuanesco ambientada en el ambiente napolitano, en cuya trama Rosina consigue, con argucias, enamorar al capitán Leonello. Esa simple historia da pie a un ramillete de números musicales encantadores, desde un corto pero intenso preludio, pasando luego por el Racconto de Leonello, el famosísimo “Junto al puente de la Peña” con su segunda parte “Mujer primorosa clavellina”, la etérea canción del olvido “Marinela, marinela”, la íntima serenata “Canta el trovador”, el apoteósico “Soldado de Nápoles”, un delicado y a la vez brillante intermedio y el delicioso dúo final, estructurado en varias partes, algunas de las cuales incluyen pequeñas romanzas dentro del dúo, bellamente ligadas. En conjunto una de las más bellas zarzuelas que se han escrito.

Índice de escenas

Zarzuela en un acto que contiene los siguientes números:

Acto único: 1. Preludio y canción de Leonello “Junto al puente de la Peña”. 2. Canción del olvido “Marinela, Marinela”. 3. Canción de la ronda “Ya la ronda llega aquí”. 4. Canción de Rosina “canta el trovador”. 5. Tenor y coro “Soldado de Nápoles” y serenata “Hermosa napolitana”. 6. Intermedio. 7. Dúo de Rosina y Leonello.

Personajes

Los principales son los siguientes:

Rosina: Princesa italiana enamorada de Leonello. Papel para una soprano.
Leonello: Capitán donjuanesco que, de seductor de Rosina, termina en su enamorado. Papel para un barítono.
Toribio: Músico ambulante y “carpanta” a quien Rosina hace aparecer como príncipe para dar celos a Leonello. El papel lo interpreta un actor.
Sargento Lombardi: Manda el pelotón de soldados que participa como Coro en algunas alternativas de la obra. Este papel y el de voz que canta la serenata “hermosa napolitana” lo canta un tenor.


EL CANTAR DEL ARRIERO

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El cantar del arriero

Zarzuela en dos actos
Texto original de SERAFÍN ADAME y ADOLFO TORRADO
Música de FERNANDO DÍAZ GILES
Estrenada el 21 de noviembre de 1930 en el Teatro Victoria de Barcelona


Elenco del estreno

Mariblanca: GLORIA ALCARAZ, Lorenzo: MARCOS REDONDO, Anselmo: JUAN ARNÓ, Gloria: MARÍA TÉLLEZ, Braulio: JOSÉ ACUAVIVA, Cigüeño: ANGEL DE LEÓN, Blas: JUAN BARAJA

La obra

Todas las fuentes consultadas destacan como elemento esencial en los triunfos de este compositor el haber contado con Marcos Redondo que inmortalizó las dos romanzas de EL CANTAR DEL ARRIERO “Soy arriero” y “Sólo una boca que se pueda besar”, el brindis de EL CANTANTE ENMASCARADO “La vida entera la brindamos a una mujer” y el pasodoble de EL DIVO “Soy de Aragón la tierra noble”. Precisamente el famoso barítono cuenta en sus Memorias que EL CANTAR DEL ARRIERO gustó mucho en Barcelona pero pasó sin pena ni gloria en Madrid ¡cosas del teatro! según el parecer del eminente cantante.

El compositor

Fernando Díaz Giles nació en Sevilla el 20 de junio de 1887 y murió en Barcelona el 5 de diciembre de 1960. Estudió en la Academia Militar General de Zaragoza y desde 1907 en la Academia de Infantería del Alcazar de Toledo, simultaneando su carrera militar con la musical hasta que sus éxitos zarzuelísticos le animaron a dedicarse por entero a la composición, hacia 1929. En 1907 compuso el HIMNO DE LA ACADEMIA DE INFANTERIA que comienza con aquello de “Ardor guerrero vibra en nuestras voces”, en 1915 su primera zarzuela DORAIDA, en 1917 la pieza sinfónica “DANZA SIBERIANA” y en 1926 estrena en Sevilla su ópera ROCIO. Las zarzuelas que han tenido trascendencia fonográfica son EL ROMERAL (1929), EL CANTAR DEL ARRIERO (1930), LA HISTORIA DE JUAN VALDES o EL RENEGADO (1931), LA MOZA QUE YO QUERIA (1932), EL CANTANTE ENMASCARADO (1934), ALHAMBRA (1940), EL DIVO (1942).

Los libretistas

Serafín Adame Martínez nació en Madrid el 7 de julio de 1901 y murió en Madrid en 1979. Abogado, periodista y autor teatral que también ejerció la crítica taurina con el seudónimo de Don Inocente. En el teatro hablado colaboró frecuentemente con Jardiel Poncela y en el campo de la zarzuela, lo más afamado lo escribió para Díaz Giles, destacando EL CANTAR DEL ARRIERO, EL RENEGADO (o LA HISTORIA DE JUAN VALDES) y EL CANTANTE ENMASCARADO.

Adolfo Torrado Estrada nació en La Coruña el 11 de mayo de 1904 y murió en Madrid el 12 de julio de 1958. Dramaturgo y crítico teatral. La calidad de su obra teatral “carente de cualquier tipo de preocupación literaria” no sale bien parada ni en el Espasa ni en el Diccionario de la Zarzuela. Sus zarzuelas más conocidas fueron EL CANTAR DEL ARRIERO, EL RENEGADO (o LA HISTORIA DE JUAN VALDES) y EL CANTANTE ENMASCARADO, todas ellas musicadas por Fernando Díaz Giles. Su labor como crítico teatral, sobre todo en La Voz de Galicia, le llevó a hacer en 1928 una crítica en El Correo Gallego excepcionalmente laudatoria para Marcos Redondo, que este recoge en sus Memorias, sobre la representación en El Ferrol de EL HUESPED DEL SEVILLANO; cuenta el barítono que ¡Qué que lejos estábamos los dos de pensar que yo estrenaría su CANTAR DEL ARRIERO ..……hasta entonces no le conocí personalmente”.

Sinopsis

Próximo a la vejez, Blas, es dueño de una Venta, situada en la carretera que conduce a Puebla de Sanabria, que es frecuentada por arrieros, y a los que Blas no ve con buenos ojos. El ventero, viudo y con una hija, tiene depositadas todas sus ilusiones en ella. La muchacha, llamada Mariblanca, es buena y cariñosa con su padre, a quien brinda total obediencia y cariño. Braulio, mozo de confianza del ventero, es el fiel criado que se siente orgulloso de servir a su amo. Gloria es otra muchacha que sirve en la Venta, y tiene Braulio a mal traer, por sus coqueteos con los demás mozos del lugar y con algún que otro arriero de los que de paso en la venta. Es Anselmo, entre los mozos del lugar, lo más serio y formal que pueda desearse, y quien se fijó en Mariblanca, con la que no pierde la ocasión de ser agradable. El cariño surge entre los dos jóvenes, y Anselmo adora a su novia. No son muy del agrado de Blas las relaciones de Anselmo con Mariblanca, ya que el muchacho no posee ningún bien de fortuna, pero incapaz de quitar un gusto a su hija, no llega a oponerse con resolución a que estas relaciones continúen. El día en que se celebra el santo de Mariblanca, la venta está de fiesta. Mozas y mozos, vienen con bailes y canciones a festejar a la hija del ventero. Blas ante la posibilidad de su viaje aquella misma noche, le hace la recomendación a Braulio, de que cierre la venta a todo arriero. Efectivamente, ante la ausencia del amo, la venta está cerrada. Se interrumpió la fiesta, con el anuncio de la próxima llegada de los arrieros, por el sonido de campanillas lejanas que se van acercando poco a poco. Cuando llegan Lorenzo, "Cigüeño" y Tomás con los demás arrieros frente a la puerta de la Venta, sólo un silencio sepulcral, como de lugar deshabitado, les recibe. Las intenciones del jefe de los arrieros no son muy buenas, ya que se desvió a propio intento de su ruta normal para hacer un alto en la venta. Tiene conocimiento de la belleza de Mariblanca, y como hombre de poco escrúpulo en cuestiones de faldas, y acostumbrado a hacer su voluntad, de grado o por la fuerza, no reparó en perder unas horas en su caminar para correr la aventura que se propone. Mariblanca quien ordena a sus criados que abran la puerta a los arrieros y les franqueen la entrada en la Venta, si así lo desean. Lorenzo, conseguido su primer propósito, trata con gran dulzura a la joven. Al poco de estar los arrieros saboreando el vino que les fue servido, se presenta Anselmo, al frente de otros mozos, a rondar a su novia. Esta sale a recibir a su prometido, quien, orgulloso, hace gala del cariño que profesa a Mariblanca. El despecho que siente Lorenzo es torpemente disimulado, retando a Anselmo a que haga con él un alarde de fuerza y destreza de pulso. Ante la osadía del arriero, y a pesar de la oposición de Mariblanca, que quiere evitar a Anselmo la reyerta con el pendenciero Lorenzo, el muchacho comienza a medir sus fuerzas con su rival, siendo vencido, ante el regocijo de los arrieros y la consternación de los mozos. Esta humillación, sufrida por Anselmo ante su novia, es lo que buscaba Lorenzo. Anselmo, dándose cuenta de las intenciones de su rival, le reta a una lucha a muerte para defender a su novia. El arriero amenaza lograr su propósito a pesar de toda oposición. La oportuna llegada de Blas, que no efectuó el viaje anunciado, corta la tirante situación. Blas pone en manos de Anselmo la custodia de Mariblanca. El mozo jura defenderla con su vida. A poco, se presenta en la Venta un fraile falso, ya que se trata de "Cigüeño", uno de los secuaces de Lorenzo, quien sigue en su propósito anterior de ultrajar a Mariblanca. El tal "Cigüeño" es el encargado de franquear la entrada en la casa de la muchacha a su jefe y demás gente arriera en un momento determinado. Lograda la primera fase del plan concebido por Lorenzo, y cuando incluso tiene en su poder a Anselmo aprisionado entre dos de sus hombres y a Mariblanca desmayada y a merced suya, la aparición del ventero le detiene en su intento. Blas hace saber a Lorenzo que la mujer que tiene ante él es su propia hija, fruto de la mala acción que años antes cometiera. Esta confesión final hace que Lorenzo desista de su propósito, y arrepentido de la mala acción que iba a cometer, haga votos por la felicidad de Anselmo y Mariblanca, abandonando la venta.

Como tantas veces sale en estas Reseñas, sobre un dramón infumable recae la música para salvar la obra. Un preludio tenso y de raigambre folklórica basado en el tema del arriero que reaparece varias veces en la zarzuela da paso a un alegre número cantado por Mariblanca y el coro “El día de tu santo tiene grandeza”. El número que sigue es el brillante y airoso raconto de Mariblanca “La moza de Sanabria”; luego un número cómico, algo arrevistado “Pecado, pecado” nos lleva al número culminante de la obra, la salida de Lorenzo “Soy arriero” poderosa romanza pensada para un Marcos Redondo en la cresta de la ola de sus facultades. Finaliza el acto con dos números compuestos a su vez por varios episodios de gran belleza como, en el primero la frase musical del barítono “Cómo quieres que el arriero al llegar” y en el segundo las frases de tenor “Hoy a mi Mariblanca le canto amores” y de barítono “Parece que no asoma la niña zamorana”. En el segundo acto destaca otro movido número cómico “Sanabresa, sanabresa”, los dúos de Mariblanca y Braulio “Baila moza baila” de aspecto folklórico y Mariblanca y Anselmo más serio “Sobre la grupa de mi caballo”, para finalizar con otra romanza de barítono “Sólo una boca que se pueda besar” en que destaca más la serenidad y la elegancia que el brío.

Índice de escenas

Zarzuela en dos actos con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Preludio y coro general “El día de tu santo tiene grandeza”. 2. Raconto de Mariblanca “El mozo mejor de todo el lugar….La moza de Sanabria”. 3. Duetto cómico “Me gusta mirar tu cara….Pecado, pecado, pecado”. 4. Salida de Lorenzo “De Peña Negra vengo…..El dueño de la venta tráiganos vino….Soy arriero”. 5. Concertante “De la ruta de Zamora….Como quieres que el arriero al llegar”. 6. Dúo de Anselmo y Lorenzo, con coro “A la ronda voy mozos….Hoy a mi Mariblanca le canto amores….Parece que no asoma la niña zamorana…..Zamorana si te vengo a rondar”.
Acto II: 7. Preludio y terceto cómico “Deogracias, Deogracias” (este número no figura en las grabaciones discográficas). 8. Dúo cómico y coro “Mi mozo es el más valiente…Sanabresa, sanabresa”. 9. Dúo de Mariblanca y Braulio con coro “Baila moza, baila moza”. 10. Dúo de Mariblanca y Anselmo “Eso que pides es imposible…Sobre la grupa de mi caballo”. 11. Romanza de Lorenzo “Sólo una boca que se pueda besar”.

Personajes

Los principales son:

Lorenzo: Arriero pendenciero y mujeriego. Barítono.
Mariblanca: Supuesta hija de Blas, acosada por Lorenzo y enamorada de Anselmo. Soprano
Anselmo: Mozo enamorado de Mariblanca. Tenor.
Gloria: Moza enamorada de Braulio. Tiple cómica.
Braulio: Mozo enamorado de Gloria. Tenor cómico.
Cigüeño: Compinche de Lorenzo. Tenor cómico.
Blas: Dueño de la venta, supuesto padre de Mariblanca. Actor.


EL CASERIO

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El Caserío

Zarzuela en tres actos
Texto original de FEDERICO ROMERO y GUILLERMO FERNÁNDEZ SHAW
Música de JESÚS GURÍDI
Estrenada el 11 de noviembre de 1926 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid


Elenco del estreno

Ana Mari: FELISA HERRERO, Santi: JOSÉ LUIS LLORET, Joshe Miguel: CAYETANO PEÑALVER, Chómin: ANTONIO PALACIOS, Eutasia: Sra. GALINDO, Inosensia: FLORA PEREIRA, Manu: ANGEL DE LEÓN, Don Leoncio: Sr. CARRASCO, Don Jesusito: JOAQUÍN DEL VALLE, entre otros, bajo la dirección de Emilio Acevedo.

La obra

Pensada como otro intento más de crear una ópera vasca, como ya había hecho en 1910 con MIRENTXU o en 1920 con AMAYA, contactó con los afamados libretistas Federico Romero y Guillermo Fernández Shaw que escribieron un libreto que mantuvo un continúo tono cómico que equilibraba el sentimentalismo de la trama principal y que además ayudó a la pretendida ambientación vasca que, salvo en algunos números específicos en que aparece diáfanamente, se mantiene como en penumbra, pero no falta. Como es casi habitual en nuestro género, el auténtico éxito de la zarzuela se debió a la extraordinaria partitura congeniando un tratamiento casi nacionalista de lo folklórico con una soberbia orquestación y sin renunciar a un lirismo sereno especialmente protagonizado en algunas intervenciones de la soprano y el barítono.

El estreno se fijó por acuerdo de autores y empresarios para la taurina hora de las cinco de la tarde con objeto, según palabras de Fernández Shaw que recoge Arnau, “de que la obra, extensa, se oyese sin impaciencias y pudiese apreciarse su partitura en todo su valor. No nos equivocamos gracias a Dios: ante una sala atestada y enseguida enfervorizada se desarrolló uno de los estrenos más simpáticos que, como autor, he presenciado en mi vida. El público se dio enseguida cuenta de que se encontraba, como presumía, ante una partitura de eminentes calidades; pero tuvo la sorpresa de que los números, además, eran inspirados y muy teatrales y el libro muy divertido. Todo se tradujo en constantes ovaciones, que culminaron en el preludio del segundo acto, verdadera apoteosis para Guridi”.

El compositor

Jesús Guridi Bidaola nació en Vitoria el 25 de septiembre de 1886 y murió en Madrid el 7 de abril de 1961.Compositor y organista descendiente de una familia de músicos, su padre, violinista, y su madre, profesora de piano, le iniciaron en el estudio de la música. Al trasladarse la familia a Madrid en 1898, tuvo su primer contacto con la zarzuela a través del barítono Emilio García Soler con quien asistió a representaciones de Chapí, Bretón o Chueca y también le acercó a Valentín Arín para su formación. En 1901 obtuvo el premio Plácido Allende, por su obra CHULAPAN. En 1903 se trasladó a París, en donde coincidió con Usandizaga al que le unió amistad y común interés por el teatro lírico vasco, y en cuya Schola Cantorum estudió piano, órgano y composición, y más tarde a Bruselas, donde completó su formación musical. Regresó a España en 1907 y en 1913 ingresó en la Academia de Bellas Artes. Fue director de la Sociedad Coral de Bilbao, además de profesor de órgano en la Academia de Música y en el conservatorio de la misma ciudad, así como director del conservatorio de Madrid desde 1956. En el campo sinfónico son particularmente notables sus obras EGLOGAS, LEYENDA VASCA, UNA AVENTURA DE DON QUIJOTE, premio del Círculo de Bellas Artes, SINFONIA PIRENAICA, DIEZ MELODIAS VASCAS, EUZKEL-ITURZKIZUBAK y FANTASIA HOMENAJE A WALT DISNEY, premio Oscar Esplá 1956, páginas de una cordial y generosa inspiración y de una realización orquestal de mano de maestra que, con una abundante producción de signo religioso MISA, REQUIEM, TE DEUM, ROSARIO, AVE MARIA, TAMTUM ERGO, etc… colocan a Guridi en un puesto privilegiado dentro del panorama español del siglo XX. Pero si importante es su obra sinfónica, no es inferior su significación como autor de zarzuelas, género que la dignidad de sus realizaciones contribuyó decisivamente a revalorizar. En este sector de su obra son particularmente notables MIRENTXU (1910), EL CASERIO (1926), LA MEIGA y LA CAUTIVA (1928), MONDOLINATA (1934), MARI-ELI (1936), PEÑAMARIANA (1944) y LA CONDESA DE LA AGUJA Y EL DEDAL (1950), itinerario lírico que culmina con el drama en tres actos y un epílogo AMAYA (1920, transformado en ópera en 1951). Fue autor también del tercer cuadro de un RETABLO DE NAVIDAD, unas ESTAMPAS VASCAS con coro y baile y LA SIEMBRA, para soprano y orquesta. Recogió una importante cantidad de páginas folklóricas arregladas para piano, labor semejante a la compilación llevada a cabo por Bartok y Kodaly en Hungría; dicho folklore fue trasladado a su obra si bien no lo ciñó a lo estrictamente local, sino que lo adaptó a las características universales de toda música de altos vuelos como hizo Falla con el folklore andaluz y castellano. La exaltación de una figura como Guridi contribuiría en mucho a deshacer el tópico tan manido de reducir el folklore español al típicamente andaluz.

Los libretistas

Guillermo Fernández-Shaw Iturralde, nació en Madrid el 26 de febrero de 1893 y allí murió el 17 de agosto de 1965; hijo de Carlos Fernández Shaw (libretista de LA REVOLTOSA, LA VIDA BREVE y muchas más) siguió sus pasos académicos, estudiando Derecho, profesionales, ejerciendo el periodismo, y vocacionales como libretista teatral. Es esta la faceta que nos ocupa y en la que sucedió a su padre fallecido en 1911, heredando de él su gracia gaditana y a…. su amigo Federico Romero que se convirtió en su colaborador hasta 1951, época en la que estrenaron LA CANCION DEL OLVIDO de Serrano en 1916, DOÑA FRANCISQUITA de Vives y EL DICTADOR de Millán, en 1923, EL CASERIO de Guridi en 1926, LA ROSA DEL AZAFRAN de Guerrero en 1930, LUISA FERNANDA de Moreno Torroba en 1932, LA TABERNERA DEL PUERTO de Sorozabal en 1936, finalizando su “entente cordial” con LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS del compositor y guitarrista granadino Angel Barrios sobre la obra de Antonio y Manuel Machado. Luego todavía estrenó con su hermano Rafael, EL CANASTILLO DE FRESAS de Guerrero en 1951, EL GAITERO DE GIJON de Romo en 1953 y MARIA MANUELA de Moreno Torroba en 1957. Fue Laureado con la Legión de Honor francesa y su labor literaria se extendió también a la poesía y a la traducción de autores del calibre de Rostand, Goethe y Schiller.

Federico Romero Sarachaga, nació en Oviedo en noviembre de 1886 (el día 11 según el Espasa y el 15 si hacemos caso al Diccionario de la Zarzuela) y murió en Madrid el 30 de junio de 1976, pero aunque vivió también en Zaragoza, se le considera “manchego de pro” al no haber perdido su relación con La Solana desde que su familia se instaló allí a principios del siglo XX y al haber colaborado decisivamente en “La Rosa del Azafrán” zarzuela emblemática de esa región, musicada por otro manchego ilustre. Muy amigo de Carlos Fernández Shaw, a su muerte comenzó una colaboración con su hijo Guillermo que duró cuarenta años y que fructificó en obras como: LA CANCION DEL OLVIDO de Serrano en 1916, DOÑA FRANCISQUITA de Vives y EL DICTADOR de Millán, en 1923, EL CASERIO de Guridi en 1926, LA ROSA DEL AZAFRAN de Guerrero en 1930, LUISA FERNANDA de Moreno Torroba en 1932, LA TABERNERA DEL PUERTO de Sorozabal en 1936 y LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS de Barrios en 1951, destacadas de entre su producción de 65 obras. Fue impulsor en 1932 de la Sociedad General de Autores de España, y su denodado cariño por los temas madrileños y manchegos fue reconocido al ser nombrado miembro de número del Instituto de Estudios Madrileños e hijo adoptivo de La Solana.

Sinopsis

EL CASERIO es una obra de costumbres vascas en la que alrededor de la casa de campo, en que se reúne todo el concepto amplio y familiar del vasco, se desenvuelve una trama amorosa sencilla pero sentida. Santi, hombre maduro, vive en un caserío rodeado de sus trabajadores y de dos sobrinos, Ana Mari y Joshe Miguel, aunque este último y joven mundano, se ausenta con frecuencia del caserío. Santi es uno de tantos vascos que salen jóvenes de su tierra y vuelve a ella, después de grandes esfuerzos, a disfrutar de un descanso bien ganado y de una riqueza conseguida con verdadero sacrificio. Antes de salir de su tierra, Santi estuvo enamorado de una joven, que a su regreso encontró casada con su hermano y de cuyo matrimonio es fruto Ana Mari que, al quedar huérfana, Santi recogió consigo y a la que trataba como una hija. Para conseguir la continuidad familiar que encierra el caserío vasco, Santo busca una solución en que se casen Joshe Miguel y Ana Mari, mas el primero es hombre alegre que no piensa en casarse. En vista de ello Santi anuncia que piensa casarse, sin tener aún escogida novia, lo cual produce en Joshe Miguel la contrariedad consiguiente, pues piensa que con ello puede perder la herencia de su tío; en cambio a Ana Mari le parece bien y acepta el proyecto de su tío. Ana Mari está enamorada de Joshe Miguel, pero este no fija en ella su atención. Para evitar el casamiento de su tío, José Miguel anuncia a Ana Mari que se dedicará a enamorar a las jóvenes que aquél escoja por novia. Entonces Ana Mari se ofrece como futura esposa de su tío, lo que sirve para encender en Joshe Miguel un verdadero amor por ella. Santi, que viene retrasando la boda precisamente porque se da cuenta de la renuncia que hace Ana Mari a sus propios sentimientos, hace venir a Joshe Miguel, el cual ofrece su cariño a Ana Mari con renuncia a todo derecho a la herencia de su tío, lo que hace que éste se dé cuenta de que ambos sobrinos se quieren y cede Ana Mari a Joshe Miguel. Esta trama seria se ve salpicada, como es normal, con otra cómica que a veces se entrecruzan, como cuando Eutasia convence a Inosensia para que enamore a Santi y ella aprende sus lecciones pero las aplica con Chómin.

Musicalmente, después de un breve y tranquilo preludio, entra el coro “Cuando sale el sol” escrito muy al estilo del canto coral tradicional de orfeón de larga tradición en el País Vasco, al que luego se une la orquesta con el txistu entonando “Nochesita de estrellas”. Seguidamente se canta el dúo “Buenos días” en el que algunos críticos ven gotas de verismo pucciniano y en el que Joshe Miguel canta a la vitalidad y Ana Mari, refrenándole, exalta con dulzura la vida de hogar. Luego “Con el trébole” se introduce la melodía popular; pasando después a la apacibilidad de la romanza de Santi construída sobre un ritmo de zortziko “Sasibil mi caserío”, finalizando el acto con una especie de brindis “Alegría del corazón” escoltado por sentidas frases del barítono como aquella de “Quisiera tener hermosa mujer” y siempre con la presencia del coro tan esencial en esta zarzuela. El segundo acto se inicia con un magistral preludio en que se incluye una mágica imitación del instrumento nacional, el txistu, desembocando en un ritmo de danza popular y constituyendo el pórtico de un acto que es todo él verdadera fiesta popular en que se presenta una antología de músicas vascas desde danzas, como el zortzico del segundo tema del preludio y la espatadantza, a las canciones, como la del coro “Pello Joshepe” o las del duelo de versolaris “Chiquito de Arigorri”, e incluso la incursión en la música religiosa de la procesión “Reina del cielo hermosa”. No faltan en este acto momentos más líricos como la famosa romanza de Joshe Miguel “Yo no sé que veo en Ana Mari”, el dúo de Ana Mari y Santi “Con alegría inmensa” o el trabado final en que sobresalen las frases musicales de Joshe Miguel “Se dice por ahí” o “Dime al oído que no me engañan”, dirigidas respectivamente a su tío y a su prima, o la de Ana Mari “Me turba de las gentes el mirar”, o la de Santi “Me extraña tu actitud” reapareciendo de nuevo al tema del brindis “Alegría del corazón”. El tercer acto comienza con un preludio coral “Mientras llueve sin cesar” que da paso a una emocionada romanza de Ana Mari “En la cumbre del monte”. Oímos luego el dúo cómico de Inosensia y Chómin basado en temas populares, finalizando el acto y la obra con un terceto “Amor le tienes a Ana Mari” basado musicalmente sobre todo en melodías ya escuchadas y como siempre con la insistente intervención del coro.

Índice de escenas

Zarzuela en tres actos, con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Preludio y coro “Cuando sale el sol”. 2. Coro “Nochesita de estrellas”. 3. Dúo de Joshe Miguel y Ana Mari “Buenos días”. 4. Cuarteto “Con el trébole, trébole”. 5. Zortziko “Sasibil mi caserío”. 6. Final del acto I “Acudiros y llegaros”.

Acto II: 7. Preludio. Tiempo de zortziko. 8. Coro “Pello Joshepe tabernan dala”. 9. Romanza de Joshe Miguel “Yo no sé que veo en Ana Mari”. 10. Procesión y espatadantza “Reina del cielo hermosa”. 11. Dúo de Ana María y Santi “Con alegría inmensa”. 12. Canción de los versolaris “Chiquito de Arigorri. 13. Final del acto II “Basta ya de bailes”.

Acto III: 14. Preludio y coro “Mientras llueve sin cesar” y relato de Ana Mari “En la cumbre del monte”. 15. Dúo cómico de Inosensia y Chómin “Dise la madre, Chómin, que me espabile”. 16. Final del acto III, terceto “Amor le tienes a Ana Mari” y coro.

Personajes

Los principales son:

Santi: El amo del caserio Sasibil. Barítono.
Ana Mari: Sobrina de Santi. Soprano.
Joshe Miguel: Sobrino de Santi. Tenor.
Chómin: El criado de Sasibil. Tenor cómico.
Manu: El dueño del chigre. Bajo
Eutasia: Mujer de Manu. Actriz cantante.
Inosensia: Hija de Manu y Eutasia. Soprano.
Don Leoncio: Párroco de la aldea. Barítono.


EL CHALECO BLANCO

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El chaleco blanco

Episodio Cómico-Lírico en un acto dividido en dos cuadros y un intermedio, en prosa
Texto original de MIGUEL RAMOS CARRIÓN
Música de FEDERICO CHUECA
Estrenada el 26 de Junio de 1890 en el Teatro Felipe


Elenco del estreno

Tecla: LEOCADIA ALBA, Doña Casta: PILAR VIDAL, Rosa: IRENE ALBA, Pérez: JOSÉ MESEJO, David: EMILIO MESEJO, Don Quintín: Sr. RODRÍGUEZ

La obra

El episodio cómico-lírico EL CHALECO BLANCO nació debido a una especie de concurso que a los componentes del Círculo Artístico de Madrid propuso Vital Aza para que cada escritor realizase un sainete con el nombre que le correspondiese en sorteo y con la condición de escribirlo en el plazo de un mes, consistiendo la sanción por incumplimiento en invitar al resto a comer y cenar durante treinta días. Parece que ninguno falló, y tampoco Ramos Carrión al que le correspondió la obra que nos ocupa para la que se inspiró en "Un sombrero de paja en Italia" de Labiche, musicada por Chueca.

Curiosamente el estreno no constituyó un éxito clamoroso que, sin embargo, se obtuvo en poco tiempo y que no ha dejado de premiar durante más de un siglo a la graciosa historia y a la chispeante música que la acompaña y que cuenta con excelsos momentos sobre todo el cuadro de las lavanderas que mezcla un garboso pasacalle militar con el pregón del bollero y con el canto de las lavanderas “Estos son los calzones de un señorito” que, sin mucho esfuerzo, el vulgo atribuyó al mismísimo Chueca, lo que no es nada increíble dada sus características.

El compositor

Federico Chueca Robles nació en Madrid (Casa de los Lujanes en la Plaza de la Villa, donde se cuenta que estuvo preso Francisco I de Francia tras su apresamiento en 1520 en la batalla de Pavía) el 5 de mayo de 1846 y murió en la misma capital el 20 de junio de 1908. Desde su niñez en el Conservatorio Chueca, con sus dotes naturales extraordinarias, no comprendía que hubiera que estudiar para ser músico, le molestaba escribir música y admiraba a quien escribía con soltura en el papel pautado como Barbieri o Bretón. Lo primero de Chueca que se llevó al pentagrama fueron unos valses titulados “El lamento de un preso” que compuso cuando lo estuvo por mor de los incidentes de “La noche de San Daniel” (La noche del 10 de abril de1865 la policía cargó contra las manifestaciones de estudiantes dejando nueve muertos y muchos heridos. Los estudiantes se manifestaban a favor de Castelar que había sido separado de su cátedra por un artículo titulado “El Rasgo” sobre la decisión de Isabel II de vender la mayor parte de su patrimonio regalando el 75% al Tesoro y reservándose el 25%, interpretando que tras su aparente generosidad se escondía un despojo a la Nación propietaria legítima de todo el Patrimonio.), liberado corrió a ver a Barbieri quien le hizo repetir la música y los pasó al pentagrama. Barbieri fue pues su primer colaborador con el que luego estrenó la zarzuela HOY, SALE HOY, el segundo Bretón con el que estrenó BONITO PAIS, siendo el habitual, hasta 1890, Joaquín Valverde, que le escribía la música y aportaba algún elemento técnico de su cosecha. Chueca se servía de “monstruos” (en el argot teatral son unas palabras, más o menos absurdas, pero que siguen una rítmica y que sirven para componer la música) y escribía la letra de muchas partes de sus obras, obviando al libretista. En 1875 estrenó su primera obra EL SOBRINO DEL DIFUNTO, y desde entonces se suceden los éxitos de los que me limito a detallar BONITO PAIS en 1877, LA CANCION DE LA LOLA (en colaboración con Valverde) en 1880, FIESTA NACIONAL en 1882, HOY, SALE HOY y CARAMELO en 1884, LA GRAN VIA y CADIZ (ambas en colaboración con Valverde) en 1886, DE MADRID A BARCELONA en 1888, EL AÑO PASADO POR AGUA y DE MADRID A PARIS en 1889 (ambas también en colaboración con Valverde), LA CAZA DEL OSO O EL TENDERO DE COMESTIBLES en 1891, LOS DESCAMISADOS en 1893, AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE, en 1897, LOS ARRASTRAOS en 1899, LA ALEGRIA DE LA HUERTA en 1900 y EL BATEO en 1901. Cuenta Rafael Mitjana que Camilo Saint-Saëns gustaba de asistir a las zarzuelitas de Chueca y que el le regaló un ejemplar de la partitura de una de ellas, DE MADRID A PARIS (en que se cantaba aquello de “A mi me llaman la Pelos, a mi la de Lavapiés”) no quiso el gran músico el obsequio seguramente para no “contaminarse” con algo hecho sin la disciplina debida, pero cuando echaba a la estufa la partitura, volvió a cantar la picaresca melodía para terminar diciendo “Qué clase de talento tiene este demonio de compositor que, casi sin saber música, la crea de tal fuerza que no se la puede olvidar cuando una vez se la oye”. Se lee en el Espasa que no eran sus composiciones la más depurada expresión del espíritu nacional, en el sentido que en todas partes se da a la música popular: eran más bien la inspiración de una musa callejera, bastante artificial, que venía a ser como los couplets en Francia, con el mismo descoco, la misma alegría y la misma facilidad que aquellos, que pronto se convertían en música para los organillos callejeros, para los cafés y, en general, para el pueblo. Fue más que un músico español comprensivo para toda España, un madrileño que improvisaba sus canciones, sin grandes conocimientos de técnica pero dotado de extraordinaria facilidad y exquisita sencillez. Este madrileñismo tuvo sus excepciones, pues CARAMELO y CADIZ, son de puro estilo andaluz, LA ALEGRIA DE LA HUERTA, murciana y el tercer cuadro de LA CAZA DEL OSO O EL TENDERO DE COMESTIBLES, es asturiano neto. Comenta Arnau que a Chueca no se le puede analizar pues antes de que intentemos analizar la construcción de la frase el pensamiento del autor se ha apoderado de nosotros y le seguimos en volandas por los giros inigualados de sus castizos pasacalles. En su creación las cosas fluían de repente o no salían. Lo mismo da en la música que en la letra, si le faltaba una palabra española para llenar su frase musical la inventaba si era necesario en francés macarrónico y se quedaba tan pancho, porque además, el resultado tenía asegurado el éxito.

El libretista

Miguel Ramos Carrión nació en Zamora el 17 de mayo de 1848 y murió en Madrid el 8 de agosto de 1915. Se inició como periodista, colaborando en periódicos satíricos con los seudónimos de Boabdil el Chico y Daniel. Pero pronto descolló su vocación teatral, estrenando en 1866 su primera zarzuela UN SARAO Y UNA SOIREE, con música de Arrieta, desde entonces muchas conocieron el éxito, frecuentemente en colaboración con otros autores, sobre todo con Vital Aza, el de la risa sana. Destaco AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE y EL CHALECO BLANCO, con música de Chueca, LA BRUJA, LA TEMPESTAD y EL REY QUE RABIO, de Chapí, LOS SOBRINOS DEL CAPITAN GRANT de Fernández Caballero, y la ampliación a ópera de MARINA de Arrieta.

Sinopsis

Cuenta la obra la ajetreada persecución de un décimo de lotería premiado con el gordo y supuestamente extraviado dentro de la colada que las lavanderas llevan al Manzanares. Este calvario da pie para conocer a las clases populares de Madrid y a cómo vivían los que teóricamente eran “señoritos”. Hay final feliz pues aparece el décimo.

Índice de escenas

La obra, en un solo acto, cuenta con los siguientes números musicales:

Acto único: 1. Preludio. 2. Polka tarareada del limpiabotas. 3. Terceto mazurca “¡David! ¿Quién llama?......Tengo mucho que contarte”. 4. Quinteto “Vamos todos, vamos presto”. 4b. Intermedio instrumental.5. Seguidillas de las lavanderas “Al bajar a las bancas del Manzanares…..Pa sortijas y gracia las carniceras. 6. Coro de lavanderas “El bollero…..Estos son los calzones de un señorito”. 7. Final instrumental

Personajes

Detallo los principales:

Tecla: Novia de David. Soprano.
Doña Casta: Dominante esposa de Pérez y madre de Tecla. Actriz
Rosa: Lavandera del hostal. Actriz.
David: Dueño del “décimo” extraviado. Tenor Cómico.
Pérez: Amo de la casa de huéspedes. Barítono.
Don Quintín: Huésped que “cogió prestado” el chaleco blanco. Actor.


CHATEAU  MARGAUX

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Chateau Margaux

Zarzuela en un acto
Texto original de JOSÉ JACKSON VEYÁN
Música de MANUEL FERNÁNDEZ CABALLERO
Estrenada el 5 de octubre de 1887 en el Teatro Variedades de Madrid


Elenco del estreno

Angelita: LEOCADIA ALBA, Doña Laura: PILAR VIDAL, José: JOSÉ MESEJO, Manuel: EMILIO MESEJO, Barón: ROCHEL

La obra

Fue el último gran éxito del Teatro Variedades antes de su cierre, y contribuyó al mismo la inspirada aunque corta partitura, el libreto ingenioso y bien construido y la interpretación sobre todo de Leocadia Alba que consiguió su primer triunfo, entonces como tiple ligera, que luego revalidaría en el Teatro Apolo. Musicalmente destacan las coplas y el vals de Angelita, pero también la parodia de José sobre las exageradas vocalizaciones del flamenco en su “Viva Sevilla y Galicia” y más aun los aires populares, javeras y panaderos, del final de la obra.

El compositor

Manuel Fernández Caballero nació en Murcia el 14 de marzo de 1835 y murió en Madrid el 26 de febrero de 1906. Hijo póstumo, fue el menor de dieciocho hermanos. Encauzado en la música desde pequeño, con cinco años empezó a estudiar el violín y otros instrumentos y a los siete años ya tocaba en bandas y orquestas. Su primer maestro fue su cuñado y notable violinista Julian Gil y luego Indalecio Soriano Fuentes. A los 15 años se traslada a Madrid siendo admitido como primer violín de la orquesta del Teatro Real e ingresando en el Conservatorio donde obtuvo el primer premio de composición en 1856. Siguió estudiando con José Vega, Indalecio Soriano, Hilarión Eslava y Pedro Albeniz. A partir de los 18 años fue Director de Orquesta de varios teatros, el de Variedades, Lope de Vega, Circo y Español. En 1853 consigue de Luís de Eguilaz su primer libreto de zarzuela LA VERGONZOSA EN PALACIO, que sin embargo se estrenó con posterioridad a TRES MADRES PARA UNA HIJA, que firmó bajo el seudónimo de Florentino Durillo, precisamente por respeto y consideración a Luís de Eguilaz. Desde entonces son innumerables las zarzuelas que compuso (cerca de 200), alternando este trabajo con la dirección de orquesta, muchas veces en Portugal e Hispanoamérica, llegando a residir 7 años en Cuba. También compuso en abundancia música religiosa, encontrándose entre ella, diversas Misas, Misereres, Salves, Oficios de Difuntos (el primero lo compuso en 1851), Himnos, Letanias, Motetes etc…. Aquejado de cataratas desde 1890 aproximadamente, la última partitura que escribió de su puño y letra fue EL DUO DE LA AFRICANA en 1893, requiriendo desde entonces la ayuda de colaboradores, principalmente su hijo Mario y también la del luego famoso José Serrano que le ayudó en la escritura musical de GIGANTES Y CABEZUDOS. En 1899 y 1902 fue intervenido quirúrgicamente por el Doctor Mansilla batiéndole las cataratas de los ojos derecho e izquierdo respectivamente. Fue persona muy honrada por el público en general y por las Instituciones y así en 1891 fue elegido individuo de la Real Academia de San Fernando, cuyo discurso de ingreso no pudo efectuar hasta el 2 de marzo de 1902 con el sugerente título para nuestro querido género de “Los cantos populares españoles considerados como elemento indispensable para la formación de nuestra nacionalidad musical”; pertenecía a la Orden del Cristo de Portugal y el 22 de enero de 1903 le fue concedida la Gran Cruz de Alfonso XII siéndole regaladas las insignias correspondientes por suscripción popular en Murcia.

Cuenta Arnau que Caballero tenía la costumbre de dirigir los ensayos en el Teatro de la Zarzuela junto a la concha del apuntador, golpeando continuamente con su grueso bastón la tarima del escenario marcando el compás, como se cargó la tarima dos veces, el propietario del teatro colocó en aquel sitio una placa de bronce con la leyenda “A Caballero, sostén de la zarzuela, 1897”, y esto da pie para hacer notar la importancia que para nuestro género tuvo este compositor, en cualquiera de las facetas del mismo, la zarzuela grande hasta la década de los 70 en que entró en crisis y el género chico al que supo no solo adaptarse sino triunfar memorablemente, basta para comprobar la realidad de tal aseveración con releer los títulos compuestos a partir de 1887.

Entre sus zarzuelas detallo sobre todo las muy conocidas por su difusión discográfica, LA MARSELLESA (1876) LOS SOBRINOS DEL CAPITAN GRANT (1877), EL SALTO DEL PASIEGO (1878), CHATEAU MARGAUX (1887), EL DUO DE LA AFRICANA (1893), EL CABO PRIMERO (1895), EL PADRINO DEL NENE (1896), LA VIEJECITA (1897) GIGANTES Y CABEZUDOS y EL SEÑOR JOAQUIN (1898).

El libretista

José Jackson Veyán, pese a esos extraños apellidos, nació en Cádiz el 6 de junio de 1852 lo que explica su gracia, y murió en Madrid el 31 de mayo de 1935. Compaginó su profesión de funcionario del Cuerpo de Telégrafos con su vocación de poeta y autor dramático que desarrolló, ya en 1870 colaborando en “La Guardilla Artística” y luego en “Blanco y Negro” y otras revistas. Su primera obra fue EL CONDE DE MURO, compuesta con 19 años y desde entonces fueron innumerables las que estrenó, muchas de ellas en colaboración con otros autores. Según el Diccionario de la Zarzuela produjo 179 obras líricas, con música de Marqués, Fernández Caballero, Chapí, Chueca, Nieto, Rubio, Valverde (padre e hijo), Brull, Giménez, Luna, Cereceda y Vives, entre las que sobresalen EL BARQUILLERO (Chapí), LOS CALABRESES (Luna), LA CAZA DEL OSO (Chueca), DE MADRID A PARIS (Chueca y Valverde), CHATEAU MARGAUX (Fernández Caballero) y LA GATITA BLANCA (Giménez y Vives).

Sinopsis

Angelita y Manuel invitan a su casa a unos tíos aristócratas con el prosaico fin de “calentar” la herencia. Angelita a solas con los viejos los escandaliza con sus cantes y bailes, fruto de la excesiva ingestión de Chateau Margaux. Los viejos escapan, Manuel va a por ellos de nuevo y Angelita y José continúan la juerga siendo sorprendidos por Manuel y los tíos a su regreso, pero todo se arregla al probar los dos viejos el vino y sentir los mismos efectos alegres.

Índice de escenas

Juguete cómico-lírico en un acto con los siguientes números musicales:

Acto único: 1. Preludio. 2. Coplas de Angelita “Siempre lo decía nuestra directora”. 3. Viva Sevilla y Galicia “Ay ay serrana”. 4. Vals de Angelita “Este es de Burdeos….No sé que siento aquí”. 5. Coro, javeras y panaderos “Que a mi me ahogan las penas……Yo tengo un torero muy zaragatero….Aunque canta el alma”. 6. Final.

Personajes

Los principales papeles, son:

Angelita: Andaluza recién casada con Manuel. Soprano.
José: Criado de Angelita medio gallego y medio andaluz. Tenor cómico


LA CHULAPONA

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La chulapona

Zarzuela en tres actos
Texto original de FEDERICO ROMERO y GUILLERMO FERNÁNDEZ SHAW
Música de FEDERICO MORENO TORROBA
Estrenada el 31 de marzo de 1934 en el Teatro Calderón de Madrid


Elenco del estreno

Manuela: SELICA PÉREZ CARPIO, Rosario: FELISA HERRERO, Emilia: MARÍA LUISA ALBALÁ, Venustiana: RAMONA GALINDO, Cantaora: ASCENSIÓN MUÑOZ, José María: VICENTE SIMÓN, Sr.Antonio: JOSÉ MARÍN, Juan de Dios: MANUEL HERNÁNDEZ, Chalinas: ANTONIO RIQUELME

La obra

La obra triunfó incluso por el libreto y aun hoy se mantiene esa valoración como resalta en la opinión de los críticos consultados para esta reseña, pues tanto Javier Suárez Pajares (Diccionario de la Zarzuela) “el acierto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw es pleno….la trama está inteligentemente hilada, todo tiene sentido en ella”, como Arnau “hay en La chulapona un bien planteado drama popular” y como Antonio Fernández Cid “un casticismo lírico, fiel representación de esa época, 1890…en que se centra la acción del libreto” vuelcan sus elogios en el libro. Yo creo que, como es común por demás en nuestro género, la música se halla muy por encima del texto, que me resulta algo incoherente y con un final forzado, poco creíble e incluso poco ético al “sacrificarse” Manuela para cuidar, más que para querer, a un hombre bueno y anticipar que en sus noches de desvelos pensará en José María. Pero la música lo puede todo y enaltece incluso esa sórdida trama principal de la obra, pero sobre todo realza lo popular y castizo que en la zarzuela corre paralelo a lo siniestro. Y así disfrutamos con los chotis, pasacalles, guajiras, habaneras, seguidillas, incluso flamenco que, unidos a números esencialmente líricos, se van desgranando a lo largo de la partitura, sin perder su unidad.

El compositor

El compositor Federico Moreno Torroba nació en Madrid el 3 de marzo de 1891 y murió también en Madrid el 12 de septiembre de 1982. En su amplia trayectoria de compositor, director de orquesta y empresario, destacan éxitos fuera del ámbito de la zarzuela, como su obra sinfónica LA AJORCA DE ORO (1918), las óperas LA VIRGEN DE MAYO (1925) y EL POETA (1980, estrenada por Plácido Domingo que tenía verdadero afecto personal al maestro) y sus composiciones para guitarra clásica. Pero donde más han proliferado sus éxitos ha sido en el campo de la zarzuela, desde la primera LA MESONERA DE TORDESILLAS (1925), y luego LA MARI BLANCA Y LA PASTORELA (1926, la segunda en colaboración con Pablo Luna), LA MARCHENERA (1928), MARÍA LA TEMPRANICA (1930 adaptación de la obra de Giménez), AZABACHE y LUISA FERNANDA (1932), XUANÓN (1933), LA CHULAPONA (1934), MONTECARMELO (1939), MARAVILLA (1941), LA CARAMBA (1942), LA ILUSTRE MOZA (1943) y MARÍA MANUELA (1957), sólo por señalar las que me consta que han tenido trascendencia fonográfica.

Los libretistas

Guillermo Fernández-Shaw Iturralde, nació en Madrid el 26 de febrero de 1893 y allí murió el 17 de agosto de 1965; hijo de Carlos Fernández Shaw (libretista de LA REVOLTOSA, LA VIDA BREVE y muchas más) siguió sus pasos académicos, estudiando Derecho, profesionales, ejerciendo el periodismo, y vocacionales como libretista teatral. Es esta la faceta que nos ocupa y en la que sucedió a su padre fallecido en 1911, heredando de él su gracia gaditana y …. su amigo Federico Romero que se convirtió en su colaborador hasta 1951, época en la que estrenaron LA CANCION DEL OLVIDO de Serrano en 1916, DOÑA FRANCISQUITA de Vives y EL DICTADOR de Millán, en 1923, EL CASERIO de Guridi en 1926, LA VILLANA de Vives en 1927, LA ROSA DEL AZAFRAN de Guerrero en 1930, LUISA FERNANDA de Moreno Torroba en 1932, LA TABERNERA DEL PUERTO de Sorozabal en 1936, finalizando su “entente cordial” con LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS del compositor y guitarrista granadino Angel Barrios sobre texto de Antonio y Manuel Machado. Luego todavía estrenó con su hermano Rafael, EL CANASTILLO DE FRESAS de Guerrero en 1951, EL GAITERO DE GIJON de Romo en 1953 y MARIA MANUELA de Moreno Torroba en 1957. Fue Laureado con la Legión de Honor francesa y su labor literaria se extendió también a la poesía y a la traducción de autores del calibre de Rostand, Goethe y Schiller.

Federico Romero Sarachaga, nació en Oviedo en noviembre de 1886 (el día 11 según el Espasa y el 15 si hacemos caso al Diccionario de la Zarzuela) y murió en Madrid el 30 de junio de 1976, pero aunque vivió también en Zaragoza, se le considera “manchego de pro” al no haber perdido su relación con La Solana desde que su familia se instaló allí a principios del siglo XX y al haber colaborado decisivamente en “La Rosa del Azafrán” zarzuela emblemática de esa región, musicada por otro manchego ilustre. Muy amigo de Carlos Fernández Shaw, a su muerte comenzó una colaboración con su hijo Guillermo que duró cuarenta años y que fructificó en obras como: LA CANCION DEL OLVIDO de Serrano en 1916, DOÑA FRANCISQUITA de Vives y EL DICTADOR de Millán, en 1923, EL CASERIO de Guridi en 1926, LA VILLANA de Vives en 1927, LA ROSA DEL AZAFRAN de Guerrero en 1930, LUISA FERNANDA de Moreno Torroba en 1932, LA TABERNERA DEL PUERTO de Sorozabal en 1936 y LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS de Barrios en 1951, destacadas de entre su producción de 65 obras. Fue impulsor en 1932 de la Sociedad General de Autores de España, y su denodado cariño por los temas madrileños y manchegos fue reconocido al ser nombrado miembro de número del Instituto de Estudios Madrileños e hijo adoptivo de La Solana.

Sinopsis

Manuela y José María son novios hasta que tercia Rosario y se lo quita. José María una vez conseguido su objetivo la abandona y vuelve a Manuela, pero la altiva Rosario se humilla ante su rival por haberse quedado embarazada y “La Chulapona” obliga al padre al casamiento, conformándose ella con el señor Antonio.

Índice de escenas

Comedia lírica en tres actos, con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Introducción y seguidillas “No cantes más La Africana”. 1b. Mazurca Yo que con las damas voy a contrapelo…..A las chicas de Madrid les ciega la ilusión”. 2. Chotis “Creí que no venía. Sí que tardaba usted……No se puede dar un paso por las calles de Madrid”. 2b. Pasacalle de Manuela “Al pasar por la calle de Calatrava……Como soy chulapona de los Madriles”. 3. Terceto de Manuela, Rosario y José María“¿Se puede pasar, Paloma?.....He venido pa decirte”. 4. Escena “¡Mecachis! ¡Qué voces!”. 5. Dúo-habanera de Rosario y José María “Ese pañuelito blanco”. 5b. Recitado sobre la música “Suéltame, José María”.

Acto II: 6. Introducción y guajira “En La Habana hay una casa”. 7. Pasacalle madrileño “Vamos que es tarde. No hay que empujar….Dejaría de ser madrileño”. 7b. Chotis “¿Dónde va presumiendo la sal morena? y habanera “Dígale usté a la Rosario” y pasacalle “El mantón de Manila ¡pa que lo quieres!”. 8. Romanza de José María “Tienes razón amigo….Noche madrileña con olor de albahaca”. 9. Fin de fiesta flamenco “Si me dices que me quieres…..¡Qué triste es la petenera!”. 10. Terceto de Manuela, señor Antonio y José María “Déjeme señor Antonio…..Esos ojos bonitos”.

Acto III: 11. Escena “Ande señor retratista”. 11b. Chotis coreado “¿Me hace usted el favor, reina de Madrid?....El chotis es lo más pintiparao…Ay madrileña chulapa….Chotis de Madrid, baile popular”. 12 Dúo de Manuela y Rosario “No es que te quiero besar…Confieso que le quise por envidia”. 12b. Recitado sobre la música “Se lo diré a la familia que no se lo va a creer…..Y en las noches de desvelo pensar en José María”.

Personajes

Los principales son:

Manuela: “La chulapona”: dueña de un taller de plancha. Mezzosoprano.
Rosario: Oficiala del taller de plancha y “rival” de Manuela. Soprano.
José María: Tratante y castigador, novio sucesivo de Manuela y Rosario. Tenor.
El chalina: Organillero y castizo. Tenor cómico.
Juan de Dios: Hermanastro de Manuela y padre prolífico. Tenor cómico.
Venustiana: Madre de Rosario y prestamista. Actriz cantante.
Cantaora: Del café-cantante Naranjeros. Cantaora.
Señor Antonio: Dueño del café-cantante y enamorado de Manuela.
Emilia: Oficiala del taller e hija del señor Antonio. Soprano.


LOS CLAVELES

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Los claveles

Sainete lírico en un acto, dividido en tres cuadros, en prosa
Texto original de LUIS FERNÁNDEZ DE SEVILLA y ANSELMO C. CARREÑO
Música de JOSÉ SERRANO
Estrenada el 6 de abril de 1929 en el Teatro Fontalba de Madrid


Elenco del estreno

Rosa: MATILDE VÁZQUEZ, Fernando: TINO FOLGAR, Jacinta: CARMEN MAIQUEZ, Goro: ALEJO CANO, "Seña" Remedios: AMPARO BORI, Sr. Evaristo: EUGENIO CASALS. El Sr. Evaristo a la vez fue el director de escena.

La obra

La obra obtuvo un éxito clamoroso y se mantuvo en cartel muchas noches, consagrándose Matilde Vázquez en la zambra “Maldito sea su sino” que forma parte de su romanza y destacando también Tino Folgar en su romanza “Mujeres mariposillas” que luego encumbró Emilio Vendrell. Ha quedado en el repertorio gracias sobre todo a las mencionadas romanzas de soprano y tenor y al duetto cómico.

El compositor

El compositor José Serrano Simeón nació en Sueca (Valencia) el 14 de octubre de 1873 y murió en Madrid el 8 de marzo de 1941. Tras despuntar precozmente en su ciudad natal como instrumentista y compositor bajo la tutela artística de su propio padre pasó a Madrid en 1895 dedicado de lleno a la composición pero con enormes dificultades para darse a conocer; aprovechando la posibilidad que le deparó Fernández Caballero quien, por su ceguera, le propuso colaborase en pasar de las musas al papel pautado los frutos tardíos de su inspiración, como así hizo con GIGANTES Y CABEZUDOS; decisiva también fue la amistad trabada en 1900 con los Alvarez Quintero que le surtieron de muchos libretos empezando ese mismo año con EL MOTETE que alcanzó extraordinario éxito y fue la base de su posterior carrera, apoyada sobre todo en el género chico. Fuera de la zarzuela adquirieron popularidad su ópera LA VENTA DE LOS GATOS obra póstuma aunque empezada en los años 20, LA CANCIÓN DEL SOLDADO (1917), el HIMNO A VALENCIA (1909)) escrito para la Exposición levantina de 1909 y entronizado como Himno Regional en 1925 y el himno VALENCIA CANTA compuesto para la Coronación de la Virgen de los Desamparados; pero donde más han proliferado sus éxitos ha sido en el campo de la zarzuela, sobresaliendo LA REINA MORA (1903), EL MAL DE AMORES y MOROS Y CRISTIANOS (1905), LA MALA SOMBRA (1906), ALMA DE DIOS (1907), LA ALEGRÍA DEL BATALLÓN (1909), EL TRUST DE LOS TENORIOS (1910), EL CARRO DEL SOL (1911), EL AMIGO MELQUÍADES (1914), LA CANCIÓN DEL OLVIDO (1916), LOS DE ARAGÓN y LAS HILANDERAS (1927), LOS CLAVELES (1929), LA DOLOROSA (1930) y su obra póstuma GOLONDRINAS DE MADRID (1944), por señalar sólo las que me consta que han tenido trascendencia fonográfica.

Los libretistas

Luís Fernández García nació en Sevilla (de ahí que utilizara como segundo apellido “Sevilla” aunque no consta que lo cambiase jurídicamente) el 16 de marzo de 1888 y murió en Madrid el 30 de noviembre de 1974. Fue dramaturgo y colaboró en diversos periódicos. Con 15 años estrena su primera obra EL NUMERO 13 siguiendo otras muchas, entre otras LOS MARQUESES DE MATUTE, en colaboración con Carreño, que aun se mantiene en el candelero; en cuanto al teatro lírico destacan las obras compuestas al alimón con Anselmo C. Carreño de las que destaco LA DEL SOTO DEL PARRAL, de Soutullo y Vert, LOS CLAVELES de Serrano, AL DORARSE LAS ESPIGAS de Balaguer y DON MANOLITO de Sorozabal; en solitario escribió LA ETERNA CANCION, de Sorozabal y con Pilar Millán Astray CAYETANA LA RUMBOSA de Alonso.

Anselmo Cuadrado Carreño, según el Diccionario de la Zarzuela nació en Segovia en el siglo XIX, otras fuentes afinan más y dicen que fue 1896 el año de su natalicio situándolo en Madrid, en donde murió el 16 de mayo de 1952. En acertada colaboración con Fernández de Sevilla ha producido muchas obras de las que destaco LA DEL SOTO DEL PARRAL, de Soutullo y Vert, LOS CLAVELES de Serrano, AL DORARSE LAS ESPIGAS de Balaguer y DON MANOLITO de Sorozabal; fuera de esa colaboración escribió con Ramos de Castro LA DEL MANOJO DE ROSAS de Sorozabal y ME LLAMAN LA PRESUMIDA de Alonso y en solitario SOL EN LA CUMBRE de Sorozabal de cuya partitura “sacó” Sorozabal una romanza que le arregló a Marcos Redondo para su lucimiento personal en LA TABERNERA DEL PUERTO, que luego fue sustituida por el “Chíbiri Chíbiri”.

Sinopsis

El argumento se basa en una doble historia de amor. La principal es la de Rosa, joven y hermosa obrera de la fábrica de perfumes “Los claveles” de Madrid, absolutamente poseída de su belleza y de la fascinación que ejerce sobre los hombres, lo cual le permite jugar a su antojo con el corazón de sus enamorados. Entre estos se encuentra Fernando, el apuesto cajero de la fábrica, quien no está dispuesto a que Rosa juegue también con sus sentimientos. Al enterarse por una compañera de la joven de que esta pretende burlarse de él y de su amor, al igual que hace con todos, Fernando toma la decisión de adoptar una actitud de aparente frialdad y desprecio hacia la muchacha, actitud que acaba por enardecerla. De este modo, lo que Rosa pretendía que fuese, como siempre, burla y juego, se convierte en martirio y desesperación ya que al verse despreciada por el galán, es cuando se da cuenta de que está locamente enamorada de él. Pero Fernando se mantiene firme y se permite, incluso, darle achares. En cierta oportunidad en que el joven acude a una cita preparada por Rosa, esta ve como al final Fernando la deja plantada y se va del brazo de otra mujer tan guapa como ella. La mujer no es otra que una hermana de Fernando pero como Rosa ignora este detalle, el ataque de celos es monumental y se jura a sí misma que Fernando acabará siendo suyo aunque le cueste la vida. La hermosa obrera termina confesando su amor a Fernando y ofreciéndole abiertamente su corazón. Cuando el cajero se convence de la sinceridad de los sentimientos de Rosa y de que la muchacha está ya curada de su insoportable vanidad, acepta el amor que le ofrece y se casa con ella. La otra historia paralela se refiere a los amores de la pareja cómica, Jacinta y Goro, amparados por la “señá” Remedios, madre del chico. Cuando Goro le comunica a su padre, Evaristo, que piensa casarse con Jacinta, este pone el grito en el cielo y se lo prohíbe terminantemente, alegando que Jacinta es hija suya y de otra mujer que no es la “señá” Remedios y, por lo tanto, hermana de padre de Goro. Dado el fuerte carácter de su esposa y temiendo sus seguras represalias, Evaristo pide a Goro que no descubra este secreto a su madre. Pero cuando el chico, en actitud grotescamente desesperada, comunica a su madre que, por razones que debe ocultar, no puede casarse con Jacinta, la “señá” Remedios acaba sacándole la verdad y aclarándole después que, aún en el caso de que Jacinta fuera hija de Evaristo, no habría ningún impedimento para la boda puesto que quien no es hijo de Evaristo es él, Goro, ya que es fruto de los amores de la “señá” Remedios con otro hombre que, actualmente, vive en Barcelona. Ante esta nueva situación, Jacinta y Goro se casan y tanto Evaristo como la “señá” Remedios aceptan sin rechistar la descubierta infidelidad de cada uno con respecto al otro.

Esta zarzuela más inclinada desde luego al género chico, cuenta con una partitura agradable aunque lejos de las cúspides de su autor, tanto en zarzuela grande, como LA CANCION DEL OLVIDO y LA DOLOROSA, como en género chico como ALMA DE DIOS, MOROS Y CRISTIANOS o LA REINA MORA. Se inicia la partitura con una breve introducción orquestal que da paso a un coro de obreras “Dice que se va”, que, a decir de algunos, recuerda a LA REINA MORA, seguido casi a continuación de uno de los números fuertes de la obra, el duetto cómico “Goro del alma” lleno de gracia y comicidad que constituye una verdadera filigrana. Luego Rosa y Fernando entonan su primer dúo “Tenga usted buenas tardes….Cuando un hombre de bien”. La romanza de Rosa “Que te importa que no venga…..Maldito sea mi sino”, briosa y vibrante constituye otro de los puntos importantes de la zarzuela que hubo de ser repetida tres veces el día del estreno, también muy destacable la romanza de Fernando “Mujeres mariposillas” de fina factura y agradable línea melódica, para finalizar con otro dúo de Rosa y Fernando “Por qué vuelve la cara”.

Índice de escenas

Zarzuela en un acto con los siguientes números musicales:

1. Introducción y coro de obreras “Dice que se va”. 2. Duetto cómico “Goro del alma ven junto a mi”. 3. Dúo de Rosa y Fernando “Tenga usted buenas tardes”. 4. Romanza de Rosa “Que te importa que no venga”. 5. Monólogo de Fernando “Mujeres mariposillas”. 6. Dúo de Rosa y Fernando “Por qué vuelve la cara”.

Personajes

Los principales son:

Rosa: Vanidosa obrera de la fábrica de perfumes. Soprano.
Fernando: Cajero de la fábrica. Tenor.
Jacinta: Novia de Goro. Tiple cómica.
Goro: Aprendiz de contable. Tenor cómico.
Remedios: Mujer de Evaristo y madre de Goro. Actriz.
Evaristo: Carnicero. Actor.

 


COLEGIALAS Y SOLDADOS

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Colegialas y soldados

Zarzuela en dos actos.
Texto de MARIANO PINA BOHIGAS y FRANCISCO LUMBRERAS.
Música de RAFAEL HERNANDO.
Estrenada el 21 de marzo de 1849 en el Teatro de la Comedia de Madrid.


Elenco del estreno

Matilde: CARLOTA JIMENEZ; Sor Ignacia: MARIA BARDAN; Don Severo: JOSE CORTES; Julián: FRANCISCO LUMBRERAS; Pascual: JOSE ALVERA.

La obra

Escrita en 13 o 14 días COLEGIALAS Y SOLDADOS es la primera zarzuela moderna y origen del crecimiento formal del género que lo transforma de los ensayos en un solo acto de la década de los treinta a la zarzuela grande en tres actos de mediados de siglo. Su estreno constituyó un gran triunfo y según Arnau, "al público le entusiasmó y adoptó así un género que comenzaba a convertirse en un verdadero teatro musical popular.......En esta obra tuvo su principal base el espectáculo de la zarzuela en su actual, y desde entonces no interrumpido, estado".

El Diccionario de la Zarzuela describe musicalmente la zarzuela, resaltando el número de la tempestad en que la orquesta imita el fulgor de los relámpagos y el estampido de los truenos, como antecedente de lo que años después ocurrirá con EL ANILLO DE HIERRO o LA TEMPESTAD, "la velada de Matilde", número sobresaliente de la partitura al entender de Peña y Goñi o el trío de Julián, el asistente y el tutor (nº. 8 de la partitura) que según el insigne musicólogo precitado es la página más considerable de la partitura.

La audición de la selección citada en el apartado discográfico de esta reseña refuerza la opinión de la crítica de una dependencia de la música italiana a la que le queda poco tiempo de permanencia. Para mi gusto hay escaso contraste de voces masculinas, falta el tenor.

El compositor

Rafael Hernando y Palomar nació en Madrid el 31 de mayo de 1822 y murió en la misma capital el 10 de julio de 1888. Hizo sus estudios en el Conservatorio de María Cristina, completándolos en París con Caraffa y Auber. Aunque también compuso música no teatral, como un STABAT MATER y una MISA A SANTA CECILIA, su popularidad viene asociada a su producción zarzuelística, de la que cito PALO DE CIEGO y COLEGIALAS Y SOLDADOS (1849), EL DUENDE (1ª. parte en 1849 y 2ª. parte en 1851), BERTOLDO Y COMPAÑIA (1850), EL NOVIO PASADO POR AGUA (1852) y COSAS DE DON JUAN (1854). En colaboración compuso, entre otras, EL CONFITERO DE MADRID, con Inzenga (1851), POR SEGUIR A UNA MUJER, con Barbieri, Gaztambide, Oudrid e Inzenga (1851), EL SECRETO DE UNA REINA, con Gaztambide e Inzenga (1852) y DON SIMPLICIO BOBADILLA, con Gaztambide, Barbieri e Inzenga (1853). Alejado luego de sus citados colegas, conservó (hasta su muerte según el Espasa; según Juan Arnau y el Diccionario de la Zarzuela antes se le obligó a la excedencia forzosa) la cátedra de armonía en el Conservatorio que había obtenido en 1852.

Ha pasado a la posteridad, además de por su obra, por haber formado parte de la sociedad comanditaria creada para el establecimiento de la zarzuela en España, junto con Barbieri, Oudrid, Gaztambide, Inzenga, Luis de Olona y Francisco de Salas, empresa que culminó con la creación de un teatro específico para el género, que fue desde el 10 de octubre de 1856 el Teatro de la Zarzuela. También Hernando fue el pionero del "grupo de los cinco", compuesto además por Gaztambide, Oudrid, Barbieri e Inzenga, grandes músicos españoles que iniciaron la zarzuela grande, muy italianizada todavía pero que dio lugar más tarde a la explosión de los Bretón, Chapí etc… A este respecto me hago eco de los comentarios del padre Federico Sopeña volcados en obra abajo citada que señala que deben desbaratarse dos tópicos en relación con el verdadero nacimiento de la zarzuela, uno es ligarla con el género del mismo nombre cultivado en el Madrid cortesano del siglo XVII presentándola así como representación del nacionalismo musical, falso supuesto que queda clarificado sólo con señalar los títulos de más éxito de los compositores citados, concluyendo "que lo que hay de nacional en las famosas jotas de Oudrid, lo que hay de alusiones campesinas en algunos títulos no bastan para hablar de nacionalismo, más aun cuando no pocas de esas obras son arreglos de otras francesas"; el otro tópico es el de negar a la zarzuela todo valor, heredando los feroces ataques de Pedro Antonio de Alarcón, que Sopeña considera muy injustos al estimar a los citados compositores como buenos músicos que, ante el rechazo continuo por parte del Teatro Real hacia una posible ópera española, acuden a la zarzuela en busca del éxito popular y del beneficio económico, pero siempre con la nostalgia de la ópera grande.

Los libretistas

Mariano Pina Bohigas, nació en Madrid en 1820 y allí murió en 1883, Dramaturgo y comediógrafo. Es uno de los creadores de la zarzuela moderna con el estreno de COLEGIALAS Y SOLDADOS con música de Hernando, de la que es autor del libreto pero no de los cantables, obra de Francisco Lumbreras. También escribió para Barbieri, Oudrid, Gaztambide, Arrieta y, ya después, para Bretón y Fernández Caballero. Se basó para muchas de sus obras en otras extranjeras rozando el plagio.

Francisco Lumbreras, nació en Galicia hacia el 1825, no constando la fecha y el lugar de su muerte. Dramaturgo y actor. Su vinculación con el género lírico se efectúa, sobre todo, por haber sido el escritor de los cantables de COLEGIALAS Y SOLDADOS, zarzuela con música de Hernando y libreto de Pina Bohigas, obra en cuyo estreno representó el papel de Julián.

Sinopsis

La acción tiene lugar en 1810 en una aldea de Navarra.

Acto I: En un convento que es a la vez colegio de señoritas, está la joven Matilde, a quien su tutor Don Severo, anciano achacoso, encerró allí para obligarla a acceder a casarse con él. El desarrollo de la Guerra de la Independencia obliga a que acampe a las puertas del convento el cuerpo de tropas al que pertenece el oficial Julián, amado de Matilde. Este insta a su asistente Pascual a que trate de conquistar a la hermana tornera para poder ver a Matilde, pero sus intentos no dan fruto. Llega Don Severo pero Julián le impide entrar en el convento y el viejo huye atemorizado. Pascual encuentra a Nicolás, arriero que transportaba a una educanda y al fraile que la acompañaba al convento; éstos han sido secuestrador por los franceses, pero la carta que llevaban para penetrar en clausura servirá a Julián y Pascual para disfrazarse y hacerse pasar por ellos. El toque de guerra ante el ataque francés cierra el primer acto con la disposición para la batalla de ambos jóvenes.

Acto II: Don Severo advierte a la madre Ignacia de que Julián intenta penetrar en el convento para ver a su enamorada Matilde, empleando para ello alguna treta; la tornera le tranquiliza, garantizándole la seguridad de la joven. El encuentro de Don Severo con las colegialas revela la indiferencia de Matilde ante él. Tras la partida del tutor, llegan al convento la nueva educanda y el fraile que la acompaña -que no son otros sino Julián y Pascual disfrazados-, quienes revelan su verdadera identidad a Matilde. La hermana tornera les informa que el fraile deberá dormir en el pabellón de invitados, mientras que la joven dormirá con ella ya que el resto de las celdas están ocupadas por los heridos de guerra. Cuando Matilde y Julián consiguen quedarse a solas, aparece Don Severo, generando una cómica situación que concluye con la salida de escena del viejo tutor. Mientras, también Pascual -ahora disfrazado de Padre Paco- se ha sabido rodear de las colegialas, y les relata cuentos y anécdotas para entretenerlas y no ser descubierto. Cuando Julián y Pascual se encuentran por fin a solas, se abrazan para celebrar el éxito de su treta, siendo entonces descubiertos por la tornera y el tutor. Una vez aclarado el engaño, el tutor cede y da su consentimiento a los enamorados para casarse.

Indice de escenas

Zarzuela en dos actos con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Preludio. 2. Tempestad y plegaria del coro de colegialas "¡Oh Dios del pasajero!". 3. Rataplán, canción de Julián y coro de soldados "Bella es la vida del militar". 4. Tercetino de la tornera. Julián y asistente "Pero madre ¡Por San Pedro!". 5. Velada de Matilde "El horizonte se mira". 6. Dúo de Julián y el tutor "Esta es mi consigna". 7. Canción báquica del asistente "Fortuna, fortuna, bendígate Dios". 8. Final de Julián, el tutor y el asistente "¡A las armas!".

Acto II: 9. Preludio, coro de soldados, recitativo de Matilde y coro de colegialas. 10. Arieta del tutor "Si el peso de los años". 11. Arieta de Matilde. 12. Dúo de Matilde y Julián "¡Ah, morir ya puedo ahora!". 13. Coro de colegialas y cuento del asistente "¡Padre nuestro, padre nuestro!". 6. Final "Acábense las penas".

Personajes

Los principales son:

Matilde: Joven enclaustrada enamorada de Julián. Soprano.
Sor Ignacia: Tornera del convento. Mezzosoprano.
Don Severo: Tutor de Matilde. Barítono.
Julián: Oficial de ejército. Bajo.
Pascual: Asistente de Julián. Barítono cómico.


LA CORTE DE FARAON

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La corte de Faraón

Opereta bíblica en dos actos, divididos en ocho cuadros
Texto original de GUILLERMO PERRIN y MIGUEL DE PALACIOS
Música de VICENTE LLEÓ
Estrenada el 21 de enero de 1910 el Teatro Eslava de Madrid


Elenco del estreno

Lotha: JULIA FONS, Raquel: SOLEDAD ALVAREZ, Ra y Sul: CARMEN ANDRÉS, Sel: CONCEPCIÓN SALVADOR, Ta: ENRIQUETA BLANCH, Faraón: RAMÓN PEÑA, José: ANTONIO GONZÁLEZ, Putifar: CARLOS ALLE-PERKINS, El Copero: FRANCISCO ALARCÓN, Gran Sacerdote: LUIS LLANEZA

La obra:

Esta obra está basada en la opereta francesa “Madame Putiphar” de Edmon Diet con letra de Ernest Depres y Leon Xanrof, y escenifica la parodia de una de las más popularizadas escenas bíblicas, adobada de otra historia paralela, no bíblica, la de Lotha y Putifar. El éxito le acompañó desde el principio llegándose a 762 representaciones seguidas. Durante el régimen del General Franco estuvo prohibida, reapareciendo en 1976 ayudándole a revivir, creo yo, el morbo de la prohibición y la realización de una película en que se entremezclan las dos tramas, la picante del argumento de la zarzuela con la no menos sorprendente de los censores de la dictadura y que, además, ha extendido el campo de esta obra a sectores nada amantes de la zarzuela.

El compositor

Vicente Lleó y Balbastre nació en Valencia el 19 de noviembre de 1870 y murió en Madrid el 28 de septiembre (según el Espasa el 27 de noviembre y según El Libro de la Zarzuela el 28 de febrero) de 1922. Compositor y director de orquesta que estudió solfeo con el maestro Vivó, y ya en 1885 se tiene noticia de un DIXIT DOMINUS que compuso y cantó el coro del Real Colegio Corpus Christi de Valencia del que formaba parte. En 1887 estrena DE VALENCIA AL GRAO su primera obra teatral, y fue después cuando se traslada a Barcelona como director de orquesta en varios teatros hasta que en 1896 fue contratado por el Teatro Romea de Madrid, y desde entonces fue director de orquesta y empresario de varios teatros de Madrid. Escribió más de 100 obras, al principio en colaboración con Calleja, sobresaliendo LA ALEGRE TROMPETERIA (1907) y LA CORTE DE FARAÓN (1910), también se destacó en adaptaciones de obras de otros compositores, logrando éxitos con EL CONDE DE LUXEMBURGO de Lehar y EL MAESTRO CAMPANONE basada en “La prova di una opera seria” de Mazza.

Los libretistas

Miguel de Palacios Brugueras nació en Gijón en 1863 y murió en Covadonga el 3 de octubre de 1920, estudió Medicina pero no ejerció. En solitario escribió alguna obra como la opereta “El rajá de Bengala” con música de Rafael Calleja pero casi todas sus obras, unas 140, las compuso “al alimón” con su “hermano siamés del género chico” Perrín, todas ellas dotadas de elementos dramáticos y cómicos, aunque el sentido del humor sea la constante de sus obras y entre ellas destacaron: CERTAMEN NACIONAL y CUADROS DISOLVENTES de Nieto, PEPE GALLARDO de Chapí, ENSEÑANZA LIBRE y LA TORRE DEL ORO de Giménez, LA CORTE DE FARAÓN de Lleó, BOHEMIOS y LA GENERALA de Vives, EL BARBERO DE SEVILLA de Nieto y Jiménez y “EL HUSAR DE LA GUARDIA de Vives y Giménez.

Guillermo Perrín Vico, nacido en Málaga en 1857 y muerto en Madrid en 1923, estudió Derecho, pero no ejerció. En solitario escribió algunas obras como MONOMANIA MUSICAL y EL GRAN TURCO de Manuel Nieto y LA CUNA de Chapí, pero casi todas sus obras, unas 140, las compuso “al alimón” con su “hermano siamés del género chico” Perrín, todas ellas dotadas de elementos dramáticos y cómicos, aunque el sentido del humor sea la constante de sus obras y entre ellas destacaron: CERTAMEN NACIONAL y CUADROS DISOLVENTES de Nieto, PEPE GALLARDO de Chapí, ENSEÑANZA LIBRE y LA TORRE DEL ORO de Giménez, LA CORTE DE FARAÓN de Lleó, BOHEMIOS y LA GENERALA de Vives, EL BARBERO DE SEVILLA de Nieto y Jiménez y “EL HUSAR DE LA GUARDIA de Vives y Giménez.

Sinopsis

La trama se inicia en una gran plaza en la ciudad egipcia de Menfis, engalanada para una fiesta. Bajo un dosel en una tribuna, se encuentran Faraón y su esposa la Reina, los cuales, en unión del pueblo de Egipto, aclaman al general Putifar, victorioso en la guerra contra Siria. El Gran Sacerdote presenta a Lotha, una casta doncella de Tebas que ha sido elegida como esposa de Putifar. Éste oculta su turbación, ya que una flecha le ha herido en una de las partes corporales imprescindibles para la consumación del matrimonio. Al quedar desierta la plaza, aparecen unos ismaelitas que se dirigen al mercado a vender a José, un joven hebreo. Su aspecto conmueve a Selhá y Seti que deciden comprarlo para hacer de él un pinche de cocina de su señor Putifar. En el palacio de Putifar se presentan tres viudas dispuestas a dar útiles consejos a la recién casada Lotha. Pero cuando Putifar se encuentra a solas con ella, ante la sorpresa de la joven, el esposo se mantiene a distancia, contándole sus hazañas guerreras. Así hasta que suena la diana que le obliga a acudir a sus obligaciones militares, dejando a José encargado de entretenerla. Lotha se encapricha de José a quien no le queda más remedio que huir, después de que la indignada Lotha le arranque su capa. Ésta, despechada, le acusa de intentar deshonrarla, mostrando como prueba la capa. Faraón medio ebrio, dormita arrullado por la música de unos cantantes babilónicos. Lotha pide justicia ante Faraón, pero la Reina, atraída por la gentileza de José, no quiere que se le castigue con severidad. El esclavo cuenta su propia versión y la Reina está dispuesta a comprarle y destinarlo a su servicio, ante la enérgica negativa de Lotha. La disputa entre las mujeres asusta al muchacho que, viendo de nuevo en peligro su castidad, y ahora por partida doble, se arroja por la ventana para escapar al asedio, cayendo a los pies de Faraón que dormitaba en un banco del jardín. Faraón ha tenido un extraño sueño y José, después de materializada la pesadilla, le descifra su significado. Asombrado Faraón por su sabiduría, promete darle un alto cargo en la corte para tenerle siempre a su lado.

Tres golpes de gong inician el preludio con que se abre la zarzuela, con solemnidad operística. En seguida se inicia el coro de bienvenida “Victoria, victoria” en que es evidente que Lleó tenía presente la marcha triunfal de AIDA. La extensa pieza incluye breves episodios de efecto, como el canto de Lotha “En el templo de Isis purificada”. En el siguiente número Putifar entona una pequeña romanza “Salve Lotha” y es presentado José en una escena cómica con varios personajes “Unos ismaelitas venden a un hebreo”. En el número siguiente asistimos a los consejos de las viudas a Lotha que constituye uno de los más famoso de la obra “Tres viudas de Tebas quieren penetrar” con el sempiterno equívoco erótico de la zarzuela. Tan famoso pero menos logrado musicalmente es el dúo de Lotha y José “Yo soy el casto José” que ridiculiza la conocida escena bíblica. La orquesta inicia en el número siguiente el tema del canto de Lotha, desarrollándolo sinfónicamente hasta que se inicia un dúo de la Reina y Sul que da entrada a los couplets babilónicos, sin duda lo más popular de la obra “Son las mujeres de Babilonia” con su cadencioso “Ay Ba, ay Ba” que forma su segundo e inspirado tema. Sigue un trío “Para juzgar y sentenciar” con el tema de la Reina que parece sacado de una opereta vienesa con sus ribetes de vals. Llega otro de los números claves: los sueños del Faraón “Vi entre sueños tres mujeres” seguidos del espectacular y arrevistado garrotín “Cuando te miro el cogote”. El número final es introducido por la orquesta con elegancia, dando paso a una breve repetición de la marcha triunfal con que empezó la zarzuela.

Índice de escenas

La obra se estructura musicalmente en un acto y cinco cuadros y cuenta con los siguientes números, muy diversificados, a su vez, según se ve:

Acto único: 1. Introducción, coro y marcha “¡Victoria! ¡Victoria……..Gracias amado pueblo…..La casta doncella más pura que el loto…………En el templo de Isis purificada……..Herido vengo de la campaña”. 2. Coro, duetto y canción “Bienvenido, bien casado y que sea para bien…………Salve Lotha……Unos ismaelitas venden a un hebreo………..¿Cual es tu nombre? José me llamo. Pues desde ahora yo soy tu amo”. 3. Canción, baile y terceto de las viudas “La luz de la luna…..Danzad al dulce son….Tres viudas de Tebas quieren penetrar….Al pasar de soltera a casada”. 4. Dúo de Lotha y José “Yo soy el casto, yo soy el casto, yo soy el casto José…..Déjame que te diga dulces palabras….Déjame por Osiris porque me azoras”. 5. Escena, danza y couplets “Son las mujeres de Babilonia…..Ay Ba, Ay Ba”. 6. Vals del juicio “Para juzgar y sentenciar….¡Ay señora, no, señora! Que manera de apretar”. 7. Los sueños del Faraón “Vi entre sueños tres mujeres” y garrotín “Cuando te miro el cogote…Que te quieres apostar”. 8. En el templo y final “¡Gloria, gloria a nuestro gran Virrey!

Personajes

Son los siguientes:

Lotha: ¿Virgen? tebana dispuesta para esposa de Putifar. Soprano.
Raquel: Confidente de Lota. Soprano
Reina: Tirando a Faraona. Tiple cómica
Sul: Babilónica erótica. Soprano.
Putifar: General, impotente inoportuno y circunstancial. Barítono.
José: De profesión casto. Tenor.
Faraón: Lo más alto de la pirámide. Tenor cómico.
El copero: Sommelier a la antigua.Tenor.
El Gran Sacerdote: Solemnizador oficial. Bajo.
Seti: Lugarteniente de Putifar. Tenor.
Selhá: Otro lugarteniente. Tenor.
Ra: Viuda celestinesca de Tebas. Soprano.
Sel: Otra viuda. Soprano.
Ta: La viuda que faltaba. Soprano.


CURRO VARGAS

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Curro Vargas

Drama lírico en tres actos
Texto original de JOAQUÍN DICENTA y ANTONIO PASO
Música de RUPERTO CHAPÍ
Estrenada el 10 de diciembre de 1898 en el Teatro Circo Parish de Madrid


Elenco del estreno

Soledad: Carmen CALABUIG ORTEGA, Doña Angustias: PILAR BÁRCENAS, Curro Vargas: LORENZO SIMONETTI, Mariano: Sr. BUESO, Padre Antonio: MIGUEL SOLER, Timoteo: JOSÉ GAMERO

La obra:

El libreto se basó tan fielmente en EL NIÑO DE LA BOLA de Pedro Antonio de Alarcón que sus herederos pleitearon por ello aduciendo plagio. Fue entregado al músico que se encerró en el Monasterio de Piedra en julio de 1898 “en la celda número doce…….el ilustre maestro escribió una de las páginas musicales que más conmueve entre las de la presente época”. No obstante, el éxito multitudinario de público no le ha llegado a esta obra, quizás por la “cantidad” de música y la ausencia de una vena cómica que, aunque existe, no es tan paralela a la acción principal como suele estilarse en el género. Sí tuvo una entusiasta acogida en la crítica tanto en la Ilustración Española y Americana, en Blanco y Negro, en el Imparcial y en El Liberal. Es curiosa sin embargo la crítica que hizo el maestro José Serrano en un semanario de corta vida titulado El Saloncillo, que aunque laudatoria en su pórtico “La partitura de CURRO VARGAS es indiscutiblemente la obra de un Maestro con eme mayúscula“ luego le lanza algunas pullas como la de considerar que en general hay exceso de música, que el contrapunto no puede ser teatral, que los concertantes no han conseguido conmover al público o que la romanza de tenor del acto tercero es un alarde del maestro pero de dudoso efecto teatral.

En la historia musical efectivamente no ha sido bien tratada esta zarzuela que ha sido ofrecida en contadas ocasiones al público y que no cuenta con grabaciones a la venta, salvo los fragmentos citados en discografía. No obstante reseño que en el Foro Nueva Zarzuela, “News” el 14-7-2007 se hace eco de que Plácido Domingo se propone representar esta obra en Los Ángeles en 2009.

El compositor

Ruperto Chapí y Llorente nació en Villena (Alicante) el 27 de marzo de 1851 y murió en Madrid el 25 de marzo de 1908. Su quintoabuelo, Claudio Sapi era oriundo de Lyon, pero a su hijo se le encuentra en Ayora, y su nieto vive ya en Villena. El apellido se transforma en Chapí posiblemente en 1708. Tras el paso de otras tres generaciones llegamos a la del padre del músico, barbero sangrador y, según el Espasa, gran aficionado a la música en una familia en que se aprendía solfeo al mismo tiempo que a leer y escribir. Primero Villena y luego Bocairente conocen la voluntad de hierro y el talento de un joven abnegado. En 1866 compuso ESTRELLA DEL BOSQUE, su primera zarzuela y en 1867 marcha a Madrid matriculándose en el Conservatorio y viviendo con mil apreturas hasta conseguir en 1872, junto con Bretón, el premio extraordinario del Conservatorio. Desde 1874 reside en Roma y París a causa de haber sido el primer español que logró la concesión del pensionado de número en la Academia de Roma, volviendo a Madrid en 1880. En 1873 compone ABEL Y CAIN, que el Diccionario de la Zarzuela reputa como su primera zarzuela, desde entonces han sido innumerables citando entre ellas MUSICA CLASICA (1880), LA TEMPESTAD (1881), EL MILAGRO DE LA VIRGEN (1884), LA BRUJA (1887), LAS HIJAS DEL ZEBEDEO (1889), EL REY QUE RABIO (1881), EL TAMBOR DE GRANADEROS (1894), LAS BRAVIAS (1896), LA REVOLTOSA (1897), PEPE GALLARDO, LA CHAVALA y CURRO VARGAS (1898), EL BARQUILLERO (1900), EL PUÑAO DE ROSAS y LA VENTA DE DON QUIJOTE (1902) y LA PATRIA CHICA (1907). Además compuso música religiosa, una sinfonía sobre DON QUIJOTE DE LA MANCHA, la famosa FANTASIA MORISCA y varias óperas de las que cito CIRCE (1902) y MARGARITA LA TORNERA (1909), los esfuerzos que hizo para la composición de esta última obra le llevaron a la muerte un mes después de su estreno, hora suprema que le llegó cuando en su delirio agónico balbuceaba la zarabanda de su ópera. Pese a tantas obras, hay que decir con Carlos Gómez Amat que “Bretón compuso numerosas óperas y Chapí cuenta con un extenso catálogo en varios géneros, pero uno y otro siempre serán los autores de LA VERBENA DE LA PALOMA y LA REVOLTOSA”.

No se puede olvidar su contribución tanto a la renovación de la Zarzuela rescatándola del italianismo en que estaba inmersa, como al fortalecimiento de los derechos de los autores primero con la creación en 1895/6 de la Sociedad de Autores Compositores y Editores de Música que cristalizó finalmente en la Sociedad de Autores formada en 1901 con la ayuda de Silesio Delgado y pese a los ataques de los mismos autores que se oponían a su redención: ¡Vivan las caenas si parecen buenas y son de reloj!

Los libretistas

Joaquín Dicenta Benedicto nació en Calatayud (Zaragoza) en 1863 y murió en Alicante el 20 de febrero de 1917. Literato español, que cultivó la poesía, el teatro y el periodismo, destacando en el teatro hablado, al decir del Espasa, por su significación social y anticlerical, alcanzando popularidad “a pesar de la prohibición de varios prelados”, en este terreno su obra más famosa fue JUAN JOSE, en el campo de la zarzuela sobre todo hay que hablar de CURRO VARGAS y LA CORTIJERA, de Chapí, en colaboración con Manuel Paso.

Manuel Paso Cano, nació en Granada en 1864 y murió en Madrid en 1901. Cursó en su ciudad natal la carrera de Filosofía y Letras y se dedicó desde joven al teatro, la poesía y el periodismo. En el campo de la zarzuela sobre todo hay que hablar de CURRO VARGAS y LA CORTIJERA, de Chapí, en colaboración con Joaquín Dicenta.

Sinopsis

La acción del acto primero tiene lugar en un olivar de las Alpujarras. Un grupo de hombres y mujeres están vareando los olivos. Tras la escena de conjunto, Soledad y su madre, Doña Angustias, tienen una conversación en la que ponen al público en antecedentes. El padre de Soledad aspira para su hija un novio rico, a pesar de que ella quiere a Curro Vargas quien, por su parte, la desea hasta el infinito. Ante la situación opta por dejarla para buscar fortuna en otros ámbitos, pidiéndole que le espere y lanza el anatema: "Nadie aspire a Soledad, porque Soledad es mía". El miedo que le tienen a Curro en el pueblo hace que nadie se atreva a acercarse a ella, con la excepción de Mariano. Curiosamente, Soledad se dará a Mariano por orgullo, porque ella no quiere ser propiedad de nadie. Esta es la base de su comportamiento, sometido por una parte a su carácter que se niega a aceptar imposiciones y por otro lado a su amor por Curro a quien no ha olvidado y que la persigue como un fantasma, pues no es feliz con su marido. Tiene lugar una escena cómica entre Rosina, Timoteo y el capitán Velasco. Llega el padre Antonio que cuenta la historia de Curro. Este era hijo de un hacendado de la región que dilapidó su fortuna ayudado por un administrador que no era otro que el padre de Soledad. Curro fue arrojado al arroyo por el padre de ésta. Recogido por el sacerdote, se enamoró de la chica que se debate entre su amor hacia Curro, y su dependencia paternal. Curro decide ir en busca de fortuna y volver a buscarla. Salen y anuncia la tía Emplastos que Curro ha regresado. Este lo primero que hace es preguntar por Soledad y Curro vuelve a maldecir a la joven.

El acto segundo se inicia en la calle principal del pueblo. Tras una escena de conjunto, la señora Angustias se dirige al padre Antonio pidiéndole que interceda ante Curro para que éste no cometa su venganza. Allí revela al padre Antonio que el protagonista ha cambiado, que no le hace caso aunque tenga justificación su actitud. Simultáneamente aparece la figura de Timoteo, prevista para un cómico. También enamorado de Soledad, canta una escena en la que muestra su temor ante la furia de Curro. La tía Emplastos informa a Soledad de que Curro se dispone a hacer algo. Aparece Mariano, ajeno a la situación. Canta un dúo en el que le echa en cara a Soledad que aunque permanece a su lado ama a otro. La propia Soledad acrecienta esa sensación de que se camina hacia un final trágico. Curro al ver a Soledad se dirige a ella con un cuchillo con la intención de matarla. Lo impide el padre Antonio acudiendo a la memoria de su padre. Soledad se desmaya mientras el coro de niñas canta un himno a la Virgen.

El primer cuadro del acto tercero representa la antesacristía de la iglesia del pueblo. Tras una escena cómica, contrapunto entre el capitán Velasco y Timoteo, del dramatismo anterior, el padre Antonio y Curro tienen una conversación. El primero se ve impotente para detener al segundo, si bien tras utilizar todas sus armas dialécticas le convence para que perdone a Soledad y se vaya. Cuando está a punto de marcharse recibe una carta de Soledad en la que le manifiesta que siempre le quiso y que fueron otro tipo de razones las que le obligaron a casarse con Mariano. Ante el nuevo elemento, la situación cambia y Curro canta su célebre romanza "¡Qué siempre me ha querido!". El cuadro segundo tiene lugar en una plazoleta de la campiña a las afueras del pueblo. Se dispone a celebrarse un baile en el que cada mozo, en una especie de subasta, compra la moza con la que hace pareja de danza. El coro actúa como amparo de la situación trágica que se avecina, a pesar de los intentos de rebeldía de Mariano. Durante el baile, demostrando su amor, Soledad se deja matar por Curro que la acuchilla. Mariano al ver el hecho se dirige a Curro y también lo mata, sin que éste oponga resistencia.

Chapí, para el drama lírico CURRO VARGAS, compuso una partitura extensa, formada por trece largos números, más dos preludios que preceden a los actos primero y tercero. En dicha partitura, llena de frases inspiradas y hermosas, Chapí trabajó concienzudamente e hizo gala de la mejor técnica; así, uno de los temas más importantes y bellos, el que puede llamarse “la frase de Curro”, de honda raigambre española, que la presenta en el preludio de la obra, y en otros números en que la coloca, la hace objeto de las más variadas transformaciones armónicas, rítmicas e instrumentales, sin dejarlas decaer, siempre en un deseo constante, en una aspiración infinita de mejoramiento, incluso en las más pequeñas alusiones al amor de Curro. La base del elemento esencial de la partitura de CURRO VARGAS son los cantos populares andaluces, y brillan no solo allí donde, por la situación o por el personaje son adecuados, sino en los momentos más dramáticos, de más pasión y de más energía. En el acto primero el Lamento de Soledad “Esperanza que finges”, es una de las joyas de la partitura, característicamente español, en el que Oscar Esplá señaló que “está nada menos que Manuel de Falla”. El cuarteto “Cerca estamos del molino” está lleno de comicidad y el dúo “Cruz santa, Cruz bendita” sobresale por su dramatismo. En el acto segundo son dignos de mencionar, aparte un vivo pasodoble y una bien construida arieta cómica, el dúo de tiple y barítono “Su llanto no se seca”, el coro de hombres y el final, marcha de procesión y saeta de Soledad a la que el compositor dota de un talante dramático de indudable eficacia. En el tercero se destacan la plegaria de Curro “Oh Virgen que fuiste amparo” una sencilla melodía, de corte popular a modo de recitado que precede a la romanza “Que siempre me ha querido” uno de los momentos culminantes de la obra desdramatizándose el ambiente creado con el baile andaluz y el minué, lleno de distinción. Renovándose la tensión al final de la obra que culmina con el “lento moderato” que subraya la trágica muerte de los amantes.

Índice de escenas

Obra en tres actos con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Preludio, coro, escena del olivar “Los ojos negros, madre, no me cautivan” y coro interior “Voy a cruzar los mares, cariño mío”. 2. Lamento de Soledad “Esperanza que finges, traidora, dulcísimos sueños de un bien que pasó”. 2. bis Cuarteto cómico “Cerca estamos del molino”. 3. Escena cómica de los arrieros “Por poquito se estrella”. 4. Dúo de Angustias y Curro “Cruz santa, cruz bendita, donde al partir lo vi”. 4. bis Final del acto I “¡Es él! ¡Qué majo viene!

Acto II: 5. Coro y pasodoble “Trae la juncia hacia delante; tira fuerte hacia el balcón”. 6. Arieta cómica “Ahora que mi ventura colmada veo y ahora que su hermosura rendida creo”. 7. Dúo de Soledad y Mariano “¡Su llanto no se seca! ¡No cede su pesar!”. 8. Coro y aria de Curro “Tras de esos viejos muros…..Anda tú, Telesforo. Ponte en la esquina y avisa cuando venga”. 9. Final del acto II: Procesión, saeta y concertante “Ya viene hacia acá la Virgen bendita de la Soledad”.

Acto III: 9. bis Preludio. 10. Plegaria de Curro “Oh Virgen que fuiste amparo y guía de mi niñez”. 11. Romanza de Curro “Que siempre me ha querido”. 11. bis Baile andaluz “Son la muger y el diablo la mesma cosa” y copla de los arrieros “Caracoles vende Mariquilla”. 12. Minué “¡Qué finura! ¡Qué elegantitos modales!”. 13. Escena de la rifa, baile y final “¡Quítate de ahí! ¡Déjame sentar!”.

Personajes

Los principales son los siguientes:

Soledad: Amada inmortal de Curro, que se casa con Mariano. Soprano.
Doña Angustias: Madre de Soledad. Mezzosoprano.
Curro Vargas: Amante inmortal de Soledad. Tenor.
Mariano: Casado con Soledad. Barítono.
Padre Antonio: Protector de Curro y mediador frustrado. Bajo.
Timoteo: Baza cómica en un trágico entramado. Tenor cómico.


LOS DIAMANTES DE LA CORONA

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Los diamantes de la corona

Zarzuela en tres actos, en verso
Texto original de FRANCISCO CAMPRODÓN
Música de FRANCISCO ASENJO BARBIERI
Estrenada el 15 de septiembre de 1854 en el Teatro Circo de Madrid


Elenco del estreno

Catalina: CLARISA DI FRANCO, Diana: CAROLINA DI FRANCO, Marqués de Sandoval: MANUEL SANZ, Rebolledo: JOAQUÍN LÓPEZ BECERRA, Conde de Campomayor: VICENTE CALTAÑAZOR, Sebastián: RAMÓN CUBERO

La obra

El éxito fue extraordinario pese a una metedura de pata de Vicente Caltañazor que subsanó Barbieri, que dirigía la orquesta, recomenzando la pieza.

En realidad el libreto es una adaptación de la obra de mismo título de Eugene Scribe, escrita en 1841, que convirtió en ópera Auber en 1844; Camprodón, tras rechazarlo Gaztambide e Inzenga, lo entregó a Barbieri que, estructuralmente, se basó en la obra de Auber, pero dotándola de un lenguaje musical autóctono basado en la música hispana, que se hace más patente en el famosísimo bolero pero que está latente en otros números.

El compositor

Francisco Asenjo Barbieri, nació en Madrid el 3 de agosto de 1823 en la calle Zorrilla, conocida entonces como del Sordo, y murió en la misma ciudad el 17 de febrero de 1894. Tras iniciar estudios de Medicina e Ingeniería, oyó una opera italiana que decidió su vocación; fue de todo, hasta el punto de que la presentación de Lamparilla le va como anillo al dedo y cuenta el Espasa que habiendo quebrado la empresa que contrató al músico, y al no contar con recursos, no vaciló en dirigirse a Madrid a pie desde Bilbao. Marcos Redondo en “Un hombre que se va” considera a la Zarzuela como la consecuencia de una revolución contra la música italiana, y viene a reconocer como el caballero andante de dicha revolución a Barbieri “hombre bueno y enamorado de la música que, después de una vida novelesca, y contando con la protección de Carnicer, se propuso dignificar la música española”. Cuenta José Luís Téllez que Barbieri es la personalidad musical más importante nacida en España entre Antonio Soler e Isaac Albéniz y estaría llamado a llevar hasta su cenit el modelo de zarzuela en tres actos, de las que compuso 28, más otras 9 en dos actos y otras 35 que fueron sainetes en un acto, sumando en total 72 obras teatrales 12 de ellas en colaboración. De sus grandes obras destacan: GLORIA Y PELUCA (1850), JUGAR CON FUEGO (1851), LOS DIAMANTES DE LA CORONA (1854), MIS DOS MUJERES (1855), EL DIABLO EN EL PODER (1856), PAN Y TOROS (1864) y EL BARBERILLO DE LAVAPIES (1884), muchas de ellas trufadas de tramas conspiratorias; pero su actividad de investigador musical va pareja y subyacente con su actividad de compositor, y así fundó la Sociedad de Bibliófilos, fue un investigador infatigable en los archivos de la Catedral de Toledo, El Monasterio del Escorial y el Palacio Real de Madrid y publicó, entre otras joyas, el “Cancionero de Palacio” fuente inagotable de inspiración para él y los músicos que le sucedieron. Además contribuyó decisivamente a la construcción del Teatro de la Zarzuela inaugurado el 10 de octubre de 1856.

El libretista

Francisco Camprodón y Lafont nació en Vich (Barcelona) el 4 de marzo de 1816 y murió en La Habana el 16 de agosto de 1870. Autor dramático y poeta; estudió la carrera de abogado en Cervera, Alcalá y Barcelona. Político liberal, sufrió destierro en Cádiz, formando parte luego del Congreso de Diputados y, tras el triunfo de “La Gloriosa” en 1868 aceptó la administración de Hacienda de la isla de Cuba, en donde falleció. Tras un libro de poemas titulado EMOCIONES, escribió LOLA, obra dramática que se estreno en Madrid con el nombre de FLOR DE UN DIA y otras muchas obras, incluso de matiz patriótico como una CARTA A DON JUAN PRIM en quintillas (con motivo de la guerra de Africa gracias a la que llegó a una efímera cresta de la ola el héroe de Los Castillejos) que llegó a ser muy popular. Pero centrados en nuestro género lírico destacan sus obras EL DIABLO EN EL PODER, EL RELAMPAGO y LOS DIAMANTES DE LA CORONA de Barbieri, UNA VIEJA de Gaztambide, LOS DOS MELLIZOS de Fernández Caballero y EL DOMINO AZUL y MARINA de Arrieta.

Sinopsis

La acción transcurre en Portugal a fines del siglo XVIII y en ella se nos cuenta como el Marqués de Sandoval cae en poder de una partida de bandidos capitaneados por Catalina; gracias a ella el Marqués se libra de la muerte y es liberado. Vuelven a verse en la Corte, sin que él la delate. Finalmente Catalina resulta ser la reina de Portugal que se casa con el Marqués, perdona a Rebolledo, su lugarteniente ante los bandidos y hace posible el amor de Diana y Sebastián. ¡Hay quien dé más!

Índice de escenas

Musicalmente la obra se articuló en tres actos y en los siguientes números:

Acto I: 1. Introducción y coro de monederos “Vuelve el trabajo, basta de holgar”. 2. Aria del Marqués “Que estalle el rayo”. 3. Balada de Catalina “En noche callada”. 4. Terceto de Catalina, Marqués y Rebolledo “No es tu prima la mas bella …..Si viviendo entre estos viles”. 5. Final del acto I “Pronto amigos, ojo alerta…….Kyrie”.

Acto II: 6. Preludio orquestal. 7. Coro de damas y caballeros “Vuestra sien de angel, niña gentil….Gracias, señores, por la atención”. 8. Concertante “No paséis por la sierra de la Alpujarra….Yo quisiera verme fuera”. 9. Bolero “Niñas que a vender flores vais a Granada”. 10. Dúo de Catalina y Sandoval “Porqué me martirizas, linda morena. 11. Dúo de Diana y Sandoval “Que de amarme desistiera”. 12. Final del acto II “Mil parabienes al orador….Este contrato rechazo yo”.

Acto III: 13. Coro de introducción “Por noticias muy seguras”. 14. Quinteto “Piensa prima que mi amada…..Es su gesto, su ademán”. 15. Romanza de Catalina “De que me sirven el trono y su esplendor……Sus tiernas quejas dice el pastor”. 16. Coro y marcha de la coronación “Rasga los aires, eco marcial”. 17. Final orquestal.

Personajes

Son los siguientes:

Catalina: Reina de Portugal, capitana de bandidos y enamorada del Marqués. Soprano.
Diana: Hija del Conde, prometida del Marqués y enamorada de Sebastián. Soprano.
Marqués de Sandoval: Sobrino del Conde y prometido de Diana. Tenor.
Rebolledo: Lugarteniente de los bandidos. Bajo.
Conde de Campomayor: Ministro de Justicia. Tenor cómico.
Sebastián: Joven militar. Barítono.


LA DOLORES

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La Dolores

Ópera en tres actos
Texto original de JOSÉ FELIÚ Y CODINA
Música de TOMÁS BRETÓN
Estrenada el 16 de marzo de 1895 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid


Elenco del estreno

Dolores: AVELINA CORONA, Gaspara: Sra. CASTELLANOS, Melchor: Sr. MESTRES, Lázaro: LORENZO SIMONETTI, Sargento Rojas: PEPE SIGLER, Celemín: Sr. ALCÁNTARA, Patricio: Sr. VISCONTI

La obra

La obra constituyó un gran éxito quedando en cartel hasta final de temporada con más de 60 representaciones, conociéndose luego en toda España, y parte de Europa e Hispanoamérica. Al Teatro Real de Madrid no llegó hasta el 11 de mayo de 1915 con un reparto en el que participaron Carmen Domingo y José García Romero (ver apartado discográfico) junto a Pablo Gorgé, registrándose en 1923 la participación de Ofelia Nieto con Hipólito Lázaro al principio de la temporada y con Miguel Fleta al final ¡casi nada al aparato!

Señala Angel Oliver que, según el cronista Aragonés Juan Barco, Feliú Codina se inspiró en una copla de ciego que escucho en Binéfar y que pudo tener causa en una Dolores que existió en la realidad, casada con un militar y que llevó una vida licenciosa. Primeramente escribió una zarzuela que fue despechada por el maestro Cereceda lo que le llevó a convertirlo en drama en tres actos que estrenó en el Teatro Novedades de Barcelona en noviembre de 1892 y se presentó en Madrid en abril de 1893 siendo interpretada nada menos que por Doña María Guerrero recibiendo acerbas críticas por parte de Leopoldo Alas “Clarín”.

Por supuesto que lo que ha dado fama mundial a la obra es la Jota “Aragón la más famosa”, pero no desmerecen otros números como el pasacalle “En noches de verbena” el madrigal de tenor “Henchido de amor santo”, o el dúo de Dolores y Lázaro del acto III “Di que es verdad que me amas”. Pero no se trata sólo de fragmentos más o menos afortunados sino que como expresa la documentada voz de Angel Oliver, “LA DOLORES supone uno de los mayores aciertos operísticos no sólo de la carrera de Tomás Bretón sino también de la poco conocida historia de la ópera española, más rica de lo que se supone. Destaca en especial, la intensidad dramática del drama, que ofrecía grandes posibilidades al músico, que fueron muy bien aprovechadas por Bretón en su partitura. El compositor salmantino no sólo asimila en ella las principales tendencias operísticas europeas en un estilo muy personal, sino que también consigue adaptar con fortuna los modelos del verismo operístico a la música española”.

El compositor

Tomás Bretón nació en Salamanca el 29 de diciembre de 1850 y murió en Madrid el 2 de diciembre de 1923. En 1865 se traslada su familia a Madrid en donde continúa su trayectoria de voluntad, esfuerzo y aprendizaje, pero contando con la ayuda de un músico de Madrid, Luís Rodríguez Cepeda, que le había oído en la orquesta del Teatro donde tocaba. En Madrid adelantó mucho en sus estudios en el Conservatorio y allí en 1872 obtuvo uno de los dos premios extraordinarios de composición que ese año se otorgaron, siendo el otro para Chapí. Desde su tarea como Director de Orquesta contribuyó a la cultura del público mediante la inclusión de obras antiguas y modernas en su programación. Luego llegó a dar el salto a Europa, pues mediante una pensión que le concedió Alfonso XII en 1881 se fue, con su familia, a Roma. También estuvo en Viena, Milán y París. Su producción musical, lógicamente, discurre a caballo de la ajetreada vida antes reflejada, y así vemos como su primera zarzuela; TIC TAC data de 1873 en una época en que proliferan muchas zarzuelas, como DOS CAMINOS (1874) o CUIDADO CON LOS ESTUDIANTES (1877) destinadas a compañías modestas que actuaban en teatros de poco nivel, y escribe su primer trabajo operístico GUZMÁN EL BUENO que se estrenó en el Teatro Apolo en 1875. Luego escribe varias zarzuelas “grandes” como EL CAMPANERO DE BEGOÑA (1878) y LOS AMORES DE UN PRÍNCIPE (1881) en que, aunque zarzuela, se observa un lenguaje operístico. Durante su estancia europea compone un oratorio APOCALIPSIS, comprometido con la Academia de San Fernando que le ayudaba, e inicia su opera LOS AMANTES DE TERUEL que termina a su regreso, y que abunda en su pretensión de crear una “opera española”, siendo estrenada en el Teatro Real en 1989, le sigue otra opera GARÍN estrenada en el Liceo de Barcelona en 1892. Luego su esplendor, con LA VERBENA DE LA PALOMA en 1894 y con LA DOLORES en 1895 que también tuvo un gran éxito y cuya Jota y algún que otro número continúan en el repertorio habitual.

El libretista

José Feliú y Codina nació en Barcelona el 11 de junio de 1847 y murió en Madrid el 2 de mayo de 1897. Estudió Derecho y ejerció su carrera y el periodismo. Se inició con obras en catalán pero desde su llegada a Madrid en 1886 se especializó en obras en castellano similares a las de Echegaray. En el terreno del teatro lírico destacan sobre todo sus óperas LA DOLORES, con música de Bretón y MARIA DEL CARMEN, con música de Granados.

Sinopsis

Dolores, bella moza que trabaja en el mesón de Gaspara es asediada por Celemín, el rico Patricio y el sargento Rojas, pero también por su antiguo amante Melchor un espécimen de canalla insano y traidor que la calumnia y chantajea vanagloriándose de ello. Lázaro, antiguo torero y actual seminarista, lo que le ocasiona la burla del respetable hasta que por enfrentarse a Celemín y por salvar la vida en el ruedo a Rojas, se gana el respeto de todos, se enamora de ella. Finalmente estalla la tragedia, cuando por defender a Dolores, Lázaro se enfrenta a Melchor y lo mata.

Indice de escenas

Opera en tres actos dividida en las siguientes escenas:

Acto I: Preludio. Escena primera: Alpargateros y vendedoras “Trabaja, trabaja, que es fiesta mañana” jota del arriero “Sólo a dos teclas responden” y presentación de Rojas “Yo soy un soldado valiente y audaz”. Escena segunda: con Dolores, Rojas y Patricio “¿Por qué a sus inferiores?....Por tu gracia, por tu aquel”. Escena tercera: Presentación de Lázaro “¡Dolores! Bien vengas Lázaro”. Escena cuarta: Dúo de Dolores y Melchor “Me han dicho que casabas…..Saldar debes antes la deuda que tienes”. Escena quinta: Pasacalle “En noches de verbena”, jota “Aragón la más famosa es de España y sus regiones…..Por una moza del barrio…..Grande como el mismo sol”, soleá “Desde que al pueblo he llegao” y jota “Si vas a Calatayud pregunta por la Dolores”.

Acto II: Preludio “religioso”. Escena primera: Recitado-tranquilo de Gaspara y Lázaro “Ay que misa mayor”. Escena segunda: Madrigal de Lázaro “Henchido de amor santo”. Escena tercera: Canción de los regalos “Este pañuelo encarnado”. Escena cuarta: con Rojas “¿Don Patricio que está haciendo?, Pasodoble “En cuanto de la música el pasodoble escúchese…” y aire andaluz “Oid en breves términos como se ha de lidiar”. Escena quinta: con Patricio, Rojas y Melchor “Marchemos….Amante he sido de la Dolores”. Escena sexta: con Dolores, Melchor y Patricio “La guitarra…Prevenida te la vengo yo a traer”. Escena séptima: Dúo de Dolores y Melchor “¡Dolores, si pequé….Mas oye esta noche las diez al sonar”. Escena octava: con Dolores, Patricio y Rojas “Será posible ¡oh cielo! que mi alma dolorida”. Escena novena: Dúo de Dolores y Lázaro “Vencida estoy por mi cruel destino…….Un año dentro del alma”. Escena décima: Pelea de Celemín y Lázaro “Vengan todos que es de ver……¡Nos han visto!”. Escena undécima: Corrida de toros “¡Vengarme te prometo!.....Viva Patricio, viva, viva…..Victor al valiente gentil colegial”.

Acto III: Preludio. Escena primera: Oración “Ora pro nobis. Stella matutina” y escena “A las cinco debes salir mañana”. Escena segunda: con Celemín y Lázaro “Pues solos un momento quedamos por azar”. Escena tercera: con Celemín y Dolores “Ya le decía….¡Cállate!”. Escena cuarta: con Gaspara, Dolores y Lázaro “Infame, infame sirvienta”. Escena quinta: Romanza de Dolores “Tarde sentí cuitada….Ya no te temo, hora fatídica”. Escena sexta: Dúo de Dolores y Lázaro “¡Dolores mía! ¡Ah aquí tu!.....Di que es verdad que me amas…..Todo mi ser embriagado”. Escena séptima: con Dolores y Melchor “Entra, tardaste”. Escena octava: con Melchor, Dolores y Lázaro “¡Espera! ¡Cielos! ¡Qué buscas! ¡Tu vida! Escena novena: Final “¡Ah!....¡Lázaro! ¡Yo soy!

Personajes

Los principales son los siguientes:

Dolores: Moza en el mesón de Gaspara. Soprano.
Gaspara: Tía de Lázaro y dueña del mesón. Mezzosoprano.
Lázaro: Seminarista que se enamora de Dolores. Tenor.
Patricio: Ricacho de Calatayud. Barítono.
Melchor: Barbero y antiguo amante de Dolores. Barítono.
Rojas: Sargento “exagerao”. Bajo
Celemín: Amigo de Patricio. Tenor.


LA DOLOROSA

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La Dolorosa

Zarzuela de ambiente aragonés en dos actos, el segundo dividido en tres cuadros
Texto original de JUAN JOSÉ LORENTE
Música de JOSÉ SERRANO
Estrenada el 23 de mayo de 1930 en el Teatro Apolo de Valencia


Elenco del estreno

Dolores: AMPARO ROMO, Rafael: EMILIO VENDRELL, Prior: PABLO HERTOGS, Nicasia: TRINI AVELLI, Perico: ANSELMO FERNÁNDEZ, Fray Lucas: MIGUEL COMPANY

La obra

Llegó al Teatro Victoria de Madrid el 24 de octubre, ya con la aureola del éxito del estreno y de su paso por Zaragoza. Recorrido en el que Emilio Vendrell y Cora Raga (incorporada en Zaragoza) se llevaron los máximos laureles, sin olvidar a Pablo Hertzogs y a los “cómicos” Trini Avelli y Anselmo Fernández. A lo largo de los años se han lucido muchos grandes cantantes con esta zarzuela como queda reflejada en la amplia fonografía que acompaña a esta reseña.

“El Libro de la Zarzuela” nos enseña que el tema del amor y el dúo trágico de Rafael y Dolores sirven de pilares para levantar el edificio de la zarzuela que, gracias a la bondad de la labor musical y literaria, obtuvo amplio éxito desde el día de su estreno y no ha dejado de estar presente en todos los repertorios. Una introducción evocadora del tema del amor, variado y apenas insinuado, nos anticipa lo que va a venir. La orquesta es utilizada al modo de las grandes oberturas de zarzuela; acto seguido Rafael explica al prior la razón del cuadro que está pintando; Fray Lucas le interrumpe por un cierto deje melancólico que intuye en su voz; el tratamiento orquestal es, en este caso, más simple, limitándose a doblar la melodía, cosa que también hace con Perico y Nicasia en el dúo cómico; un cambio frecuente de familia instrumental sirve para aligerar la partitura y otorgarle la comicidad de la que la melodía está bastante huera. Suena luego el oboe melancólico que juega con el canto de cuna de Dolores; toda la crueldad y esperanza están contenidas en la combinación de ambas líneas melódicas.

En el segundo acto, se encuentran Rafael y Dolores. La pieza “Déjame besar tu mano generosa” de Dolores expresa la tragedia de ambos. Cuando todo parece estar destinado al fracaso la orquesta se dispara en una apoteosis de esperanza, tan frecuente en las obras de Serrano, evocadora de posibles soluciones; se trata de un crescendo al que se suman todos los instrumentos con aire de jota, tema que más tarde reaparecerá en el momento oportuno. Pero la solución todavía tiene que elaborarse; los violoncelos introducen la sospecha de que se acerca el momento crucial; el prior echa a faltar la presencia de Rafael; sobre la base de un texto cargado de musicalidad el prior canta la famosa romanza sobre el amor. Mientras tanto la duda anida en el espíritu de Rafael; oye cantar y tocar la rondalla callejera; es un tema alegre y popular que se va mezclando con el tañer de las campanas y el tema trágico de su propia situación, y canta “Dios mío ten piedad de mi”. De nuevo surge la apoteosis orquestal que parece ser el eco de la propia esperanza. Rafael se confiesa al prior “La mujer que fue mi vida” tema cercano al anterior y que deriva en el tema del amor cantado antes por el prior. Todo está ya decidido; Rafael sale del convento; la alegría del camino reencontrado se manifiesta en la canción “Esperanza muerta sube hasta los cielos”. Fuera hay boda; Nicasia y Perico se casan; la rondalla sigue sonando y el jolgorio se vuelve esperanza al reencontrarse Rafael y Dolores mientras la música se funde en el tema del dúo trágico del primer cuadro.

El compositor

El compositor José Serrano Simeón nació en Sueca (Valencia) el 14 de octubre de 1873 y murió en Madrid el 8 de marzo de 1941. Tras despuntar precozmente en su ciudad natal como instrumentista y compositor bajo la tutela artística de su propio padre, estudió en el Conservatorio de Valencia en los cursos 1891/3 y recibió lecciones de Salvador Giner con quien ya se destapó su rara facilidad para la melodía, aprovechando composiciones de aquella época para obras posteriores como EL MOTETE. Auspiciado por Don Simón Vila y becado pasó a Madrid en 1895 dedicado de lleno a la composición pero con enormes dificultades para darse a conocer. Perdida la beca cuenta Arnau que escribía romanzas que vendía a cualquier precio y que ofreció a un editor una de ellas, por cinco duros, siendo rechazada por el mismo: esa romanza la incluyó luego en EL CARRO DEL SOL, como la serenata veneciana que daría la vuelta al mundo como la mejor canción veneciana, a juicio de Mascagni. Por aquel entonces, le presentaron a Fernández Caballero quien, por su ceguera, le propuso colaborase en pasar de las musas al papel pautado los frutos tardíos de su inspiración, como así hizo con GIGANTES Y CABEZUDOS; decisiva también fue la amistad trabada en 1900 con los Alvarez Quintero que le surtieron de muchos libretos empezando ese mismo año con EL MOTETE que alcanzó extraordinario éxito y fue la base de su posterior carrera, apoyada sobre todo en el género chico. Fuera de la zarzuela adquirieron popularidad su ópera LA VENTA DE LOS GATOS obra póstuma aunque empezada en los años 20, LA CANCIÓN DEL SOLDADO (1917), el HIMNO A VALENCIA (1909)) escrito para la Exposición levantina de 1909 y entronizado como Himno Regional en 1925 y el himno VALENCIA CANTA compuesto para la Coronación de la Virgen de los Desamparados; pero donde más han proliferado sus éxitos ha sido en el campo de la zarzuela, sobresaliendo LA REINA MORA (1903), EL MAL DE AMORES y MOROS Y CRISTIANOS (1905), LA MALA SOMBRA (1906), ALMA DE DIOS (1907), LA ALEGRÍA DEL BATALLÓN (1909), EL TRUST DE LOS TENORIOS (1910), EL CARRO DEL SOL (1911), EL AMIGO MELQUÍADES (1914), LA CANCIÓN DEL OLVIDO (1916), LOS DE ARAGÓN y LAS HILANDERAS (1927), LOS CLAVELES (1929), LA DOLOROSA (1930) y su obra póstuma GOLONDRINAS DE MADRID (1944), por señalar sólo las que me consta que han tenido trascendencia fonográfica.

El libretista

Juan José Lorente Millán nació en Villarroya de la Sierra (Zaragoza) sobre 1880 dentro de una modesta familia de labradores y murió en Madrid el 13 de marzo de 1931. Cursó la carrera de maestro y se dedicó al periodismo en El Heraldo de Aragón donde fue revistero taurino y se hizo popular en una sección de actualidad: “Ráfagas”. Escribió muchas obras para el teatro, entre ellas “Aires del Moncayo” y “El dulce veneno” pero su mayor fama la debe a los libretos de las zarzuelas LOS DE ARAGON y LA DOLOROSA, ambas con música de Serrano..

Sinopsis

El pintor Rafael, abrumado por un gran desengaño amoroso, buscó el refugio en un convento de Cartujos, pintando, ahora, un lienzo para él mismo. Se trata de la Virgen de los Dolores, que, sin él quererlo, recuerda a la mujer que acapara su pensamiento. El Prior y Fray Lucas llegan de dar un paseo, y aquél le pide a Rafael le explique el motivo de su obra pictórica, lo que hace en una sentida romanza. Hay un duetto cómico entre Perico y Nicasia, en el que la muchacha le manifiesta sus proyectos matrimoniales con gran alborozo de Perico. Se presenta Dolores, la antigua novia de Rafael, con un hijo en los brazos, y que sufre ahora el desprecio del hombre que la sedujo. Sigue un dúo entre Dolores y Rafael que le aconseja vuelva al hombre que la sedujo, a lo que ella se opone con firme energía. El padre prior en una bella romanza, quiere explicarse el caso del hermano Rafael, pretendiendo “adivinar el sufrimiento de ese pobre soñador”. Desenlace que tiene lugar cuando el hermano Rafael le ruega le escuche en confesión, al término de la cual el Prior le dice que se retire a descansar y que al día siguiente podrá abandonar el convento. En el día de la fiesta de la Virgen Labradora, Rafael y Dolores sienten renacer el impulso de su antiguo amor.

Índice de escenas

Zarzuela en dos actos, con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Preludio y relato de Rafael “La roca fría del Calvario”. 2. Dúo cómico “Ya verás cuando me ponga….Nicasia, Nicasia, Nicasia”. 3. Nana “Duerme mi tesoro” y escena.

Acto II: 4. Dúo de Dolores y Rafael “Déjame besar tu mano generosa”. 5. Romanza del prior “Me da mucho que pensar….El amor es un veneno de un poder fatal”, Jota “Clavellina de la huerta” y confesión “Falta una campanada…..La mujer que fue mi vida….Pecador, la fe si es pura”. 6. Intermedio. 7. Cuadro final “Dejo tu sombra, santa mansión….Esperanza muerta sube hasta los cielos……Fuente clara y milagrosa de la vida”.

Personajes

Los principales, son:

Dolores: Mujer seducida y abandonada a la que quiso y quiere Rafael. Soprano.
Rafael: Pintor que se refugia en el claustro para olvidar a Dolores. Tenor.
Prior: Del convento en que habita Rafael. Barítono.
Fray Lucas: Fraile de ese convento. Bajo
Nicasia: Hija de un labrador, novia de Perico. Soprano.
Perico: Hortelano del convento que pretende a Nicasia. Tenor cómico.
Cantador: Canta una jota. Tenor.


DON GIL DE ALCALA

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Don Gil de Alcalá

Ópera cómica en tres actos
Letra y Música de MANUEL PENELLA
Estrenada el 27 de octubre de 1932 en el Teatro Novedades de Barcelona


Elenco del estreno

Niña Estrella: MARUJA VALLOJERA, Don Gil: RICARDO MAYRAL, Maya: TRINI AVELLI, Don Diego: PABLO GORGÉ, Carrasquilla: PEDRO FONT-MALÁ, Chamaco: ANTONIO PALACIOS, AMADEO LLAURADÓ y JUAN BARAJE en los papeles de Gobernador y Padre Magistral, sin saber exactamente el que desempeñó cada uno.

La obra

DON GIL DE ALCALA, que aunque ley en mano es una ópera, la consideramos una zarzuela por su ubicación en este mundo musical y por el uso que de la misma han hecho las Compañías de este género con la aceptación del público que así la ha considerado. Esta obra ha tenido desde entonces un gran éxito de audiencia tanto en España como en América, representándose aún, pero escuchándose sobre todo algunos de sus más famosos números, tanto vocales como las romanzas de Niña Estrella “Bendita Cruz” Don Gil “Juntos bien mío”, Don Diego “Venganza, venganza quiero”, Carrasquilla “El Jerez”, la habanera de Niña Estrella y Maya “Canta y no llores” o el “Jarabe mejicano” de Chamaco y Maya, como orquestales, como la pavana.

Yo aun recuerdo la sublime interpretación que Angeles Chamorro y otra cantante que no recuerdo, hicieron de la habanera en Orihuela en julio o agosto de 1971, al aire libre, dentro del espectáculo de José Tamayo: Antología de la Zarzuela, que hubo que parar por el verdadero diluvio que cayó pese a la fecha, pero que luego se reanudó entre los aplausos de un público agradecido por la no suspensión y enfervorizados por la música y el canto.

El compositor y libretista

Manuel Penella Moreno, autor de la música y del libro de esta obra nació en Valencia el 31 de julio de 1880 y murió en Cuernavaca (Méjico) el 24 de enero de 1939, estudió solfeo, piano y armonía con su padre Manuel Penella Raga creador del primer orfeón valenciano. Cursó, contrapunto, fuga, composición e instrumentación con Salvador Giner y fue su maestro de violín Andrés Goñi. A los trece años dio su primer concierto de violín en el Conservatorio de Valencia, abandonando ese instrumento por haberse inutilizado el dedo índice de la mano izquierda, dedicándose luego al órgano y ocupando la plaza de organista de San Nicolás a los catorce años. En 1894 estrenó en el teatro Ruzafa su primera zarzuela LA FIESTA DEL PUEBLO. A los 17 años se fue a América como director de orquesta en una compañía de zarzuela, ganando por oposición la plaza de director de la banda nº. 2 de artillería en Quito, y más tarde dirigió las compañías de ópera Lombarda y la de opereta Scognamiglio, regresando en 1903 a España para dedicarse de lleno a la composición, siendo además autor de muchos libretos de sus obras. Entre las más de 80 obras que compuso destaco: LAS MUSAS LATINAS (1913), EL GATO MONTES (1916), DON GIL DE ALCALA (1932) y JAZZ BAND (1933). Compuso canciones populares, alguna de las cuales ESPAÑOLITA fue grabada por Hipólito Lázaro y otras como EN TIERRA EXTRAÑA o Y VA DE CUENTO fueron cantadas por Conchita Piquer artista de la que el maestro Penella fue mentor y la dió a conocer en América. Una hija suya, Teresita Silva, fue tiple cómica de zarzuela utilizando como nombre artístico su segundo apellido y ha grabado con Luís Sagi-Vela EL HUESPED DEL SEVILLANO, de Guerrero y MARAVILLA, de Moreno Torroba, también la he escuchado en “La tarántula” de LA TEMPRANICA, de Giménez.

Sinopsis

La sección de “cantables” de esta página, bajo los auspicios de Pepi cuenta que
"Niña Estrella, huérfana protegida por el Gobernador, está prometida a Don Diego, rico hacendado del país, aunque ella a quien ama en secreto es al capitán español Don Gil de Alcalá. La obra comienza con el anuncio de la llegada del Gobernador con Don Diego, pero antes de esto, Niña Estrella recibe, en el convento donde reside, una carta clandestina de Don Gil, avisándole su llegada. Un criado se presenta de improviso para informar que la diligencia del Gobernador ha sido atacada, y defendida por dos bravos hombres. Al llegar el Gobernador y Don Diego, ante la sorpresa de Niña Estrella, vienen acompañados por Don Gil y su sargento Carrasquilla, que han resultado ser los salvadores; aunque en realidad es una artimaña de Don Gil para estar junto a Niña Estrella. Se inicia un baile, y para estupefacción de Don Diego, Don Gil invita a bailar a Niña Estrella. Don Diego ve un rival peligroso en el español, y echan la suerte a cartas, suerte que gana Don Gil. En el segundo acto, e impulsado por los celos, Don Diego dice a Niña Estrella que Don Gil no es más que un aventurero y un farsante, y amenaza con descubrir públicamente la personalidad del capitán español. Para lograr sus propósitos, el día en que el Virrey va a condecorar a Don Gil y Carrasquilla por su acto de heroísmo, Don Diego interrumpe la ceremonia revelando ante todos que en realidad, el supuesto salvamento del Gobernador fue una farsa pagada por Don Gil para ganarse los favores del Virrey. Niña Estrella queda asombrada, pero comprende que todo lo ha hecho Don Gil por su amor. El Virrey, sin embargo, se muestra inflexible y castiga severamente a Don Gil. En el último acto, uno de los leales servidores de Niña Estrella descubre una conversación entre el Gobernador y el Magistral. El Gobernador confiesa al Magistral que tiene un hijo desconocido en España, fruto de sus amores con una lavandera. El servidor lleva la noticia a Niña Estrella, y entre todos preparan un plan para evitar que Don Gil vaya a prisión. Al día siguiente, y ante todos, Don Gil se presenta ante el Gobernador y confiesa ser hijo suyo, con tal acierto de detalles, que nadie puede ponerlo en duda de este modo, el Gobernador acepta a Don Gil y le entrega a Niña Estrella." La imprescindible parte cómica va por cuenta de Carrasquilla con ocurrentes salidas y con la pareja Chamaco-Maya que además incorporan a la obra el habla y el folklore hispanoamericano.

Escrita sólo para orquesta de cuerda, Don Gil de Alcalá es una pequeña joya de la inventiva de Manuel Penella y de la zarzuela española, aunque técnicamente deba ser considerado más como una ópera por el carácter ininterrumpido de su partitura. La introducción es una página de gran belleza, en la que el arpa tiene una intervención que permitirá dar color a los episodios más líricos. Suena una campana al iniciarse el primer número, coral para voces femeninas. La Madre Abadesa y Chamaco empiezan luego un dúo con ribetes cómicos, "Chamaco... Tú lloras por Niña Estrella". El diálogo entre la Madre abadesa y el Padre Magistral da lugar a la escena de las colegialas, después de lo cual Niña Estrella explica las razones de su próxima partida con acento un tanto patético y notables agudos. El tono cambia a marcial cuando habla de “Un capitán español” al que Niña Estrella ama en secreto “Se llama Don Gil de Alcalá”. La confesión cambia el tono de la pieza, que se vuelve un tanto más triste. Sigue a esto una bella plegaria de Niña Estrella “Bendita cruz” y una serie de escenas en las que se nos presenta a Don Gil de Alcalá, Don Diego y al Gobernador. Entre lo más destacable del resto de este primer acto cabe mencionar el elegante pizzicato de las cuerdas durante la partida de cartas en que Don Gil gana el derecho a bailar la pavana. Después de un breve episodio cómico entre varios personajes se inicia el esperado madrigal, "Tus ojos son dos rayos de sol" a trío entre Don Gil, Don Diego y Niña Estrella. Un preludio introduce el segundo acto con acentos recios que pronto se diluyen en una página con sabor a baile dieciochesco. Siguen un dúo de don Gil y Carrasquilla y después de un trío entre Carrasquilla. Don Gil y Chamaco, aparece el consabido dúo cómico, interpretado por Chamaco y Maya, con gracia e inventiva; a pesar de que interrumpe la acción, es una de las páginas más populares de esta obra, sobre todo el fragmento que Maya y Chamaco inician: "Ay zúmbale... El día que nos casemos". Sigue la escena de las mariposas: la cuerda de la orquesta imita el volar de los insectos mientras Niña Estrella y el coro cantan una melodía de tono alegre. Luego, Niña Estrella inicia su canción: "Como una mariposa que va de flor en flor", pieza que requiere agilidad y ligereza en la línea vocal. Otra serie de escenas de tono entre ligero y patético subrayan los personajes de Niña Estrella y Don Gil, empezando por un atractivo dúo que desemboca en la romanza de Don Gil “Juntos bien mío en este jardín”. La intervención de Don Diego, en su diatriba contra el joven, es una página de fuerte color y difícil tesitura “Venganza, venganza quiero”. Más tarde uno de los números más famosos de la obra y del género, la habanera “Canta y no llores”. En el final de este segundo acto hay varias intervenciones del coro y de los numerosos personajes solistas relatando el desenmascaramiento de Don Gil “Este bravo capitán es tan solo un impostor”. Después de esta escena, adornada con frases de desconsuelo de Niña Estrella, sigue la confesión del Gobernador al Magistral en forma de diálogo, sin llegarse a completar en ningún momento el hermoso tema que el Gobernador insinúa con la frase "Fue en Madrid...". Oída la confesión por Chamaco, llama ésta a Maya y pronto intervienen Niña Estrella, Don Gil y Carrasquilla formando un quinteto que acaba con un número vigoroso: "De audaces la fortuna...". La escena continúa con los cinco personajes hasta que el desenlace los reúne con los restantes “Vengo a despedirme y a pedir perdón…..Don Gil de Alcalá me llaman a mi” y el coro en un canto de júbilo general “Ya renació la esperanza”.

Índice de escenas

La escasez informativa sobre esta obra, que ni siquiera viene recogida en el Diccionario de la Zarzuela, hace difícil detallar los números que la componen; he recurrido por tanto a la información que consta en los vinilos (no en su anexo) de Alhambra, con alguna información complementaria de mi cosecha, y la cosa queda así:

Acto I: 1. Preludio. Escena con Madre Abadesa, Chamaco y colegialas “Tu lloras por Niña Estrella”. 2. Escena con Magistral y Madre Abadesa “¿A que debo tanto honor? y presentación de Niña Estrella, con colegialas “Un capitán español.....Se llama Don Gil de Alcalá”. 3. Escena con Niña Estrella y Maya “Al fin te veo, Niña Estrella”. 4. Concertante con Gobernador, Chamaco, Don Gil, Don Diego y otros “A este bravo capitán y a su heroico sargento”. 5. Terceto con Don Gil, Niña Estrella y Carrasquilla “Estrellita de mis noches”. 6. Escena con Don Diego y otros “No llores, el amor traerá el olvido”. 7. Escena con el Gobernador, Don Gil y Carrasquilla “Don Gil de Alcalá mi salvador”. 8. “Venga la pavana”. Pavana. 9. Madrigal “Tus ojos son dos rayos de luz”. 10. Brindis de Carrasquilla “Jerez, este es er vinillo de la tierra mía”.

Acto II: 11. Preludio y dúo de Don Gil y Carrasquilla. “Esto es vida Carrasquilla”. 12. Trío de Don Gil, Carrasquilla y Chamaco “¿Dónde estás Niña Estrella?” 13. Dúo cómico de Chamaco y Maya “Cuando yo contigo me bailo el jarabe………..Ay zúmbale”. 14. Romanza de Niña Estrella “Como una mariposa”. 15. Escena de Gobernador, Magistral y Niña Estrella “Es preciso que nos digas”. 15. Dúo de Don Gil y Niña Estrella y romanza de Don Gil “A tu lado serénase el alma……Juntos bien mío en este jardín”. 16. Dúo de Don Diego y Niña Estrella “Niégame ahora que me traicionas” y romanza de Don Diego “Venganza, venganza quiero”. 17. Escena de Chamaco, Maya y otros “Yo no sé nada” y del Gobernador y otros “Ya está aquí el Virrey”. 18. Habanera por Niña Estrella y Maya “Todas las mañanitas…….Canta y no llores”. 19. Concertante “Este bravo capitán es tan solo un impostor.

Acto III: 20. Terceto de Niña Estrella, Maya y Don Gil “No llores más, mi niña”. 21. Romanza de Niña Estrella “Madre, si mi vida ha de ser llanto”. 22. Confesión “Yo me acuso de que he tenido un hijo…..Fue en Madrid”. 23. Escena de Chamaco y otros “Don Gil va a ser hijo del Gobernador”. 24. Quinteto “Con este ardid al tutor venceremos”. 25. Terceto de Niña Estrella, Don Gil y Carrasquilla “De audaces la fortuna fue siempre galardón”. 26. Concertante final “Vengo a despedirme y a pedir perdón…..Don Gil de Alcalá me llaman a mi………..Ya renació la esperanza”.

Personajes

Niña Estrella: Huérfana, protegida del Gobernador, pretendida por Don Diego y enamorada de Don Gil. Soprano
Maya: Compañera y sirvienta de Niña Estrella. Mezzosoprano.
Don Gil: Aventurero. Enamorado, de Niña Estrella. Tenor.
Don Diego: Conde y rico hacendado, rival de Don Gil. Barítono.
Carrasquilla: Aventurero, compañero de Don Gil. Bajo.
Chamaco: Sirviente del Gobernador. Pretendiente de Maya. Tenor cómico.
Padre Magistral: Confesor del Gobernador. Barítono
Gobernador: Padre “putativo” de Don Gil. Barítono.
Madre Abadesa: Su propio nombre lo indica. Soprano.
Virrey: Máximo personaje político, que interviene poco. Barítono.


DON MANOLITO

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Don Manolito

Sainete en dos actos, y tres cuadros
Texto original de LUIS FERNÁNDEZ DE SEVILLA y ANSELMO C. CARREÑO
Música de PABLO SOROZÁBAL
Estrenada el 24 de abril de 1943 en el Teatro Victoria de Madrid


Elenco del estreno

Margot: PEPITA EMBIL, Leocadia: LUISITA SOLA, Don Manolito: ANTONIO MEDIO, Guillermo: MANUEL GAS, Emilio: SALVADOR CASTELLÓ, Nica: MANUEL ALARES

La obra

Es una obra para barítono, tanto que, como se gestó en los tiempos en que el maestro Sorozabal y Marcos Redondo tuvieron aquellos problemas luego solucionados, no descarto que el músico hubiese pensado en ese cantante para el papel; es una intuición sin ninguna prueba, casi más bien un deseo.

Refiere el Diccionario de la Zarzuela que la censura impidió que la prensa madrileña publicara ningún artículo sobre el estreno de la obra, pese al piropo a Madrid que conlleva gran parte de la obra, en mi opinión fue algo muy sucio no solo contra Sorozabal sino contra el arte y la libertad, claro que aquí tengo otra intuición y es que cuando en la romanza de Guillermo “Qué partido has perdido, chiquilla” se desliza la frase “Al portero del Centro que está cara al sol” ese cara al sol es una respuesta del músico perseguido a los del brazo tieso. Hernández Girbal dice que a Pablo Sorozabal “por estos días, no se le podía nombrar en los carteles, pero todo el mundo supo de quien era la música y la ovacionaron con delirio al igual que a García Martí y al resto de los afortunados intérpretes”, por cierto que en un párrafo anterior (y en el citado también) atribuye equivocadamente el estreno en el Reina Victoria de Madrid al barítono Andrés García Martí.

Sorozabal en sus Memorias, en relación con esta obra en aquellos turbulentos días, escribe: “Luego de estrenar mi opereta BLACK EL PAYASO (1942) en Barcelona y, después, Madrid, con los mismos cantantes que lo habían hecho en la capital presenté el sainete DON MANOLITO en el propio Teatro Reina Vitoria, madrileño, otro Sábado de Gloria -ahora de 1943- protagonizándolo las tiples Pepita Embil (Margot) y Luisa Sola (Leocadia), el barítono Antonio Medio (Don Manolito) y el bajo Manuel Gas (Guillermo) en los principales papeles. Perdóneseme la inmodestia si digo que, esta vez, triunfo aplastante, definitivo. Y memorable éxito….de público, porque la crítica periodística nos ignoró: consignas de la censura gubernativa, siendo el autor -o séase yo- un notorio desafecto al régimen franquista entonces imperante..…Y no acabó aquí la cosa, puesto que -disponiéndome a llevar la obra a Barcelona y otras ciudades- alguien, acaso la célebre mano negra, contrató a Pepita Embil y Antonio Medio, llevándoselos y dejándome la compañía coja. No tuve, pues, más remedio que buscarme un par de socios, convertirme en empresario -antipática y peligrosa aventura- y formar una segunda compañía con los mejores cantantes disponibles a fin de presentarnos en Barcelona y posterior gira por España…Afortunadamente hubo suerte, ya que la nueva pareja de protagonistas la tiple Marianela Barandilla (Margot) y, sobre todo, el barítono Andrés García Martí (Don Manolito) -junto al insuperable Manolo Gas (Guillermo)- alcanzaron conmigo, en el barcelonés Teatro Principal Palacio, otro clamoroso triunfo, hasta el punto de que en dos años ¡varios cientos de funciones!”.

De tanto magnífico número yo me quedaría con el “Matarela” del barítono, “Una rosa en su tallo” de la soprano, los dúos de Margot y Don Manolito “No sé por qué lloro” y “No te dejes llevar del enojo” y la “Ensalada madrileña” del coro.

El compositor

Pablo Sorozabal nació en San Sebastián el 18 de septiembre de 1897 y murió en Madrid el 26 de diciembre de 1988. Se inició musicalmente en San Sebastián primero en la Academia de Bellas Artes estudiando solfeo con Manuel Cendoya, luego en el Orfeón Donostiarra en que estudió violín con Alfredo Larrocha y piano con Germán Cendoya y finalmente como violinista en la Orquesta del Gran Casino dirigida por el citado Larrocha y eventualmente por Fernández Arbós quien en 1919 propició su llegada a Madrid integrado en la Orquesta Sinfónica de Madrid. De allí su salto a Alemania, pensionado, en donde consolidó sus conocimientos de composición, violín y dirección de orquesta. Durante varios años (hasta 1932) estuvo a caballo entre Alemania y Madrid, en donde iba componiendo KATIUSKA e incluso la posterior ADIOS A LA BOHEMIA, contándose que ni los mismos libretistas de KATIUSKA confiaban en él por no ser músico de teatro, pero, según La Voz de San Sebastián antes del estreno, “la obra llegó a Marcos Redondo, el barítono de las delicadezas, de la verdadera sapiencia de cantor y gusto. Sorozabal encontró al poderoso padrino que había de presentar su obra ante el público”. Además de su actividad como compositor, sobre todo de zarzuelas (aunque también hay en su haber obras sinfónicas), destacó en la Dirección de Orquesta desempeñando durante los dos primeros años de la guerra civil la de la Banda Municipal de Madrid, lo que a la postre le causó sinsabores derivados de su carácter fuerte e independiente y del “desvío”, por utilizar un eufemismo, que le demostraron las instancias oficiales y con que le obsequiaron algunos de sus compañeros como, al parecer, Guerrero y Moreno Torroba, no pudiendo pese a todo dar con Sorozabal en tierra. De su producción zarzuelística detallaré: KATIUSKA (1931), LA ISLA DE LAS PERLAS y ADIOS A LA BOHEMIA (1933), LA DEL MANOJO DE ROSAS (1934), LA TABERNERA DEL PUERTO (1936), CUIDADO CON LA PINTURA (1939/40), BLACK EL PAYASO (1942), LA ETERNA CANCION (1945), LOS BURLADORES (1948), ENTRE SEVILLA Y TRIANA (1950) y LAS DE CAIN (1958).

Los libretistas

Luís Fernández García nació en Sevilla (de ahí que utilizara como segundo apellido “Sevilla” aunque no consta que lo cambiase jurídicamente) el 16 de marzo de 1888 y murió en Madrid el 30 de noviembre de 1974. Fue dramaturgo y colaboró en diversos periódicos. Con 15 años estrena su primera obra EL NUMERO 13 siguiendo otras muchas, entre otras LOS MARQUESES DE MATUTE, en colaboración con Carreño, que aun se mantiene en el candelero; en cuanto al teatro lírico destacan las obras compuestas al alimón con Anselmo C. Carreño de las que destaco LA DEL SOTO DEL PARRAL, de Soutullo y Vert, LOS CLAVELES de Serrano, AL DORARSE LAS ESPIGAS de Balaguer y DON MANOLITO de Sorozabal; en solitario escribió LA ETERNA CANCION, de Sorozabal y con Pilar Millán Astray CAYETANA LA RUMBOSA de Alonso.

Anselmo Cuadrado Carreño, según el Diccionario de la Zarzuela nació en Segovia en el siglo XIX, otras fuentes afinan más y dicen que fue 1896 el año de su natalicio situándolo en Madrid, en donde murió el 16 de mayo de 1952. En acertada colaboración con Fernández de Sevilla ha producido muchas obras de las que destaco LA DEL SOTO DEL PARRAL, de Soutullo y Vert, LOS CLAVELES de Serrano, AL DORARSE LAS ESPIGAS de Balaguer y DON MANOLITO de Sorozabal; fuera de esa colaboración escribió con Ramos de Castro LA DEL MANOJO DE ROSAS de Sorozabal y ME LLAMAN LA PRESUMIDA de Alonso y en solitario SOL EN LA CUMBRE de Sorozabal de cuya partitura “sacó” Sorozabal una romanza que le arregló a Marcos Redondo para su lucimiento personal en LA TABERNERA DEL PUERTO, que luego fue sustituida por el “Chíbiri Chíbiri”.

Sinopsis

Don Manolito jovial hombre maduro está enamorado de Margot pero le abruma la diferencia de edad y que ella parece “estar” por Guillermo, hasta el punto de decirle que te quiero tanto tanto que nunca me casaré contigo. Finalmente las cosas se le ponen “a huevo” a Don Manolito al incitarlo el tío de Margot al casorio con ella y al tirarse Guillermo al monte del deporte no haciéndole Margot ni fu ni fa.

Indice de escenas

La obra se desglosa musicalmente en dos actos y los siguientes números:

Acto I: 1. Preludio y escena “Juventud que escalaste la altura…..En el amor y en el juego no vale farolear”. 2. Presentación de Margot “Margot que te pasa” y habanera “Dicen que el amor se queja por falta de actividad”. 3. Dúo de Don Manolito y Guillermo “¿Yo? ¿Yo? ¿Yo? Yo se bien que el casamiento”. 3ª. Romanza de Don Manolito “En la vida de casado”. 4. Dúo de Margot y Don Manolito “No sé por qué lloro….Aunque se empeñe tu tío y lo mande el mundo entero”. 5. Romanza de Don Manolito “Dile que me ha deslumbrado”. 5bis. Orquesta. 6. Dúo cómico de Leocadia y Nica “La petenera……….Sueña, que en sueños todo lograrás”. 7. Final del acto I “Margot, yo te quiero….El árbol que a la orilla crece del agua”.

Acto II: 8. Ensalada madrileña “Viva Madrid, que si, que si…El amor no es solo un niño….En Madrid hay una niña….La Puerta de Toledo tiene una cosa”. 9. Romanza de Don Manolito “Es tu pecho ingrato…..Matarela”. 10. Romanza de Guillermo “Qué partido has perdido chiquilla….Alirón”. 11. Romanza de Margot “¿Por qué, Virgen del Cielo, tanta incomprensión…..Una rosa en su tallo en vano espera”. 12. Dúo de Margot y Don Manolito “No te dejes llevar del enojo….Ese niño pitongo…..Cállate, no sigas, que me pongo negro”. 12bis. Coro interno “El amor es solo un niño”. 13. Intermedio musical con el tema de “Matarela”. 14. Romanza final de Don Manolito “Pulserita de pedida” y dúo de Margot y Don Manolito “Por que lo quiso mi tío”.

Personajes

Los principales son los siguientes:

Margot: Joven que tontea con Guillermo y acaba enamorada de Don Manolito. Soprano.
Leocadia: Hija de sastre que pretende cobrar a Emilio y acaba pretendiéndolo. Tiple cómica.
Don Manolito: Otoñal asustado por su edad y pretendiente de Margot. Barítono.
Guillermo: Niño pitongo obtuso de la mollera que prefiere el deporte a Margot. Bajo.
Emilio: Dandy donjuanesco, dicharachero y moroso. Tenor.
Nica: Sobrino de Doña Cándida, enamorado de Leocadia. Tenor cómico.


DOÑA FRANCISQUITA

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Doña Francisquita

Comedia lírica en tres actos, el tercero dividido en dos cuadros
Texto original de FEDERICO ROMERO y GUILLERMO FERNÁNDEZ SHAW
Música de AMADEO VIVES
Estrenada el 17 de octubre de 1923 en el Teatro Apolo de Madrid


Elenco del estreno

Francisquita: MARY ISAURA, Aurora "La Beltrana": CORA RAGA, Doña Francisca: FELISA LÁZARO, Fernando: JUAN DE CASENAVE, Cardona: ANTONIO PALACIOS, Don Matías: RICARDO GÜELL

La obra:

Esta denominada comedia lírica en tres actos está basada en “La discreta enamorada” de Lope de Vega que a su vez se inspiró en un cuento del Decamerón, la narración tercera de la jornada tercera, en que Pampinea fue el “precedente” de Francisquita, el fraile el de Don Matías y el caballero el de Fernando. La acción se retrasa dos siglos respecto a la contemplada por Lope, con lo que, además, queda salpicada del madrileñismo cantado por Galdós y por Mesonero Romanos.

En la gestación de la obra tal y como hoy la conocemos abundan los sucedidos, empezando por la forma de componer de Vives que se anticipaba al libreto mediante lo que llamaban “el monstruo” que venía a ser una especie de “andamio” literario sobre el que el compositor escribía su música, andamio que luego era sustituido por el libretista, pues bien los primeros versos de la canción de la juventud (Canto alegre de la juventud que eres alma del viejo Madrid) formaban parte del “monstruo” pero con tan buen acierto que fueron respetados en el libreto definitivo. También se admite generalmente que el maestro recurrió al archivo municipal de Madrid para estudiar tonadillas que utilizó en su obra, siendo por ello acusado de plagio, sin más base que la ignorancia y la envidia. No faltó la peripecia física en forma de accidente que sufrió el maestro días antes del estreno y que obligó a que la instrumentación de algunos números la terminasen otros compositores, entre ellos Conrado del Campo, Turina y Pablo Luna quien se encargó nada menos que del “coro de románticos” impregnándolo quizás de lo que Vives denominó “música rubia” a la realizada por el aragonés. Queda por decir que antes de escoger el título se barajaron otros como Doña Manolita, Felipa y Felipita, Doña Mariquita….. Por último es preciso comentar que después del estreno, Vives suprimió un dúo de Francisquita y Francisca y por contra el dúo de Francisquita y Fernando “Le van a oír no sea usted imprudente” no figuró en la partitura hasta el estreno en Barcelona.

El éxito fue apoteósico, inaudito, portentoso, repitiéndose muchos números, y Sol Burguete se hace eco de que el entusiasmado público llegaba a corear que “en España, sólo Vives y Belmonte”. Estadísticamente se cuenta de que en 20 años la obra se representó 5.210 veces, de las cuales 682 en Madrid y ¡896! en Barcelona. Este éxito no ha dejado de acompañarla en los 83 años de vida que ya tiene, aunque el veredicto del público y de la crítica convirtió en principal el papel pensado como secundario de Aurora la Beltrana en detrimento del de Francisquita, hasta tal punto que algunos de los autores consultados citan un artículo de Emilio Carrere en 1943 según el cual Vives pensó en suprimir el dúo de Aurora y Fernando para no restar protagonismo a Mary Isaura, por la especial relación que, al parecer, le unía a ella, conformándose al final con pedir a Cora Raga no repitiese el número pues “él había escrito un dúo y no un cuple”. En la senda de triunfos que esta obra ha proporcionado, además de Cora Raga, han destacado Emilio Vendrell: el mejor Fernando hasta 1956 en que comenzó la era Alfredo Kraus.

El compositor

Amadeo Vives nació en Collbató (Barcelona) el 18 de noviembre de 1871 y murió en Madrid el 2 de diciembre de 1932. De niño estuvo internado en el Asilo de San Juan de Dios de Barcelona que le generó pésimos recuerdos pero que le dio la posibilidad de su primer contacto serio con la música en 1886: la Dirección de la Banda del Asilo de la misma orden en Málaga (donde un hermano suyo era sacerdote). Luego vuelve a Barcelona, pasando por una etapa en Toledo y componiendo en 1886 una sinfonía. En 1891 funda con Luis Millet el Orfeo Catalá y estrena diversas composiciones, destacando en 1894 L'Emigrant, en esos tiempos tuvo determinada relación personal y musical con el catalanismo. En 1897 marcha a Madrid compaginando su actividad principal de compositor de zarzuelas (salvo su ópera Arthus de 1897 y las Canciones Epigramáticas de 1915), con la de empresario de los Teatros de la Zarzuela, Cómico y Eslava, aventuras que algunas veces le depararon desastres económicos que no le conturbaron el ánimo. Resultando imposible relacionar sus obras, me limito a detallar las más significativas,: DON LUCAS DEL CIGARRAL (1899), LA BALADA DE LA LUZ (1900), BOHEMIOS y EL HUSAR DE LA GUARDIA (1904), LA GATITA BLANCA (1905), JUEGOS MALABARES (1910), LA GENERALA (1912), MARUXA (1914) DOÑA FRANCISQUITA (1923), LA VILLANA (1927) y LOS FLAMENCOS (1928), algunas de ellas en colaboración con Gerónimo Giménez, al que precisamente Vives bautizó con el apelativo de “el músico del garbo”. Estamos ante uno de los compositores más grandes de la zarzuela de todos los tiempos, con una formación intelectual y musical de primerísimo nivel, y que a los efectos “zarzueleros” que interesa a los aficionados constituye además una personalidad con criterios tan importantes que merecen un análisis más completo de sus opiniones, que dejo para otra ocasión.

Los libretistas

Guillermo Fernández-Shaw Iturralde, nació en Madrid el 26 de febrero de 1893 y allí murió el 17 de agosto de 1965; hijo de Carlos Fernández Shaw (libretista de LA REVOLTOSA, LA VIDA BREVE y muchas más) siguió sus pasos académicos, estudiando Derecho, profesionales, ejerciendo el periodismo, y vocacionales como libretista teatral. Es esta la faceta que nos ocupa y en la que sucedió a su padre fallecido en 1911, heredando de él su gracia gaditana y …. su amigo Federico Romero que se convirtió en su colaborador hasta 1951, época en la que estrenaron LA CANCION DEL OLVIDO de Serrano en 1916, DOÑA FRANCISQUITA de Vives y EL DICTADOR de Millán, en 1923, EL CASERIO de Guridi en 1926, LA ROSA DEL AZAFRAN de Guerrero en 1930, LUISA FERNANDA de Moreno Torroba en 1932, LA TABERNERA DEL PUERTO de Sorozabal en 1936, finalizando su “entente cordial” con LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS del compositor y guitarrista granadino Angel Barrios sobre la obra de Antonio y Manuel Machado. Luego todavía estrenó con su hermano Rafael, EL CANASTILLO DE FRESAS de Guerrero en 1951, EL GAITERO DE GIJON de Romo en 1953 y MARIA MANUELA de Moreno Torroba en 1957. Fue Laureado con la Legión de Honor francesa y su labor literaria se extendió también a la poesía y a la traducción de autores del calibre de Rostand, Goethe y Schiller.

Federico Romero Sarachaga, nació en Oviedo en noviembre de 1886 (el día 11 según el Espasa y el 15 si hacemos caso al Diccionario de la Zarzuela) y murió en Madrid el 30 de junio de 1976, pero aunque vivió también en Zaragoza, se le considera “manchego de pro” al no haber perdido su relación con La Solana desde que su familia se instaló allí a principios del siglo XX y al haber colaborado decisivamente en “La Rosa del Azafrán” zarzuela emblemática de esa región, musicada por otro manchego ilustre. Muy amigo de Carlos Fernández Shaw, a su muerte comenzó una colaboración con su hijo Guillermo que duró cuarenta años y que fructificó en obras como: LA CANCION DEL OLVIDO de Serrano en 1916, DOÑA FRANCISQUITA de Vives y EL DICTADOR de Millán, en 1923, EL CASERIO de Guridi en 1926, LA ROSA DEL AZAFRAN de Guerrero en 1930, LUISA FERNANDA de Moreno Torroba en 1932, LA TABERNERA DEL PUERTO de Sorozabal en 1936 y LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS de Barrios en 1951, destacadas de entre su producción de 65 obras. Fue impulsor en 1932 de la Sociedad General de Autores de España, y su denodado cariño por los temas madrileños y manchegos fue reconocido al ser nombrado miembro de número del Instituto de Estudios Madrileños e hijo adoptivo de La Solana.

Sinopsis

Literariamente el argumento presenta la historia del amor de Francisquita por Fernando que ni lo nota, absorbido como está por una cómica: Aurora la Beltrana, que no le corresponde. Francisquita cortejada por el padre de Fernando se deja querer y lo alerta contra su hijo, logrando, de esta manera, interesarle. En realidad leyendo la canción del ruiseñor nos enteramos de todo, pues “la rosa que languidece de casto amor” es Francisquita, “el ruiseñor” es Fernando, “el zángano zumbador” es Don Matías y “la otra flor” es Aurora. Esta trama principal se desarrolla en un ambiente castizo que capta sensacionalmente el espíritu del pueblo de Madrid tal como lo entendió Vives cuya pretensión con esta obra fue “hacer una Verbena de la Paloma en tres actos”.

Indice de escenas

Musicalmente la obra se articula en tres actos y en los siguientes números:

Acto I: 1. Introducción y escena, “El lañador” que sirve para presentar a los principales personajes. 2. Trío, “Peno por un hombre, madre, que no me quiere”, en realidad un dúo de Francisquita y Fernando con intervención también de Cardona. 3. Cuarteto “De que te finges valiente”, casi un terceto entre Aurora, Fernando y Cardona. 4. Escena “Cuando un hombre se quiere casar”. 5. Canción de la juventud, con intervención primero de Cardona “Amigos oídme”, luego de Fernando, de gran dificultad y espectacularidad, “Gozad la primavera de vuestra vida” y finalmente de ellos y el coro “Canto alegre de la juventud”. 6. Trío que contiene la “Canción del Ruiseñor” piedra de toque para sopranos, con pasajes de coloratura. 7. Escena de carnaval que contiene los castizos sones de “Me ha dicho mi marido que no me vista” o “No vayas con careta porque repara” y el famoso “Soy madrileña” de la Beltrana.

Acto II: 8. Cofradía de la bulla, que comienza en ritmo de fandango “No sabes niño del alma” y sigue con un pasacalle “Alza Pilili”. 9. Dúo de Francisquita y Fernando “Le van o oír no sea usted imprudente”, apasionado. 10. Romanza de Fernando “Por el humo se sabe donde está el fuego”, cantado por la mayoría de los grandes tenores españoles. 11. Dúo de Aurora y Fernando, “Escúchame” con influencias aflamencadas, que llega a su climax con “Escucha mi bien” y su respuesta “Me gustas mujer”. 12. Escena “Fui demasiado vehemente” y concertante, que, en la parte de Fernando, dice “Ay Madrid del alma”. 13. Escena “Los que quieran patatas y vino añejo”.

Acto III: 14. Coro de románticos “donde va la alegría”, forma parte de la cúspide musical de esta obra y, a mi entender, de todo el género de la Zarzuela . 15. Escena que comienza con aire de seguidilla “Aurorilla la Beltrana ¿no quiere cantar?”, sigue con un bolero o canción del Marabú “A un jilguero esperaba mi jaula de oro” y termina con un fandango instrumental. 16. Dúo algo acaramelado de Francisquita y Fernando contentando al padre de éste y 17. Repetición del coro “Canto alegre da la juventud”.


EL DUENDE

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El duende

Zarzuela en dos actos
Texto original de LUIS OLONA
Música de RAFAEL HERNANDO
Estrenada el 6 de junio de 1849 en el Teatro Variedades de Madrid


Elenco del estreno

Doña Inés: JUANA SAMANIEGO, Doña Sabina: MARÍA BARDÁN, Juana: JOSEFA RAMOS, Don Carlos: MANUEL CATALINA, Don Diego: JOSÉ CORTÉS, Don Calixto: JOSÉ AZNAR, Antonio: FERNANDO NAVARRO

La obra

El éxito acompañó a la obra que "entretuvo durante meses a los madrileños" superando las 120 representaciones casi seguidas. Resume el Diccionario de la Zarzuela que "las características comentadas sobre la disposición en dos actos, la utilización cada vez mayor de los concertantes, el adecuado uso tímbrico de la orquesta, la exploración armónica, la inclusión de formas autóctonas, etc. están presentes en esta obra, una de las zarzuelas básicas para la comprensión posterior del género".

El compositor

Rafael Hernando y Palomar nació en Madrid el 31 de mayo de 1822 y murió en la misma capital el 10 de julio de 1888. Hizo sus estudios en el Conservatorio de María Cristina, completándolos en París con Caraffa y Auber. Aunque también compuso música no teatral, como un STABAT MATER y una MISA A SANTA CECILIA, su popularidad viene asociada a su producción zarzuelística, de la que cito PALO DE CIEGO y COLEGIALAS Y SOLDADOS (1849), EL DUENDE (1ª. parte en 1849 y 2ª. parte en 1851), BERTOLDO Y COMPAÑIA (1850), EL NOVIO PASADO POR AGUA (1852) y COSAS DE DON JUAN (1854). En colaboración compuso, entre otras, EL CONFITERO DE MADRID, con Inzenga (1851), POR SEGUIR A UNA MUJER, con Barbieri, Gaztambide, Oudrid e Inzenga (1851), EL SECRETO DE UNA REINA, con Gaztambide e Inzenga (1852) y DON SIMPLICIO BOBADILLA, con Gaztambide, Barbieri e Inzenga (1853). Alejado luego de sus citados colegas, conservó (hasta su muerte según el Espasa; según Juan Arnau y el Diccionario de la Zarzuela antes se le obligó a la excedencia forzosa) la cátedra de armonía en el Conservatorio que había obtenido en 1852.

Ha pasado a la posteridad, además de por su obra, por haber formado parte de la sociedad comanditaria creada para el establecimiento de la zarzuela en España, junto con Barbieri, Oudrid, Gaztambide, Inzenga, Luis de Olona y Francisco de Salas, empresa que culminó con la creación de un teatro específico para el género, que fue desde el 10 de octubre de 1856 el Teatro de la Zarzuela. También Hernando fue el pionero del "grupo de los cinco", compuesto además por Gaztambide, Oudrid, Barbieri e Inzenga, grandes músicos españoles que iniciaron la zarzuela grande, muy italianizada todavía pero que dio lugar más tarde a la explosión de los Bretón, Chapí etc… A este respecto me hago eco de los comentarios del padre Federico Sopeña volcados en obra abajo citada que señala que deben desbaratarse dos tópicos en relación con el verdadero nacimiento de la zarzuela, uno es ligarla con el género del mismo nombre cultivado en el Madrid cortesano del siglo XVII presentándola así como representación del nacionalismo musical, falso supuesto que queda clarificado sólo con señalar los títulos de más éxito de los compositores citados, concluyendo "que lo que hay de nacional en las famosas jotas de Oudrid, lo que hay de alusiones campesinas en algunos títulos no bastan para hablar de nacionalismo, más aun cuando no pocas de esas obras son arreglos de otras francesas"; el otro tópico es el de negar a la zarzuela todo valor, heredando los feroces ataques de Pedro Antonio de Alarcón, que Sopeña considera muy injustos al estimar a los citados compositores como buenos músicos que, ante el rechazo continuo por parte del Teatro Real hacia una posible ópera española, acuden a la zarzuela en busca del éxito popular y del beneficio económico, pero siempre con la nostalgia de la ópera grande.

El libretista

Luis Olona Gaeta nació en Málaga en 1823 y murió en Madrid (en Barcelona, según el Espasa) el 13 de junio de 1863. Poeta y autor dramático español que hizo en su ciudad natal sus primeros pinitos pasando luego a Madrid, donde estudió Derecho, que no ejerció. Fue también empresario de teatros y socio, junto con los compositores del "grupo de los cinco" Hernando, Inzenga, Oudrid, Gaztambide y Barbieri y el barítono Francisco de Salas, de la sociedad en comandita creada para el establecimiento de la zarzuela en España, empresa que culminó con la creación de un teatro específico para el género, que fue desde el 10 de octubre de 1856 el Teatro de la Zarzuela. Entre sus numerosas obras destaco LA MENSAJERA, EL JURAMENTO Y LOS MADGYARES con música de Gaztambide, ENTRE MI MUJER Y EL NEGRO, de Barbieri, EL POSTILLON DE LA RIOJA de Oudrid, EL CAMPAMENTO de Inzenga, EL DUENDE de Hernando, EL SARGENTO FEDERICO de Gaztambide y Barbieri y POR SEGUIR A UNA MUJER de Hernando, Barbieri, Oudrid, Inzenga y Gaztambide.

Sinopsis

"El duende" era una hermosa viuda, joven y rica (Doña Inés) a quien su viejo tío (Don Calixto) pretende casar con un primo calavera (Don Carlos) enamorado de una hermosa dama que conoció en unas máscaras disfrazada de dominó naranja y que resulta ser la misma Doña Inés. Tan sencilla trama se complica por la actuación de Doña Inés, que quiere que Don Carlos se case con ella por amor y no por miedo a perder la herencia de Don Calixto, lo que al final consigue tras complicadas peripecias en que intervienen, entre otros, Doña Sabina que pretende a Don Carlos y Don Diego que quiere a Doña Inés.

Índice de escenas

Zarzuela en dos actos con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Divertimento instrumental. 2. Coro de cazadores "Al ciervo corramos". 3. Duetino de Juana y Antonio "Bien sé yo". 4. La reprensión, aria bufa de Don Calixto "Basta ya, señor sobrino". 5. Dúo de Doña Inés y Don Diego "Don Diego, estoy turbada". 6. Polka burlesca. 7-. Canción del duende "Siempre al niño". 8. Escena y coro de soldados "Todos prepárense". 9. Final del acto I "Alto allá, alto el prófugo".

Acto II: 10. Coro y estrofas de introducción "Al baile, al baile". 11. Seguidillas "Con el zangoloteo". 12. El tipití, duetino de Doña Sabina y Antonio "Pensando en que se acerca". 13. Terceto de Antonio, Don Calixto y Don Diego "Pronto, pronto". 14. Arieta de Don Carlos "No importa que esta boda". 15. Romanza de Don Diego "Fantasmas risueños". 16. Coro de soldados y canción de la florera "Cantad, cantad, compañeros". 17. Final "Marchemos al punto".

Personajes

Los principales son:

Doña Inés: Viuda compelida a casarse con Don Carlos. Soprano.
Doña Sabina: También viuda y rica que quiere a Don Carlos. Contralto.
Juana: Criada de Doña Sabina y novia de Antonio. Soprano.
Don Carlos: Primo de Doña Inés enamorado de ella sin saberlo. Bajo.
Don Calixto: Tío de Doña Inés y Don Carlos. Bajo.
Don Diego: Capitán que quiere a Doña Inés. Barítono.
Antonio: Criado de Don Carlos y novio de Juana. Barítono.


EL DUO DE LA AFRICANA

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El dúo de La Africana

Zarzuela en un acto
Texto original de MIGUEL DE ECHEGARAY
Música de MANUEL FERNÁNDEZ CABALLERO
Estrenada el 13 de mayo de 1893 en el Teatro Apolo de Madrid


Elenco del estreno

La Antonelli: JOAQUINA PINO, Amina: CARMEN SALVADOR, Doña Serafina: PILAR VIDAL, Giuseppini: EMILIO MESEJO, Querubini: MANOLO RODRÍGUEZ, Bajo: MELCHOR RAMIRO

La obra

Los precedentes del estreno hablan de la facilidad que encontró el músico para toda la partitura menos para el dúo de tiple y tenor que se le resistía pese a los recados apremiantes que le llegaban de la empresa; se hace eco Juan Arnau de que una noche el compositor encargó a su hijo un pastel en Lhardy y le dijo la idea que se le había ocurrido: el tenor aragonés le debía cantar una jota a su amante sevillana, y esa noche al dar las tres de la madrugada Caballero había terminado el pastel y el dúo.

El cronista Ruiz Albeniz “Chispero” señala que la noche del estreno iban aumentando las ovaciones hasta extremos increíbles y cuando llegó el dúo a la frase “vente conmigo y no sientas estos lugares dejar” el público se puso en pie y tales fueron sus bravos, aplausos y aclamaciones, que no pudo escucharse la continuación; al cabo de unos minutos tuvo que empezarse de nuevo el dúo, y otra vez al llegar al mismo pasaje las aclamaciones no permitieron oír el final del número, que hasta la tercera vez que se cantó no pudo dejar llegar al público su final maravilloso. Y este mismo cronista asegura que se representó sin interrupción 211 veces y que hasta cinco años después permaneció en cartel casi a diario.

Su popularidad rebasa todo lo descriptible y así cuenta Deleito y Piñuela que la celebérrima jota obró el prodigio de interrumpir una corrida de toros. La interpretaba la banda, mientras se arrastraba al toro muerto, y al dar la señal el presidente para que saliera otro toro, el público impidió que se reanudara la lidia hasta escuchar toda la pieza, que fue premiada con una ovación. Se le dedicaron multitud de versos, como aquel romance de Eduardo de Palacios, publicado el 14 de octubre de 1893, que terminaba así:

 

Por fin, yo no sé si es cierto,

 

Pero dicen que Sagasta

 

Entona también, a ratos,

 

Con Cruz o Gamazo o Maura,

 

La jota regolvedera

 

De El Dúo de la Africana.


En la prensa tuvo una acogida muy buena aunque no exenta de “ironías” más imputables a la rivalidad entre los medios que a la obra en sí. Vemos por un lado a “El Globo” elogiando a los protagonistas Joaquina Pino, Emilio Mesejo y Manolo Rodríguez, dentro del límite de sus facultades vocales y “El Imparcial” apuesta aun más por Joaquina Pino al considerar que además de ser una mujer hermosa demostró que vale más que muchas tiples ensalzadas por la crítica ligera”. A esto contestaba “el Abate Pitarras” en “El Heraldo de Madrid” que lanzaba las siguientes andanadas contra Joaquina Pino de la que calificaba buena su actuación “excepto cuando la pobrecita quiere cantar” o contra Manolo Rodríguez del que decía que estuvo bien, pero muy bien y ¡limpio! Asegurándolo bajo palabra de honor, aunque los lectores no lo crean.

El compositor

Manuel Fernández Caballero nació en Murcia el 14 de marzo de 1835 y murió en Madrid el 26 de febrero de 1906. Hijo póstumo, fue el menor de dieciocho hermanos. Encauzado en la música desde pequeño, con cinco años empezó a estudiar el violín y otros instrumentos y a los siete años ya tocaba en bandas y orquestas. Su primer maestro fue su cuñado y notable violinista Julian Gil y luego Indalecio Soriano Fuentes. A los 15 años se traslada a Madrid siendo admitido como primer violín de la orquesta del Teatro Real e ingresando en el Conservatorio donde obtuvo el primer premio de composición en 1856. Siguió estudiando con José Vega, Indalecio Soriano, Hilarión Eslava y Pedro Albeniz. A partir de los 18 años fue Director de Orquesta de varios teatros, el de Variedades, Lope de Vega, Circo y Español. En 1853 consigue de Luís de Eguilaz su primer libreto de zarzuela LA VERGONZOSA EN PALACIO, que sin embargo se estrenó con posterioridad a TRES MADRES PARA UNA HIJA, que firmó bajo el seudónimo de Florentino Durillo, precisamente por respeto y consideración a Luís de Eguilaz. Desde entonces son innumerables las zarzuelas que compuso (cerca de 200), alternando este trabajo con la dirección de orquesta, muchas veces en Portugal e Hispanoamérica, llegando a residir 7 años en Cuba. También compuso en abundancia música religiosa, encontrándose entre ella, diversas Misas, Misereres, Salves, Oficios de Difuntos (el primero lo compuso en 1851), Himnos, Letanias, Motetes etc….

Aquejado de cataratas desde 1890 aproximadamente, la última partitura que escribió de su puño y letra fue EL DUO DE LA AFRICANA en 1893, requiriendo desde entonces la ayuda de colaboradores, principalmente su hijo Mario y también la del luego famoso José Serrano que le ayudó en la escritura musical de GIGANTES Y CABEZUDOS. En 1899 y 1902 fue intervenido quirúrgicamente por el Doctor Mansilla batiéndole las cataratas de los ojos derecho e izquierdo respectivamente. Fue persona muy honrada por el público en general y por las Instituciones y así en 1891 fue elegido individuo de la Real Academia de San Fernando, cuyo discurso de ingreso no pudo efectuar hasta el 2 de marzo de 1902 con el sugerente título para nuestro querido género de “Los cantos populares españoles considerados como elemento indispensable para la formación de nuestra nacionalidad musical”; pertenecía a la Orden del Cristo de Portugal y el 22 de enero de 1903 le fue concedida la Gran Cruz de Alfonso XII siéndole regaladas las insignias correspondientes por suscripción popular en Murcia.

Cuenta Arnau que Caballero tenía la costumbre de dirigir los ensayos en el Teatro de la Zarzuela junto a la concha del apuntador, golpeando continuamente con su grueso bastón la tarima del escenario marcando el compás, como se cargó la tarima dos veces, el propietario del teatro colocó en aquel sitio una placa de bronce con la leyenda “A Caballero, sostén de la zarzuela, 1897”, y esto da pie para hacer notar la importancia que para nuestro género tuvo este compositor, en cualquiera de las facetas del mismo, la zarzuela grande hasta la década de los 70 en que entró en crisis y el género chico al que supo no solo adaptarse sino triunfar memorablemente, basta para comprobar la realidad de tal aseveración con releer los títulos compuestos a partir de 1887.

Entre sus zarzuelas detallo sobre todo las muy conocidas por su difusión discográfica, LA MARSELLESA (1876) LOS SOBRINOS DEL CAPITAN GRANT (1877), EL SALTO DEL PASIEGO (1878), CHATEAU MARGAUX (1887), EL DUO DE LA AFRICANA (1893), EL CABO PRIMERO (1895), EL PADRINO DEL NENE (1896), LA VIEJECITA (1897) GIGANTES Y CABEZUDOS y EL SEÑOR JOAQUIN (1898).

El libretista

Miguel Echegaray Eizaguirre nació en Quintanar de la Orden (Toledo) el 29 de septiembre de 1848, en el transcurso de un viaje que hacían sus padres de Madrid a Murcia, y murió en Madrid el 20 de enero de 1927. Hermano de José, premio Nóbel de Literatura en 1904. Se licenció en Filosofía y Letras y Derecho, ejerciendo algún tiempo. Fue Jefe de Administración Civil, secretario de los Ministros de Fomento y Hacienda cuando lo fue su hermano y Diputado a Cortes; dominaba varios idiomas entre ellos el hebreo en el que fue una verdadera notabilidad. Y sobre todo fue escritor más bien de índole festiva y bufa en ocasiones y libretista de zarzuelas. En esta especialidad trabajó con Vives en JUEGOS MALABARES, LA RABALERA, AGUA DE NORIA y EL PRETENDIENTE, con Chapí en LA GITANILLA y EL SOMBRERO DE PLUMAS, con Bretón en EL DOMINGO DE RAMOS, con Nieto en EL CASTILLO, y, sobre todo, con Fernández Caballero en EL DUO DE LA AFRICANA, LA VIEJECITA y GIGANTES Y CABEZUDOS.

Sinopsis

El argumento se basa en una anécdota simple: las relaciones sentimentales entre los actores de una compañía, con escasos recursos económicos, que canta ópera extranjera. El empresario, que sólo habla italiano, y es muy avaro, está casado en segundo matrimonio con la tiple, una mujer joven y hermosa a la que llaman “Antonelli”. El tenor “Giuseppini” de lo más escogido de la “aristocracia de Belchite” está en la compañía por su amor a la tiple. Pero la situación se complica con otra circunstancia sentimental: el bajo está enamorado de Amina, hija del empresario y su primera esposa. Amina no le corresponde porque también ama al tenor, y esto crea su rivalidad con la tiple. Durante los ensayos de la ópera LA AFRICANA hay escenas amorosas entre Giuseppini y La Antonelli; aprovechan el momento del dúo del acto IV de la ópera para mayor efusividad, lo que enfada al marido y produce efectos cómicos. Durante la representación de LA AFRICANA irrumpe en escena la madre del tenor, que quiere llevárselo a su casa; él acepta porque no puede convencer a Antonelli de que abandone a su marido. Se organiza un escándalo en el teatro, ya que ante la interrupción de la obra por la madre, el público protesta; Giuseppini quiere acabar la que será su última actuación, la Antonelli se desmaya y la autoridad pretende llevarlos a todos a la cárcel pero el empresario consigue que se termine la representación, y en ese momento finaliza la zarzuela.

Parejo en regocijo a la “La Venganza de Don Mendo” de Muñoz Seca, el libreto usa de la parodia, no tanto de la ópera como de los personajes, como recurso fundamental en la construcción del texto, y se vale del italiano macarrónico de Querubini y de su hija, de frases con doble sentido, alusiones, equívocos y gesticulaciones; y así vamos viendo: el director del Coro se llama Inocente, Querubini, “aunque la gelosia le morde”, transige, hasta cierto punto, con los devaneos de su esposa con el tenor porque este canta gratis; Amina la hija de Cherubini le echa en cara que el tenor no canta por amor al arte sino por amor a la mamma ; hasta a la misma Antonelli, menos parodiada, se le oye decir que es una tiple “pero ligera” lo que provoca la sentencia del coro “¡Ay! Eso pronto lo ve cualquiera”; y que decir del tenor que desgranando sus papeles en Marta, Norma o La Travista se encuentra asimismo con el veredicto del Coro que le tacha de mujeriego, y más adelante se defiende como gato panza arriba del deseo de Querubini de ser su suegro. Se salvan de lo burlesco la canción andaluza de la tiple y, sobre todo, el famoso dúo-jota.

Esta trama es servida por una música siempre teatral y chispeante y algunas veces sublime con intervenciones continuas del coro y en que sobresale el de la introducción jalonado por la mazurca y el vals, la canción andaluza de la soprano, el insinuante coro de la murmuración, el pícaro dúo de Querubini y Giuseppini y sobre todo el apoteósico, enervante y brillantísimo dúo-jota final.

Índice de escenas

Zarzuela en un acto con los siguientes números musicales:

1. Preludio. 2. Coro de la introducción “Buenos días Inocente, buenos días tenga usted”, mazurka “Comí a las siete, pero he comido de mala gana” y vals “Somos vestales”. 3. Escena y coro “Amigas mías y compañeros” y canción andaluza “Yo he nacido muy chiquita”. 4. Coro de la murmuración “Se marcha furioso y desesperado”. 5. Duetto de Querubini y Giuseppini “Casa mia figlia”. 6. Dúo “Comprende lo grave de mi situación” y jota “No cantes más La Africana”.

Personajes

Los principales son:

Querubini: Empresario de ópera casado con La Antonelli. Tenor cómico.
La Antonelli: Casada con Querubini y cantante de ópera. Soprano.
Amina: Hija de Querubini y su primera esposa. Enamorada del tenor. Actriz cantante.
Giuseppini: Tenor de la compañía. Enamorado de la Antonelli. Tenor.
Bajo: Obseso pretendiente de Amina. Actor cantante.
Doña Serafina: Madre de Giuseppini. Actriz cantante.


ENTRE SEVILLA Y TRIANA

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Entre Sevilla y Triana

Sainete lírico en dos actos.
Texto de LUIS FERNANDEZ SEVILLA Y LUIS TEJEDOR PEREZ.
Música de PABLO SOROZABAL.
Estrenada el 8 de abril de 1950 en el Teatro Circo Price de Madrid.


Elenco del estreno

Reyes: ANA MARIA IRIARTE; Micaela: ENRIQUETA SERRANO; Fernando: ANTONIO MEDIO; José María: ENRIQUE DE LA VARA; Angeliyo: LUIS CUENCA.


La obra:


El propio Sorozabal en sus Memorias dice lo siguiente respecto a esta obra: "Este sainete andaluz, con libro de Luís Fernández Sevilla y Luis Tejedor, se estrenó en 1950 en el Circo Price de Madrid. Es un sainete de carácter muy popular, apto para el público en general, de un andalucismo convencional. Lo hice seguramente pensando en Buenos Aires, recordando el éxito de las zarzuelas de ambiente español. En esta obra también obtuvo un éxito grande, personal, Enriqueta. Cuando fuimos de excursión por Andalucía, mi mujer, que era catalana, temblaba al tener que encarnar el papel de andaluza, pero el público le aplaudió a rabiar. Su gracia innata se impuso, tanto bailando como cantando sus números y el público andaluz le aplaudió como ellos saben hacerlo.....¡Nadie hace palmas mejor que ellos!". A mi esta zarzuela me gusta bastante y además la interpretación es soberbia, no solo por la mujer de Sorozabal, sino también por la jovencísima Ana María Iriarte, por un Enrique de la Vara que borda su romanza y eso que estamos acostumbrados a un incomensurable Kraus que aunque la cantó 20 años después es el que la hizo popular con sus grabaciones, y, sobre todo, por un Antonio Medio sensacional y lo dice un devoto de Marcos Redondo.

El compositor

Pablo Sorozabal nació en San Sebastián el 18 de septiembre de 1897 y murió en Madrid el 26 de diciembre de 1988. Se inició musicalmente en San Sebastián primero en la Academia de Bellas Artes estudiando solfeo con Manuel Cendoya, luego en el Orfeón Donostiarra en que estudió violín con Alfredo Larrocha y piano con Germán Cendoya y finalmente como violinista en la Orquesta del Gran Casino dirigida por el citado Larrocha y eventualmente por Fernández Arbós quien en 1919 propició su llegada a Madrid integrado en la Orquesta Sinfónica de Madrid. De allí su salto a Alemania, pensionado, en donde consolidó sus conocimientos de composición, violín y dirección de orquesta. Durante varios años (hasta 1932) estuvo a caballo entre Alemania y Madrid, en donde iba componiendo KATIUSKA e incluso la posterior ADIOS A LA BOHEMIA, contándose que ni los mismos libretistas de KATIUSKA confiaban en él por no ser músico de teatro, pero, según La Voz de San Sebastián antes del estreno, "la obra llegó a Marcos Redondo, el barítono de las delicadezas, de la verdadera sapiencia de cantor y gusto. Sorozabal encontró al poderoso padrino que había de presentar su obra ante el público". Además de su actividad como compositor, sobre todo de zarzuelas (aunque también hay en su haber obras sinfónicas), destacó en la Dirección de Orquesta desempeñando durante los dos primeros años de la guerra civil la de la Banda Municipal de Madrid, lo que a la postre le causó sinsabores derivados de su carácter fuerte e independiente y del "desvío", por utilizar un eufemismo, que le demostraron las instancias oficiales y con que le obsequiaron algunos de sus compañeros como, al parecer, Guerrero y Moreno Torroba, no pudiendo pese a todo dar con Sorozabal en tierra. De su producción zarzuelística detallaré: KATIUSKA (1931), LA ISLA DE LAS PERLAS y ADIOS A LA BOHEMIA (1933), LA DEL MANOJO DE ROSAS (1934), LA TABERNERA DEL PUERTO (1936), LA ROSARIO O LA RAMBLA DE FIN DE SIGLO y CUIDADO CON LA PINTURA (1941), BLACK EL PAYASO (1942), DON MANOLITO (1943), LA ETERNA CANCION (1945), LOS BURLADORES (1948), ENTRE SEVILLA Y TRIANA (1950) y LAS DE CAIN (1958). Además adaptó las obras de Albéniz: SAN ANTONIO DE LA FLORIDA (1954) y PEPITA JIMENEZ (1964) y la zarzuela de Barbieri PAN DE TOROS (1960). A principios del presente año, en versión de concierto, se estrenó su ópera JUAN JOSE ultimada en 1968 y que tuvo un conato de estreno en 1979 que resultó fallido.

Los libretistas

Luís Fernández García nació en Sevilla (de ahí que utilizara como segundo apellido "Sevilla" aunque no consta que lo cambiase jurídicamente) el 16 de marzo de 1888 y murió en Madrid el 30 de noviembre de 1974. Fue dramaturgo y colaboró en diversos periódicos. Con 15 años estrena su primera obra EL NUMERO 13 siguiendo otras muchas, entre otras LOS MARQUESES DE MATUTE, en colaboración con Carreño, que aun se mantiene en el candelero; en cuanto al teatro lírico destacan las obras compuestas al alimón con Anselmo C. Carreño de las que destaco LA DEL SOTO DEL PARRAL, de Soutullo y Vert, LOS CLAVELES de Serrano, AL DORARSE LAS ESPIGAS de Balaguer y DON MANOLITO de Sorozabal; con Tejedor escribió ENTRE SEVILLA Y TRIANA con música de Sorozabal; en solitario escribió LA ETERNA CANCION, de Sorozabal y con Pilar Millán Astray CAYETANA LA RUMBOSA de Alonso.

Luís Tejedor Pérez, murió en Madrid en 1985. Médico sin ejercer y libretista. Ha escrito para el teatro hablado y para el lírico, habiendo ganado su fama principalmente. en las décadas de los 30 y 40 del pasado siglo. Escribió tanto en solitario como en colaboración con Jesús María Arozamena, Luís Fernández de Sevilla y Luís Muñoz Lorente, principalmente. En el campo de la revista escribió obras para Guerrero, como LLUVIA DE BESOS y para García Morillo, como LAS ALEGRES CAZADORAS. En el terreno lírico destaca la comedia musical SOR NAVARRA y la zarzuela LA ILUSTRE MOZA, ambas con música de Moreno Torroba y en colaboración con Luís Muñoz Lorente y ENTRE SEVILLA Y TRIANA con música de Sorozabal, en colaboración con Fernández de Sevilla.

Sinopsis

En el Acto I la trama principal se inicia en el barrio de Triana. Reyes, que vive con sus tíos y su prima Micaela, hace tres meses que ha tenido un niño en secreto que está haciendo pasar por hijo de sus tíos Mariano y Patro. José María quiere a Reyes y trata de hacerle ver que su novio Fernando la engaña con una cantaora llamada Esperanza y como no lo cree acude a esta para que le diga la verdad a Reyes. Así lo hace pero ante el desprecio de Reyes, Esperanza airada pregona que el niño es de Reyes, ésta con gran coraje, reconoce la verdad ante los vecinos, ante el aturdimiento de José María. El barco de Fernando llega al puerto en donde es recibido por el tío Mariano que, de acuerdo con Reyes, no le habla de la existencia del niño para no forzar su voluntad; también llega Esperanza a quien Fernando presenta como su novia. Paralelamente a la trama de los protagonistas, Angeliyo, aspirante a torero se enamora de Micaela.

El Acto II se inicia con la celebración de las Cruces de Mayo, en donde Angeliyo y Micaela cantan y bailan sevillanas, y allí acude Fernando pero Reyes no le hace caso. Llega Esperanza pero ante el rechazo de que es objeto por su pretendido le cuenta que Reyes ha tenido un hijo en su ausencia, esta noticia no solo no provoca el alejamiento de Fernando sino que grita que el hijo es suyo, va a casa de Reyes para reprocharle que no se lo haya dicho pero ella no le abre. A Esperanza el rencor la lleva a incitar a José María a vengarse de Fernando, lo que es oído por Micaela que se lo dice a Reyes que, al fin ve renacer su amor ante el peligro de su novio y acude en su busca para advertirlo y se reconcilian. También la pareja secundaria celebra su felicidad.

Índice de escenas

Al no contar con la suficiente información detallo los números musicales que componen la versión discográfica:

Acto I: 1. Romanza de José María "Tu que sabes del cariño". 2. Romanza de Reyes "Que sepa to er mundo la verdad". 3. Canto de Fernando a Sevilla "¡Dios te salve, Sevilla, mora y cristiana, por bonita y sencilla, y por sevillana". 4. Habanera "De La Habana hemos venido".

Acto II: 5. Sevillanas "La perdisión de una casa, salerito" y zorongo "¡Ay zorongo, zorongo, zorongo! 'Que lo que mi mare me compra me pongo". 6. Canción de Micaela "Las mositas de estos tiempos". 7. Dúo de Fernando y Reyes "Desde ayer estoy buscando para hablarte una ocasión....Fue una noche sevillana luna de plata en el cielo". 8. Romanza de barítono "Nadie sabe como empiezan estas cosas". 9, Dúo cómico "¡Me caso en la mar salada.......Yo quiero un barco de larga eslora".

Personajes

Los principales son los siguientes:

Reyes: Joven sevillana, hermosa y decidida. Soprano.
Micaela: Prima de Reyes y novia de Angeliyo. Tiple cómica.
Esperanza: Cantaora enamorada de Fernando. Actriz cantante.
Fernando: Capitán de barco y novio de Reyes. Barítono.
José María: Enamorado de Reyes. Tenor.
Angeliyo: Aspirante a torero y novio de Micaela. Tenor cómico.
Mariano: Tío de Reyes. Actor cantante.
Patro: Tía de Reyes: Actriz cantante.


LA ETERNA CANCION

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La eterna canción

Sainete en dos actos, y cuatro cuadros, en prosa
Texto original de LUÍS FERNÁNDEZ DE SEVILLA
Música de PABLO SOROZÁBAL
Estrenada el 27 de enero de 1945 en el Teatro Principal Palacio de Barcelona


Elenco del estreno

Laura: MARIANELLA BARANDALLA, Tina: MARÍA TERESA KLEIN, Jacinto: MARIANO IBARS, Manolo: ANDRÉS GARCÍA MARTÍ, Don Anibal: MANUEL GAS, Montilla: MANUEL ALARES

La obra

Dejo en labios de Sorozabal la crónica y crítica de la obra al escribir en sus Memorias: "Tuvo mucho más éxito artístico que comercial. Se estrenó en 1945 en el Teatro Principal Palacio de Barcelona. En esa partitura me parece que hilé demasiado delgado para el público en general. Como la acción sucede entre músicos, yo me permití muchas licencias humorísticas musicales que no llegan al público. Por ejemplo: la romanza del bajo está hecha con el motivo de las campanas de la Consagración del Grial, de Parsifal…¿Quién, cuantos pudieron darse cuenta de ello…? Ninguno. El "amanecer madrileño", una página de tipo sinfónico, comienza con el desarrollo de una frase del dúo de La Verbena de la Paloma, pero no la famosa melodía "donde vas con mantón de Manila", sino el bellísimo contrapunto que lleva dicho motivo, y tampoco se enteraron. Cuando empieza, el pajarito que canta sus trinos lo hace con un tema de Barbieri , de Pan y Toros…., etcétera. Tengo la impresión de que ese sainete (aunque como digo tuvo éxito en Barcelona y en todas partes) todavía no se ha descubierto. Un día se volverá montar y seguramente se le hará justicia porque el libro es muy teatral y tiene gracia y humor. El cuadro de la "boîte" está conseguido, y el que liga con éste, el de la comisaría, es de sainete cien por cien. Peca de exceso de música, seguramente, la obra. Pero la partitura, aunque a veces muy trabajada, es fácil, melodiosa y cuando haya verdadera afición a la música (¿la habrá algún día?) es posible que pueda cuajar. Hoy es imposible que obras como Las Golondrinas, La Bruja, etcétera, se puedan dar. Aparte de las dificultades de su montaje, no existe un público capaz de saborearlas. ¡Y todo esto lo debemos al glorioso alzamiento!".

Yo he dicho algunas veces en mis reseñas y en el Foro Nueva Zarzuela que la zarzuela ha sido víctima y no verdugo ante situaciones político-sociales hace no mucho pasadas en España y las reflexiones de Sorozabal me reafirman en ello. Creo que hoy, en general, se está entendiendo de música en España más, en cantidad y en calidad, que en la época aludida por Sorozabal, y no sólo de zarzuela, sólo hay que mirar alrededor y contad espacios (no solo teatros) donde se monten espectáculos musicales, orquestas, agrupaciones corales y asociaciones musicales, ¡en capitales de provincia e incluso pueblos! y sitios donde se hable de música (como, con las nuevas tecnologías, nuestro Foro y otros muchos similares). Algo así sólo sucedía antes en Valencia y alguna otra excepción localista. Hoy si hablas con gente y surge un tema musical, tu interlocutor no pone cara de "cataor de vinagre". Puede que esté empezando a cumplirse el deseo de Sorozabal.

Entre lo que apunta Sorozabal, los magníficos comentarios de El Diccionario de la Zarzuela (es el último gran sainete de la historia de la zarzuela), de Arnau (destaca una obra de profundo significado, mucho menos conocida de lo que debiera) y del Libro de la Zarzuela (lo que no puede negarse a la partitura es coherencia interna por la proximidad temática de los diferentes números musicales y por la consistencia dramática de su estructura) y los frutos de mi propia cosecha, me da la impresión de que el compositor con esta obra ofreció un homenaje al sainete zarzuelero con las menciones directas o indirectas a obras anteriores, como LA VERBENA DE LA PALOMA, PAN Y TOROS y otras del propio Sorozabal a que luego me refiero, o con la presencia de personajes que independientemente de la música realizan en la obra un papel similar al que otros llevaron a cabo en el rey de los sainetes y así podríamos establecer un parangón entre los celos de Manolo-Julian y la seducción a destiempo de Don Tomás-Don Hilarión.

La obra musicalmente bascula entre dos temas que salen en distintos puntos de la partitura, el de "jura un amante" del nº. 1 que reaparece en la parte de dúo "serio" que contiene el cuarteto del nº. 5 y en el del "do, do, si, la, si" del nº. 3 que se transforma en otro momento (nº. 7) en "la eterna canción" y ambos se reúnen en el precioso concertante del nº. 11 y al final de la obra en el nº. 14. A este núcleo se unen líricas romanzas del barítono (nº. 10 y 12), el dúo de soprano y tenor (nº. 3), la cómica musicalidad del pasodoble (nº. 4) y del entreverado con que tiple y tenor cómicos participan en el cuarteto del nº. 5. Sin olvidar la rítmica dulzura del danzón del nº. 8, el puro "verismo aflamencado" del número de la Comisaría (nº. 12) o el sinfónico "amanecer madrileño" que termina en mitad de la calle, como debe ser un sainete y con bronca y griterío, eso sí muy concertado, como en los nº. 11 y 12. Tanto huele todo a Sorozabal, que en muchos momentos musicales recuerda a LA DEL MANOJO DE ROSAS y a BLACK EL PAYASO (yo creo que muy especialmente) y que en cuanto a "realismo y verismo" evoca a ADIOS A LA BOHEMIA y parece anticiparnos JUAN JOSE.

El compositor:

Pablo Sorozabal nació en San Sebastián el 18 de septiembre de 1897 y murió en Madrid el 26 de diciembre de 1988. Se inició musicalmente en San Sebastián primero en la Academia de Bellas Artes estudiando solfeo con Manuel Cendoya, luego en el Orfeón Donostiarra en que estudió violín con Alfredo Larrocha y piano con Germán Cendoya y finalmente como violinista en la Orquesta del Gran Casino dirigida por el citado Larrocha y eventualmente por Fernández Arbós quien en 1919 propició su llegada a Madrid integrado en la Orquesta Sinfónica de Madrid. De allí su salto a Alemania, pensionado, en donde consolidó sus conocimientos de composición, violín y dirección de orquesta. Durante varios años (hasta 1932) estuvo a caballo entre Alemania y Madrid, en donde iba componiendo KATIUSKA e incluso la posterior ADIOS A LA BOHEMIA, contándose que ni los mismos libretistas de KATIUSKA confiaban en él por no ser músico de teatro, pero, según La Voz de San Sebastián antes del estreno, "la obra llegó a Marcos Redondo, el barítono de las delicadezas, de la verdadera sapiencia de cantor y gusto. Sorozabal encontró al poderoso padrino que había de presentar su obra ante el público". Además de su actividad como compositor, sobre todo de zarzuelas (aunque también hay en su haber obras sinfónicas), destacó en la Dirección de Orquesta desempeñando durante los dos primeros años de la guerra civil la de la Banda Municipal de Madrid, lo que a la postre le causó sinsabores derivados de su carácter fuerte e independiente y del "desvío", por utilizar un eufemismo, que le demostraron las instancias oficiales y con que le obsequiaron algunos de sus compañeros como, al parecer, Guerrero y Moreno Torroba, no pudiendo pese a todo dar con Sorozabal en tierra. De su producción zarzuelística detallaré: KATIUSKA (1931), LA ISLA DE LAS PERLAS y ADIOS A LA BOHEMIA (1933), LA DEL MANOJO DE ROSAS (1934), LA TABERNERA DEL PUERTO (1936), LA ROSARIO O LA RAMBLA DE FIN DE SIGLO y CUIDADO CON LA PINTURA (1941), BLACK EL PAYASO (1942), DON MANOLITO (1943), LA ETERNA CANCION (1945), LOS BURLADORES (1948), ENTRE SEVILLA Y TRIANA (1950) y LAS DE CAIN (1958). Además adaptó las obras de Albéniz: SAN ANTONIO DE LA FLORIDA (1954) y PEPITA JIMENEZ (1964) y la zarzuela de Barbieri PAN DE TOROS (1960). A principios del presente año, en versión de concierto, se estrenó su ópera JUAN JOSE ultimada en 1968 y que tuvo un conato de estreno en 1979 que resultó fallido.

El libretista

Luís Fernández García nació en Sevilla (de ahí que utilizara como segundo apellido "Sevilla" aunque no consta que lo cambiase jurídicamente) el 16 de marzo de 1888 y murió en Madrid el 30 de noviembre de 1974. Fue dramaturgo y colaboró en diversos periódicos. Con 15 años estrena su primera obra EL NUMERO 13 siguiendo otras muchas, entre otras LOS MARQUESES DE MATUTE, en colaboración con Carreño, que aun se mantiene en el candelero; en cuanto al teatro lírico destacan las obras compuestas al alimón con Anselmo C. Carreño de las que destaco LA DEL SOTO DEL PARRAL, de Soutullo y Vert, LOS CLAVELES de Serrano, AL DORARSE LAS ESPIGAS de Balaguer y DON MANOLITO de Sorozabal; en solitario escribió LA ETERNA CANCION, de Sorozabal y con Pilar Millán Astray CAYETANA LA RUMBOSA de Alonso.

Sinopsis

Se escenifica el día a día de una familia y de sus amigos todos músicos. El padre, Don Anibal, compositor y pianista en busca de inspiración que le permita encontrar su canción soñada, su hija Tina, violinista, es pretendida por Montilla, flautista, y su sobrina Laura, cantante, convaleciente de un noviazgo con Jacinto que es casado y con hijos a los que ha abandonado, es pretendida por Manolo, clarinetista. Al final terminan prometidas ambas parejas, desenmascarado Jacinto y Don Anibal encuentra al fin lo que buscaba: la eterna canción.

Indice de escenas

La obra se desglosa musicalmente en dos actos y los siguientes números:

Acto I: 1. Introducción y canción de Laura "Jura un amante….Ella su vida juzga perdida". 2. Romanza de Laura "Al regar yo las flores…No quiero verte, no quiero". 3. Dúo de Laura y Jacinto "Do, do, do, si, la, si….Has de saber…..Dime que el sol no ciega…Dime que el frío es vida". 4. Pasodoble a dúo "Este servidor….Te quiero por tu frescura". 5. Cuarteto de Laura, Manolo, Tina y Montilla "De su pena y de la mía…Con el tiempo se puede olvidar". 6. Romanza de Don Anibal "Esa es la que va a situarme…Soy artista muy modesto…Una ópera del corte de Parsifal". 7. Concertante final del acto I "Jura un amante….¿Como dice? ¿Yo? ¿Cómo ha dicho?.....Es la eterna canción".

Acto II: 8. Introducción y danzón "Por fin llegó….No hace falta que lo digas". 9. Romanza de Don Tomás "La chiquilla está celosa….Todas, todas son iguales". 10. Romanza de Manolo "Brillan sus ojos….Ay vida mía, chiquilla". 11. Final del cuadro I del acto II, fox lento "Jura un amante…..Es la eterna canción…Basta Jacinto" y pasodoble instrumental. 12. Número de la Comisaría "Madrid a tanto de tanto….Pues que ese tío frescales", romanza de Manolo "Cosas del cariño son" y final "No quiero verte, no quiero". 13. Amanecer madrileño "No vaigas a los Madriles si quieres que yo te quiera". 14. Final del acto II concertando "Con el tiempo se puede olvidar" y "Es la eterna canción".

Personajes

Los principales son los siguientes:

Laura: Cantante. Termina prometida a Manolo. Soprano.
Tina: Violinista. Prometida de Montilla. Tiple cómica.
Don Anibal: Compositor y pianista. Bajo.
Manolo: Clarinetista. Enamorado de Laura. Barítono.
Jacinto: Antiguo novio de Laura. Tenor.
Montilla: Flauta. Novio de Tina. Tenor cómico.
Don Tomás: Casero de la familia música. Tenor Cómico.
Don Ramiro: Comisario. Tenor.


LA FAMA DEL TARTANERO

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La fama del tartanero

Zarzuela en 3 actos, el tercero dividido en dos cuadros, en prosa y verso
Texto original de MANUEL DE GÓNGORA y LUIS MANZANO
Música de JACINTO GUERRERO
Estrenada el 2 de octubre de 1931 en el Teatro Lope de Vega de Valladolid


Elenco del estreno

Blanca: SELICA PÉREZ CARPIO, Felisa: FLORA PEREIRA, Juan León: EMILIO SAGI-BARBA, Curriyo: FAUSTINO ARREGUI, Venancio: MANOLO HERNÁNDEZ, Tío Latines: EDUARDO MARCÉN

La obra

Se estrenó en Madrid el 8 de enero de 1932 con el mismo reparto, salvo el protagonista que fue el barítono José Luis Lloret. La obra obtuvo un gran éxito en el momento de su estreno, sorprendiendo el lugar de su estreno dado el tono “sureño” del argumento y música, tono que recalca el mismo Jacinto Guerrero en unas palabras que figuran en la grabación de Blue Moon en que se declara enamorado del cante jondo (aunque esa apreciación no creo sea aceptada por los puristas de ese arte, cuya esencia no se derrama con la mera articulación en la partitura de unos tanguillos y unas seguidillas) y en que explica que concibió y estructuró la obra en los días de un desplazamiento en barco a Buenos Aires y que la “remató” al regreso tras una visita a Vejer para comprobar la existencia de “las cobijás”: costumbre indumentaria de las mujeres de Vejer que perduró, fuera del motivo turístico, hasta hace pocas décadas consistente en que, utilizando sus propias faldas, se tapaban la cabeza y el rostro con el “cobijado” al uso y costumbre árabe, con parecida función y causa del hoy denostado burka.

La acción de la zarzuela transcurre en Vejer durante el asedio francés a la comarca de Cádiz en la guerra de la independencia y se decora con elementos folklóricos -musicales como los ritmos andaluces utilizados y costumbristas: trayendo a escena a “las cobijás”- adecuados al entorno geográfico y cultural en que se desarrolla y se complementa con una trama paralela cómica representada por los personajes de Felisa y Venancio, como es tradicional en toda zarzuela que se precie. Musicalmente creo destacable el tema de Juan León “Y er mundo entero sabe cual es la fama del tartanero” desgranado en varios momentos de la partitura, su salida “Al reír de la mañana” y su sentida romanza “Mentira, mentira piadosa”, la canción de Blanca “Soy de Vejer” y los chispeantes números cómicos “Fue en Bailén” y “¡Tito! Ti”.

El compositor

El compositor Jacinto Guerrero Torres, nació en Ajofrín (Toledo) el 16 de agosto de 1895 y murió en Madrid el 15 de septiembre de 1951. Se inició en la música en su pueblo y desde 1904 en Toledo donde fue seise en la catedral y un “todoterreno” como intérprete, pues tocó instrumentos de viento, piano, órgano y violín, hasta que la composición de un HIMNO A TOLEDO propició la concesión de una beca y su traslado a Madrid en 1914. Fue violinista de la orquesta de Teatro Apolo y esto le sirvió para adquirir experiencia teatral y relaciones. Ha sido, junto con Alonso, un músico dotado para logros más importantes pero tentado por el triunfo fácil que le hizo compartir producción de obras muy dignas con otras arrevistadas o directamente revistas, causando con ello daño a la zarzuela. Su catálogo es impresionante, solo detallaré, las zarzuelas de las que conozco que han tenido trascendencia fonográfica, así LA ALSACIANA (1921), LA MONTERÍA (1922), LOS GAVILANES (1923), EL COLLAR DE AFRODITA y MARÍA SOL (1925), EL HUÉSPED DEL SEVILLANO (1926), MARTIERRA (1928), LA ROSA DEL AZAFRÁN (1930), LA FAMA DEL TARTANERO (1931), EL AMA (1933) y EL CANASTILLO DE FRESAS (zarzuela póstuma terminada por amigos del compositor y estrenada en 1951). Con este simple detalle, se ve como, salvo “El Canastillo” la producción zarzuelera de Guerrero terminó en 1933, por eso digo que desaprovechó su inspiración en cosas menores que privó a la Zarzuela de otras composiciones de más calado.

Los libretistas

Luis Manzano Mancebo. Murió el 29 de marzo de 1965 y aunque no me consta su fecha de nacimiento, debió ser en la década de los 70 del siglo XIX ya que en 1896 figura como actor-cantante de zarzuela tal como expone el Diccionario de la Zarzuela, que enumera muchas de sus intervenciones en tal calidad. Escribió numerosas comedias, entre las que detallo ALCALA DE LOS GANDULES, TU Y YO SOLOS, EL DIFUNTO ERA MAYOR, DOÑA TUFITOS, CABALLERO DEL ALTO PLUMERO o ANTON PERULERO en muchas de las cuales el título hace presuponer su tema tal y como certifica en el Espasa (suplemento 1942/4) el publicista Antonio J. Mezieres al calificar una de sus obras como “caricatura del folletín” o como “grotesca caricatura escénica”. Como libretista de zarzuela destaca su colaboración con Manuel de Góngora, de la que son frutos LA MUJER DE AQUELLA NOCHE, con música de Moreno Torroba, LA PAZ DEL MOLINO, con música de Luna y, sobre todo, LA FAMA DEL TARTANETO, con música de Guerrero.

Manuel de Góngora Ayustante, nació en Granada en 1889 y murió en Buenos Aires en 1953. Doctor en Filosofía y Letras y Archivero de la Diputación de Granada. Libretista, poeta y dramaturgo. Cultivó el periodismo, siendo redactor de Blanco y Negro y corresponsal de ABC en Argentina. Como libretista destacó en las zarzuelas CURRO EL DE LORA, con música de Alonso, y, en colaboración con Luis Manzano Mancebo, LA FAMA DEL TARTANERO, con música de Guerrero.

Sinopsis

Juan León a causa de sus atenciones con Blanca excita los celos de Curriyo enamorado de la muchacha. El capitán Aguilar, también atraído por Blanca, propone su rapto a Juan León y encierra en un presidio a Curriyo; el tartanero aparenta ayudarle, pero en realidad la salva del peligro y también a Curriyo que al evadirse se expuso al fusilamiento. Al final todo se aclara y felizmente pues Juan León resulta ser el padre de Blanca, con lo que sus amores con Curriyo llegan a buen término.

Índice de escenas

Zarzuela en tres actos con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Introducción, “A la salud de Curra” y escena de la carta, “Sabrás…”. 2. Tanguillos “Fue en Bailén…..Las Cobijás que to lo aseguran”. 3. Dúo de Blanca y Curriyo “Banca mía de mi vida….Tengo selos”. 4. Salida de Juan León “Mujer que baje a hablarme…Al reír de la mañana”. 5. Escena “Y er mundo entero….Copla que suenas” y nocturno. 6. Pasacalle-canción de Blanca “La copla que de mi pecho al brotar……Soy de Vejer”. 7. Concertante “Y yo con él, a su vera….Si quieres de mi fiarte”.

Acto II: 8. Escena “Tío Latines si usted sabe…..Se dice, se dice”. 9. Romanza de Juan León “Mentira, mentira piadosa….Farsos como son farsos mis juramentos”. 10. Duetto cómico de Felisa y Venancio “¡Tito ti! suena la diana…..Soy militá y los toques te quiero enseñá”. 11. Colleras finales de Juan León “Majas y hembras de tronío”.

Acto III: 12. Romanza de Currillo “No quiero verla” y dúo con Blanca “¡Curriyo! Vete mujer…Limpia como el agua clara”. 13. Baile de las guajiras flamencas “Baila tu cuerpo juncal”. 14. Concertante final “¡Ría! ¡Severa!”.

Personajes

Los principales son:

Blanca: Hija de Juan León y novia de Curriyo. Soprano
Felisa: Novia de Venancio. Tiple cómica (mezzosoprano en el estreno)
Juan León: Tartanero y hombre respetado en la comarca. Barítono.
Curriyo: Novio de Blanca. Tenor.
Venancio: Novio de Felisa. Tenor cómico.
Tío Latines: Memorialista y “cronista oficial” de Vejer. Tenor cómico


LOS FLAMENCOS

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Los flamencos

Sainete en dos actos.
Texto de FEDERICO ROMERO Y GUILLERMO FERNANDEZ-SHAW
Música de AMADEO VIVES.
Estrenada el 15 de noviembre de 1928 en el Teatro Apolo de Madrid.


Elenco del estreno

Ventura: SELICA PEREZ CARPIO; Marta: CARMEN ANDRES; Mariquita: TRINI AVELLI; Manolo: PEPE ROMEU; Sr. Juan: JESUS NAVARRO; El Niño de la Bolita: ANTONIO PALACIOS; y D. Abilio: EDUARDO MARCEN, entre otros muchos.

La obra:

En la obra referenciada en el apartado bibliográfico de esta reseña cuenta Sol Burguete que esta zarzuela, compuesta durante el verano en San Pol de Mar, es un sainete madrileño en dos actos, en el que intervino, con éxito arrollador, la eminente Selica Pérez Carpio, que, según Luís Calvo, "lo que afirmó el gran éxito de LOS FLAMENCOS no fue un dúo ni una romanza, sino una frase dicha por Selica tan maravillosamente, que levantó al público y obligó a Vives a salir al proscenio tres o cuatro veces en sus repeticiones, siendo aclamadísimo. Al entrar decía ¡Quién sabe nada de teatro! La obra se hizo centenaria. La vio todo Madrid, que admiraba profundamente al genial compositor". Esta es una de las muchísimas obras menores de su autor. Según él mismo, una "obra fácil, popular, como corresponde al sainete. Una cosa sin pretensiones". Sin embargo gustó mucho el terceto de los borrachos, que en su momento había pensado en retirarlo porque le parecía fuera de situación, y la escena de la bombilla, correspondiente al primer acto, que se desarrollan en una taberna barriobajera de Madrid, magníficamente ambientada en su achulada picaresca, propia de esta clase de composiciones. El segundo acto se desarrolla en un merendero sito en la Cuesta de las Perdices y durante la Verbena de la Florida. El primer número había sido concebido de una manera original. Se mezclaba una juerga flamenca interpretada por la orquesta con una pianola que interpretaba simultáneamente un charlestón. Hasta aquí, a juicio de unos fue un éxito, y a juicio del empresario y amigo del autor, Luis Calvo, no hubo ni una palmada. Lo que no cabe duda es que la obra vino a acrecentar más su fama y pasó de las cien representaciones. Una vez más, el público tenía la última palabra e hizo un éxito apoteósico de un terceto cómico en el que el autor no tenía ninguna confianza. Se repitió tres veces. Lo mismo que el dúo de la tiple Selica Pérez Carpio y Pepe Romeu. Apasionado en sus recriminaciones de celos y atrayente en su diálogo, interpretado magistralmente por la tiple, que según el maestro, se prodigaba demasiado. Daba de si todo lo que el público esperaba y su pundonor de artista exigía.

El Diccionario de la Zarzuela se hace eco de la crítica de Floridor en ABC muy favorable a la interpretación pero distante con el libreto e incluso con la música de la que dice "pasó de modo poco trascendente hasta que el momento culminante "llegó ayer en las postrimerías del segundo acto". Destaca "el cuarteto de barbieresco aire; el graciosísimo terceto de los borrachos; la juerga en el merendero, página costumbrista de mucho color graciosísimamente instrumentada y el número de las muchachas".

Lamentando no contar en la grabación con el terceto cómico del segundo acto, nº. 8 de la partitura, de lo oído me quedo con el cuarteto cómico, el dúo de los requiebros y el terceto de los borrachos todo ello del primer acto (nº. 2, 3 y 4 de la partitura) y con la romanza de Manolo y el dúo de los celos del segundo acto (nº. 9 y 10 de la partitura).

El compositor

Amadeo Vives nació en Collbató (Barcelona) el 18 de noviembre de 1871 y murió en Madrid el 2 de diciembre de 1932. De niño estuvo internado en el Asilo de San Juan de Dios de Barcelona que le generó pésimos recuerdos pero que le dio la posibilidad de su primer contacto serio con la música en 1886: la Dirección de la Banda del Asilo de la misma orden en Málaga (donde un hermano suyo era sacerdote). Luego vuelve a Barcelona, pasando por una etapa en Toledo y componiendo en 1886 una sinfonía. En 1891 funda con Luis Millet el Orfeo Catalá y estrena diversas composiciones, destacando en 1894 L'Emigrant, en esos tiempos tuvo determinada relación personal y musical con el catalanismo. En 1897 marcha a Madrid compaginando su actividad principal de compositor de zarzuelas (salvo su ópera Arthus de 1897 y las Canciones Epigramáticas de 1915), con la de empresario de los Teatros de la Zarzuela, Cómico y Eslava, aventuras que algunas veces le depararon desastres económicos que no le conturbaron el ánimo. Resultando imposible relacionar sus obras, me limito a detallar las más significativas,: DON LUCAS DEL CIGARRAL (1899), LA BALADA DE LA LUZ (1900), DOLORETES, en colaboración con Quislant (1901), BOHEMIOS y EL HUSAR DE LA GUARDIA, en colaboración con Gímenez (1904), LA GATITA BLANCA, también en colaboración con Giménez (1905), JUEGOS MALABARES (1910), LA GENERALA (1912), MARUXA (1914) DOÑA FRANCISQUITA (1923), LA VILLANA (1927) y LOS FLAMENCOS (1928). Estamos ante uno de los compositores más grandes de la zarzuela de todos los tiempos, con una formación intelectual y musical de primerísimo nivel, y que a los efectos "zarzueleros" que interesa a los aficionados constituye además una personalidad con criterios tan importantes que merecen un análisis más completo de sus opiniones, que rebasa el marco de una reseña.

Los libretistas

Guillermo Fernández-Shaw Iturralde, nació en Madrid el 26 de febrero de 1893 y allí murió el 17 de agosto de 1965; hijo de Carlos Fernández Shaw (libretista de LA REVOLTOSA, LA VIDA BREVE y muchas más) siguió sus pasos académicos, estudiando Derecho, profesionales, ejerciendo el periodismo, y vocacionales como libretista teatral. Es esta la faceta que nos ocupa y en la que sucedió a su padre fallecido en 1911, heredando de él su gracia gaditana y ….a su amigo Federico Romero que se convirtió en su colaborador hasta 1951, época en la que estrenaron LA CANCION DEL OLVIDO de Serrano en 1916, DOÑA FRANCISQUITA de Vives y EL DICTADOR de Millán, en 1923, EL CASERIO de Guridi en 1926, LA VILLANA de Vives en 1927, LOS FLAMENCOS también de Vives en 1928, LA ROSA DEL AZAFRAN de Guerrero en 1930, LUISA FERNANDA de Moreno Torroba en 1932, LA TABERNERA DEL PUERTO de Sorozabal en 1936, finalizando su "entente cordial" en 1951. Luego todavía estrenó con su hermano Rafael, EL CANASTILLO DE FRESAS de Guerrero en 1951, EL GAITERO DE GIJON de Romo en 1953 y MARIA MANUELA de Moreno Torroba en 1957, además de la transformación en ópera de la zarzuela LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS del compositor y guitarrista granadino Angel Barrios sobre texto de Antonio y Manuel Machado. Fue Laureado con la Legión de Honor francesa y su labor literaria se extendió también a la poesía y a la traducción de autores del calibre de Rostand, Goethe y Schiller.

Federico Romero Sarachaga, nació en Oviedo en noviembre de 1886 (el día 11 según el Espasa y el 15 si hacemos caso al Diccionario de la Zarzuela) y murió en Madrid el 30 de junio de 1976, pero aunque vivió también en Zaragoza, se le considera "manchego de pro" al no haber perdido su relación con La Solana desde que su familia se instaló allí a principios del siglo XX y al haber colaborado decisivamente en "La Rosa del Azafrán" zarzuela emblemática de esa región, musicada por otro manchego ilustre. Muy amigo de Carlos Fernández Shaw, a su muerte comenzó una colaboración con su hijo Guillermo que duró cuarenta años y que fructificó en obras como: LA CANCION DEL OLVIDO de Serrano en 1916, DOÑA FRANCISQUITA de Vives y EL DICTADOR de Millán, en 1923, EL CASERIO de Guridi en 1926, LA VILLANA de Vives en 1927, LOS FLAMENCOS también de Vives en 1928, LA ROSA DEL AZAFRAN de Guerrero en 1930, LUISA FERNANDA de Moreno Torroba en 1932, LA CHULAPONA en 1934, LA TABERNERA DEL PUERTO de Sorozabal en 1936 y LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS de Barrios en 1951. Con Tellaeche escribió LAS CALATRAVAS de Luna en 1941 y sólo AQUELLA CANCION ANTIGUA de Dotras Vila en 1952. Todas ellas destacadas de entre su producción de 65 obras. Fue impulsor en 1932 de la Sociedad General de Autores de España, y su denodado cariño por los temas madrileños y manchegos fue reconocido al ser nombrado miembro de número del Instituto de Estudios Madrileños e hijo adoptivo de La Solana.

Sinopsis

Esta zarzuela nos cuenta la historia protagonista de Ventura, una mujer formal y firme, y de su marido Manolo, torero de poca fortuna y mujeriego, y otras historias menores que se entrecruzan con aquella, como la de el Niño de la Bolita camarero en la taberna de Marta la madre de Manolo, con Mariquita su guapa y algo más que coqueta novia, o la de Juan el Rondeño padre de Ventura y de profesión sus conquistas. En el segundo Acto, Ventura ha dejado a Manolo y ha instalado un colmao campestre en propiedades de su padre en la Cuesta de las Perdices, donde el Niño de la Bolita es el camarero. Aparecen en la acción mucha gente del mundillo de la juerga y de los toros junto a alguna persona sensata como la madre de Manolo o el industrial Don Abilio, entre los consejos de estos y los celos de Manolo al saber que el Señorito pretende a Ventura, Manolo recapacita culminando la obra en plena demostración de amor de los protagonistas, mientras que el Niño de la Bolita renuncia definitivamente a Mariquita y "los flamencos" son echados con cajas destempladas del establecimiento, por su talante negativo.

Índice de escenas

Sainete en dos actos que cuenta con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Introducción y escena "Cada día da la Marta más selecto el aguardiente". 1b. Pasacalle de la flor "¡Qué bien hace en la solapa de un conquistador". 2. Cuarteto de entrada de los flamencos "Para mi que todavía no vino Manolo". 3. Dúo de los requiebros "¿Ha pasao por esta calle cierta dama pinturera? 4. Escena de los borrachos "¿Don Luis! ¡Colás! ¿En donde estás?". 5. Quinteto "En nombrando al ruin de Roma luego asoma".

Acto II: 6. La juerga. Charlestón y tango gitano "Anda, canta Colorín". 7. Escena de las verbeneras "Sr. Juan, salga a la calle". 8. Terceto "Tú no puedes alternar". 9. Romanza de Manolo "¡Ah! Es la vida y es el aire que respiro". 10. Dúo de los celos "¡Mala mujer! ¡Que me haces daño!.....Dime porqué tu pecho adornas con esas flores".

Personajes

Los principales son los siguientes:

Ventura: Esposa de Manolo. Soprano.
Mariquita: Novia de el Niño de la Bolita. Tiple cómica.
Marta: Madre de Manolo. Característica.
Manolo: Esposo descarriado de Ventura que vuelve al redil. Tenor.
Señor Juan: Padre de Ventura. Actor cantante.
El Niño de la Bolita: Camarero. Tenor cómico.
Don Abilio: Industrial. Actor cantante.


EL GATO MONTES

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El gato montés

Ópera en 3 actos
Letra y Música de MANUEL PENELLA
Estrenada el 23 de Febrero de 1916 en el Teatro Principal de Valencia


Elenco del estreno

Soleá: AMPARO ROMO, Frasquita: CARMEN MÁIQUEZ, Gitana: DOLORES CORTÉS, Rafael "El Macareno": ENRIQUE SANCHIZ, Juanillo "El Gato Montés": BLAS LLEDÓ

La obra

La ópera EL GATO MONTES se estrenó en el Teatro Principal de Valencia el 23 de febrero de 1916 y en el Gran Teatro de Madrid el 1 de junio de 1917. No me consta el primer reparto de la obra, sólo, según el Espasa, que en ambas capitales obtuvo un éxito clamoroso, que si no se ha mantenido sobre la totalidad de la partitura, nunca ha abandonado al pasodoble una de las piezas emblemáticas. Desde la reposición por el Teatro de la Zarzuela y la grabación por nuestro tenor más universal, Plácido Domingo, la obra se viene escuchando en su totalidad causando sorpresa el que haya estado tanto tiempo en el olvido, aunque tanto la reposición como la grabación se ajustan a la versión revisada por Miguel Roa en 1991.

Roger Alier traza un marco del panorama musical español existente al iniciarse el siglo XX, explicando que se hallaba muy atomizado y carente de una unidad estilística, por un lado estaba presente la avanzadilla pro-europea que cosechaba éxitos en el extranjero y por otro lado la música sinfónica se estaba estableciendo en el país merced a la benemérita obra de algunas instituciones y sociedades filarmónicas. En el terreno del teatro musical eran muy pocos los compositores que se atrevían con la ópera por las graves dificultades que conllevaba su estreno, tanto a nivel de cantantes como de empresarios, por ello en los teatros predominaba la zarzuela que acababa de salir de la famosa etapa del género chico. También considera que el éxito de las operetas de Lehar influyó para el impulso de la zarzuela-opereta, camino que habiéndose iniciado con Molinos de Viento lo continuó el mismo Luna y otros músicos como Millán, Vives, Lleó o Guerrero. Entre esta pléyade destacó Penella con la particularidad de que escribía también el libreto de muchas de sus obras y además tendió a unificar sus obras teatrales bajo el manto de una orquesta que cubriera el espectáculo sin prácticamente interrupción hablada alguna. La música de Penella es fresca, ligera, lozana, llena de gracia y de ritmo, de luz y de color, y revela una mano experta y un buen gusto que parece innato y que sin duda procede de su formación valenciana al ser esta tierra donde más intensamente se vive la música a nivel popular de toda España. Penella se preocupa por dar personalidad musical a los principales personajes de su obra: el carácter apasionado de Rafael, la actitud ambigua de Soleá, la naturaleza desenfadada y divertida de Hormigón e incluso la figura anecdótica pero importante de la Gitana se hallan reflejados en la partitura con detalles y elementos rítmicos y melódicos que les dotan de una personalidad distinguida, siempre dentro del color eminentemente andaluz de la partitura, con las alusiones al ambiente torero que suponen el uso frecuente del tiempo de pasodoble, los detalles rítmicos característicos de la seguidilla y la aparición del curioso garrotín gitano bailado por los acompañantes de la Gitana en el patio de la casa del primer acto.

El compositor y libretista

Manuel Penella Moreno, autor de la música y del libro de esta obra nació en Valencia el 31 de julio de 1880 y murió en Cuernavaca (Méjico) el 24 de enero de 1939, estudió solfeo, piano y armonía con su padre Manuel Penella Raga creador del primer orfeón valenciano. Cursó, contrapunto, fuga, composición e instrumentación con Salvador Giner y fue su maestro de violín Andrés Goñi. A los trece años dio su primer concierto de violín en el Conservatorio de Valencia, abandonando ese instrumento por haberse inutilizado el dedo índice de la mano izquierda, dedicándose luego al órgano y ocupando la plaza de organista de San Nicolás a los catorce años. En 1894 estrenó en el teatro Ruzafa su primera zarzuela LA FIESTA DEL PUEBLO. A los 17 años se fue a América como director de orquesta en una compañía de zarzuela, ganando por oposición la plaza de director de la banda nº. 2 de artillería en Quito, y más tarde dirigió las compañías de ópera Lombarda y la de opereta Scognamiglio, regresando en 1903 a España para dedicarse de lleno a la composición, siendo además autor de muchos libretos de sus obras. Entre las más de 80 obras que compuso destaco: LAS MUSAS LATINAS (1913), EL GATO MONTES (1916), DON GIL DE ALCALA (1932) y JAZZ BAND (1933). Compuso canciones populares, alguna de las cuales ESPAÑOLITA fue grabada por Hipólito Lázaro y otras como EN TIERRA EXTRAÑA o Y VA DE CUENTO fueron cantadas por Conchita Piquer artista de la que el maestro Penella fue mentor y la dió a conocer en América. Una hija suya, Teresita Silva, fue tiple cómica de zarzuela utilizando como nombre artístico su segundo apellido y ha grabado con Luís Sagi-Vela EL HUESPED DEL SEVILLANO, de Guerrero y MARAVILLA, de Moreno Torroba, también la he escuchado en “La tarántula” de LA TEMPRANICA, de Giménez.

Sinopsis

Soleá es novia de Rafael el Macareno torero en la cresta de la ola, al que mima y glorifica una corte de amigos en que destaca su picador Hormigón y el Padre Antón, sacerdote muy taurino. Llega el torero a su cortijo, después de una cogida y antes de su reaparición en la Maestranza de Sevilla, donde le esperan su novia, familia y amigos y allí, en medio de una fiesta improvisada, una gitana al decirle la buenaventura le revela que un toro le causará la muerte. Se echa a broma el asunto, pero de pronto aparece Juanillo, bandido apodado “El Gato Montés” que viene a reclamar los que es suyo: A Soleá. Esta, ya a solas con el Padre Antón le confiesa que no puede olvidar su antiguo amor por Juanillo que se tiró al monte por ella. En otro momento el bandolero dice al torero que si no se deja matar esa tarde en la plaza lo hará él. El final no puede ser más trágico, Rafael muere en la plaza, Soleá muere de pena y Juanillo, para evitar su detención, pide a su colega Pezuño que le dispare al corazón y también muere.

Índice de escenas

La escasez informativa sobre esta obra, que ni siquiera viene recogida en el Diccionario de la Zarzuela, hace difícil detallar los números que la componen; he recurrido por tanto a la información que consta en los CD de Deustche Grammophon,

Acto I: 1. “Lo mesmito q'er queré”. 2. “¿Maresita! ¡Soleá!”. 3. “¡Salú p'a la gente buena”. 4. “Soleá, toma esa caña de mansaniya”. 5. “¡Probe chiquiya!”. 6. “Juntos dende chavaliyos”. 7. ¿Hasta cuando? 8. A una gitaniya quiero”.

Acto II: 9. Preludio. 10. “No quieras nunca a un torero”. 11. “¿Se pué pasá?”. 12. Intermedio. 13. “¡Hormigón! ¿Has visto ya la plasa?”. 14. “Señó, q'e no me farte er való”. 15. “Seño maestro, la hora es ya”. 16. Pasodoble.

Acto III: 17. “Mucho tarda ya Hormigón”. 18. “Ahí la tenei”. 19. Orquesta. 20. “¡Soleá! ¡Ná! Ya no me quea naita”. 21. “Vamos, muchachos”.

Personajes

Soleá: Novia de Rafael. Soprano.
Gitana: Mezzosoprano.
Rafael: Torero. Tenor.
Juanillo: Bandolero: Barítono.
Padre Antón: Cura. Barítono.
Hormigón: Picador. Barítono.


LOS GAVILANES

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Los gavilanes

Zarzuela en tres actos, y cinco cuadros en prosa
Texto original de JOSÉ RAMOS MARTÍN
Música de JACINTO GUERRERO
Estrenada el 7 de diciembre de 1923 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid


Elenco del estreno

Adriana: EMILIA IGLESIAS, Rosaura: EUGENIA ZÚFFOLI, Juan: EMILIO GARCÍA SOLER, Gustavo: EMILIO VENDRELL

La obra

La zarzuela LOS GAVILANES se estrenó el 7 de diciembre de 1923 según todas las fuentes consultadas menos el Diccionario de la Zarzuela que señala el 7 de julio de ese año (aunque debe tratarse de un “lapsus” pues en el mismo artículo se escribe el 8-12 como el día siguiente a su estreno). Desde ese día tuvo un gran éxito que ha llegado hasta nuestros días convertida, quizás, en la máxima referencia zarzuelera de su prolífico autor, pese al buen número de obras populares del mismo como luego veremos. Aunque el Diccionario de la Zarzuela señala que tuvo una inmensa fortuna crítica, el desglose que de la misma hace no coincide con tan rotunda afirmación, pues salvo en “ABC” que transmitió parabienes para autores e intérpretes, y en “La Voz” que habla de clamoroso éxito, en los otros medios hubo división de opiniones (pero más afín al dicho taurino de que unos “lo hacían” en su madre y otros en su padre) pues “El Heraldo de Madrid” aunque elogiaba a Guerrero y a los intérpretes opinaba que la obra no había alcanzado la calidad deseada, “El Sol” hablaba de música sin calidad, compendiaba el argumento y concluía que con su explicación bastaba para dar como vista la obra.....y ahorrarse la música, “El Liberal” llegaba a decir que hay en ella más ruido que música y “La Libertad” en lo musical acababa diciendo que “todo lo que oímos es a base de fox-trot, de danzones, marchas, cuando no fados, peruanas o valses de cabaret. ¡Vaya analistas y vaya profetas! Por supuesto que no es Fidelio ni Don Giovanni, pero tampoco se pretendía que lo fuese. Yo personalmente tengo un recuerdo imperecedero de esta obra, pues desde niño la escuché al tener en mi casa los discos de la versión de 1930 que luego detallo, pero además en 1954 o 1955 fui por primera vez en mi vida a una zarzuela, cual no sería la matraca que les daría a mis padres que al final me llevaran sólo a mi a verla, no a mis otros siete hermanos. Fue en el Teatro San Juan de Ecija, y supongo que sería una de las giras de despedida de Marcos Redondo, evidentemente no me acuerdo puntualmente, yo tenía 9 o 10 años, pero si sé la impresión que en mi causó la zarzuela y sobre todo el gran barítono, yo creo que aquello fueron los cimientos de mi afición, primero a la zarzuela, luego extendida al resto de la música.

El compositor

El compositor Jacinto Guerrero Torres, nació en Ajofrín (Toledo) el 16 de agosto de 1895 y murió en Madrid el 15 de septiembre de 1951. Se inició en la música en su pueblo y desde 1904 en Toledo donde fue seise en la catedral y un “todoterreno” como intérprete, pues tocó instrumentos de viento, piano, órgano y violín, hasta que la composición de un HIMNO A TOLEDO propició la concesión de una beca y su traslado a Madrid en 1914. Fue violinista de la orquesta de Teatro Apolo y esto le sirvió para adquirir experiencia teatral y relaciones. Ha sido, junto con Alonso, un músico dotado para logros más importantes pero tentado por el triunfo fácil que le hizo compartir producción de obras muy dignas con otras arrevistadas o directamente revistas, causando con ello daño a la zarzuela. Su catálogo es impresionante, solo detallaré, las zarzuelas de las que conozco que han tenido trascendencia fonográfica, así LA ALSACIANA (1921), LA MONTERÍA (1922), LOS GAVILANES (1923), EL COLLAR DE AFRODITA (de esta obra aun conservo un disco de La Voz de su Amo grabado en 1927, de 78 rpm en que Amparo Saus canta “Java faraónica” y Federico Caballé “Curva de mujer”, ambos dirigido por Guerrero) y MARÍA SOL (1925), EL HUÉSPED DEL SEVILLANO (1926), MARTIERRA (1928), LA ROSA DEL AZAFRÁN (1930), LA FAMA DEL TARTANERO (1931), EL AMA (1933) y EL CANASTILLO DE FRESAS (zarzuela póstuma terminada por amigos del compositor y estrenada en 1951). Con este simple detalle, se ve como, salvo “El Canastillo” la producción importante de Guerrero terminó en 1933, por eso digo que desaprovechó su inspiración en cosas menores que privó a la Zarzuela de otras composiciones de más calado.

El libretista

El libretista fue José Ramos Martín (hijo del famoso Miguel Ramos Carrión) nació en Madrid el 10 de marzo de 1892 y murió en la misma ciudad el 16 de octubre de 1974. Escribió en prensa y para el teatro, destacando sus zarzuelas LA ALSACIANA, LA MONTERÍA y LOS GAVILANES de Guerrero y XUANÓN de Moreno Torroba.

Sinopsis

El argumento se basa en la vuelta de Juan, un “indiano” a su pueblo de donde marchó joven y pobre sin poder casarse con Adriana; esta, ya viuda, espera que se renueve el amor, pero Juan se fija en su hija Rosaura con la oposición de la pretendida y de su novio Gustavo; a la postre hay final feliz, aunque Juan y Medio hubiera casado a Adriana y Juan. Por tanto mi opinión del libreto es paupérrima y como siempre viene en su defensa una partitura pegadiza, brillante en ocasiones y sensible o apasionada otras, con frecuente intervención de los coros tanto en números propios, así la introducción “Pescador de tu playa te alejas” como en apoyo de los solistas, por ejemplo la introducción al famoso tango milonga “El dinero que atesoro” o la marcha “Amigos siempre amigos”, en cuanto a los solistas destaca “Mi aldea”, el citado “El dinero que atesoro” y el “No importa que al amor mío” todos ellos por el barítono, la delicada romanza de Gustavo “Flor roja” tan querida de los tenores, los dúos de Adriana y Juan “Al impulso de noble ansiedad”, de Adriana y Rosaura “No merece ser feliz” y de Rosaura y Gustavo “Bien sé que nada valgo para ti”, el vibrante concertante “Guarda indiano tu riqueza” estelar para barítono y tenor, o la frase musical identificativa de Gustavo “soy mozo y enamorado” .

Índice de escenas

Zarzuela en tres actos con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Preludio, coro general “Pescador, de tu playa te alejas” y salida de Juan “Mi aldea”. 2. Tenor y coro “Palomita palomita”. 3. Fox-trot de las lloronas “No hay por qué gemir”. 4. Tango milonga “El dinero que atesoro”. 5. Final del acto I “Soy mozo y enamorado” y dúo de Adriana y Juan “Otra vez vuelvo a mirarte”.

Acto II: 6. Escena “Tocad tamborileros” y marcha “Amigos siempre amigos”. 7. Escena de la flor “Flor roja”. 8. Romanza de Juan “No importa que al amor mío”. 9. Final del acto II “Ya los tamborileros tocando están.

Acto III: 10. Escena y coro “Vivan los novios que enamorados”. 11. Dúo de Adriana y Rosaura “No merece ser feliz”. 12. Final del acto III “Flor roja como la sangre”.

Personajes

Los principales son:

Adriana: Antigua novia de Juan y madre de Rosaura. Mezzosoprano
Rosaura: Novia de Gustavo pretendida por Juan. Soprano
Juan: Indiano que regresa a su hogar. Barítono.
Gustavo: Novio de Rosaura. Tenor.


LA GENERALA

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La generala

Opereta cómica en dos, actos y en prosa
Texto original de GUILLERMO PERRIN y MIGUEL DE PALACIOS
Música de AMADEO VIVES
Estrenada 14 de Junio de 1912 en el Gran Teatro de Madrid el


Elenco del estreno

Berta: LUISA RODRÍGUEZ, Olga: ASUNCIÓN AGUILAR (que con el nombre artístico de María Rossi -o Ros- triunfó en Italia y murió en Burjasot en 1970, siendo esposa del ilustre tenor Giacomo Lauri-Volpi), Eva: SOFÍA ROMERO, Príncipe Pío: VICENTE (José según Arnau) GARCÍA ROMERO, Cirilo II: EMILIO CARRERAS, Tocateca: HILARIO VERA, Clodomiro V: RODOLFO RECOBER, Duque de Sisa: Sr. ASENSIO

La obra

Según Arnau, en siete días compuso Vives la música para LA GENERALA, afirmaba el gran músico que “La música de zarzuela tiene que ser tarareable. Si a las pocas semanas no la cantan las cocineras, es tiempo perdido”. No hubo ni una sola de las que ejercían en Madrid que dejara de cantar aquello de “Señora, señora parece mentira que tenga una dama tan poca aprensión”.

Releyendo “El libro de la zarzuela” vemos que, musicalmente, una breve y elegante introducción orquestal inicia la obra, dando paso al coro “Para presentarse a Su Majestad” vivaz y variado. La salida del príncipe Pío “Os invito amigos míos” es solemne y muy superior, por los medios musicales y orquestales que emplea, a las banalidades del texto. Lo mismo ocurre con la canción del príncipe con el coro que sigue a continuación “Era yo en la corte”. Es una pieza para tenor que requiere facultades muy notables. La marcha siguiente, para solistas y coro, oscila entre la opereta y la zarzuela: es más interesante que efectiva. La llegada del general sudamericano está presentada también en un tono cómico muy inferior al ropaje orquestal con que la cubrió Vives. Las frases de la generala recuperan un tanto el interés escénico, especialmente cuando canta la “Canción del Arlequín”; nos hallamos aquí a medio camino entre la opereta y la ópera cómica francesa, tal vez para indicar el origen parisiense de la generala. Pieza muy notable es el dúo entre ésta y el príncipe “Mi dulce sueño de adolescente”, ligero pero brillante y muy propio y muy propio de una opereta, con sus ritmos de danza.

En el segundo acto la música pierde un tanto de personalidad: la salida de Olga y la ofrenda de las flores tienen un interés sólo mediano. Sigue un dúo del príncipe y Olga “Te agradan las flores” que se inicia de un modo un tanto anodino pero luego adquiere brillantez. Más próxima al mundo de la ópera parece la “Canción escocesa” de la generala con el coro. El arpa presta su sonoridad peculiar a esta canción, de difícil particela para la soprano. Como en toda la obra, la labor orquestal de Vives resulta sumamente decorativa. Volvemos plenamente a la opereta con el trío cómico “Señora, señora parece mentira”. Un nuevo dúo, nocturno, de Olga con el príncipe, después de una escena variada y ágil, nos conduce al número final con todos los personajes y el coro.

El sensacional éxito de esta obra en su estreno, se ha mantenido, atenuado, a lo largo de décadas, brillando eso sí siempre, determinados fragmentos, ya de tenor, como la salida del príncipe “Era yo en la corte” que dio lucimiento a Emilio Vendrell primero y a Alfredo Kraus luego, ya de soprano, como la “Canción del Arlequín” bordada por Ana María Olaria y Pilar Lorengar.

El compositor

Amadeo Vives nació en Collbató (Barcelona) el 18 de noviembre de 1871 y murió en Madrid el 2 de diciembre de 1932. De niño estuvo internado en el Asilo de San Juan de Dios de Barcelona que le generó pésimos recuerdos pero que le dio la posibilidad de su primer contacto serio con la música en 1886: la Dirección de la Banda del Asilo de la misma orden en Málaga (donde un hermano suyo era sacerdote). Luego vuelve a Barcelona, pasando por una etapa en Toledo y componiendo en 1886 una sinfonía. En 1891 funda con Luis Millet el Orfeo Catalá y estrena diversas composiciones, destacando en 1894 L'Emigrant, en esos tiempos tuvo determinada relación personal y musical con el catalanismo. En 1897 marcha a Madrid compaginando su actividad principal de compositor de zarzuelas (salvo su ópera Arthus de 1897 y las Canciones Epigramáticas de 1915), con la de empresario de los Teatros de la Zarzuela, Cómico y Eslava, aventuras que algunas veces le depararon desastres económicos que no le conturbaron el ánimo. Resultando imposible relacionar sus obras, me limito a detallar las más significativas,: DON LUCAS DEL CIGARRAL (1899), LA BALADA DE LA LUZ (1900), BOHEMIOS y EL HUSAR DE LA GUARDIA (1904), LA GATITA BLANCA (1905), JUEGOS MALABARES (1910), LA GENERALA (1912), MARUXA (1914) DOÑA FRANCISQUITA (1923), LA VILLANA (1927) y LOS FLAMENCOS (1928), algunas de ellas en colaboración con Gerónimo Giménez, al que precisamente Vives bautizó con el apelativo de “el músico del garbo”. Estamos ante uno de los compositores más grandes de la zarzuela de todos los tiempos, con una formación intelectual y musical de primerísimo nivel, y que a los efectos “zarzueleros” que interesa a los aficionados constituye además una personalidad con criterios tan importantes que merecen un análisis más completo de sus opiniones, que dejo para otra ocasión.

Los libretistas

Miguel de Palacios Brugueras nació en Gijón en 1863 y murió en Covadonga el 3 de octubre de 1920, estudió Medicina pero no ejerció. En solitario escribió alguna obra como la opereta “El rajá de Bengala” con música de Rafael Calleja pero casi todas sus obras, unas 140, las compuso “al alimón” con su “hermano siamés del género chico” Perrín, todas ellas dotadas de elementos dramáticos y cómicos, aunque el sentido del humor sea la constante de sus obras y entre ellas destacaron: CERTAMEN NACIONAL y CUADROS DISOLVENTES de Nieto, PEPE GALLARDO de Chapí, ENSEÑANZA LIBRE y LA TORRE DEL ORO de Giménez, LA CORTE DEL FARAON de Lleó, BOHEMIOS y LA GENERALA de Vives, EL BARBERO DE SEVILLA de Nieto y Jiménez y “EL HUSAR DE LA GUARDIA de Vives y Giménez.

Guillermo Perrín Vico, nacido en Málaga en 1857 y muerto en Madrid en 1923, estudió Derecho, pero no ejerció. En solitario escribió algunas obras como MONOMANIA MUSICAL y EL GRAN TURCO de Manuel Nieto y LA CUNA de Chapí, pero casi todas sus obras, unas 140, las compuso “al alimón” con su “hermano siamés del género chico” Perrín, todas ellas dotadas de elementos dramáticos y cómicos, aunque el sentido del humor sea la constante de sus obras y entre ellas destacaron: CERTAMEN NACIONAL y CUADROS DISOLVENTES de Nieto, PEPE GALLARDO de Chapí, ENSEÑANZA LIBRE y LA TORRE DEL ORO de Giménez, LA CORTE DEL FARAON de Lleó, BOHEMIOS y LA GENERALA de Vives, EL BARBERO DE SEVILLA de Nieto y Jiménez y “EL HUSAR DE LA GUARDIA de Vives y Giménez.

Sinopsis

Es en un Castillo-Palacio, en Oxford (Inglaterra), donde se desarrolla la acción de «La Generala». Cirilo II, rey destronado del imaginario país de Molavia, vive su destierro. Le acompañan en él su esposa, la reina Eva, y su hijo, el príncipe Pío; como principal y leal servidor el duque de Sisa dirige los restos de la pobre realeza que aun le queda a Cirilo II. Por ello, el duque y Cirilo andan locos por ver la forma de sacar dinero a alguien, ya que todos los créditos de que podrían disponer se hallan agotados. El príncipe Pío se ha dado buena maña para agotarlos en su mayoría, haciendo la misma vida de ostentación que cuando vivían en su prospero reino perdido. Por eso ahora piensan Cirilo y Eva, y el mismo duque, que solo el príncipe Pío puede sacarles de su angustiosa situa­ción, casándose con alguna princesa reinarte y que tenga buen caudal. Piensan también que la princesa Olga, hija del rey Clodomiro V, de Espartanopla, pariente de Cirilo, puede ser la futura esposa de Pío. A éste no le parece mal la idea, porque la posible esposa es joven y guapa. El duque de Sisa, gran político, se encarga de arreglarlo todo, y boda tendremos. Pero el asunto financiero urge y hay que operar con rapidez. Se necesita un préstamo a cuenta de la próxima unión del príncipe Pío y la princesa Olga. Y es el duque, como siempre, quien da también la solución a este problema. Nadie como el general Tocateca, venezolano multimillonario y antiguo embajador de su país en el reino de Cirilo II, para prestar lo que se necesite, propone el de Sisa. Y en ocasión inmediata a los planes del duque, recibe el rey Cirilo, como llovida del cielo, la petición del general Tocate­ca para que le reciba en visita de cortesía. Ni que decir tiene que Cirilo y Eva, su esposa, acceden gustosísimos a recibir con todos los honores al rico general. Tocateca, que posee una magnifica mansión inmediata al pa­lacio que ocupa el rey destronado, se presenta ante la exigua corte de Cirilo II en compañía de su joven y bella esposa Berta, antigua canzonetista francesa. No es difícil adivinar que el sablazo de Cirilo a Tocateca se lleva a efecto con toda felicidad, colmando los deseos del rey la grata noticia que le da el propio general de que Clodomiro V y su hija, la princesa Olga, están próximos a llegar... Pero el príncipe Pío, desde que en una ocasión vio actuar a Berta, la mujer de Tocateca, en París, está enamorado de ella. Por eso ahora, al volverla a ver de cerca, siente que su viejo amor renace y comienza a asediarla. Olga, que también está enamorada de Pío, se da cuenta de que la frialdad de éste hacia ella obedece al interés que siente por Berta. La princesa sufre y ve que sus ilusiones se de­rrumban. Pero los que verdaderamente tiemblan de terror cuando se enteran de lo que está sucediendo son Cirilo, Eva y el duque. La ruptura de la proyectada boda y el escándalo que ello su­pondría serían una catastrote, amén de la represalia por par­te de Tocateca. Pero, afortunadamente, Berta es una mujer sensata e incapaz de serle infiel a su marido. Ella se encarga de arreglar las cosas y hacerle ver al príncipe lo imposible de su pretensión. Promete a Olga que le devolverá su felicidad. Y una noche, en una cita que ella misma concierta con el príncipe a solas, hace que sea la princesa Olga quien acuda al lugar, para enseñar a Pío lo que es un amor puro, aunque tras él se esconda la conveniencia de una monarquía arruinada.

Índice de escenas

Acto I: 1. Introducción “Para presentarse a su Majestad…Perdida mi corona, perdí también” y marcha militar “En la explanada del cuartel el regimiento en formación”. 2. Salida del príncipe “Os invito, amigos míos... Era yo en la corte no más que un esclavo”. 3. Marcha. Cuarteto Cómico: “Un miembro de los reyes de Molavia”. 4. Escena “Estamos a las órdenes de vuestra majestad”. 4.b Salida de Berta y canción del Arlequín “Es un muñeco el Arlequín”. 5. Dúo de Berta y el príncipe “Mi dulce sueño de adolescente…..Para el buen cazador la escopeta”. 6. Final Acto I “Cumpliendo vuestras órdenes”.

Acto II: 7. Introducción y escena “Llegó el momento deseado” y canción de las flores “De los verdes rosales de nuestros huertos”. 8. Dúo de Olga y el príncipe: “¿Te agradan las flores?”. 9. Canción escocesa. Giga Militar “La alegre canción del buen escocés”. 10. Terceto Cómico: “Señora, Señora, parece mentira”. 11. Escena y dúo nocturno de Olga y el príncipe: “Llegó la hora…..¡Que bella noche!”. 12. Retreta y final “Es un muñeco el Arlequín”.

Personajes

Los principales son:

Berta: Antigua canzonetista casada con el general Tocateca. Soprano
Olga: Princesa, hija de Clodomiro V, prometida del príncipe Pío. Soprano.
Eva: Reina destronada esposa de Cirilo II. Soprano.
Pío: Hijo de Cirilo II enamorado de Berta, que vuelve al redil de Olga. Tenor
Cirilo II: Rey destronado de Molavia. Barítono.
Clodomiro V: Rey de Espartanopla. Actor cantante.
Tocateca: General venezolano, marido de la Generala. Tenor.
Duque de Sisa: Celestinesco y diplomático personaje. Bajo.


GIGANTES Y CABEZUDOS

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Gigantes y cabezudos

Zarzuela cómica en un acto
Texto original de MIGUEL ECHEGARAY
Música de MANUEL FERNÁNDEZ CABALLERO
Estrenada el el 29 de noviembre de 1898 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid


Elenco del estreno

Pilar: LUCRECIA ARANA, Antonia: NIEVES GONZÁLEZ, Juana: Srta. ESPINOSA, Sargento: JULIÁN ROMEA, Timoteo: JUAN OREJÓN, Jesús: Sr. GUERRA, Tío Isidro: PABLO ARANA

La obra

Aunque el libreto recayese sobre un tema harto manido como el patriótico e incluso se le achacase la inoportunidad de mentar la soga en la casa del ahogado, al contarnos el infeliz resultado que tuvo el responder con honor a la mendaz provocación de una nación entonces emergente, la música y los intérpretes lograron uno de los mayores éxitos de la historia de la zarzuela. Se puede decir que esta vez hubo casi unanimidad en la prensa, que además personalizó el triunfo, sobre todo, en una cantante: Lucrecia Arana, que recibió los mayores elogios en todas sus intervenciones. La excepción, matizada eso sí, en esta unanimidad se refleja en “El Imparcial” al señalar que “la cosa, en verdad, no es para tanto, y pese a los que confunden la hinchazón con la robustez, a la apoteosis de anoche hay que quitarle mucho -jierro-. Ni tan gigantes, ni tan cabezudos” Pese a todo, y aunque estima que se abusa de la jota, ensalza la romanza de la carta y el coro de repatriados.

Leyendo a Deleito y Piñuela sabemos que “el entusiasmo del público superó a todo lo imaginable. La gente se rompía las manos de aplaudir. Se repitieron todos los números, se ovacionaron todas las decoraciones y todas las escenas”.

La obra es un canto a la bravura aragonesa, una apoteosis de la jota que aparece ya en el primer número “Anda ve y dile al Alcalde” como final a la disputa de vendedoras, resplandece en el tercer número “Si las mujeres mandasen” y estalla en el quinto con la de los de Calatorao “Por ver a la Pilarica” y con la guinda “Luchando tercos y rudos”. Junto a estas páginas, otras memorables como la bizarra romanza de la carta, la apoteósica salve final y, sobre todo, el celebérrimo coro de repatriados que, al decir de Salvador Valverde, “es una marcha lenta, triste, impregnada de cansancio y amargura, donde asoma un instante la jota, con acentos de nostalgia”.

El compositor

Manuel Fernández Caballero nació en Murcia el 14 de marzo de 1835 y murió en Madrid el 26 de febrero de 1906. Hijo póstumo, fue el menor de dieciocho hermanos. Encauzado en la música desde pequeño, con cinco años empezó a estudiar el violín y otros instrumentos y a los siete años ya tocaba en bandas y orquestas. Su primer maestro fue su cuñado y notable violinista Julian Gil y luego Indalecio Soriano Fuentes. A los 15 años se traslada a Madrid siendo admitido como primer violín de la orquesta del Teatro Real e ingresando en el Conservatorio donde obtuvo el primer premio de composición en 1856. Siguió estudiando con José Vega, Indalecio Soriano, Hilarión Eslava y Pedro Albeniz. A partir de los 18 años fue Director de Orquesta de varios teatros, el de Variedades, Lope de Vega, Circo y Español. En 1853 consigue de Luís de Eguilaz su primer libreto de zarzuela LA VERGONZOSA EN PALACIO, que sin embargo se estrenó con posterioridad a TRES MADRES PARA UNA HIJA, que firmó bajo el seudónimo de Florentino Durillo, precisamente por respeto y consideración a Luís de Eguilaz. Desde entonces son innumerables las zarzuelas que compuso (cerca de 200), alternando este trabajo con la dirección de orquesta, muchas veces en Portugal e Hispanoamérica, llegando a residir 7 años en Cuba. También compuso en abundancia música religiosa, encontrándose entre ella, diversas Misas, Misereres, Salves, Oficios de Difuntos (el primero lo compuso en 1851), Himnos, Letanias, Motetes etc….

Aquejado de cataratas desde 1890 aproximadamente, la última partitura que escribió de su puño y letra fue EL DUO DE LA AFRICANA en 1893, requiriendo desde entonces la ayuda de colaboradores, principalmente su hijo Mario y también la del luego famoso José Serrano que le ayudó en la escritura musical de GIGANTES Y CABEZUDOS. En 1899 y 1902 fue intervenido quirúrgicamente por el Doctor Mansilla batiéndole las cataratas de los ojos derecho e izquierdo respectivamente. Fue persona muy honrada por el público en general y por las Instituciones y así en 1891 fue elegido individuo de la Real Academia de San Fernando, cuyo discurso de ingreso no pudo efectuar hasta el 2 de marzo de 1902 con el sugerente título para nuestro querido género de “Los cantos populares españoles considerados como elemento indispensable para la formación de nuestra nacionalidad musical”; pertenecía a la Orden del Cristo de Portugal y el 22 de enero de 1903 le fue concedida la Gran Cruz de Alfonso XII siéndole regaladas las insignias correspondientes por suscripción popular en Murcia.

Cuenta Arnau que Caballero tenía la costumbre de dirigir los ensayos en el Teatro de la Zarzuela junto a la concha del apuntador, golpeando continuamente con su grueso bastón la tarima del escenario marcando el compás, como se cargó la tarima dos veces, el propietario del teatro colocó en aquel sitio una placa de bronce con la leyenda “A Caballero, sostén de la zarzuela, 1897”, y esto da pie para hacer notar la importancia que para nuestro género tuvo este compositor, en cualquiera de las facetas del mismo, la zarzuela grande hasta la década de los 70 en que entró en crisis y el género chico al que supo no solo adaptarse sino triunfar memorablemente, basta para comprobar la realidad de tal aseveración con releer los títulos compuestos a partir de 1887.

Entre sus zarzuelas detallo sobre todo las muy conocidas por su difusión discográfica, LA MARSELLESA (1876) LOS SOBRINOS DEL CAPITAN GRANT (1877), EL SALTO DEL PASIEGO (1878), CHATEAU MARGAUX (1887), EL DUO DE LA AFRICANA (1893), EL CABO PRIMERO (1895), EL PADRINO DEL NENE (1896), LA VIEJECITA (1897) GIGANTES Y CABEZUDOS y EL SEÑOR JOAQUIN (1898).

El libretista

Miguel Echegaray Eizaguirre nació en Quintanar de la Orden (Toledo) el 29 de septiembre de 1848, en el transcurso de un viaje que hacían sus padres de Madrid a Murcia, y murió en Madrid el 20 de enero de 1927. Hermano de José, premio Nóbel de Literatura en 1904. Se licenció en Filosofía y Letras y Derecho, ejerciendo algún tiempo. Fue Jefe de Administración Civil, secretario de los Ministros de Fomento y Hacienda cuando lo fue su hermano y Diputado a Cortes; dominaba varios idiomas entre ellos el hebreo en el que fue una verdadera notabilidad. Y sobre todo fue escritor más bien de índole festiva y bufa en ocasiones y libretista de zarzuelas. En esta especialidad trabajó con Vives en JUEGOS MALABARES, LA RABALERA, AGUA DE NORIA y EL PRETENDIENTE, con Chapí en LA GITANILLA y EL SOMBRERO DE PLUMAS, con Bretón en EL DOMINGO DE RAMOS, con Nieto en EL CASTILLO, y, sobre todo, con Fernández Caballero en EL DUO DE LA AFRICANA, LA VIEJECITA y GIGANTES Y CABEZUDOS.

Sinopsis

Comienza la acción en la plaza del mercado en Zaragoza, Antonia y Juana, enfrascadas en una sonora disputa, han llegado a las manos, algunas mujeres intentan separarlas, pero la acusación de robo, hecha por Juana a Antonia, vuelve a avivar una disputa que zanja definitivamente el tío Isidro. Antonia se reintegra a su puesto de venta de verduras, entre los comentarios de las mujeres que alaban su carácter alegre, pese a su mal genio. Timoteo, con su uniforme de guardia municipal, informa a las vendedoras que va a aprobarse un nuevo arbitrio, levantando por ello sus más airadas protestas. Aparece Pilar y se confía a Antonia, hace más de seis meses que no tiene carta de su novio que está en la guerra. El tío Isidro regaña a Pilar por haber abandonado sus quehaceres y Antonia, de nuevo, se mete en porfía, con su clientela. Timoteo quiere intervenir, pero se echa atrás porque Antonia es su esposa, llega el Sargento buscando con la mirada a Pilar de quien está enamorado. Regresa Pilar con una carta en la mano, está segura de que es de su novio, pero no sabe leer y la ansiedad la domina. Pascual, un joven serio y trabajador que la quiere con pasión, se ofrece a leérsela, a pesar de los celos que siente. En la carta, el novio de Pilar, Jesús, describe su triste situación, pero renueva también toda su pasión por ella. Pascual se marcha apenado, contrastando con la alegría de Pilar que enseña a todos la carta. Pero el Sargento regresa diciendo que también él ha recibido una carta de su novio, donde le dice que se ha casado con otra, la muchacha no le cree. Se forma un alboroto general cuando los alguaciles presentan a las vendedoras el impuesto anunciado, con las mujeres, atrincheradas entre sus carros de venta y asegurando que si ellas mandaran otra cosa sería el mundo. Los alguaciles se quieren llevar a quien más protesta que es, por supuesto, Antonia, pero Timoteo, al ver a su esposa en tal coyuntura, se pone de parte de las alborotadoras. Al lado del río, viéndose al fondo Zaragoza con sus torres y cúpulas, van de pesca Timoteo, a quien han cesado de su cargo, y Pascual. Entra un grupo de repatriados, que regresan derrotados en la guerra. Entre ellos, se encuentran Jesús, el novio de Pilar y su amigo Vicente. Todos lamentan el tiempo que estuvieron ausentes y la alegría de reencontrarse con su ciudad, que tanto aman. En la plaza del Pilar, el Sargento encuentra a Jesús que le dice que viene a casarse con su novia. El Sargento dolido se inventa la historia de que Pilar ya es la esposa de un rico indiano, que hizo su fortuna en México. Pero, aragonés hasta la médula, Jesús afirma que ha vuelto para casarse con Pilar y lo hará, aunque tenga que matar a su rival. Una vez que los dos entran en la Basílica, aparece un grupo de baturros que viene desde Calatorao en peregrinación a ver a la Pilarica. Llegan Pilar y Antonia y tras ellas los cabezudos persiguiendo a la chiquillería, y luego los gigantones, al son del tamboril y la gaita. Pese a encontrarse triste, Pilar, en medio del baile y la fiesta, es capaz de entonar una briosa jota. Poco tiempo después, Pilar ha creído oír en el interior del templo la tos de Jesús, que antaño les servía de contraseña. Sospecha que el Sargento la está engañando y le tiende una trampa. Le da a leer la carta que recibió de su novio. El Sargento cambia el texto a su favor, inventando una posdata en la que Jesús recomienda a Pilar que se case con él precisamente, quemando luego la carta. Pilar reacciona violentamente al descubrir la engañifa y el Sargento, arrepentido, regresa con Jesús dejando para siempre tranquila a la pareja.

Índice de escenas

Zarzuela en un acto con los siguientes números musicales:

1. Introducción y disputa “Hay que separarlas, van a hacerse mal”, escena de las vendedoras “Tiene un carácter como una fiera”, salida de Timoteo “Ya Timoteo viene hacia acá” y tiempo de jota “Anda ve y dile al Alcalde”. 2. Romanza de Pilar “¡Esta en su carta! ¡Esta es su carta! 3. Jota “No nos asusta nada en la tierra…..Si las mujeres mandasen” y motín de las mujeres “No hay que ceder, no hay que ceder, hay que luchar”. 4. Coro de repatriados “Por fin te miro, Ebro famoso”. 5. Coro “Zaragoza de gala vestida está”, jota de los de Calatorao “Por ver a la Pilarica”, salida de los gigantes y cabezudos “Cuando era niña y jugaba” y jota “Grandes para los reveses…. luchando tercos y rudos”. 6. Salve “Se marchó de seguro, desesperado”.

Personajes

Los principales son:

Pilar: Carnicera del mercado y novia de Jesús. Mezzosoprano.
Antonia: Vendedora y mujer de Timoteo. Soprano.
Juana: Vendedora. Soprano.
Jesús: Soldado en Cuba, repatriado y novio de Pilar. Tenor.
Timoteo: Municipal y marido de Antonia. Tenor.
Tio Isidro: Vendedor. Bajo.
Sargento: Pretendiente de Pilar. Actor.


LAS GOLONDRINAS

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Las golondrinas

Drama lírico en tres actos
Texto original de GREGORIO MARTÍNEZ SIERRA
Música de JOSÉ MARÍA USANDIZAGA
Estrenada el 5 de febrero de 1914 en el Circo Price de Madrid


Elenco del estreno

Lina: LUISA VELA, Cecilia: EVA LÓPEZ, Puck: EMILIO SAGI-BARBA, Roberto: FRANCISCO MEANA, Juanito: SANTOS ASENCIO

La obra

Tras la muerte del compositor fue convertida en ópera por su hermano Ramón y estrenada en el Liceo de Barcelona el 14 de diciembre de 1929, protagonizada por Fidela Campiña, Matilde Revenga, Carlo Galeffi y Anibal Vela. La gestación de la obra se debe al conocimiento que los libretistas de la misma (luego explico lo del plural) entablaron con el compositor, que fueron los que le presentaron a Sagi Barba como el “Puccini español” y cito aquí a Sagi Barba porque es conocido que en esta obra el gran cantante intervino además como protector y promotor de la misma, encariñado con ella desde la primera audición con el joven autor al piano. Hubo “magia” en la relación de los autores y principales intérpretes, magia no exenta de algún encontronazo, pues el barítono insistía en alguna modificación de la romanza de Lina “En viejas memorias” cambiando la cadencia final de la misma por un sobreagudo que arrancase los aplausos, este intento se encontró con la terminante oposición del músico que terminó llevándose el gato al agua. El éxito es portentoso, y durante la representación va “in crescendo” y no solo en las habilidades vocales del famoso matrimonio protagonista sino en la intervención de los coros y de la orquesta: “La Pantomima” pone al público en pie y Usandizaga sale de entre bastidores para recibir la ovación. No se ha tratado de un estreno más sino de todo un acontecimiento, ya augurado por cierto en un ensayo por Amadeo Vives. Y así se pronunció al día siguiente unánimemente la crítica, todo gusta pero se lleva la palma de nuevo “La Pantomima”. Y así ha pasado a la historia, como un compendio de extraordinaria música y como piedra de toque para cantantes; veamos algunos comentarios, empezando por el de Marcos Redondo en sus Memorias: “De todas las obras que llegué a representar en el teatro, LAS GOLONDRINAS fue sin duda la que más me atrajo y en la que puse toda mi alma y temperamento..... como partitura es tan rica en melodía y armonización, que si algo merece es un gran respeto”, Federico Sopeña dice: “son una delicia las intervenciones corales, inéditas por su belleza y construcción en el ambiente zarzuelero y la orquesta -verista- tiene una entraña sinfónica que le permite pasar de preludio y Pantomima a los conciertos sinfónicos”.

El compositor

El compositor José María Usandizaga Soraluce nació y murió en San Sebastián, respectivamente en 31 de marzo de 1.887 y 5 de octubre de 1.915. Su afición, de la mano de su madre, comienza a despuntar como pianista a los 5 años. A los 14 marcha a París ingresando en la Schola Cantorum. A su regreso se dedica solo a la composición por haber tenido problemas en una mano. Aunque tiene una obra amplia, teniendo en cuenta lo corto de su vida, con composiciones para piano, de cámara, para voz, religiosa etc.... ha quedado mayormente para la posteridad su obra para teatro, fundamentalmente “MENI-MENDIYAN” (1910), “LAS GOLONDRINAS” (1914) Y “LA LLAMA (1914/5).

Los libretistas

Gregorio Martínez Sierra, nacido y muerto en Madrid en 1881 y 1 de octubre de 1947, firmó el libreto que en realidad era obra conjunta de él y de su esposa María de la O Lejárraga García, nacida en San Millán de la Cogolla (Rioja) el 28 de diciembre de 1874 y fallecida en Buenos Aires el 28 de junio de 1974. María que, ya viuda y anciana reivindicó la coautoría para no perder sus derechos de autor fue diputada socialista en Granada con Fernando de los Ríos y comprometida con el feminismo, el progresismo y la cultura lo que provocó su exilio tras la guerra civil. Aparte de sus muchas obras de teatro hablado y traducciones de obras famosas clásicas y modernas, colaboraron con insignes músicos en las obras que indico, destacando: Usandizaga con LAS GOLONDRINAS y la ópera LA LLAMA, Turina con las óperas MARGOT y JARDÍN DE ORIENTE y Falla con EL AMOR BRUJO y EL CORREGIDOR Y LA MOLINERA. El precedente de LAS GOLONDRINAS fue una obra titulada “Los saltimbanquis” que al no haber sido representada fue incluida por sus autores “como cadáver de un ser querido que se entierra entre flores” en el libro “Teatro de ensueño”

Sinopsis

El argumento presenta una doble historia de amor en el marco de un circo ambulante en que trabaja Puck, payaso y enamorado de su profesión que ama a la artista principal Cecilia que desprecia esa vida y tiene frecuentes disputas con sus compañeros a los que en su furor llama “miserables payasos” terminando por abandonar el circo; Puck a su vez es amado sin que él lo sepa por Lina que sí gusta de su modesta vida de artista. Prospera el Circo y triunfan Lina y Puck en “La Pantomima” pero la paz termina cuando la empresa vuelve a contratar a Cecilia que en una escena tremenda provoca a Puck que la mata y entonces, al descubrir el amor de Lina, es cuando se siente “el más desgraciado de los hombres”.

Indice de escenas

Esta historia “verista” sirve de base a una espléndida música, sin desperdicio alguno, que al ser transformada en ópera ha dado lugar a treinta y tres escenas, pero que en la versión original como zarzuela está dividida en tres actos y en los siguientes once números musicales:

Acto I: 1. Breve preludio que traza ya la semblanza dramática de la obra. 2. “Aquí tiene usted la peluca”, verdadero dúo de Cecilia y Lina, aunque con intervención también de Roberto. 3. “Caminar, caminar” romanza de Puck. 4. “Fuego de paja en el viento” punzante dúo de Cecilia y Puck que, para contraste, termina con una página de dulzura cantada por Lina “Me dices que ya no me quieres”. 5. “Noche clara de San Juan” conocido como coro de la feria. 6. “No lo sé…voy en busca de algo” dúo de Cecilia y Lina.

Acto II: 7. “En viejas memorias pierdo”, sentimental romanza de Lina también llamada canción de la primavera. 8. Pantomima, es como una obrita dentro de la obra y tiene una sensacional parte instrumental seguida de otra vocal en que Pierrot (Puck) entona la canción “Colombina, colombina” para volver a la parte orquestal verdaderamente sinfónica. 9. Dúo de Lina y Puck que va desde el gratificante “Oh Puck, por ti mi corazón” hasta “la risa infernal” que preludia el desastre.

Acto III: 10. “Cecilia… ¡Habla!” en la zarzuela dúo de amor de Cecilia y Puck que en la ópera termina plasmando musicalmente la tragedia final. 11. “Adiós…. Me fui con ella”, el famoso “se reía”, torrente vocal enloquecido a fuer de apasionado, que da paso a la mansedumbre del triste dúo final “Estrella de mi camino”.

Personajes

Los principales son:

Lina: Artista de circo sencilla y noble, enamorada de Puck. Soprano
Cecilia: Artista de circo soberbia y mala persona, amante de Puck. Soprano.
Puck: Artista de circo, enamorado de Cecilia. Barítono.
Roberto: Director del circo. Bajo
Juanito: Artista de circo. Tenor.


GOYESCAS


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Goyescas

Ópera en tres cuadros
Texto original de FERNANDO PERIQUET
Música de ENRIQUE GRANADOS
Estrenada el 28 de enero de 1916 en el Metropolitan de Nueva York


Elenco del estreno

Anna Fitziu y Flora Perini, el tenor Giovanni Martinelli, el barítono Giuseppe de Luca, los bailarines Rosina Galli y Giuseppe Bonfiglio, bajo la dirección del maestro Gaetano Bavagnoli.

La obra

La ópera en tres cuadros GOYESCAS se estrenó, por estar sumida Europa en la primera guerra mundial, en el Metropolitan de Nueva York el 28 de enero de 1916, con un éxito resonante.

El 11 de marzo de 1911 tuvo lugar en el Palau de la Música de Barcelona la primera audición de GOYESCAS, subtitulada LOS MAJOS ENAMORADOS, una obra para piano que constaba de dos cuadernos, el primero con cuatro páginas “Los requiebros” basado en una tonadilla “La tirana del Trípili” de Laserna, “El coloquio en la reja” evocador de la guitarra, “El fandango del candil” elegante estilización del motivo popular de ese nombre y “Quejas o la maja y el ruiseñor” basada en una canción popular y que sintetiza el sentimiento poético del músico. El segundo cuaderno comprende dos páginas “El amor y la muerte” una especie de balada profundamente reflexiva y el epílogo “Serenata del espectro” donde se evoca todo el mundo goyesco con un aire misterioso. A esta obra se añadiría “El pelele” música que evoca la contemplación del famoso tapiz de Goya. Estos siete admirables cuadros descriptivos sirvieron de base a la ópera que nos ocupa, pasando “El Pelele” a constituir su preludio y añadiendo el famoso “Intermedio” contando además con la colaboración del que había sido autor de las letras de las TONADILLAS que conformó el libreto.

El mismo compositor definía su obra en 1915 diciendo que “En Goyescas, el ritmo, el color, la vida netamente española y la nota de sentimiento, tan pronto amoroso, apasionado, como dramático, y a momentos trágico, se mezclan, como se confundían en Goya, los aspectos trágicos y los amorosos, las disputas y los requiebros”.

A lo largo del tiempo la obra sigue gozando de la máxima popularidad, más aún en su versión pianística, siendo el “Intermedio” pieza obligada en infinidad de conciertos como expresión de elegancia y españolidad.

El compositor

Enrique Granados y Campiña nació en Lérida el 27 de julio de 1867 y murió en el Canal de la Mancha el 20 de marzo de 1916 cuando el vapor inglés Sussex fue torpedeado por un submarino alemán; cuentan algunas fuentes que el gran músico se había salvado del naufragio pero al tratar de socorrer a su esposa murieron ambos ahogados.

Aficionado a la música desde niño, empezó los estudios de piano con José Junceda primero y ya en Barcelona a los doce años con el maestro Pujol. En 1887 pasa a París donde continuó sus estudios durante dos años bajo la dirección del maestro Charles de Beriot. En 1889 vuelve a Barcelona entregándose a la composición y a la enseñanza del piano, convirtiéndose en una personalidad importante en el panorama artístico catalán y fundando en 1901 la Academia Granados, foco artístico de enorme influencia cuya línea fue luego prolongada con figuras de la talla de Rosa Sabater y Alicia de Larrocha.

Dotado de exquisita sensibilidad y de una elegancia de ideas insuperable, sus producciones ostentan un sello inconfundible de gracia, de aristocratismo, de espontaneidad y de hondura de sentimientos, especialmente en aquellas de sus obras inspiradas en los giros melódicos y ritmos populares españoles. En esta línea, dice Pedrell: “En cuanto a sus obras la posteridad hará una selección de ellas, dejando intactas las que brotaron de sus primitivas sincerísimas manifestaciones artísticas. En ellas está su alma y su naturaleza de artista evidente. Lo que ganaron sus últimas obras en ampliaciones y elocuencias sonoras, lo perdieron quizá en sinceridad e inspiración ingenuamente tierna y apasionada”.

De su amplia producción destacamos en su obra pianística, DOCE DANZAS ESPAÑOLAS (1892/1900) y los dos cuadernos de GOYESCAS (1911), en la vocal COLECCIÓN DE CANCIONES AMATORIAS y COLECCIÓN DE TONADILLAS ESCRITAS EN ESTILO ANTIGUO y en la música para la escena, MARIA DEL CARMEN (1898) y GOYESCAS (1916).

El libretista

Fernando Periquet y Zuaznabar nació en Valencia en 1873 y murió en Valladolid en 1940. A los seis años pasa a Barcelona donde empieza su labor literaria y pictórica cerca de Hermenegildo Anglada. Siendo estudiante fundó “La Sátira” y a los 16 años se traslada a Madrid ingresando en la redacción de “El Clamor” y llevando intensa vida periodística en diversos medios. Entre sus obras destacan la crónica APUNTES PARA LA HISTORIA DE LA TONADILLA Y DE LAS TONADILLERAS, la biografía FORNARINA, CANCIONISTA, la novela NAUFRAGIO Y SALVAMENTO y como libretista GOYESCAS, con música de Granados. Pero sobre todo se le deben las letras de sus TONADILLAS y CANCIONES, al gusto antiguo que musicó Granados, evocadoras casi todas de la época de Goya, a las cuales, se debe en gran parte, el resurgimiento de aquel periodo de la historia. Con Albéniz, Granados, Tabuyo, Bretón, Cubiles y otros, infundió aires aristócratas a la canción española, por largo tiempo envilecida.

Sinopsis

La ópera comienza con una escena plena de luz y color. La estampa de la Pradera de la Florida con la Iglesia de San Antonio al fondo, y lejos el río Manzanares, «manolas» y «chisperos» mantean un «pelele». Paquiro, el matador de toros, pasa en medio de todos ellos, pavoneándose a la vez que dedica piropos a «manolas» y «majas» que en la fiesta están. Llega Pepa en su calesa. Pepa, la novia de Paquiro, que goza de gran popularidad, es recibida con gran algazara y a los pocos momentos irrumpe en la escena, en su litera, y acompañada de sus lacayos. Rosario, dama de rango, que viene a la Pradera para encontrar a su amante don Fernando, capitán de la Guardia Real. Paquiro se dirige a Rosario y le recuerda su asistencia al «Baile del Candil», un baile popular, incitándole a volver. Esta petición llega a oídos de Fernando, suscitando en él la duda y los celos. Fernando, encarándose con Paquiro, dice que Rosario asistirá al baile, pero con él. Y lo hace prometer así a Rosario. Pepa, por su parte, molesta, y sintiéndose en un segundo plano ante la atención de Paquiro, reacciona impelida por los celos y promete vengarse de Rosario.

El segundo cuadro presenta la escena del «Baile del Candil»; en ella, Rosario y Fernando, su porte altivo y sus palabras despectivas enardecen grandemente a «majos» y «majas» y a Paquiro en particular. Pepa, por su parte, con sus «alfilerazos» y sus indirectas, incita a Fernando. Rosario y Pepa se exaltan cada vez más y terminan Paquiro y los «majos» por abalanzarse sobre Fernando. Rosario ante esta violencia, se desmaya y Fernando y Paquiro aprovechan rápidamente el momento para concertar un desafío, en medio de esta confusión, en un lugar no lejano a la residencia de Rosario. Esta se repone de su soponcio y se retira del Baile, acompañada por Fernando, y la muchedumbre reanuda sus interrumpidos festejos.

El cuadro tercero representa el jardín de la Residencia de Rosario, con una frondosa arboleda, viéndose una verja en el fondo. Rosario aparece sentada sobre un banco de piedra escuchando el canto de un ruiseñor al que acompaña con una apasionada canción de amor. Luego se dirige lentamente al interior de la Residencia y reaparece asomada a una de las ventanas, en donde Fernando la contempla. Un apasionado dúo, lleno de amor y ternura. y durante el cual suena insistente la campana dando la hora fatal en que debe de celebrarse el duelo entre Fernando y Paquiro. Este pasa embozado en su capa y hace señas a Fernando, sin que de ello se aperciba Rosario. Fernando violentándose en extremo, abandona a Rosario y sale precipitadamente en pos de Paquiro. Rosario, que sospecha algo grave, le suplica en vano que se quede junto a ella. Primero indecisa y presa de terror, después, se lanza al campo, donde acaba de oír un grito doloroso que exhala Fernando al ser herido por Paquiro. Reaparecerán unos minutos más tarde, sosteniendo Rosario al malherido Fernando que muere en los brazos de su amada.

Musicalmente, el primer cuadro está concebido en forma de coro y concertante, y en él se recoge una célebre tonadilla popular; terminándose con gran brillantez por la intervención del cuarteto de solistas y el coro en general. Intercalado escuchamos el intermedio: lo más famoso de la obra. El segundo cuadro presenta la escena del «Baile del Candil» en el que se recoge un aire de danza gallardo, para continuar con los recitativos. El tercer cuadro contiene la parte más sentimental y patética de la obra y tras un breve interludio la soprano entona la hermosa canción “La maja y el ruiseñor” seguido del primer dúo de soprano y tenor “Dúo de amor en la reja” y el segundo “El amor y la muerte”.

Índice de escenas

Opera en tres cuadros, con el siguiente detalle:

Cuadro primero: 1. Escena 1ª. Paquiro y coro “El pelele”. 2. Escena 2ª. Pepa, Paquiro y coro “Los requiebros”. 3. Escena 3ª. Rosario, Pepa, Fernando, Paquiro y coro “El coloquio en la reja”. 4. Intermedio.

Cuadro segundo: 5. Escenas 1ª y 2ª Rosario, Pepa, Fernando, Paquiro y coro “El baile del candil”. 6. Final del cuadro segundo, Coro “Fandango de candil”.

Cuadro tercero: 7. Interludio. 8. Escena 1ª. Rosario “Las quejas o la maja y el ruiseñor”. 9. Escena 2ª. Rosario y Fernando “Dúo de amor en la reja” y 10. Final de la obra, Rosario y Fernando “El amor y la muerte”.

Personajes

Rosario: Dama de alto rango, amante de Fernando. Soprano.
Pepa: Tonadillera, amante de Paquiro. Mezzosoprano.
Paquiro: Famoso torero, amante de Pepa. Barítono.
Fernando: Capitán de la Guardia Real, amante de Rosario. Tenor.


LA GRAN VIA

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La Gran Vía

Zarzuela en un acto, y cinco cuadros
Texto original de FELIPE PÉREZ GONZÁLEZ
Música de FEDERICO CHUECA y JOAQUÍN VALVERDE
Estrenada el 2 de Julio de 1886 en el Teatro Felipe de Madrid


Elenco del estreno

Caballero de Gracia: JOAQUÍN MANINI, Menegilda y el Eliseo Madrileño: LUCÍA PASTOR, Rata primero y otros papeles: JOSÉ MESEJO, Rata segundo y otros papeles: EMILIO MESEJO, Rata tercero y otros papeles: JULIO RUIZ

La obra

Se cuenta que el estreno fue uno de los mayores éxitos de toda la historia del teatro español, sobreviviendo a la clausura del teatro Felipe pasando al Teatro Apolo en donde permaneció cuatro temporadas seguidas y su triunfo hizo que el género chico se afirmara en Apolo reinando en ese escenario durante más de treinta años. Además LA GRAN VIA se paseó por todo el mundo y se sigue escuchando sin que haya perdido su gracia y original frescura.

Todos los números de la obra alcanzaron un éxito inusitado desde el estreno. Ya la introducción, un poco a la manera de una obertura de ópera, es una página airosa que sirve de presentación a la conocida polka confiada al coro “Somos las calles, somos las plazas y callejones de Madrid”. El número siguiente es una bella y elegante romanza de barítono “Caballero de Gracia me llaman” con acompañamiento de coro femenino y grácil ritmo de vals. Siguiendo en este desfile de ritmos distintos, la pieza siguiente es un tango y corresponde a una soprano, una “Menegilda” que canta la célebre canción “Pobres chicas las que tienen que servir”. El sexto número es la no menos famosa Jota de los ratas “Soy el rata primero, y yo el segundo y yo el tercero” que tras su presentación y explicación de su currículum termina con la intervención “fallida” de unos guardias con acento gallego. El octavo número es una pieza para coro femenino “Somos los marineritos que venimos a Madrid” con una amplia introducción hasta que se llega a la mazurca que empieza con la frase “Y nuestro barco….”. El décimo número, prácticamente concebido como final, es el célebre chotis “Yo soy el Elisedo” cantado por una mezzosoprano, un caballero, un paseante y el coro. En las diversas reformas que de la obra se hicieron, se añadieron un vals de la seguridad) cuya música me recuerda al cuarteto de Agua, Azucarillos y Aguardiente “¿Está dormida? que vio la luz once años después) y un marcial pasacalle de sargentos.

Los compositores

Federico Chueca Robles nació en Madrid (Casa de los Lujanes en la Plaza de la Villa, donde se cuenta que estuvo preso Francisco I de Francia tras su apresamiento en 1520 en la batalla de Pavía) el 5 de mayo de 1846 y murió en la misma capital el 20 de junio de 1908. Desde su niñez en el Conservatorio Chueca, con sus dotes naturales extraordinarias, no comprendía que hubiera que estudiar para ser músico, le molestaba escribir música y admiraba a quien escribía con soltura en el papel pautado como Barbieri o Bretón. Lo primero de Chueca que se llevó al pentagrama fueron unos valses titulados “El lamento de un preso” que compuso cuando lo estuvo por mor de los incidentes de “La noche de San Daniel” (La noche del 10 de abril de1865 la policía cargó contra las manifestaciones de estudiantes dejando nueve muertos y muchos heridos. Los estudiantes se manifestaban a favor de Castelar que había sido separado de su cátedra por un artículo titulado “El Rasgo” sobre la decisión de Isabel II de vender la mayor parte de su patrimonio regalando el 75% al Tesoro y reservándose el 25%, interpretando que tras su aparente generosidad se escondía un despojo a la Nación propietaria legítima de todo el Patrimonio.), liberado corrió a ver a Barbieri quien le hizo repetir la música y los pasó al pentagrama. Barbieri fue pues su primer colaborador con el que luego estrenó la zarzuela HOY, SALE HOY, el segundo Bretón con el que estrenó BONITO PAIS, siendo el habitual, hasta 1890, Joaquín Valverde, que le escribía la música y aportaba algún elemento técnico de su cosecha. Chueca se servía de “monstruos” (en el argot teatral son unas palabras, más o menos absurdas, pero que siguen una rítmica y que sirven para componer la música) y escribía la letra de muchas partes de sus obras, obviando al libretista. En 1875 estrenó su primera obra EL SOBRINO DEL DIFUNTO, y desde entonces se suceden los éxitos de los que me limito a detallar BONITO PAIS en 1877, LA CANCION DE LA LOLA (en colaboración con Valverde) en 1880, FIESTA NACIONAL en 1882, HOY, SALE HOY y CARAMELO en 1884, LA GRAN VIA y CADIZ (ambas en colaboración con Valverde) en 1886, DE MADRID A BARCELONA en 1888, EL AÑO PASADO POR AGUA y DE MADRID A PARIS en 1889 (ambas también en colaboración con Valverde), LA CAZA DEL OSO O EL TENDERO DE COMESTIBLES en 1891, LOS DESCAMISADOS en 1893, AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE, en 1897, LOS ARRASTRAOS en 1899, LA ALEGRIA DE LA HUERTA en 1900 y EL BATEO en 1901. Cuenta Rafael Mitjana que Camilo Saint-Saëns gustaba de asistir a las zarzuelitas de Chueca y que el le regaló un ejemplar de la partitura de una de ellas, DE MADRID A PARIS (en que se cantaba aquello de “A mi me llaman la Pelos, a mi la de Lavapiés”) no quiso el gran músico el obsequio seguramente para no “contaminarse” con algo hecho sin la disciplina debida, pero cuando echaba a la estufa la partitura, volvió a cantar la picaresca melodía para terminar diciendo “Qué clase de talento tiene este demonio de compositor que, casi sin saber música, la crea de tal fuerza que no se la puede olvidar cuando una vez se la oye”. Se lee en el Espasa que no eran sus composiciones la más depurada expresión del espíritu nacional, en el sentido que en todas partes se da a la música popular: eran más bien la inspiración de una musa callejera, bastante artificial, que venía a ser como los couplets en Francia, con el mismo descoco, la misma alegría y la misma facilidad que aquellos, que pronto se convertían en música para los organillos callejeros, para los cafés y, en general, para el pueblo. Fue más que un músico español comprensivo para toda España, un madrileño que improvisaba sus canciones, sin grandes conocimientos de técnica pero dotado de extraordinaria facilidad y exquisita sencillez. Este madrileñismo tuvo sus excepciones, pues CARAMELO y CADIZ, son de puro estilo andaluz, LA ALEGRIA DE LA HUERTA, murciana y el tercer cuadro de LA CAZA DEL OSO O EL TENDERO DE COMESTIBLES, es asturiano neto. Comenta Arnau que a Chueca no se le puede analizar pues antes de que intentemos analizar la construcción de la frase el pensamiento del autor se ha apoderado de nosotros y le seguimos en volandas por los giros inigualados de sus castizos pasacalles. En su creación las cosas fluían de repente o no salían. Lo mismo da en la música que en la letra, si le faltaba una palabra española para llenar su frase musical la inventaba si era necesario en francés macarrónico y se quedaba tan pancho, porque además, el resultado tenía asegurado el éxito.

Joaquín Valverde Durán, nació en Badajoz el 27 de febrero de 1846 y murió en Madrid el 17 de marzo de 1910. Inició sus estudios musicales en su ciudad natal formando parte de bandas militares y orquestas y los prosiguió, a partir de 1862, en el Conservatorio de Madrid bajo la dirección de Arrieta y Aranguren. En 1867 y 1870 obtuvo primeros premios de flauta y composición. Dedicado a la dirección de orquestas y a la composición de más de 200 obras, teatrales sobre todo. Muchas de ellas en colaboración con Bretón, Rogel, Julian Romea, Fernández Caballero, López Torregrosa, su hijo Quinito y sobre todo con Chueca. Sus obras más afamadas fueron LA CANCION DE LA LOLA (1880), LA GRAN VIA y CADIZ (1886), ), DE MADRID A PARIS (1888) y EL AÑO PASADO POR AGUA (1889), todas ellas junto con Chueca con quien colaboró desde 1876 hasta principios de los 90 aportando Valverde sus mayores conocimientos musicales a la intuición, originalidad y gracia de Chueca.

El libretista

Felipe Pérez y González, poeta, autor dramático y periodista nació en Sevilla el 15 de mayo de 1854 y murió en Madrid el 16 de marzo de 1910. De niño comenzó a desplegar su afición en los periódicos de Sevilla “El tío clarín” y “La mariposa”, escribiendo a los 15 años un juguete cómico-político y a los 18 su primera colección de versos EL LIBRO MALO. Estudió con brillantez Derecho, fue secretario del Ayuntamiento sevillano, cargo del que dimitió en 1884 fecha en la que se dedica en exclusiva al periodismo y a la literatura. En Madrid colaboró en “El Motín”, “El Progreso” y “El Liberal” entre otros. Obtuvo algunos laureles con obras como EL OSO Y EL CENTINELA, CON LUZ Y A OSCURAS, RECURSO DE CASACIÓN y CASI…CASI…., pero su gran triunfo lo obtuvo con la zarzuela LA GRAN VIA.

Sinopsis

La Gran Vía es una obra compuesta de cinco sainetes cortos, y trata de los comentarios surgidos en Madrid por la eminente aparición de una nueva avenida: La Gran Vía. Durante ese año se iniciaron una serie de derribos para construir esta Gran Vía que saneara y transformara el centro. La reforma afectaba a gran cantidad de calles.

Cuadro primero: Al levantarse el telón aparece la escena sola. A poco se presenta en la puerta del foro la calle Mayor, que baja hasta el proscenio. Detrás salen por parejas las calles de la Sartén y de la Libertad, de la Primavera y de la Paloma, del Reloj y de la Luna, de la Priora y de la Caza, del Espejo y del Pez, de la Rosa y del Soldado, de la Montera y del Turco, del Tesoro y del Oso, del Ave María y de Válgame Dios y los callejones del Perro y del Gato. Hacen una pequeña evolución, quedando al terminar formando un semicírculo frente al público; las primeras de cada pareja a la derecha de la calle Mayor, empezando por la de la Sartén y terminando en la del Ave María, y a la izquierda las demás comenzando por la de la Libertad y concluyendo por la de Válgame Dios. Los callejones del Perro y del Gato quedarán en los extremos junto a la embocadura del escenario. Las calles y plazas de Madrid, soliviantadas por el anuncio de la creación de una Gran Vía en el corazón del viejo casco urbano, se reúnen alarmadas. Las calles se preguntan quién podrá ir a una calle que lleve ese nombre y amenazan con sublevarse para dar un susto a la Municipalidad que con tan poco respeto las trata. En el diálogo siguiente, un Paseante que recorre Madrid dialoga con algunas de las calles que llevan parte principal en la discusión, como la calle de Toledo, intervienen la calle del Candil, la calle de la Sartén y varias calles y plazas que responden o hablan de acuerdo con sus características: la plazuela de los Afligidos solloza, las calles del Ave María y de Válgame Dios, intercalan exclamaciones con sus nombres, la calle de la Libertad hace propuestas políticas liberales. Entre todas sobresale por unos momentos la calle de Sevilla, la cual, lógicamente, se expresa con vivacidad y un marcado acento andaluz. Seguidamente entra el Caballero de Gracia jactándose de las conquistas amorosas que la leyenda popular le atribuía. Los demás personajes critican en voz baja al presumido personaje. Luego continúa el diálogo sobre la reforma urbanística de Madrid, insistiendo en los chistes a cuenta de los nombres de las calles que intervienen. La entrada de la Plaza de la Leña hace callar a todos. A continuación entra el Comadrón, de cuyas palabras se deduce que el nacimiento de la Gran Vía va para largo. Finalmente las calles vuelven a su ubicación ciudadana excepto la del Caballero de Gracia, que se va a dar una vuelta con el Paseante.

Cuadro segundo: En las afueras de Madrid dialogan el Paseante y el Caballero de Gracia, su diálogo versa en torno a la política cuyos defectos, concluyen, son generales en todo el mundo. Terminada la discusión, entra la Menegilda, una criada (desde entonces en Madrid e incluso en otras ciudades de España se empezó a llamar "menegildas" a las criadas, abandonando el nombre más clásico de "maritornes", de origen cervantino), nos explica cómo se las ingenió para salir adelante con su escuálido sueldo de sirvienta: sisando. Y aunque acabó el ama echándola de la casa, su carrera ha continuado y no se puede quejar de su actual colocación: "… sirvo a un abuelo, que el pobre está lelo y yo soy el ama … y punto final". Cuando termina su explicación la Menegilda empieza a buscar a su novio, y traba conversación con el Caballero de Gracia. Después de coquetear un poco llega el novio, un soldado, y se van los dos. En este punto se intercaló posteriormente, y en vista del éxito del tango de la Menegilda, una escena que hiciera contrapunto y en la que una ama de casa, Doña Virtudes, se queja del servicio aduciendo la frescura de las criadas y su carácter respondón. Siguiendo también un diálogo de Doña Virtudes con el Caballero de Gracia. Entran a continuación el barrio de la Prosperidad, vestido de pobre, y pidiendo un tranvía como limosna, y el barrio del Pacífico, dispuesto a armar camorra por un quítame allá esas pajas. Luego, viendo venir a unos rateros (los Ratas), el Paseante y el Caballero se alejan. Los Ratas entran jactándose de la comodidad y productividad de su oficio, también entran dos guardias, colocan una especie de ratonera enorme y capturan a los ladrones, quienes entran por la puerta de la jaula. Al cerrarse ésta, automáticamente se abre la del lado opuesto, por la que salen los Ratas como si tal cosa. Los guardias después de su intervención se van, tirando de la ratonera vacía, y los Ratas se van por el otro lado, muertos de risa.

Cuadro tercero: Ahora estamos en la Puerta del Sol. Sale doña Sinceridad, que intenta ir al Congreso pero no lo logra porque tiene que cuidar de sus yernos, dos niños díscolos que piden turrón y se portan mal. Luego aparecen el Caballero de Gracia y el Paseante, observando este cuadro familiar. Seguidamente entran un señor y tres señoras. Ellas se vanaglorian de los lugares de veraneo a donde piensan dirigirse, y él se burla. Luego se burlan ellas de él. Cuando se han ido, se oye un lamento: es la Fuente que se queja de que la quieren quitar de su emplazamiento, porque estorba a los Ripperts y tranvías. La Fuente recuerda sus muchos servicios a la causa de la convivencia ciudadana, ante la sorpresa de un paleto maravillado de que las fuentes de Madrid hablen. Mientras tanto la fuente se hunde lentamente y desaparece. El paleto finge haber sido estafado por un caballero que le pidió cambio pero en realidad aprovecha el relato para robar el reloj del Caballero de Gracia, que sale corriendo tras el avispado raterillo. Aparecen unos Marineritos, Se vuelve a oír luego la Jota de los Ratas, pero ahora, en su lugar, pasan, ante la mirada asombrada de los guardias, tres caballeros de elegante etiqueta que pasean frente a ellos. Los guardias saludan respetuosamente. La alusión a la similitud de moral entre Ratas y caballeros importantes queda claramente establecida

Cuadro cuarto: En una Travesía, aparecen un Sietemesino y una niña Gomosa, que cantan brevemente su pertenencia a lo más "chic" de Madrid y su próxima visita al Skating Ring, la pista de patinaje que era entonces la última novedad deportiva. Entre tanto, aparecen La Lidia y El Tío Jindama, dos personajes que representan a dos periódicos taurinos muy conocidos en la época. Retornan el Caballero de Gracia y el Paseante, criticando en su diálogo el teatro del momento. Pero ven llegar al Elíseo madrileño, "baile de chachas". En la introducción sitúa el local en el Madrid de entonces y luego se describe a sí mismo como "baile de criadas y horteras". Entra corriendo el Comadrón, está próximo al nacimiento de la Gran Vía, el nuevo parto de la Municipalidad. Y tras enumerar la lista de condiciones que hacen falta para que el país funcione, acaba situando la fecha del próximo nacimiento de la Gran Vía… el 30 de febrero. Sin embargo, como anticipo de lo que será, muestra a los concurrentes una visión de futuro.

Cuadro quinto: Aparecen todas las calles y plaza de Madrid, fuentes y personajes, y en medio de la algarabía general por el nacimiento futuro de la Gran Vía madrileña acaba la obra.

Índice de escenas

Zarzuela denominada “revista madrileña cómico-lírica, fantástico-callejera en un acto y cinco cuadros, distribuidos en los siguientes números musicales:

1. Introducción y polka de las calles “Somos las calles, somos las plazas”. 2. Vals del Caballero de Gracia “Caballero de Gracia me llaman”. 3. Intermedio orquestal. 4. Tango de la Menegilda “Pobre chica la que tiene que servir” y tango de Doña Virtudes “Pobres amas las que tienen que sufrir”. 5. Orquesta. 6. Jota de los ratas “Soy el rata primero”. 7. Coro de niños “Yo de la yernocracia” y orquesta. 8. Mazurca de los marineritos “Somos los marineritos”. 9. Gomosa y Sietemesinos “Somos la crem”. 10. Schottis del Elíseo Madrileño “Yo soy el Elisedo”. 11. Final: Coro general “La ra la ra la”. 12. Vals de la seguridad “Soy salvaguarda de la sociedad”. 13. Pasacalle de los sargentos “Ustedes, por lo visto, han comprendido ya”.

La obra terminaba con el nº. 11 y aunque el Diccionario de la Zarzuela señala que los números 12 y 13 son recuperados por la edición crítica de la ICCMU de 1996, “ya que eran desconocidos” no comparto esa opinión pues la versión discográfica de Columbia-Orlador 1972 incluye ambos números. Los números 3, 5 y 9 tampoco figuran en ninguna de las grabaciones con que cuento.

Personajes

Algunos de los innumerables, son:

Calles, plazas y callejones de Madrid:
El comadrón: Actor
El caballero de Gracia: Barítono
El paseante en corte: Actor
La Menegilda: Soprano
Los ratas: Tenor cómico, tenor cómico y barítono cómico
El Elíseo Madrileño: Mezzosoprano


EL GRUMETE

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El grumete

Zarzuela en un acto.
Texto de ANTONIO GARCIA GUTIERREZ.
Música de EMILIO ARRIETA.
Estrenada el 17 de junio de 1853 en el Teatro Circo de Madrid.


Elenco del estreno

Luisa: EMILIA MOSCOSO; Juana: MARIA BARDAN; Serafín: ELADIA APARICIO; Tomás el corsario: FRANCISCO SALAS; Pascual: FRANCISCO CALVET; Antón: VICENTE CALTAÑAZOR.

La obra:

Junto con EL DOMINO AZUL y MARINA componen los títulos de más éxito del compositor. Dado el triunfo de la obra, sus autores compusieron LA VUELTA DEL CORSARIO, destinada a ser la segunda parte de una misma zarzuela, que fue bien recibida pero sin llegar a la altura de EL GRUMETE. Leyendo a Salvador Valverde sabemos que esta zarzuela "fue un éxito al que contribuyó la eminente artista Emilia Moscoso y también la Murillo que hizo el grumete, compartiendo el triunfo con ambas Calvet, y los inevitables Caltañazor y Salas. Este último en el Corsario Tomás, epilogaba la obra, cantando con el coro la barcarola que tan célebre se hizo: ¡Pobre barquilla mía, parte ligera a donde está mi Aurora, que ya me espera! ¡Pobre barquilla, cuantos placeres dejo en esta orilla!". Esta Murillo (Josefa, nacida en Málaga en 1840 que no llegó a Madrid hasta 1857) a la que se refiere no estrenó la obra, como queda reflejado en el encabezamiento de esta reseña, debiendo referirse a alguna representación acaecida años después. De esta zarzuela sólo se oye la deliciosa barcarola en la voz de Marcos Redondo gracias a la labor discográfica de Blue Moon.

El compositor

Emilio Arrieta y Corera nació en Puente la Reina (Navarra) el 20 de octubre de 1821 y murió en Madrid el 11 de febrero de 1894. Su nombre completo era Juan Pascual Antonio. Al morir sus padres marchó a Madrid para estudiar bajo la protección de su hermana Antonia. En 1839 se fue a Milán en donde ingresó en el Conservatorio de Milán y estudió bajo la dirección de Vaccaj logrando una brillante educación musical y consiguiendo con su ópera ILDEGONDA sobre libreto de Solera el primer premio de composición y el estreno en dicho centro, en donde fue condiscípulo y maestrino de Ponchielli el autor de LA GIOCONDA. Vuelto a España logra la protección de Isabel II y recaen privilegios y nombramientos sobre él, y como las obras del Teatro Real iniciadas en 1818 no se terminaban, habilitó dentro de Palacio el Teatro del Real Palacio inaugurándose con ILDEGONDA en 1849 y estrenando allí su ópera LA CONQUISTA DE GRANADA, también con Temístocles Solera, el prestigioso libretista de muchas óperas de Verdi.

Por aquellos tiempos predicó contra la zarzuela adoptando una actitud de menosprecio con los jóvenes compositores Barbieri, Gaztambide, Hernando, Inzenga y Oudrid que trataban de desenterrar el género y habían fundado una Sociedad Artística para explotar el súbito y espectacular éxito que estaba logrando la zarzuela en toda España. Pero en 1850 al inaugurarse el Teatro Real, Arrieta perdió su preeminente posición en la corte y su repertorio no fue escogido para el nuevo teatro. Esto motivó un viraje de Arrieta en sus relaciones con la reina que se enfriaron de tal manera que, a la caída de Isabel II, acabó musicando el himno ABAJO LOS BORBONES con letra de García Gutiérrez, el libretista de EL TROVADOR. Y también supuso el cambio de trinchera musical, ya que Arrieta desde ese momento se convirtió a la zarzuela hasta tal punto que pidiese que en su lápida figurase la inscripción "Aquí yace Arrieta, el zarzuelero". Desde entonces fueron numerosas las zarzuelas que compuso, algunas en colaboración con los antes denostados Barbieri y Gaztambide, de las que cito EL DOMINO AZUL y EL GRUMETE (1853), MARINA (1955), UN SARAO Y UNA SOIREE (1866), EL POTOSI SUBMARINO (1870), LAS FUENTES DEL PRADO (1870) y su última obra SAN FRANCO DE SENA (1883).

El libretista

Nació en Chiclana (Cádiz) el 4 de octubre de 1813 y murió en Madrid el 26 de agosto de 1884. Poeta y dramaturgo, intentó ser médico, luego se hizo militar hasta que triunfó en las letras y abandonó dicha profesión. Su fama mundial se debe a ser el autor de EL TROVADOR, la genial ópera de Verdi. En el campo de la zarzuela colaboró con Barbieri (LA ESPADA DE BERNARDO y EL ROBO DE LAS SABINAS) y con Arrieta (LA CACERIA REAL, AZON VISCONTI, LLAMADA Y TROPA y, sobre todo EL GRUMETE).

Sinopsis

La acción transcurre en los primeros años del siglo XIX en la costa cántabra. Luisa, hija de unos modestos labradores, va a contraer matrimonio con Antón, un mozo rico a quien ella no ama, que ha tentado con su riqueza a Pascual, padre de la muchacha. El día previsto para la celebración de la ceremonia regresa al pueblo Serafín, antiguo amor de Luisa que presta su servicio en el bergantín Aurora propiedad de su tío Tomás. Serafín ha huido del barco para reconquistar a Luisa, pero su tío, un corsario que posee gran riqueza, va tras su pista y cuando conoce a Luisa queda cautivado por su belleza, llegando a soñar que ella pudiera ser su esposa. La juventud consigue vencer y Tomás proporciona a los jóvenes la dote necesaria para que Pascual consienta el enlace.

Índice de escenas

Zarzuela en un acto, con los siguientes números musicales:

Acto único: 1. Preludio y presentación de Luisa "Como cerrada se ve tu puerta". 2. Romanza de Serafín "No iré yo al río, no iré yo al mar". 3. Dúo de Luisa y Serafín "¡Ay, ay, mi Luysilla!". 4. Romanza de Tomás "Yo he visto a ese muchacho". 5. Dúo de Pascual y Tomás "Si espera en esa boda". 6. Trío de Luisa, Serafín y Tomás "Ven Luisa, hija amada". 7. Barcarola "El bergantín corsario....Pobre barquilla mía".

Personajes

Los principales son los siguientes:

Luisa: Enamorada de Serafín y pretendida por otros. Soprano.
Serafín: Sobrino de Tomás y enamorado de Luisa. Tiple.
Tomás: Rico corsario, tío de Serafín. Barítono.
Pascual: Padre de Luisa. Bajo.
Antón: Mozo rico destinado a Luisa. Tenor cómico.


LAS HIJAS DEL ZEBEDEO

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Las hijas del Zebedeo

Zarzuela cómica en dos actos.
Texto de JOSE ESTREMERA.
Música de RUPERTO CHAPI.
Estrenada el 9 de julio de 1889 en el Teatro Maravillas de Madrid.


Elenco del estreno

Luisa: JULIA SEGOVIA; Regina: Srta. RUIZ; Tomasa: Srta. SABATER; Arturo: JOSE SIGLER; Felipe: Sr. CASTRO; Polissón: SERVANDO CERBON y Gregorio: Sr. CAMPOS.

La obra:

Esta zarzuela constituyó el mayor éxito de la etapa estival de 1889, siendo acogida muy elogiosamente por la crítica por todas y cada unas de las piezas musicales que fueron dirigidas por el maestro Giménez y provocaron oleadas de aplausos y "salida al tercio" de los autores. Sin embargo sólo ha quedado en el repertorio el número de las carceleras, que curiosamente, según dice el Diccionario de la Zarzuela, fueron extraídas de EL PAIS DEL ABANICO, composición que no alcanzó apenas popularidad. Este fragmento sigue hoy constituyendo un tema emblemático en el género.

El compositor

Ruperto Chapí y Llorente nació en Villena (Alicante) el 27 de marzo de 1851 y murió en Madrid el 25 de marzo de 1909. Su quintoabuelo, Claudio Sapi era oriundo de Lyon, pero a su hijo se le encuentra en Ayora, y su nieto vive ya en Villena. El apellido se transforma en Chapí posiblemente en 1708. Tras el paso de otras tres generaciones llegamos a la del padre del músico, barbero sangrador y, según el Espasa, gran aficionado a la música en una familia en que se aprendía solfeo al mismo tiempo que a leer y escribir. Primero Villena y luego Bocairente conocen la voluntad de hierro y el talento de un joven abnegado. En 1866 compuso ESTRELLA DEL BOSQUE, su primera zarzuela y en 1867 marcha a Madrid matriculándose en el Conservatorio y viviendo con mil apreturas hasta conseguir en 1872, junto con Bretón, el premio extraordinario del Conservatorio. Desde 1874 reside en Roma y París a causa de haber sido el primer español que logró la concesión del pensionado de número en la Academia de Roma, volviendo a Madrid en 1880. En 1873 compone ABEL Y CAIN, que el Diccionario de la Zarzuela reputa como su primera zarzuela, desde entonces han sido innumerables citando entre ellas MUSICA CLASICA (1880), LA TEMPESTAD (1881), EL MILAGRO DE LA VIRGEN (1884), LA BRUJA (1887), LAS HIJAS DEL ZEBEDEO (1889), EL REY QUE RABIO (1881), EL TAMBOR DE GRANADEROS (1894), LAS BRAVIAS (1896), LA REVOLTOSA (1897), PEPE GALLARDO, LA CHAVALA y CURRO VARGAS (1898), EL BARQUILLERO (1900), EL PUÑAO DE ROSAS y LA VENTA DE DON QUIJOTE (1902) y LA PATRIA CHICA (1907). Además compuso música religiosa, una sinfonía sobre DON QUIJOTE DE LA MANCHA, la famosa FANTASIA MORISCA y varias óperas de las que cito CIRCE (1902) y MARGARITA LA TORNERA (1909), los esfuerzos que hizo para la composición de esta última obra le llevaron a la muerte un mes después de su estreno, hora suprema que le llegó cuando en su delirio agónico balbuceaba la zarabanda de su ópera. Pese a tantas obras, hay que decir con Carlos Gómez Amat que "Bretón compuso numerosas óperas y Chapí cuenta con un extenso catálogo en varios géneros, pero uno y otro siempre serán los autores de LA VERBENA DE LA PALOMA y LA REVOLTOSA".

No se puede olvidar su contribución tanto a la renovación de la Zarzuela rescatándola del italianismo en que estaba inmersa, como al fortalecimiento de los derechos de los autores primero con la creación en 1895/6 de la Sociedad de Autores Compositores y Editores de Música que cristalizó finalmente en la Sociedad de Autores formada en 1901 con la ayuda de Sinesio Delgado y pese a los ataques de los mismos autores que se oponían a su redención: ¡Vivan las caenas si parecen buenas y son de reloj!

El libretista

José Estremera Cuenca nació el 7 de noviembre de 1852 en Lérida en donde su padre era Gobernador Civil y murió en Madrid el 31 de enero de 1895. Doctor en Derecho, esquivó su ejercicio y se lanzó a las artes literarias estrenando su primera obra, PRUEBAS DE FIDELIDAD en 1873. Además de escribir muchas obras en solitario, colaboró con varios autores, especialmente con Vital Aza a cuya común pluma se debe NOTICIA FRESCA y AMOR, PARENTESCO Y GUERRA. Dentro del teatro lírico, escribió para Fernández Caballero (ANTON PERULERO y EL HERMANO BALTASAR), Chueca y Valverde (LA VENTA DEL PILLO), Arrieta (SAN FRANCISCO DE SENA), Marqués (LA CRUZ DE FUEGO), Brull (la ópera GULDNARA y EL MILANO), Estellés (EL MESON DEL SEVILLANO y ¡CARIÑO!) y Chapí (MUSICA CLASICA., NADA ENTRE DOS PLATOS, LA SERENATA, LA FLOR DE LIS, LAS HIJAS DEL ZEBEDEO, LA FLOR DEL TRIGO, LOS NUESTROS, LOS GENDARMES, LA CZARINA y EL ORGANISTA).

Sinopsis

Polissón, sastre y tío de Regina, busca a un tal Felipe que sedujo a su hermana, y sospecha que es el dueño del merendero "El Zebedeo". Arturo, hijo de Felipe es novio de Luisa y teme, por algunos comentarios oídos a su padre, que pueda ser hija del Zebedeo y por tanto su hermana. Pero la realidad es que la hija ilegítima de Felipe resulta ser Regina, la que al final es reconocida y admitida como hija por Tomasa en tanto, que deshecho el equívoco Arturo se casará con Luisa.

Índice de escenas

Zarzuela cómica en dos actos con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Introducción y coro de mujeres "Luisa, Regina, ¿vino el maestro?". 1 bis. Vals de las modistas "¡Ah! El campo con la luz y alegría convida al placer y al amor". 2. Dúo de tiple y barítono "Cuando veo a mi Luisita tan graciosa y tan bonita". 3. Terceto del baile "Mil luces alumbraron el salón", 4. Vals "Muchachas, muchachas, que ya se marchó".

Acto II: 5. Preludio. 6. Pasacalle "Vivan las buenas mozas y los galanes". 7. Dúo de los abuelitos "¡Apriete usted! ¡Apriete usted! 8. Carceleras "Al pensar en el dueño de mis amores". 9. Final "Mi anhelo al fin se colmará".

Personajes

Los principales son los siguientes:

Luisa: Empleada en la sastrería, amiga de Regina y novia de Arturo. Soprano.
Regina: Hija ilegítima de Felipe que trabaja en la sastrería de su tío. Soprano.
Tomasa: Esposa de Felipe. Actriz cantante.
Arturo: Hijo de Felipe y Tomasa. Barítono.
Felipe: Dueño del merendero "El Zebedeo". Actor cantante.
Polissón: Dueño de la sastrería, tío y padrino de Regina. Actor cantante.
Gregorio: Empleado de Felipe y Tomasa. Actor cantante.


EL HUESPED DEL SEVILLANO

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El huésped del Sevillano

Zarzuela en dos actos, en prosa y verso
Texto original de ENRIQUE REOYO y JUAN I. LUCA DE TENA
Música de JACINTO GUERRERO
Estrenada el 3 de diciembre de 1926 en el Teatro Apolo de Madrid


Elenco del estreno

Raquel: SELICA PÉREZ CARPIO, Juan Luís: RICARDO C. DE LARA, Constancica: ROSARIO LEONÍS, Teresa: PAQUITA ALCARAZ, Ginesa: ANGELITA DURÁN, Rodrigo: ARTURO LLEDÓ, Don Diego: JUAN FRONTERA, El huésped: JESÚS NAVARRO

La obra:

Respecto al papel protagonista de Juan Luís, el Diccionario de la Zarzuela cita como cantante del estreno a Delfín Pulido, pero la Historia de la Zarzuela nombra al antes citado Ricardo C. de Lara quien “no llegó a convencer al público, pues si cantó bien por primera vez la canción de la espada, al bisarla, y luego en el dúo, estuvo verdaderamente desafortunado. Dos días después del estreno fue sustituido por Delfín Pulido, y unos meses más tarde, coincidiendo con su debut, Pepe Romeu interpretó el papel de Juan Luís, con el que alcanzaría éxitos nunca interrumpidos en su carrera de tenor con exquisita línea expresiva”. Respecto a los intérpretes de ese papel, escrito para tenor, hay que destacar que también han triunfado con él mismo Marcos Redondo y Luís Sagi-Vela, más sorprendente en este último que no era lo que se llamó bari-tenor. Según Arnau “la música de Guerrero llevó al público a grados de entusiasmo pocas veces registrado, por lo menos en los últimos de Apolo. Todos los números fueron bisados, y algunos, como la briosa canción de la espada y el coro y la canción de las talaveranas, se cantaron tres veces entre estruendosas ovaciones”. La crítica fue asimismo complaciente, destacando “La Epoca“ que al ser tocado el tema de las lagarteranas por la orquesta sola, a modo de intermedio, fue coreado por el público al igual que había sucedido años antes con el “Hay que ver, hay que ver” de LA MONTERIA, zarzuela del mismo compositor. Sólo, como refiere Adame, el crítico Enrique Díaz Canedo en “El Sol” motejó a los autores el ser irrespetuosos con Cervantes escribiendo “No importa que no se pronuncie su nombre como hacían los judíos con el sagrado Jehová. Lo triste es que te hacen hablar en prosa y verso, en prosa corriente y verso ramplón. No hay oído que admita como buenos los endecasílabos del cuadro segundo, y, los versos menores, si suenan, nada dicen. Escrita en prosa, la parte hablada hubiera podido pasar; como los cantables, aun en verso; hubieran pasado hasta en música. Más estos mismos, escuchados con atención, son lamentables. Y menos mal que Cervantes no canta”. No está mal ¡verdad! El hombre se desahogó, pero claro, al día siguiente, en ABC, Reoyo y Luca de Tena lo rebatían ampliamente; es muy larga la réplica, pero de muestra basten dos botones, uno “Absolutamente toda la prosa que hemos puesto en labios suyos (se refieren a los de Cervantes) es suya, copiada literalmente de páginas de LA ILUSTRE FREGONA” y el otro “Entre los cantables que el señor Díaz Canedo califica de lamentables, sin hacer excepción, hay uno “La Chacona” reproducido exactamente en nuestra autocrítica y conocido como de Cervantes por todo el mundo”. Me parece que para ocasión similar se inventó aquello de ¡Tierra trágame!

Desde entonces el éxito ha acompañado a esta obra, tanto en sus representaciones íntegras como en los recitales en que se han interpretado o grabado alguno de sus más famosos números.

Cuenta Adame que, dado por terminado su trabajo, se reunieron compositor y libretistas en el Guría de San Sebastián con Pepe Lamorena, natural de Navalcarnero y entusiasta de la escena y este último oyendo lo que oyó, “entró” tanto en situación que entonó una canción talaverana “por si le podía valer de algo a Jacinto”, y tanto que le sirvió, pues se convirtió en el famosísimo número de las lagarteranas. También amartilla Adame la opinión de Arnau sobre el tenor del estreno al considerarlo una excepción en el triunfo del estreno al estar “desafortunadísimo hasta el punto de haber podido poner en peligro el felicísimo resultado, de no haber sido tan claro el favor del público desde los primeros momentos”.

El compositor

El compositor Jacinto Guerrero Torres, nació en Ajofrín (Toledo) el 16 de agosto de 1895 y murió en Madrid el 15 de septiembre de 1951. Se inició en la música en su pueblo y desde 1904 en Toledo donde fue seise en la catedral y un “todoterreno” como intérprete, pues tocó instrumentos de viento, piano, órgano y violín, hasta que la composición de un HIMNO A TOLEDO propició la concesión de una beca y su traslado a Madrid en 1914. Fue violinista de la orquesta de Teatro Apolo y esto le sirvió para adquirir experiencia teatral y relaciones. Ha sido, junto con Alonso, un músico dotado para logros más importantes pero tentado por el triunfo fácil que le hizo compartir producción de obras muy dignas con otras arrevistadas o directamente revistas, causando con ello daño a la zarzuela. Su catálogo es impresionante, solo detallaré, las zarzuelas de las que conozco que han tenido trascendencia fonográfica, así LA ALSACIANA (1921), LA MONTERÍA (1922), LOS GAVILANES (1923), EL COLLAR DE AFRODITA (de esta obra aun conservo un disco de La Voz de su Amo grabado en 1927, de 78 rpm en que Amparo Saus canta “Java faraónica” y Federico Caballé “Curva de mujer”, ambos dirigido por Guerrero) y MARÍA SOL (1925), EL HUÉSPED DEL SEVILLANO (1926), MARTIERRA (1928), LA ROSA DEL AZAFRÁN (1930), LA FAMA DEL TARTANERO (1931), EL AMA (1933) y EL CANASTILLO DE FRESAS (zarzuela póstuma terminada por amigos del compositor y estrenada en 1951). Compuso para Fleta la canción MI VIEJA que estrenó el gran tenor en el Teatro Apolo y que también ha grabado Marcos Redondo. Con este simple detalle, se ve como, salvo “El Canastillo” la producción importante de Guerrero terminó en 1933, por eso digo que desaprovechó su inspiración en cosas menores que privó a la Zarzuela de otras composiciones de más calado.

Los libretistas

Juan Ignacio Luca de Tena y García de Torres, nació en Madrid el 23 de octubre de 1897 y murió en Madrid el 11 de enero de 1975. Licenciado en Derecho, dramaturgo y periodista, destacando en esta faceta como Director de ABC y Blanco y Negro. Tuvo una alta significación política por su posición en los medios de comunicación, pasando de una cruda oposición a la república a una amigable convivencia con Franco pese a su amistad con Don Juan de Borbón. En su producción escénica destacan ¿QUIEN SOY YO?, ¿DONDE VAS, ALFONSO XII?, LA OTRA VIDA DEL CAPITAN CONTRERAS (en colaboración con su hijo Torcuato) y DON JOSE, PEPE Y PEPITO. Para obras musicales escribió los libretos de las zarzuelas EL HUESPED DEL SEVILLANO, en colaboración con Enrique Reoyo, musicada por Guerrero, y EL EMIGRANTE, música de José María Franco.

De Enrique Reoyo y Herrera no he conseguido saber donde y cuando nació y según el Diccionario de la Zarzuela murió en San Lorenzo del Escorial el 1 de enero de 1938. Por esa fuente y una pequeña reseña en un apéndice del Espasa sabemos que fue autor en 1909 de EL PRIMER NOVIO, en colaboración con Diego San José, de una obra de versos en 1914 HORAS TONTAS y de una obra para el teatro en colaboración con Paso LOS CIEN MIL HIJOS DE SAN LUIS, en 1918. Para el teatro lírico escribió varios libretos, siempre en colaboración, destacando LA LEYENDA DEL BESO, de los maestros Soutullo y Vert y EL HUESPED DEL SEVILLANO, de Guerrero. Serafín Adame nos dice que fue médico en ejercicio, práctica que luego abandonó para dedicarse al teatro, cuya actividad y su vecindad en El Escorial con Luca de Tena propició la amistad y la colaboración.

Sinopsis

En la imperial ciudad de Toledo, y a principios del siglo XVII, sitúan sus autores la acción de esta zarzuela. Sobre el mismo marco que el inmortal Miguel de Cervantes imaginara para su obra «La ilustre fregona» han urdido Reoyo y Luca de Tena una trama ingeniosa y llena de originalidad. Plazuela en la que se encuentra enclavada la espadería de maese Andrés Munestein. Es su cliente Juan Luís, un joven pintor de la corte, que tiene el encargo del rey para que pinte una Virgen Inmaculada con destino al Real Oratorio. El artista espera encontrar en Toledo la modelo que le sirva para realizar su obra. Conoce a Raquel, mujer de belleza extraordinaria e hija de maese Andrés Munestein. Efectivamente, queda prendado de su belleza; es la mujer que busca para su cuadro. El conde don Diego, aprovechando la salida de la joven Raquel de su casa, camino de la iglesia, la hace su prisionera, llevándosela al Mesón del Sevillano, en espera de la ocasión para sacarla de la ciudad. El rapto de Raquel llena de indignación a Juan Luís, que está enamorado de ella. Constancica, moza del mesón, pone al corriente a Rodrigo, criado de Juan Luís, de todo lo que sabe respecto a la situación de Raquel: don Diego y sus secuaces preparan la fuga, huirán de la ciudad llevándose a su víctima. La llegada al mesón de un fraile encargado de transportar en una acémila varios hábitos con destino a su convento, le da la idea a Rodrigo de robar uno y disfrazarse de religioso para no despertar sospechas... La figura de Miguel de Cervantes está presente en el mesón como huésped. Confunde a Constancica con una gran señora disfrazada de fregona, y al darse cuenta de su error, surge en su mente la idea de escribir, como así lo hizo, su novela ejemplar. El pobre Rodrigo es descubierto por el conde y sus hombres, quienes se disponen a apalearle. Es en este momento cuando la justicia llama a la puerta del mesón. Los bandidos se ven descubiertos, y es Rodrigo quien les promete salvarles si le indultan del apaleamiento. Ellos acceden y Rodrigo les hace que se disfracen también de frailes. Así lo hacen, y cuando penetran los corchetes en el mesón, se encuentran con los cinco religiosos, falsos por supuesto, que se disponen a mortificarse como es costumbre en ellos, según indica Rodrigo, quien, cogiendo un vergajo, va atizando vergajazos a uno y otro aventurero, incluido don Diego, hasta hacerles ver las estrellas. Cuando ya se ha cansado de pegar, la entrada de Juan Luís hace ver toda la verdad a los representantes de la ley, que se llevan detenidos a los malhechores. Raquel y Juan Luís ya no se separarán jamás. El pintor hará su obra más completa: pintará el cuadro que el monarca le encargó, pondrá todo su arte al servicio de los deseos reales... y se quedará con el modelo para siempre. El huésped del mesón del Sevillano observa y capta la felicidad de unos y otros y su mente comienza a trabajar: se está incubando una de las más grandes obras literarias que escribiera el Príncipe de los ingenios.

Esta famosa zarzuela de Guerrero, llena de momentos musicales que pasaron enseguida al acervo popular como piezas independientes, se inicia con un preludio hecho según los mejores patrones del género, en donde alternan los momentos graves construidos sobre melodías tocadas al unísono y los momentos de farándula. Pronto se introduce el coro que permite a Ginesa cantar “Igual que mi cantarillo” en un acto de presentación no exento de lirismo, hecho de las voces de solista y coro entrecruzadas. A continuación oímos el famoso canto “Fiel espada triunfadora” convertido en piedra de toque de cantantes españoles, basado en una melodía muy rítmica en la que la orquesta marca los tiempos fuertes y el coro da el contrapunto necesario para que el solista reinicie la canción. Un aire grave introducido por la campana da pie para la romanza de la soprano “Cuando el grave sonar de la campana” que luego deviene en dúo con el tenor que alterna con la soprano el decir la frase “Castellana, toledana”, usada como estribillo que irá apareciendo a lo largo del desarrollo dramático y que está hecho de temas populares muy cercanos a la jota. Asistimos luego al brioso dúo de soprano y tenor “Insolente presumido” que luego se serena con la frase “Moza la toledana”. Llegamos a uno de los brillantes números cómicos de la obra, el pasacalle de lindos y feos “No me seas esquivo” simpatiquísimo tanto por la situación como por la música. Y finaliza el acto con un número en que se “masca la tragedia” que se avecina y presiente. En el segundo acto, tras una sugerente introducción, nos damos de lleno con el coro de lagarteranas “Corred más” un tipo de melodía popular de las que tanto y con tan buena mano usó Guerrero. Sigue otro delicioso número cómico entre tiple y tenor cómicos “Si tu fueras pastora” en que asimismo se retoman los temas populares. La romanza dramática de la soprano “La pena me hace llorar” sirve de nexo con otro número explosivo de raíz popular, una chacona “El brío y la ligereza”. Y ya en la cuesta debajo de la zarzuela escuchamos otro de sus números famosos, la romanza de tenor “Mujer de los negros ojos” con la que prácticamente termina la acción, aunque todavía queda tiempo para un recitado evocador y un tiempo de seguidilla popular.

Índice de escenas

Zarzuela en dos actos con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Preludio y coro inicial “En la fuente cristalina…Igual que mi cantarillo”. 2. Canto a la espada toledana “Fiel espada triunfadora”. 3. Romanza de Raquel “Cuando el grave sonar de la campana…..Castellana toledana”. 4. Dúo de Juan Luís y Raquel “Insolente presumido….Moza la toledana”. 5. Pasacalle de feas y lindos y dúo cómico de Constancica y Rodrigo “No me seas esquivo”. 6. Escena final “Salid mis fieles criados”.

Acto II: 7. Introducción orquestal, canción del carretero “Para mula de varas, la Capuchina” y coro general “Corred más….Lagarteranas somos”. 8. Dúo cómico de Constancica y Rodrigo “Si tú fueras pastora”. 9. Romanza de Raquel “La pena me hace llorar”. 10. Introducción coral “Entren, pues, todos los mozos” y baile de la chacona “El brío y la ligereza”. 11. Romanza de Juan Luís “Mujer de los negros ojos”. 12. Nocturno y recitado del Huésped “Pintura sobre pintura” y del pregonero “Alma que en pecado estás”. 13. Final. Tiempo de seguidilla.

Personajes

Los principales son:

Raquel: Hija del espadero. Soprano.
Juan Luís: Pintor protector y enamorado de Raquel. Tenor.
Rodrigo: Escudero de Juan Luís. Tenor cómico.
Constancica: Moza del mesón del Sevillano. Tiple cómica.
Teresa: Una lagarterana. Tiple cómica.
El Huésped: Don Miguel de Cervantes. Actor
Don Diego: Conde de mala catadura. Barítono.
Ginesa: Moza toledana. Soprano.


LAS HILANDERAS

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Las hilanderas

Zarzuela en un acto, dividido en tres cuadros
Texto original de FEDERICO OLIVER
Música de JOSÉ SERRANO
Estrenada el 3 de Diciembre de 1927 en el Teatro Eldorado de Barcelona


Elenco del estreno

Condesa Angélica: FLORA PEREIRA, Susana/Catalina: ROSARIO LEONÍS, Silvia: AMPARO TABERNER, Leandro: DELFÍN PULIDO, Farello: VALENTÍN GONZÁLEZ, Fabricio: ALEJANDRO BRAVO, Bertoldo: LUIS BALLESTER

La obra

Zarzuela en un acto estrenada el 3 de diciembre de 1927 en el Teatro Eldorado de Barcelona (aunque equivocadamente, como apunta Juan Arnau, algunas fuentes, como el Diccionario de la Zarzuela en la biografía del libretista, citan el Teatro Fontalba de Madrid y 1929 como lugar y fecha del estreno). La obra fue un gran éxito para Serrano que hilvanó una partitura de elegante factura, muy fina y amable que consiguió interesar al público, sobre todo en el episodio de brujería (nº. 2 de la zarzuela) que fue repetido el día del estreno pese a su duración de quince minutos.

El compositor

El compositor José Serrano Simeón nació en Sueca (Valencia) el 14 de octubre de 1873 y murió en Madrid el 8 de marzo de 1941. Tras despuntar precozmente en su ciudad natal como instrumentista y compositor bajo la tutela artística de su propio padre, estudió en el Conservatorio de Valencia en los cursos 1891/3 y recibió lecciones de Salvador Giner con quien ya se destapó su rara facilidad para la melodía, aprovechando composiciones de aquella época para obras posteriores como EL MOTETE. Auspiciado por Don Simón Vila y becado pasó a Madrid en 1895 dedicado de lleno a la composición pero con enormes dificultades para darse a conocer. Perdida la beca cuenta Arnau que escribía romanzas que vendía a cualquier precio y que ofreció a un editor una de ellas, por cinco duros, siendo rechazada por el mismo: esa romanza la incluyó luego en EL CARRO DEL SOL, como la serenata veneciana que daría la vuelta al mundo como la mejor canción veneciana, a juicio de Mascagni. Por aquel entonces, le presentaron a Fernández Caballero quien, por su ceguera, le propuso colaborase en pasar de las musas al papel pautado los frutos tardíos de su inspiración, como así hizo con GIGANTES Y CABEZUDOS; decisiva también fue la amistad trabada en 1900 con los Alvarez Quintero que le surtieron de muchos libretos empezando ese mismo año con EL MOTETE que alcanzó extraordinario éxito y fue la base de su posterior carrera, apoyada sobre todo en el género chico. Fuera de la zarzuela adquirieron popularidad su ópera LA VENTA DE LOS GATOS obra póstuma aunque empezada en los años 20, LA CANCIÓN DEL SOLDADO (1917), el HIMNO A VALENCIA (1909)) escrito para la Exposición levantina de 1909 y entronizado como Himno Regional en 1925 y el himno VALENCIA CANTA compuesto para la Coronación de la Virgen de los Desamparados; pero donde más han proliferado sus éxitos ha sido en el campo de la zarzuela, sobresaliendo LA REINA MORA (1903), EL MAL DE AMORES y MOROS Y CRISTIANOS (1905), LA MALA SOMBRA (1906), ALMA DE DIOS (1907), LA ALEGRÍA DEL BATALLÓN (1909), EL TRUST DE LOS TENORIOS (1910), EL CARRO DEL SOL (1911), LAS ESTRELLAS, EL PRINCIPE CARNAVAL y EL AMIGO MELQUÍADES, con Quinito Valverde (1914), LA CANCIÓN DEL OLVIDO (1916), LOS DE ARAGÓN y LAS HILANDERAS (1927), LOS CLAVELES (1929), LA DOLOROSA (1930) y su obra póstuma GOLONDRINAS DE MADRID (1944).

El libretista

Federico Oliver y Crespo nació en Chipiona (Cádiz) el 22 de octubre de 1873 y murió en Madrid el 21 de febrero de 1957. En realidad fue un prestigioso escultor que había trabajado en las obras de restauración de la catedral de Sevilla, pero que se vio tentado por el teatro, quizás y además por su amistad con los hermanos Alvarez Quintero. Fue tío del conocido director de cine y televisión Jaime de Armiñán y amigo personal de Don Manuel Azaña, también fue presidente de la Sociedad de Autores y consejero en loa años 30 de la entonces recién creada y ahora tan denostada Sociedad General de Autores de España. Para el teatro lírico escribió los libretos de LAS HILANDERAS, de Serrano y de EL HERMANO LOBO, de Penella.

Sinopsis

El mago Farello conocedor de que Angélica y Leandro, esposos por poderes que no se ven desde la niñez, tienen una canción como contraseña de identificación entre ellos para cuando se vean por primera vez, consigue sonsacar a Leandro esta canción que luego vende a Fabricio para que pueda seducir a Angélica. Ello no llega a producirse y el fracasado donjuán junto con el glotón Bertoldo son humillados forzándolos a vestirse de hilanderas.

Índice de escenas

Zarzuela en un acto con los siguientes números musicales:

Acto único: 1. Preludio, canción de Leandro “Amores me traen a Italia”. 1bis Interludio orquestal. 2a,b.c. Dúo de Farello y Leandro “Pasad, señor.....Tu amor es una rosa….Angelica no aparece” 2d. Dúo de Farello y Fabricio “Satán, Satán…Sigue lucerito”. 3. Canción de Angélica “Una linda gondolera del gran duque se prendó”, dúo con Silvia “Y los días pasaba soñando” y engaño de Fabricio “Sigue lucerito”. 4a. Duetto de Catalina y Bertoldo “Para probar esta cena”. 4b. Fabricio “Rosa mañanera”. 4c. Leandro “Rosa mañanera”. 5 Dúo de Angélica y Leandro “Decid pronto, caballero” y final.

Personajes

Los principales, son:

Condesa Angélica: Casada por poderes con Leandro. Soprano.
Silvia: Asistenta de la condesa. Soprano.
Susana/Catalina: Azafata de la condesa que actúa como sirvienta del Mesón. Soprano.
Don Leandro: Duque y descendiente de los Omeya de Granada. Tenor.
Fabricio: Capitán tramposo y donjuanesco. Barítono.
Farello: Viejo judío con fama y artes de brujo.
Bertoldo: Criado glotón. Tenor


EL HÚSAR DE LA GUARDIA

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El húsar de la guardia

Zarzuela en un acto, dividido en tres cuadros
Texto original de GUILLERMO PERRÍN y MIGUEL DE PALACIOS
Música de GERÓNIMO GIMÉNEZ y AMADEO VIVES
Estrenada el 1 de octubre de 1904 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid


Elenco del estreno

Matilde: LUCRECIA ARANA, Lissete: ROSA MONTESINOS, Jorge: LUCIO ARISTI, Leandro: JOSÉ MONCAYO, Sulpicio: HILARIO VERA

La obra

La zarzuela con ribetes de opereta EL HUSAR DE LA GUARDIA se estrenó el 1 de octubre de 1904 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, obteniendo un lisonjero éxito. El Diccionario de la Zarzuela se hace eco de la crítica de “El Imparcial”, fechada el 2 de octubre, que atribuye un gran éxito a Pilar Pérez (especialmente en el duetto del último cuadro “Hay que comer con pulcritud”) cuando esa cantante no figura en el reparto precitado, si bien en su biografía consta que en aquellas fechas formaba parte del elenco del Teatro de la Zarzuela. El éxito fue mayormente para la partitura de los insignes maestros, pues el libreto cosechó división de opiniones. A mi entender destacan en la obra la introducción “Bebed muchachos…”, el dúo de soprano y barítono “Bajad la mano y esta es la mía”, la canción del coronel “Al coronel de un regimiento”, el dúo cómico “Napoleón en el final de un ramillete colosal” y el dúo de Lissete y Leandro “Hay que comer con pulcritud”.

Los compositores

Amadeo Vives nació en Collbató (Barcelona) el 18 de noviembre de 1871 y murió en Madrid el 2 de diciembre de 1932. De niño estuvo internado en el Asilo de San Juan de Dios de Barcelona que le generó pésimos recuerdos pero que le dio la posibilidad de su primer contacto serio con la música en 1886: la Dirección de la Banda del Asilo de la misma orden en Málaga (donde un hermano suyo era sacerdote). Luego vuelve a Barcelona, pasando por una etapa en Toledo y componiendo en 1886 una sinfonía. En 1891 funda con Luis Millet el Orfeo Catalá y estrena diversas composiciones, destacando en 1894 L'Emigrant, en esos tiempos tuvo determinada relación personal y musical con el catalanismo. En 1897 marcha a Madrid compaginando su actividad principal de compositor de zarzuelas (salvo su ópera Arthus de 1897 y las Canciones Epigramáticas de 1915), con la de empresario de los Teatros de la Zarzuela, Cómico y Eslava, aventuras que algunas veces le depararon desastres económicos que no le conturbaron el ánimo. Resultando imposible relacionar sus obras, me limito a detallar las más significativas,: DON LUCAS DEL CIGARRAL (1899), LA BALADA DE LA LUZ (1900), BOHEMIOS y EL HUSAR DE LA GUARDIA (1904), LA GATITA BLANCA (1905), JUEGOS MALABARES (1910), LA GENERALA (1912), MARUXA (1914) DOÑA FRANCISQUITA (1923), LA VILLANA (1927) y LOS FLAMENCOS (1928), algunas de ellas en colaboración con Gerónimo Giménez, al que precisamente Vives bautizó con el apelativo de “el músico del garbo”. Estamos ante uno de los compositores más grandes de la zarzuela de todos los tiempos, con una formación intelectual y musical de primerísimo nivel, y que a los efectos “zarzueleros” que interesa a los aficionados constituye además una personalidad con criterios tan importantes que merecen un análisis más completo de sus opiniones, que dejo para otra ocasión.

El compositor Gerónimo Giménez (grafía de la que él gustaba) nació en Sevilla el 10 de octubre de 1852 y murió en Madrid el 19 de febrero de 1923. La fecha, y aun el lugar, de nacimiento no están exentos de polémica, yo cito los datos del Diccionario de la Zarzuela, contrastados según ellos con la partida de bautismo, pero en la Historia de la Zarzuela de Arnau se cita el año de 1854 y se hace eco de que en algunos lugares figura como gaditano y nacido en 1858 y tanto en "El libro de la Zarzuela" como en la Enciclopedia Espasa figuran el 10 de octubre de 1854 como fecha de nacimiento. En su niñez se traslada su familia a Cádiz, en donde 1864 ingresa como primer violín en la orquesta del Teatro Principal y en 1866 debuta como director de orquesta. Desde 1874 hasta 1877 está en París estudiando en su Conservatorio donde se relaciona con Sarasate, Chabrier, Lalo, Saint Saens y Debussy al que venció en premio de piano. De vuelta a España, primero en Cádiz y luego en Madrid gana gran prestigio como Director de Orquesta, contribuyendo además a la difusión de la música. Fue Director de Orquesta del Teatro Apolo, del de la Zarzuela, de la Unión Musical Española y de Sociedad Madrileña de Conciertos. Como compositor estrenó ingente cantidad de zarzuelas, la mayoría de ellas, como es habitual en el género, sobre libretos de poca calidad. En ellas destaca su españolismo, pese a su formación parcialmente francesa, y su gracia (fue llamado por Vives el "músico del garbo" y por otros considerado como el antecedente de Falla, así como LA TEMPRANICA precursora de LA VIDA BREVE) y desde la primera EL VERMOUTH DE NICOMEDES (1885) destacaré, sólo por señalar las que me consta que han tenido trascendencia fonográfica, las siguientes: LOS VOLUNTARIOS (1893 y cuyo pasodoble fue exaltado por el espíritu popular a la categoría de himno nacional, como antes había ocurrido con el "Viva España" de Chueca, todo ello según Arnau), EL BAILE DE LUIS ALONSO (1896), LA BODA DE LUIS ALONSO (1897), LOS BORRACHOS (1899), LA TEMPRANICA (1900), EL BARBERO DE SEVILLA (1901, con Miguel Nieto), ENSEÑANZA LIBRE (1901), LA TORRE DEL ORO (1902), EL HÚSAR DE LA GUARDIA (1904 con Amadeo Vives), LA GATITA BLANCA (1905 también con Vives), CINEMATÓGRAFO NACIONAL (1907), EL PATINILLO (1909) y SOLEARES (1919). Desde entonces se produjo su dramático declive, no pudiendo ni siquiera conseguir, como pretendió, una cátedra en el Conservatorio de Madrid, muriendo en la más absoluta pobreza.

Los libretistas

Miguel de Palacios Brugueras nació en Gijón en 1863 y murió en Covadonga el 3 de octubre de 1920, estudió Medicina pero no ejerció. En solitario escribió alguna obra como la opereta “El rajá de Bengala” con música de Rafael Calleja pero casi todas sus obras, unas 140, las compuso “al alimón” con su “hermano siamés del género chico” Perrín, todas ellas dotadas de elementos dramáticos y cómicos, aunque el sentido del humor sea la constante de sus obras y entre ellas destacaron: CERTAMEN NACIONAL y CUADROS DISOLVENTES de Nieto, PEPE GALLARDO de Chapí, ENSEÑANZA LIBRE y LA TORRE DEL ORO de Giménez, LA CORTE DEL FARAON de Lleó, BOHEMIOS y LA GENERALA de Vives, EL BARBERO DE SEVILLA de Nieto y Jiménez y “EL HUSAR DE LA GUARDIA de Vives y Giménez.

Guillermo Perrín Vico, nacido en Málaga en 1857 y muerto en Madrid en 1923, estudió Derecho, pero no ejerció. En solitario escribió algunas obras como MONOMANIA MUSICAL y EL GRAN TURCO de Manuel Nieto y LA CUNA de Chapí, pero casi todas sus obras, unas 140, las compuso “al alimón” con su “hermano siamés del género chico” Perrín, todas ellas dotadas de elementos dramáticos y cómicos, aunque el sentido del humor sea la constante de sus obras y entre ellas destacaron: CERTAMEN NACIONAL y CUADROS DISOLVENTES de Nieto, PEPE GALLARDO de Chapí, ENSEÑANZA LIBRE y LA TORRE DEL ORO de Giménez, LA CORTE DEL FARAON de Lleó, BOHEMIOS y LA GENERALA de Vives, EL BARBERO DE SEVILLA de Nieto y Jiménez y “EL HUSAR DE LA GUARDIA de Vives y Giménez.

Sinopsis

Para salvar a su hermano Mauricio que va a ser detenido por conspirar a favor del regreso de Napoleón de la isla de Elba, Matilde le suplanta y es detenida por el capitán de húsares Jorge que la lleva a París, acompañada de Lissete y Sulpicio; allí, en un principio, los compañeros de Mauricio no caen en el engaño pero salvan la situación después de conversar con ellos. Tras muchas peripecias, graciosas pero bastante increíbles, la inminente llegada de Napoleón a París cambia el panorama desapareciendo el peligro para Mauricio y sus encubridores.

Índice de escenas

Zarzuela en un acto con los siguientes números musicales:

1. Introducción y escena “Bebed muchachos que el vino es bueno….Ya os he dicho muchas veces que es París la gran ciudad”. 2. Dúo de Matilde y Jorge “Bajad la mano y esta es la mía…Tengo el alma que el cielo me ha dado”. 3. Escena “¿Pero estás loca? ¿Qué vas a hacer?”. 4a. Concertante “¡Vino! ¡Cerveza! ¡Venga otra jarra! 4b. Canción del coronel “Al coronel de un regimiento orden le dieron de marchar…Y al regresar el coronel le coronaron de laurel”. 5. Dúo de Leandro y Sulpicio “Napoleón en el final de un ramillete colosal….Por el puente de Austerlitz”. 6. Intermedio. 7. Dúo de Lissete y Leandro “Hay que comer con pulcritud….Recogiéndote la falda sin subirla a mucha altura”. 8. Final “¡Alto Mauricio! ¡Por Dios callad!....Por las calles y plazas de París”.

Personajes

Los principales son:

Matilde: Hermana del teniente Mauricio a quien suplanta. Soprano.
Lissete: Moza de la hostería del lugar. Soprano.
Jorge: Capitán de húsares. Barítono.
Goriot: Dueño de la hostería del lugar. Tenor.
Leandro: Tío de Lissete y dueño de una hostería en París. Tenor cómico.
Sulpicio: Amigo de Lissete. Tenor cómico.


LA ILUSTRE MOZA

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La ilustre moza

Comedia lírica en tres actos.
Texto de LUIS TEJEDOR PEREZ y LUIS MUÑOZ LORENTE.
Música de FEDERICO MORENO TORROBA
Estrenada el 3 de marzo de 1943 en el Teatro Tívoli de Barcelona.


Elenco del estreno

Isabel: MARIA ESPINALT, Laura: TRINI AVELLI, Ana: MARIA LUISA GONZALO, Don Diego: PEDRO CASTELL, Conde: ANIBAL VELA, Martín: MANUEL HERNANDEZ, Don Marcos: ELÍAS SANJUÁN.

La obra

A tenor del artículo y crónica que seguidamente se insertan, la zarzuela tuvo un gran éxito en Barcelona primero y a partir del sábado de gloria (día 24-4) en Madrid, sin embargo no ha quedado en el repertorio. Por el ABC (he repasado ejemplares desde el 21 de abril al 1 de mayo de 1943) sabemos que en Madrid se incorporan Florencio Calpe y Pepita Rollán, cantando por la tarde María Espinalt y Florencio Calpe y por la noche Pepita Rollán y Pedro Castell.

Joaquín Zueras Navarro en el artículo citado en Bibliografía y fuentes dice, en relación con esta obra "Desde hace años hay quien sostiene que la zarzuela no tuvo apenas seguidores en Cataluña, pero no es cierto. La ilustre moza, inspirada en "La moza del Cántaro" de Lope de Vega, con libreto de Luis Tejedor y Luis Muñoz, se estrenó en el Teatro Tívoli de Barcelona el 3 de marzo de 1943, con gran éxito de crítica y público. Los protagonistas fueron María Espinalt (Isabel) Trini Avellí (Laura) y María Luisa Gonzalo (Ana), cuyas voces fueron registradas mientras duraban las representaciones por La Voz de su Amo. El crítico Fernández Zanni escribió en la Vanguardia: "El libro, apartado por completo de lo vulgar y chabacano, y la música escrita con las miras puestas en lo noble y elevado. Así lo apreció el público con sus espontáneos y fragosos aplausos... Moreno Torroba ha huido de estridencias... hay invención melódica, talento constructivo, inspiración, sentimiento y, sobre todo, sinceridad... maestría con que adapta el carácter de la música al de la escena, sin incurrir en anacronismos temáticos, a los que tan propensos son no pocos compositores...". Es curioso que en lo que para unos es mérito, para otros es demérito. Así, Antonio Massísimo ha escrito sobre las zarzuelas de Torroba: "...En lo escénico, faltóle casi siempre esa vena garbosa, desenfadada, alegre y humorística de que un Francisco Alonso y un Jacinto Guerrero (entre otros) hicieron gala". Y es que sobre gustos...".

La crónica de Fernández Zanni, citada anteriormente, se publicó en "La Vanguardía" el 4 de marzo de 1943 y dice lo siguiente: " Noche de gloria para la escena española. "La Ilustre moza", zarzuela en tres actos., de Luís Tejedor, Luís Muñoz Lorente y el maestro Federico Moreno Torroba, zarzuela cuyas primicias se ofrecían a los barceloneses, cumpliendo así la promesa hecha por el compositor, venía a dar lustre al arte lírico nacional. Todo es en la nueva obra, de verdadera dignidad artística, el libro, apartado por completo de lo vulgar y chabacano, y la música, escrita con las miras puestas en lo noble y elevado. Así lo apreció el público, que con sus espontáneos y fragorosos aplausos decretó el gran éxito que la zarzuela alcanzó desde las primeras escenas. Inspirado en "La moza de cántaro", una de las comedias que cuenta entre las mejores de Lope de Vega, el libro de "La ilustre moza" conserva los valores característicos de la obra inspiradora y tiene además el mérito de proporcionar, no forzadamente, sino de lógica manera, las situaciones, aptas para que el músico dé rienda suelta a su vena de compositor. Los señores Tejedor y Muñoz Lorente han conservado el tono y el ambiente de la época, y han mantenido también, con innegable habilidad teatral, el interés de la trama primitiva. El acierto ha presidido también la elección de procedimientos para la obtención de efectos de comicidad, todos ellos de la mejor ley. Y en su labor de versificadores, los libretistas, sin remontarse a grandes alturas, se mueven en un plano de distinguido tono literario. De la partitura, ya indicamos más arriba que el maestro Moreno Torroba ha huido de estridencias llamativas y de notas de relumbrón con las que es fácil sugestionar a los oyentes. En la música de "La ilustre moza" hay invención melódica, talento constructivo, inspiración, sentimiento y, sobre todo, sinceridad. A Moreno Torroba hay que elogiarle también por la maestría con que adapta el carácter de su música al de la escena, sin incurrir en anacronismos temáticos, a los que tan propensos son no pocos de los compositores del día. Alabémosle asimismo por sus buceos en lo popular, de lo que son valiosas muestras las primeras y algunas otras escenas del acto inicial de la zarzuela. ¿Páginas que merecen ser subrayadas? Sí todas son fruto de una gran inteligencia y una gran inspiración, no es tarea llana particularizar valores. Destaquemos, sin embargo, la fluida canción, con coro, de "La moza de cántaro", un cuarteto de dos tiples, tenor y bajo de sugestiva línea melódica y en el que están magníficamente tratadas las voces y la orquesta, un septimino femenino, de fina factura: un dúo de tiple y tenor que alcanza gran expansión lírica, un dúo de tiples en el que las frases fluyen inspiradísimas: las escenas finales del acto segundo, reciamente construidas y sabiamente modeladas; un aria de tenor; un movido terceto cómico y una sentida aria de bajo, Casi todos estos números fueron repetidos. En cuanto a la interpretación, baste decir que fue digna de la obra. María Espinalt, que de la ópera pasaba circunstancialmente a la zarzuela, triunfó rotundamente, no solo como cantante de voz pura, ágil, extensa y diestramente manejada, sino también como actriz que sabe poner en la declamación los apropiados acentos. El tenor Pedro Castells cantó con buen gusto, ya que no con plétora de medios vocales, y el bajo Aníbal Vela fue el excelente artista que también ha triunfado en la ópera. Excelentes María Luisa Gonzalo tiple de todos los merecimientos; Trini Avellí, en su breve intervención; Elías Sanjuán, que representó con sin igual mesura el papel de Don Marcos, el tradicional figurón de la antigua comedia, y Manolo Hernández, tan buen actor cómo director de escena. Correctísimos los coros, así como la orquesta, dirigida por el propio maestro Torroba. Las cuatro decoraciones de José Mestres Gabanes pueden reputarse como otras tantas obras maestras de la escenografía. Con un verdadero acierto de luz, color y perspectiva. Con justicia fue llamado a las tablas. En honor de autores e intérpretes se levantó numerosas veces la cortina después de cada uno de los actos de la1 zarzuela, y al concluir el espectáculo, el maestro Torroba y María Espinalt hubieron de pronunciar unas palabras de gratitud hacia el distinguidísimo público, que llenaba totalmente el teatro. ".

El compositor

El compositor Federico Moreno Torroba nació en Madrid el 3 de marzo de 1891 y murió también en Madrid el 12 de septiembre de 1982. En su amplia trayectoria de compositor, director de orquesta y empresario, destacan éxitos fuera del ámbito de la zarzuela, como su obra sinfónica LA AJORCA DE ORO (1918), las óperas LA VIRGEN DE MAYO (1925) y EL POETA (1980, estrenada por Plácido Domingo que tenía verdadero afecto personal al maestro) y sus composiciones para guitarra clásica. Pero donde más han proliferado sus éxitos ha sido en el campo de la zarzuela, desde la primera LA MESONERA DE TORDESILLAS (1925), y luego LA MARI BLANCA Y LA PASTORELA (1926, la segunda en colaboración con Pablo Luna), LA MARCHENERA (1928), MARÍA LA TEMPRANICA (1930 adaptación de la obra de Giménez), AZABACHE y LUISA FERNANDA (1932), XUANÓN (1933), LA CHULAPONA (1934), MONTECARMELO (1939), MARAVILLA (1941), LA CARAMBA (1942), LA ILUSTRE MOZA (1943) y MARÍA MANUELA (1957), sólo por señalar las que me consta que han tenido trascendencia fonográfica.

Los libretistas

Luís Tejedor Pérez, murió en Madrid en 1985. Médico sin ejercer y libretista. Ha escrito para el teatro hablado y para el lírico, habiendo ganado su fama principalmente. en las décadas de los 30 y 40 del pasado siglo. Escribió tanto en solitario como en colaboración con Jesús María Arozamena, Luís Fernández de Sevilla y Luís Muñoz Lorente, principalmente. En el campo de la revista escribió obras para Guerrero, como LLUVIA DE BESOS y para García Morillo, como LAS ALEGRES CAZADORAS. En el terreno lírico destaca la comedia musical SOR NAVARRA y la zarzuela LA ILUSTRE MOZA, ambas con música de Moreno Torroba y en colaboración con Luís Muñoz Lorente.

Luís Muñoz Lorente. Murió en Madrid el 29 de marzo de 1961. Comediógrafo y periodista. En el campo de la revista escribió obras para Guerrero, como LLUVIA DE BESOS En el terreno lírico destaca la comedia musical SOR NAVARRA y la zarzuela LA ILUSTRE MOZA, ambas con música de Moreno Torroba y en colaboración con Luís Tejedor Pérez.

Sinopsis

Doña Ana, damita de 25 años, viuda y coqueta, anda enamorada de don Diego, cuyo tío el Conde está a su vez enamorado de doña Ana, confiando den su criado Martín para lograr sus amores. Llega el caballero don Marcos, acompañado de su criada Isabel, hermosa y arisca, llamando la atención entre la gente del pueblo por su extraordinario donaire, siendo reconocida por Gil, mozo del pueblo, aunque sin poder precisar dónde la conoció. Cuando Isabel se presenta ante don Diego éste queda prendado de sus encantos, creyendo que finge con aquella vestimenta, dado su aspecto señorial. Ana, desde se casa, se da cuenta de la impresión amorosa que Isabel ha producido en el Conde, que al requerirla de amores es rechazado, delicadamente, por su diferencia de clases. Aparece el ciego de la Albeica para hacer la relación de un romance nuevo en el que pregona el crimen cometido por doña Blanca en Granada, al asesinar al mancebo que abofeteó a su padre al negarle en casamiento, por lo que tuvo que huir de la justicia dejando tierras de Granada. Queda el Conde fuertemente impresionado a favor de doña Clara. Gil, que ha oído el romance del ciego, recuerda a Isabel diciéndole quién es, a lo que ésta le responde serena y enérgica que igual que mató a un hombre puede matar a dos. Diego, cada vez más enamorado de Isabel, es reprochado por el Conde, recordando que se trata de una villana a quien hay que respetar. Don Diego, a pesar de todo, le ofrece su mano que es rechazada por Isabel. Seguidamente se presentan unos nobles caballeros con un mensaje del Rey, confiando al Conde el proceso de doña Clara. Regresan de Granada el Conde y don Diego, éste más enamorado que nunca de Isabel, que le manifiesta que su amor es imposible y que deja para siempre la Corte. Se oye dentro un pregón en el que el Rey hace saber que, de presentarse doña Clara, será perdonada según fallo del Conde que el Rey aprobó. Isabel, presa de gran emoción, se despide de don Diego que queda apenadísimo. Aparece doña Ana y anuncia a don Diego su felicidad con Isabel y su resignación ante su próximo enlace con el Conde. Se presenta Martín anunciando al Conde la visita de doña Clara, que al ser reconocida por el Conde le rinde fiel obediencia. Isabel, que adora a don Diego, lo acepta por esposo.

Índice de escenas

Aunque a través de datos obtenidos del catálogo de la Biblioteca Nacional, parece que esta obra contiene, al menos, 17 números musicales, y la crónica del estreno antes reproducida destaca 9, sólo puedo detallar, con seguridad, los 4 que figuran en la única versión discográfica existente, que son:

a) Romanza de Isabel con coro "Do va la moza de cántaro". b) Romanza de Isabel "Que ayer maravilla fui.....". c) Número cómico de los consejos, Laura y coro "Toda la ciencia de la mujer". d) Dúo de Isabel y Ana "Tu hermosura me agrada....Soy una pobre villana".

Personajes

Los principales, que aparecen en la versión discográfica, son:

Isabel: Noble dama que se hace pasar por criada. Soprano.
Ana: Viuda de 25 años. Soprano.
Laura: Criada. Tiple cómica.
Don Diego: Noble que se casa con Isabel. Tenor.
Conde: Tío de Don Diego. Bajo.
Martín: Lacayo del Conde. Tenor Cómico


JUAN JOSÉ

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Juan José

Drama lírico popular en tres actos
Letra y Música de PABLO SOROZÁBAL
Estrenada en versión concierto el 21 de febrero de 2009
en el Auditorio Kursaal de San Sebastián


Elenco del estreno

Juan José: MANUEL LANZA, Rosa: ANA MARÍA SÁNCHEZ, Isidra: MAITE ARRUABARRENA, Toñuela: OLATZ SAITÚA, Andrés: CELESTINO VARELA, Paco: JOSÉ LUIS SOLA, Cano: SIMÓN ORFILA, Perico y Bebedor: ALBERTO NÚÑEZ, Tabernero y Presidiario: EMILIO SÁNCHEZ. Narrador: CONSTANTINO ROMERO. Orquesta Sinfónica de Musikene, dir.: JOSÉ LUIS ESTELLÉS

La obra

La ópera JUAN JOSE, denominada por el compositor drama lírico popular aclarando que lo de popular quiere decir proletario y no folklórico, fue terminada en 1968 tras 11 años de trabajo, y estuvo a punto de ser estrenada en el Teatro de la Zarzuela de Madrid en 1979 con un reparto previsto para Angeles Chamorro, Teresa Tourné, Marianela Barandalla, Tomás Alvarez, Enrique del Portal, Alfonso Goda, Julio Catania, Segundo García, Castejón padre y Castejón hijo; incluso cuenta Sorozabal que uno de los artistas por él elegido iba a ser el Sr. Cancela "gran actor con voz de bajo" que supongo que será el recientemente fallecido y que tantas muestras de condolencia ha suscitado en nuestro Foro. El estreno fue ruidosamente suspendido por una serie de vicisitudes que el músico cuenta prolijamente en sus Memorias, y no ha tenido lugar, y solo en versión concierto, hasta el 21 de febrero de este año en San Sebastián, repetida dos días después en el Auditorio Nacional de Música en Madrid con los intérpretes señalados en el apartado discográfico de esta reseña.

En 1968 Sorozabal creía haber triunfado y a su pregunta de si había acertado se autocontestaba diciendo: "Yo creo sinceramente que he acertado y que JUAN JOSE junto a mi ADIOS A LA BOHEMIA es lo más importante que ha salido de mi pluma....Musicalmente las partituras son hermanas. Las dos obras suceden en el Madrid fin de siglo. Los personajes son reales, auténticos y yo he tratado de compenetrarme con ellos sin brochazos efectistas, acentuando ligeramente algún rasgo de humor para contraste con el fondo dramático.....Es un sainete madrileño cantado. No tiene coro ni ballet, todo es magro; sin relleno espectacular........Parte de nuestro género chico pero dándole la dimensión de ópera. Es un sainete madrileño con la esencia de nuestros clásicos, pero yo he tratado de resolverlo con mi técnica actual. Como no se trata de una ópera española, de españolada más o menos de pandereta, sino de un drama social madrileño sin folklorismo, me figuro que no será exportable".

Complemento la información con los acertados comentarios insertos en los artículos citados en el apartado bibliográfico abajo indicado.

Así leemos a José Prieto Marugán: "En cuanto a la música lo primero que llama la atención es la densidad. Sorozábal, músico de formación germánica, requiere una gran orquesta (cuatro trompas, tres trombones, dos trompetas, tres flautas, amplia percusión y cuerda en consonancia) que tapa a los solistas en muchas ocasiones. En la sesión escuchada, además, José Luis Estellés, director de la Sinfónica de Musikene debió suavizar el volumen. Quizá cuando la orquesta se sitúe en un foso, este problema disminuya pero la primera impresión es de demasiada orquesta. Hay muchos momentos interesantes, algunos en la clásica línea del sainete madrileño (un claro y marcado chotis) en la que Sorozábal se mueve con maestría y elegancia. Otros momentos nos parecieron menos atractivos, sobre todo los que podríamos denominar “declamativos”, y aquellos que comienzan muy prometedores pero que no terminan de desarrollarse. Nos gustó más el segundo acto en el que las mujeres protagonistas mantienen un largo, intenso y atractivo mano a mano".

En palabras de Christopher Webber, "Aunque el modo de emplear el lenguaje hablado, constantemente entrecortado, nos recuerda a su ópera más antigua, Adiós a la bohemia, el tratamiento armónico nos rememora las disonancias de sus zarzuelas de posguerra, como La eterna canción. La escritura no es de mucho aliento y se muestra rápida y libre, con momentos de expansión lírica que son ahogados casi antes de que afloren. Nada es superfluo. Nada está inflado. Es música ligada al instante, vagamente unida por una serie de leitmotifs que expresan situaciones o representan a personajes individuales, y que están dotados de un perfil instrumental, melódico o rítmico característico. Por ejemplo, la celestinesca Isidra, tenaz en su insistencia a Rosa para que muerda el anzuelo, es asociada con un ritmo conductor de carácter marcial de la cuerda percutida en casi cada una de sus salidas a escena. Únicamente el desdichado héroe aparece definido con mayor vaguedad. Aunque nunca llegue al sentimentalismo sus principales intervenciones pueden parecer a primera vista algo más convencionales y peor enfocadas que la mayor parte de la partitura. Resulta tentador hablar de un verismo español pero, dado el planteamiento formal y los espartanos medios empleados, el efecto final resulta, a mi juicio, más cercano al expresionismo alemán de mediados de siglo; antes que de una Bohème se trata de un Wozzeck madrileño, aunque a la larga el método es en gran medida el propio del compositor. El acto central, desarrollado en el cuartucho de Rosa y Juan José, tiene enorme carga emocional quedando dominado por una cantinela contrapuntística de la cuerda de dignidad casi sibeliana, una suerte de rondó martirizador que nos evoca el hambre de sus ocupantes. La escena inicial entre Rosa, su dulce amiga Toñuela y la dura de roer Isidra es uno de los momentos más conmovedores de toda la producción de Sorozabal, y pone el énfasis en el sufrimiento noble, algo totalmente novedoso en su obra lírica. El dúo que le sigue entre Rosa y el desdichado Juan José es piedra angular de la ópera y auténtico corazón del drama, con un espíritu de derramamiento de sangre espiritual anticipador del crimen del acto final".

El compositor:

Pablo Sorozabal nació en San Sebastián el 18 de septiembre de 1897 y murió en Madrid el 26 de diciembre de 1988. Se inició musicalmente en San Sebastián primero en la Academia de Bellas Artes estudiando solfeo con Manuel Cendoya, luego en el Orfeón Donostiarra en que estudió violín con Alfredo Larrocha y piano con Germán Cendoya y finalmente como violinista en la Orquesta del Gran Casino dirigida por el citado Larrocha y eventualmente por Fernández Arbós quien en 1919 propició su llegada a Madrid integrado en la Orquesta Sinfónica de Madrid. De allí su salto a Alemania, pensionado, en donde consolidó sus conocimientos de composición, violín y dirección de orquesta. Durante varios años (hasta 1932) estuvo a caballo entre Alemania y Madrid, en donde iba componiendo KATIUSKA e incluso la posterior ADIOS A LA BOHEMIA, contándose que ni los mismos libretistas de KATIUSKA confiaban en él por no ser músico de teatro, pero, según La Voz de San Sebastián antes del estreno, “la obra llegó a Marcos Redondo, el barítono de las delicadezas, de la verdadera sapiencia de cantor y gusto. Sorozabal encontró al poderoso padrino que había de presentar su obra ante el público”. Además de su actividad como compositor, sobre todo de zarzuelas (aunque también hay en su haber obras sinfónicas), destacó en la Dirección de Orquesta desempeñando durante los dos primeros años de la guerra civil la de la Banda Municipal de Madrid, lo que a la postre le causó sinsabores derivados de su carácter fuerte e independiente y del “desvío”, por utilizar un eufemismo, que le demostraron las instancias oficiales y con que le obsequiaron algunos de sus compañeros como, al parecer, Guerrero y Moreno Torroba, no pudiendo pese a todo dar con Sorozabal en tierra. De su producción zarzuelística detallaré: KATIUSKA (1931), LA ISLA DE LAS PERLAS y ADIOS A LA BOHEMIA (1933), LA DEL MANOJO DE ROSAS (1934), LA TABERNERA DEL PUERTO (1936), LA ROSARIO O LA RAMBLA DE FIN DE SIGLO y CUIDADO CON LA PINTURA (1941), BLACK EL PAYASO (1942), DON MANOLITO (1943), LA ETERNA CANCION (1945), LOS BURLADORES (1948), ENTRE SEVILLA Y TRIANA (1950) y LAS DE CAIN (1958). Además adaptó las obras de Albéniz: SAN ANTONIO DE LA FLORIDA (1954) y PEPITA JIMENEZ (1964) y la zarzuela de Barbieri PAN DE TOROS (1960). A principios del presente año, en versión de concierto, se estrenó su ópera JUAN JOSE ultimada en 1968 y que tuvo un conato de estreno en 1979 que resultó fallido.

El libretista

El libreto, como tal, lo escribió Sorozabal basado en la obra de Dicenta. El mismo narra en sus Memorias como lo hizo, contando con los ánimos y facilidades de Doña Aurora Dicenta hija y heredera del famoso dramaturgo…..”El confeccionar el libreto me ha costado muchísimo. Yo no sé escribir. Había que reducir el drama de Dicenta al mínimo quitando retórica, suprimiendo algún personaje y ampliando algunas escenas. Con el final de la obra yo no estaba muy de acuerdo. Me refiero a la escena en que Juan José sale de la habitación de Rosa para matar a Paco y deja a Rosa encerrada bajo llave. Rosa, que había amenazado con gritar y pedir socorro para salvar a Paco, en lugar de hacerlo, se calla, escucha y comenta la supuesta lucha y hace comentarios. Esta escena me resultaba muy convencional y falsa y yo la he transformado no solamente para quitar ese convencionalismo, sino para recalcar aun más la triste fatalidad de Juan José. Fatalidad que le persigue desde que nació y se ensaña también en ese culminante momento de su vida. Se escapa de la cárcel con la sola idea de matar a Paco, y mata a Rosa sin querer matarla. ¡El destino le niega hasta el placer de la venganza! Y al matar a Rosa se mata a si mismo. Así cuando Andrés le dice que huya para salvar la vida, él le contesta: mi vida era esa y la he matao. Creo que este final es más lógico y más fuerte”.

Joaquín Dicenta Benedicto, nació en Calatayud (Zaragoza) el 3 de febrero de 1862 y murió en Alicante el 21 de febrero de 1917. Literato que cultivó todos los géneros con fortuna varia, alcanzando sus grandes éxitos como autor dramático tanto por sus propios méritos como por su significación social y anticlerical, concretamente JUAN JOSE, estrenada en 1895, es una de las obras de éxito más ruidoso en el teatro español de aquella época. Desde la perspectiva del género lírico, destaca la obra citada llevada al pentagrama por Sorozabal y CURRO VARGAS escrita en colaboración con Manuel Paso y con música de Chapí.

Sinopsis

Acto primero: La taberna

La escena muestra el interior de una taberna en los barrios bajos de Madrid, mostrador de cinc, taburetes de madera, cortinillas y estanterías de madera pintada acorde todo ello con el carácter humilde de la misma. Una puerta a la derecha da paso a un reservado. Cuatro parroquianos beben y juegan a las cartas y a su lado, en primer término, Andrés y Perico observan el juego al tiempo que éste, con gran dificultad, lee el periódico en voz alta. Pasan a hablar de cómo Juan José, antaño un parroquiano asiduo a la taberna, que conoció a Rosa cuando salió a defenderla de unos señoritos borrachos, y a raíz de esto viven juntos. Entra Juan José, cansado tras la jornada de trabajo y explica cómo el único sentido de su vida es Rosa, saliendo al cabo de un rato acompañando por Andrés. Aparece Isidra, una vieja a la que todos toman el pelo y califican de alcahueta. Parece que ésta ejerce influencia sobre Rosa.

Acto seguido irrumpen con algarabía un grupo de amigos llevando una guitarra, entre los que se encuentra Paco que lleva la voz cantante. Se acerca a la Isidra la invita a beber y hablan de Rosa y del interés de Paco por ella. Al rato Paco ordena comida para el y sus amigos y se van hacia el reservado.

A continuación entran en escena Rosa y Toñuela, que acaban de ser despedidas de su trabajo. Contrasta la tristeza de Rosa con la frescura y buen humor de su amiga. Rosa se lamenta de la miseria en la que vive e Isidra aprovecha para echarle las culpas de todo ello a su compañero Juan José y para presentar a Paco como la salvación para Rosa. Se oye cantar alegremente a éste a lo lejos y, saliendo, piropea a Rosa y acaba convenciéndola para que pase a divertirse y a tomar algo con ellos.

Entra entonces de nuevo en la taberna Juan José, oye a Rosa cantando en el reservado, la hace salir y se enfrenta con violencia a Paco, desvelándose que precisamente este es su capataz. Andrés sujeta a Juan José y los parroquianos a Paco, evitando que lleguen a las manos. Juan José ordena a Rosa que se vaya a casa y desde la puerta, sujetado por Andrés, reta a Paco que se atreva a seguirla.

Acto segundo: La buhardilla

La escena muestra un cuarto abuhardillado, pequeño, muy austero y poco confortable, en el que tanto un brasero apagado como la visión a través de las ventanas de lo tejados nevados de Madrid, nos hacen sentir un ambiente frío y desapacible. Al levantarse el telón entran en escena Rosa, Toñuela e Isidra, que hablan de lo difícil que es la vida para Rosa, ahora aun más que antes. Rosa culpa a Juan José de haber perdido su trabajo, ya que su capataz Paco lo despidió tras el altercado y anuncia su deseo de abandonarle.

Toñuela intenta defender a Juan José en tanto que Isidra aprovecha para malmeter a Rosa contra él al tiempo que ofrece a Rosa carbón para el brasero y petróleo para alumbrarse. Entra Andrés a buscar a Toñuela y echa en cara a Rosa haber sido ella la causante de todo con su coquetería, aquella tarde en la taberna.

Cuando al rato quedan solas Rosa e Isidra, ésta aprovecha para trasmitirle recados de Paco, pero en ese momento aparece Juan José abatido y extenuado tras un día de búsqueda infructuosa de trabajo. Desconfiando de Isidra la echa de su casa. Vuelven Andrés y Toñuela, justo a tiempo de intervenir en la discusión de la pareja, en la que Juan José se había tornado violento hacia Rosa. Apaciguados los ánimos se van y ante las quejas de Rosa por la vida que llevan, Juan José insinúa que hará cualquier cosa con tal de que a ella no le falte nada.

Acto tercero. Cuadro primero: La cárcel

Se sitúa en la Cárcel Modelo de Madrid, en un pabellón en el que se encuentran los presos en tránsito hacia otros presidios. Cano y otro presidiario hablan de Juan José. Este aparece y lamenta su suerte, pero sobre todo se duele por no haber recibido noticia alguna de su querida Rosa. Cano le recuerda que si está preso es por culpa de ella y le propone escapar mientras son transferidos, ambos lo harán juntos, a su nuevo penal. Juan José se resiste, no por miedo a ser muerto en el intento por los guardias, sino porque no quiere que la muerte le separe de un futuro feliz con Rosa con el que aún sueña. Aparece un presidiario con una carta para Juan José que Cano deberá leerle, pues es analfabeto, y resulta ser de Toñuela anunciándole que Rosa se ha ido a vivir con Paco. Ante esta noticia Juan José acepta la propuesta de Cano de escapar esa misma noche.

Acto tercero. Cuadro segundo: El crimen

Está atardeciendo en una habitación de la casa donde viven Rosa y Paco, grande, confortablemente amueblada y en la que al levantarse el telón se ve a Rosa frente al tocador hablando con Isidra. Se queja de la calidad del jabón que acaba de usar, busca sus sortijas y en definitiva muestra cuán confortable es ahora su vida. Las dos mujeres alaban a Paco, aunque Rosa recuerda con remordimiento el amor que Juan José sentía por ella.

Entra Paco, que viene a buscarla para ir a la verbena y admira su belleza. Dejan la habitación Paco e Isidra para dar tiempo a Rosa a prepararse y cuando ya solo le queda a ésta ajustarse el mantón, aparece por su espalda Juan José. Rosa no le ha oído llegar, esperaba a Paco y además suponía a Juan José en el presidio. Le ruega que se vaya y cuando cree oír los pasos de Paco en la escalera le avisa de que su nueva pareja está a punto de volver, a lo que él le confiesa que precisamente está ahí para matarle. Rosa intenta impedir que Juan José vaya hacia la puerta y al no conseguirlo se dirige a la ventana pidiendo auxilio a gritos. El trata de hacerla callar y alejarla del balcón: con una mano le tapa la boca y con la otra en el cuello consigue arrastrar a Rosa hacia el interior de la habitación. Ella cae al suelo y Juan José, al intentar levantar su brazo inerme comprende que con su brutalidad la ha matado.

Aparecen Toñuela y Andrés corriendo por el pasillo que conduce a la habitación. Éste aconseja a Juan José que huya para salvar su vida, lo que Juan José rechaza diciendo que su única vida era Rosa y la acaba de matar.

Indice de escenas

Ante la dificultad de no contar con la relación de números musicales de la obra y por la misma estructura de un lenguaje musical no dividido en compartimentos, ofrezco el siguiente detalle, redactado informalmente:

Acto I - La taberna: 1. Introducción orquestal disonante y escena iniciada con la lectura del periódico por Perico "No es posible", incorporación de Andrés "Soy más viejo y sé más que tu de estas cosas....Rosa estaba de juerga", salida de Juan José "Buenas noches....no no podría, tu sí porque tienes padres, hermanos, familia" y luego de Isidra "Dame una de triple". 2. Salida de Paco "Les he dicho a estos.....¿La ha visto usted?", continuación con Rosa, Toñuela "Han venido esos" e Isidra "En primer lugar te figuras que quieres a Juan José.....Yo se de alguien que no te disgusta". 3. Escena en el reservado interviniendo Paco "Vivir sin ti no es vivir", Rosa "Vaya copla bien cantá la de antes" e Isidra "Anda mujer, esta es la ocasión". 4. Llegada de Juan José "Y estas no han venido", Rosa en el reservado "Compañero de mi alma" y enfrentamiento con Paco "Que ya estoy harto de disimulos... Que tienes razón, que la quiero y he de poder muy poco si no te la quito.....Sola va, a quien dice que quiere quitármela".

Acto II - La buhardilla: 1. Escena inicial con Rosa, Toñuela e Isidra "Vaya frío, se quedan los pájaros tiesos en la calle". 2. Dúo de Rosa y Juan José "En menudo fregado nos metiste", con intervención de Andrés "Precisamente el otro día bajaba yo por Embajadores".

Acto III cuadro I - La cárcel: 1. Sombría introducción orquestal y escena de presidiarios "Con que al atardecer.....Ya era hora". 2. Dúo de Cano y Juan José "Que hay....Que quieres que haya.....Si tu quieres escaparte esta noche conmigo". 3. Carta de Andrés "Dame esa carta que yo la toque....Rosa vive con Paco....Cano ¿estás seguro que podemos escapar esta noche?".

Acto III cuadro II - El crimen: 1. Intermedio orquestal. 2. Escena con Rosa "No compre usted más este jabón....Le quiero y me siento feliz a su lado", Isidra "Pero el cariño a palo seco tie mal pasar" y Paco "No hay como tener una mata de pelo....Vivir sin ti no es vivir y sin ti no vivo yo". 3. Momento del crimen "Ya está, ahora un pañuelito.....Si soy yo, no el que tu esperabas".

Personajes

Los principales son los siguientes:

Rosa: Obrera amante primero de Juan José y luego de Paco. Soprano.
Toñuela: Obrera amiga de Rosa. Soprano.
Isidra: Vieja con tintes celestinescos. Mezzosoprano.
Juan José: Albañil amante de Rosa. Barítono.
Paco: Maestro de obras jefe de Juan José y posterior amante de Rosa. Tenor.
Cano: Presidiario. Bajo.
Andrés: Albañil y amigo de Juan José. Bajo.
Tabernero: Tenor.
Perico: Parroquiano habitual de la taberna. Tenor.


JUEGOS MALABARES

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Juegos malabares

Zarzuela en un acto y cuatro cuadros.
Texto de MIGUEL ECHEGARAY.
Música de AMADEO VIVES.
Estrenada el 4 de febrero de 1910 en el Teatro Apolo de Madrid.


Elenco del estreno

Marieta: MARIA PALOU; Julia: CONSUELO MAYENDIA; Flor de Oro: ANTONIA ESPINOSA; La vieja: Sra. RODRIGUEZ; Tonino: LUIS MANZANO; Guillermo: JOSE MESEJO; Jorge: CARLOS RUFART; El director: PEDRO RUIZ DE ARANA, entre otros.

La obra:

Víctor Ruiz Albéniz "Chispero" comentó que el libro de esta obra era "una verdadera desdicha" y desde luego al leer la sinopsis escrita más abajo da esa impresión, resultando increíble tanto que "eso" llegara a un escenario como que su autor produjera semejante "cosa" contando en su historial con otras tan aceptables como EL DUO DE LA AFRICANA, LA VIEJECITA o GIGANTES Y CABEZUDOS. Yo siempre he mantenido que los libretos, salvo honrosas excepciones, son la servidumbre de nuestro querido género, muy a distancia de sus respectivas partituras, como aquí ocurre, y pese a ello esta zarzuela obtuvo uno de los mayores éxitos conocidos en el Teatro Apolo en los comienzos de siglo, gracias fundamentalmente a su número estrella "la canción del pajarito" hecha a la medida de Consuelo Mayendía.

El compositor

Amadeo Vives nació en Collbató (Barcelona) el 18 de noviembre de 1871 y murió en Madrid el 2 de diciembre de 1932. De niño estuvo internado en el Asilo de San Juan de Dios de Barcelona que le generó pésimos recuerdos pero que le dio la posibilidad de su primer contacto serio con la música en 1886: la Dirección de la Banda del Asilo de la misma orden en Málaga (donde un hermano suyo era sacerdote). Luego vuelve a Barcelona, pasando por una etapa en Toledo y componiendo en 1886 una sinfonía. En 1891 funda con Luis Millet el Orfeo Catalá y estrena diversas composiciones, destacando en 1894 L'Emigrant, en esos tiempos tuvo determinada relación personal y musical con el catalanismo. En 1897 marcha a Madrid compaginando su actividad principal de compositor de zarzuelas (salvo su ópera Arthus de 1897 y las Canciones Epigramáticas de 1915), con la de empresario de los Teatros de la Zarzuela, Cómico y Eslava, aventuras que algunas veces le depararon desastres económicos que no le conturbaron el ánimo. Resultando imposible relacionar sus obras, me limito a detallar las más significativas,: DON LUCAS DEL CIGARRAL (1899), LA BALADA DE LA LUZ (1900), DOLORETES, en colaboración con Quislant (1901), BOHEMIOS y EL HUSAR DE LA GUARDIA, en colaboración con Gímenez (1904), LA GATITA BLANCA, también en colaboración con Giménez (1905), JUEGOS MALABARES (1910), LA GENERALA (1912), MARUXA (1914) DOÑA FRANCISQUITA (1923), LA VILLANA (1927) y LOS FLAMENCOS (1928). Estamos ante uno de los compositores más grandes de la zarzuela de todos los tiempos, con una formación intelectual y musical de primerísimo nivel, y que a los efectos "zarzueleros" que interesa a los aficionados constituye además una personalidad con criterios tan importantes que merecen un análisis más completo de sus opiniones, que rebasa el marco de una reseña.

El libretista

Miguel Echegaray Eizaguirre nació en Quintanar de la Orden (Toledo) el 29 de septiembre de 1848, en el transcurso de un viaje que hacían sus padres de Madrid a Murcia, y murió en Madrid el 20 de enero de 1927. Hermano de José, premio Nóbel de Literatura en 1904. Se licenció en Filosofía y Letras y Derecho, ejerciendo algún tiempo. Fue Jefe de Administración Civil, secretario de los Ministros de Fomento y Hacienda cuando lo fue su hermano y Diputado a Cortes; dominaba varios idiomas entre ellos el hebreo en el que fue una verdadera notabilidad. Y sobre todo fue escritor más bien de índole festiva y bufa en ocasiones y libretista de zarzuelas. En esta especialidad trabajó con Vives en JUEGOS MALABARES, LA RABALERA, AGUA DE NORIA y EL PRETENDIENTE, con Chapí en LA GITANILLA y EL SOMBRERO DE PLUMAS, con Bretón en EL DOMINGO DE RAMOS, con Nieto en EL CASTILLO, y, sobre todo, con Fernández Caballero en EL DUO DE LA AFRICANA, LA VIEJECITA y GIGANTES Y CABEZUDOS.

Sinopsis

El Diccionario de la Zarzuela nos cuenta así el argumento:

Cuadro primero: Campo en las afueras de una población, donde ha hecho alto un circo ambulante. Después de amanecer aparecen Tonino y Marieta, que muestra su amor. Tonino expresa sus celos del director, que está muy encaprichado con Marieta. Ella le pide que se vayan de allí, pero él le comenta que no es posible porque ha firmado un contrato que se acaba dentro de un año. El director los sorprende en plenos arrumacos y se lo echa en cara a ambos porque no quiere amoríos en el circo. Si embargo, le dice a Tonino que ella va a ser para él. Marieta le araña y se va. Llega Guillermo, el clown. El director le acusa de que en la última actuación el público no se ha reído, y lo justifica porque cree que ya está viejo. Guillermo se queda solo y se duele de la situación, cuando llega Julia, su hija, cuya presencia es desconocida por el resto de la compañía y con cariño le consuela. También se deja caer Jorge al que, inmediatamente, le llama la atención Julia. Interesada en él, Julia interroga a Guillermo quien le comenta que es el barrista de la compañía. Emocionada ante el joven, canta "la canción del pajarito". Se reúnen los demás y, a instancias del director, comienzan a ensayar. Durante el ensayo se producen situaciones incómodas, sobre todo cuando Guillermo comenta que tiene una hija. Como es bonita, causa una gran impresión en el director que se siente atraído por ella. Canta Marieta su escena y una danza oriental, sobre la que Julia improvisa unos versos que son celebrados por todos, especialmente por el director que se abalanza sobre ella, con disgusto de su padre. Para defenderle sale Jorge que se enfrenta con el director, generando una situación muy violenta con la que culmina la escena.

Cuadro segundo: El escenario representa el interior de un circo, sin gente. Al comienzo, el director comenta cómo va a suceder la pantomima que se va a desarrollar sobre una música instrumental que se lleva a cabo inmediatamente.

Cuadro tercero: En el cuarto de Guillermo, éste comenta con Julia su peculiar y difícil situación al tener que afrontar, con su vejez, una sesión cómica más. Llega el director y manda a Guillermo a escena, mientras él busca a Julia que se ha escondido. Cuando el director se va, aparece Jorge y cantan un dúo de amor. Regresa el director, que los pilla en plenas carantoñas, y Jorge le amenaza como se atreva a incomodar a Julia. El director acusa a Jorge de pobretón, a quien puede despedir cuando le de la gana, asegurando que él es rico. Cuando está a punto de abusar de ella, llega Tonino que le arroja en la cabeza un aro de papel, mientras Julia y él huyen.

Cuadro cuarto: La escena representa el sitio por donde salen los artistas a la pista. El director echa en cara a Tonino su actitud, a lo que éste señala que solo son bromitas. Llega Marieta que se libra del acoso del director porque tiene que salir a la pista. Tonino se emociona cuando la ve. Cuando le toca al barrista, éste se niega a actuar porque su ubicación en el espectáculo no es buena y, enfadado, saca al director a pista para enfrentarse en público con él. Ante tal escándalo, llega un inspector a poner orden y se lleva detenido a Jorge. El director ordena que se acabe el espectáculo, despejando la sala. Una vez vacía, se las promete muy felices con Julia y Marieta, cuando Tonino toma sus cuchillos y las defiende. Esto asusta al director por lo que, una vez liberados, se van todos dejándolo humillado.

Índice de escenas

Zarzuela en un acto y cuatro cuadros que cuenta con los siguientes números musicales:

Acto único: Introducción. 1. Dúo de Marieta y Tonino "Fuera la pereza que ya ha amanecido". 2. Canción del pajarito "Tras la reja del convento reza y reza Soledad". 3. Danza mora "Rodeado de odaliscas, tumbado en un diván". 4. Pantomima y bailables. 5. Dúo de Julia y Jorge "Sola la encuentro, ¿Quién va?". 6. Vals y final.

Personajes

Los principales son:

Marieta: Artista de circo que simpatiza con Tonino. Soprano.
Julia: Hija de Guillermo. Soprano.
Tonino: Lanzador de cuchillos en el circo. Actor cantante.
Guillermo: Viejo clown. Actor cantante.
Jorge: Barrista en el circo que se interesa por Julia. Barítono
El director: del circo. Obseso sexual e impresentable omnipresente. Actor cantante.


JUGAR CON FUEGO

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Jugar con fuego

Zarzuela en tres actos
Texto original de VENTURA DE LA VEGA
Música de FRANCISCO ASENJO BARBIERI
Estrenada el 6 de octubre de 1851 en el Teatro del Circo de Madrid


Elenco del estreno

Duquesa de Medina: ADELAIDA LATORRE, Duque de Alburquerque: FRANCISCO CALVET, Marqués de Caravaca: FRANCISCO SALAS, Félix: JOSÉ GONZÁLEZ, Antonio: VICENTE CALTAÑAZOR

La obra

La zarzuela en tres actos JUGAR CON FUEGO se estrenó el 6 de octubre de 1851 en el Teatro del Circo de Madrid, arrendado para la ocasión por la Sociedad Artística compuesta por el barítono Francisco Salas y los compositores, Barbieri, Oudrid, Gaztambide, Hernando, Inzenga y Luís de Olana. El libreto es una adaptación, casi un plagio al parecer, de LA COMTESSE DE EGMONT escrita en 1833 por Acelot y Decomberousse. La obra alcanzó un gran éxito artístico y económico, muy de estimar en aquellos tiempos en que estaba en juego nada menos que la posibilidad de subsistencia del género, conservando el molde extranjero pero recurriendo ya a un lenguaje musical español derivado de la tonadilla escénica. En la línea de hacer un verdadero teatro lírico español, a la que aludo luego en la biografía del músico, esta obra representó un escarceo, un juego de equilibrio entre el origen italianizante de la obra y el destino apetecido por el compositor.

El compositor

Francisco Asenjo Barbieri, nació en Madrid el 3 de agosto de 1823 en la calle Zorrilla, conocida entonces como del Sordo, y murió en la misma ciudad el 17 de febrero de 1894. Tras iniciar estudios de Medicina e Ingeniería, oyó una opera italiana que decidió su vocación; fue de todo, hasta el punto de que la presentación de Lamparilla le va como anillo al dedo y cuenta el Espasa que habiendo quebrado la empresa que contrató al músico, y al no contar con recursos, no vaciló en dirigirse a Madrid a pie desde Bilbao. Marcos Redondo en “Un hombre que se va” considera a la Zarzuela como la consecuencia de una revolución contra la música italiana, y viene a reconocer como el caballero andante de dicha revolución a Barbieri “hombre bueno y enamorado de la música que, después de una vida novelesca, y contando con la protección de Carnicer, se propuso dignificar la música española”. Cuenta José Luís Téllez que Barbieri es la personalidad musical más importante nacida en España entre Antonio Soler e Isaac Albéniz y estaría llamado a llevar hasta su cenit el modelo de zarzuela en tres actos, de las que compuso 28, más otras 9 en dos actos y otras 35 que fueron sainetes en un acto, sumando en total 72 obras teatrales 12 de ellas en colaboración. De sus grandes obras destacan: GLORIA Y PELUCA (1850), JUGAR CON FUEGO (1851), LOS DIAMANTES DE LA CORONA (1854), MIS DOS MUJERES (1855), EL DIABLO EN EL PODER (1856), PAN Y TOROS (1864) y EL BARBERILLO DE LAVAPIES (1984), muchas de ellas trufadas de tramas conspiratorias; pero su actividad de investigador musical va pareja y subyacente con su actividad de compositor, y así fundó la Sociedad de Bibliófilos, fue un investigador infatigable en los archivos de la Catedral de Toledo, El Monasterio del Escorial y el Palacio Real de Madrid y publicó, entre otras joyas, el “Cancionero de Palacio” fuente inagotable de inspiración para él y los músicos que le sucedieron. Además contribuyó decisivamente a la construcción del Teatro de la Zarzuela inaugurado el 10 de octubre de 1856.

El libretista

Ventura de la Vega Cárdenas nació en Buenos Aires el 14 de junio de 1807 y murió en Madrid el 29 de noviembre de 1865. Poeta lírico y autor dramático. Al quedar huérfano, llega en 1818 a Madrid a un colegio de Jesuitas en donde tuvo por profesores a Lista y a Gómez Hermosilla y por condiscípulos a Espronceda y al conde Cheste, que luego fue su biógrafo. De aquella época viene su afición por los clásicos, destacando en sus traducciones e imitaciones de tal manera que Menéndez y Pelayo opinó de él “Escribir con tal pureza, con tan nítida elegancia a los diecinueve años casi raya en prodigio; no hay enseñanza literaria que alcance a producir esto sin un instinto casi infalible en el discípulo”. Fundó con algunos amigos una Academia literaria denominada del Mirto, que luego dieron el paso a la política fundando la Sociedad de los Numantinos lo que les llevó en 1825 a la cárcel de donde Ventura salió pronto gracias a los buenos oficios de su pariente Cea Bermúdez; pasada la época de Fernando VII ocupó muchos cargos políticos. Su relación con la zarzuela se concreta en la autoría de los libretos de JUGAR CON FUEGO, EL MARQUES DE CARAVACA y UN TESORO ESCONDIDO de Barbieri, EL ESTRENO DE UNA ARTISTA y LA CISTERNA ENCANTADA de Gaztambide y EL PLANETA VENUS de Arrieta.

Sinopsis

El primer acto se desarrolla en la verbenera noche de San Juan, junto al Manzanares. Hay gente elegantísima y vendedores humildes. La Duquesa de Medina va disfrazada de modesta artesana y seguida del Marqués de Caravaca, quien sospecha se trata de una gran señora. Tiene aquella dama, allí, una cita con el joven hidalgo Félix, a quien hizo creer que era la criada de una encopetada señora. Cuando Félix va a buscar un coche para abandonar el lugar, vuelve a encontrarla el Marqués, pero ella en el bullicio logra escabullirse de él y de su padre el Duque que intentaba pescar en río revuelto.

El segundo acto tiene por marco un salón del Buen Retiro. En la mansión real se comenta la aventura de la pasada verbena y la habilidad de la tapada para escabullirse de aquellos próceres. Conversando el Marqués con la Duquesa le dirige palabras intencionadas, por sospechar que era la persona a la que acosó en la verbena. La Condesa aconseja a la Duquesa que atienda al requerimiento del viudo Marqués, pero el amor ha prendido ya fuertemente en su corazón, y sólo ama ahora al hidalguillo Félix. Surgen en la escena Félix y Antonio, a quienes el Marqués, que quiere avergonzar a la Duquesa, ha llamado a Palacio para reírse de ellos. Los pajes no dejan pasar a dichos hidalguillos, a quienes califican de villanos, y se arma tal alboroto que al ruido viene el Marqués, que sale en defensa de Félix. El Marqués descubre que Leonor (la Duquesa de Medina) ha dicho a Félix que es camarera de la Reina, sin atreverse a descubrir su verdadera personalidad. Y siguiendo el juego retiene en la Corte a Félix. Cuando damas y caballeros aparecen otra vez en escena, el Marqués presenta a Félix a la Duquesa, prometiéndose una buena broma. Pero no contó con la viril reacción de Félix, que al verse engañado, trata de defender su dignidad. Mas como ve que la Duquesita no quiere que se descubra el juego, ya que ella niega conocerle, se disculpa diciendo que se habrá equivocado. La Corte, a las palmadas del Jefe de Ceremonial llamando a rendir pleitesía al Príncipe, se retira, y quedan solos en escena Marqués y Félix. Aquél se enfada por la actitud de Félix, disculpándose de su equívoco con la Duquesita, y logra quitarle una carta que la Duquesita escribió a Félix, y que le ha de servir para descubrirla ante todos, si se resiste a su amor. Vuelven a encontrarse la Duquesa y el Marqués que descubren sus intenciones, dando lugar a una habilidad de la Duquesa, que dejándose cortejar por el Marqués logra arrebatarle la carta por un beso, pero en este momento son sorprendidos por Félix, que sintiéndose agraviado, quita la espada al Marqués y canta su ira y desventura. La Corte entera sale, asombrada ante semejante escándalo, resolviéndose que Félix está loco y debe ser encerrado en una casa de orates.

En el tercer acto la Duquesa, arrepentida del giro que toman las cosas, para evitar un mayor escándalo, acompañada de la Condesa de Bornos, va al manicomio y, mientras sale Félix, canta una bellísima romanza donde confiesa su amor. Cuando todo está previsto para la fuga de Félix, llega el Marqués de Caravaca y, en una peripecia, Félix mete al Marqués con los locos, que se mofan de él y le quitán su caballeresco atuendo, con el que se disfraza Félix ayudado por la Duquesa, terminando la obra con la llegada de la orden real autorizando el casamiento de la Duquesa y el hidalgo.

Musicalmente, esta zarzuela se inicia con una brillante introducción orquestal italianizante, del que solo la presencia de las panderetas nos indica que no estamos en presencia de una ópera bufa italiana. El coro repite el tema musical intercalando sus frases con las de los vendedores “Los ricos buñuelos”. Un hermoso concertante de barítono, bajo y soprano “Si te place de este bosque” podría igualmente figurar en una ópera bufa de Rossini. Sigue la presentación del tenor mediante la romanza “La vi por vez primera” seguida de un trío al que se incorporan el barítono y el bajo. El clima italiano persiste en el dúo de la soprano y el tenor “Hay un palacio junto al prado de San Fermín”. Con un tema de elegante danza “Pues quiere la fortuna” inicia el bajo un concertante en que intervienen el tenor, la soprano, el barítono y el coro, prosiguiendo luego, sin el tenor y la soprano, con la reiterada frase musical “Se me ha escapado por esta vez”. De parecida factura es la escena inicial del segundo acto “Vedle allí que pensativo” en que los solistas, salvo el tenor, alternan con el coro. Luego unos compases amenazadores de la orquesta introducen el amplio dúo de soprano y barítono “Por temor a una imprudencia”, terminando el acto con otro concertante “Oh maldad….si porque soy humilde” de soprano, tenor, barítono y coro. El tercer acto se inicia con “Suelta pícaro sastre” un número del coro en que un sastre y otros mercaderes pregonan su mercancía, y que dan paso a la romanza de soprano “Un tiempo fue que en dulce calma” de hermosa y sentimental melodía y que termina con un importante agudo. Finaliza la zarzuela con un regocijante coro de locos “Quien me socorre” con contundente y espectacular intervención del barítono.

Índice de escenas

Musicalmente la obra se articula en tres actos y en los siguientes números:

ActoI 1. Introducción y coro general “Los ricos buñuelos. 2. Aria del Marqués de Caravaca “Si te place de este bosque” y escena del Marqués y el Duque “Oh Marqués, oh Duque mío….Marquesito que dulce victoria”. 3. Romanza de Félix “La vi por vez primera”. 4. Dúo de la Duquesa y Félix “Hay un palacio junto al prado de San Fermín….Yo prefiero tu salero”. 5. Concertante, final del acto I “Pues quiere la fortuna……Se me ha escapado por esta vez”

Acto II: 6. Introducción y coro de cortesanos “Vedle allí qué pensativo…..Y queriendo a su derrota”. 7. Dúo de la carta del Marqués y de la Duquesa “Por temor de otra imprudencia….Si publica ese billete….De un galante caballero”. 8. Concertante final del acto II “Oh maldad….Si porque soy humilde….Que pague en un encierro su loco frenesí”.

Acto III: 9. Intermedio. Preludio del acto III. 10. Escena de Antonio el loco y coro “¡Suelta pícaro sastre!….Me llamo Antonio y soy para serviros primo de un loco”. 11. Romanza de la Duquesa “Un tiempo fue que en dulce calma”. 12. Aria del Marqués y coro de locos “Quien me socorre……Corramos al combate que el turco nos ataca………Ay Duquesa, Duquesa, Duquesa”.

Personajes

Son los siguientes:

Duquesa de Medina: Gusta mezclarse con la plebe, enamorada de Félix. Soprano.
Marqués de Caravaca: Presumido cazador cazado. Barítono.
Duque de Alburquerque: Padre de la duquesa y acrisolado viejo verde. Bajo.
Félix: Hidalgo ninguneado por los “nobles” y enamorado de la duquesa. Tenor.
Antonio: Amigo de Félix y primo de un loco. Tenor cómico.
Un loco: Bajo.
Condesa de Bornos: Amiga de la duquesa. Actriz.


EL JURAMENTO

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El juramento

Zarzuela en tres actos
Texto original de LUÍS DE OLONA
Música de JOAQUÍN GAZTAMBIDE
Estrenada el 20 de diciembre de 1858 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid


Elenco del estreno

María: JOSEFA MORA, Baronesa: LUISA SANTAMARÍA, Marqués: TIRSO DE OBREGÓN, Carlos: RAMÓN CUBERO, Conde: FRANCISCO CALVET, Peralta: FRANCISCO SALAS, Sebastián: VICENTE CALTAÑAZOR

La obra

Un aparte merece el barítono Tirso de Obregón, al que Salvador Valverde atribuye el ochenta por ciento del éxito por su soberbio porte y la melosidad de su palabra que engatusó a Isabel II engarzándolo en su amplia colección de amores y amoríos. La zarzuela logró un enorme éxito que se mantuvo hasta la década de 1920; en la presentación del DVD citado en el apartado de videograbaciones de esta reseña, Miguel Roa entrevistado por José Luis Téllez, se hace eco del comentario de Sagi Vela, a cuyo elogio me uno desde aquí, en el sentido de que de niño la oyó mucho representada por su padre y que el mismo la llevó a los escenarios, pero la cruda realidad es que había desaparecido hasta que el Teatro de la Zarzuela la ha recuperado el pasado 2000. Yo sólo conocía hasta hace poco la romanza “Cuan brilla el sol” por Marcos Redondo (incluso antes de su edición por Blue Moon, a través de la página de la UCLM -Universidad de Castilla la Mancha-) y el comentario que desgraciadamente me toca hacer ahora empequeñece al que ya hice en la reseña de CURRO EL DE LORA y si entonces exclamé ¿Cuántos curros de lora yacerán ignorados? ahora ya sabemos algo más: centenares de obras extraordinarias están en esa situación, prácticamente todas las compuestas por el “grupo de los cinco” salvo Barbieri y mientras los aficionados hacemos como aquellas liebres que discutían si eran galgos (montajes más o menos vistosos) o podencos (profesionales o aficionados) la jauría que las perseguía se las tragó. ¡Claro! Es que nuestras zarzuelas son muy antiguas, están pasadas de moda, hay que desnaturalizarlas para poder verlas y oírlas. Pues miren, ésta que nos ocupa es coetánea a los grandes triunfos de Verdi y los italianos, ahí está la diferencia, los cuidan como oro en paño que son.

El Diccionario de la Zarzuela se hace eco de la aclaración de Olona en el sentido de que el libreto, aunque basado en uno francés, es original. Salvador Valverde señala que Olona encontró el argumento en “La rose de Peronne”, ópera cómica de Mercadante, creo que puede tratarse de una confusión de Valverde, pues resulta que Mercadante lo que sí compuso en 1837 es una ópera cómica titulada “Il giuramento” con libreto de Gaetano Rossi, todo italiano, que ha sido profusamente grabada, la última vez, que me conste, en 1993 y por Plácido Domingo y Agnes Baltsa en 1979. Rastreando en Internet encuentro una obra de Adolfo Adam (el autor de Giselle) titulada “La rose de Peronne” con libreto de Leuven y Dennery que fue estrenada en la Opera Cómica de París el 12 de diciembre de 1840.

Para mi gusto lo mejor es el preludio, la romanza del Marqués “Cuan brilla el sol”, la de Carlos “Gracias fortuna mía”, el dúo del piano y el dúo final de soprano y barítono “Guarde Dios al gentil marido”

El compositor

Joaquín Romualdo Gaztambide y Garbayo. Nació en Tudela (Navarra) el 7 de febrero de 1822 y murió en Madrid el 18 de marzo de 1870. Muertos sus padres, encontró apoyo y protección en un tío suyo que, vista la disposición musical del huérfano, lo puso bajo la dirección del maestro de capilla de la catedral de Tudela Don Pablo Rubla, enviándolo después a Pamplona, en donde estudió piano y composición con el maestro Guelbunzu. En 1842 se trasladó a Madrid, matriculándose en el Conservatorio en piano y composición, clases dirigidas, respectivamente, por Pedro Pérez Albéniz y Ramón Carnicer. En 1844, su amistad con el barítono Francisco Salas le valió para ser nombrado Director de coros del Teatro de la Cruz, donde actuaba una compañía de ópera. Desde entonces se dedicó a la composición de zarzuelas, algunas de ellas en colaboración. Tuvo fama el maestro de un carácter algo avinagrado y de él se cuenta la opinión que le mereció Gayarre cuando en sus inicios el famoso tenor se sometió a una prueba, el dictamen fue “¿Y tu quieres ser tenor? ¡Pues hijo, ni para corista vales!”. Algo parecido al “¡No sirves!” que espetó a Marcos Redondo el maestro de capilla de la catedral de Ciudad Real Don Nicolás Fernández Arias, en parecidas circunstancias pero cincuenta años después. ¡Menudos descubridores de talentos! Murió a los 48 años tras sufrir una operación de hígado.

Ha pasado a la posteridad, además de por su obra, por haber formado parte de la sociedad comanditaria creada para el establecimiento de la zarzuela en España, junto con Barbieri, Oudrid, Hernando, Inzenga, Luis de Olona y Francisco de Salas, empresa que culminó con la creación de un teatro específico para el género, que fue desde el 10 de octubre de 1856 el Teatro de la Zarzuela. También Gaztambide fue componente, junto con el pionero Hernando, Oudrid, Barbieri e Inzenga del “grupo de los cinco” de grandes músicos españoles que iniciaron la zarzuela grande, muy italianizada todavía pero que dio lugar más tarde a la explosión de los Bretón, Chapí etc… A este respecto me hago eco de los comentarios del padre Federico Sopeña volcados en obra abajo citada que señala que deben desbaratarse dos tópicos en relación con el verdadero nacimiento de la zarzuela, uno es ligarla con el género del mismo nombre cultivado en el Madrid cortesano del siglo XVII presentándola así como representación del nacionalismo musical, falso supuesto que queda clarificado sólo con señalar los títulos de más éxito de los compositores citados, concluyendo “que lo que hay de nacional en las famosas jotas de Oudrid, lo que hay de alusiones campesinas en algunos títulos no bastan para hablar de nacionalismo, más aun cuando no pocas de esas obras son arreglos de otras francesas”; el otro tópico es el de negar a la zarzuela todo valor, heredando los feroces ataques de Pedro Antonio de Alarcón, que Sopeña considera muy injustos al estimar a los citados compositores como buenos músicos que, ante el rechazo continuo por parte del Teatro Real hacia una posible ópera española, acuden a la zarzuela en busca del éxito popular y del beneficio económico, pero siempre con la nostalgia de la ópera grande. Apuntala Sopeña esta opinión constatando el fracaso de Hilarión Eslava con el intento de su “España Musical” y el hecho de que al inaugurarse el Teatro Real solo tuvieron cabida en él tres obras españolas, ILDEGONDA en 1854, ISABEL LA CATOLICA en 1855 y MARINA (ya convertida en ópera) en 1870, todas ellas de Arrieta, músico que, a la sazón menospreciaba al “grupo de los cinco” como tuve ocasión de plantear en la reseña de MARINA.

En 1849 estrenó su primera zarzuela en dos actos LA MENSAJERA y además, desde entonces, en un acto: A ULTIMA HORA (1850), ESCENAS DE CHAMBERI, con Hernando, Oudrid y Barbieri (1850), EL ESTRENO DE UN ARTISTA (1852), LA COTORRA (1853), EL AMOR Y EL ALMUERZO (1856), EL LANCERO (1857), CASADO Y SOLTERO (1858), UN PLEITO (1858) zarzuela de la que Gayarre incluía una romanza en sus recitales, UNA VIEJA (1860) que es de las pocas obras que cuentan con alguna grabación discográfica, en este caso la Cavatina “Un español que viene” cantada por Antonio Cortis en 1925), ANARQUIA CONYUGAL (1862), UNA NIÑA (1861), LA EDAD EN LA BOCA (1861), UNA HISTORIA EN UN MESON (1861), EN LAS ASTAS DEL TORO (1862) obra que cantó Gayarre antes de su fama, cuando bajo el seudónimo de Sandoval participó en una compañía de zarzuelas por Aragón junto con su amigo el barítono Francisco Salas y que constituyó un fracaso) y ANTES DEL BAILE, EN EL BAILE Y DESPUES DEL BAILE (1864), en dos actos: LAS SEÑAS DEL ARCHIDUQUE (1850), LA PICARESCA, con Barbieri (1851), TRIBULACIONES (1851) y EL HIJO DEL PUEBLO (1859), en tres actos: EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO (1852), EL SECRETO DE LA REINA, con Hernando e Inzenga (1852), EL VALLE DE ANDORRA (1852), DON SIMPLICIO BOBADILLA, con Hernando, Barbieri e Inzenga (1853), LA CISTERNA ENCANTADA (1853), EL HIJO DE FAMILIA, con Oudrid (1853), UN DIA DE REINADO, con Oudrid, Barbieri e Inzenga (1854), CATALINA (1854), ESTEBANILLO, con Oudrid (1855), LOS COMUNEROS (1855), ENTRE DOS AGUAS, con Barbieri (1856), AMAR SIN CONOCER, con Barbieri (1858), EL JURAMENTO (1858), DEL PALACIO A LA TABERNA (1861), EL DIABLO LAS CARGA (1860), LAS HIJAS DE EVA (1862), MATILDE Y MALEK-ADEL, con Oudrid (1863), LA CONQUISTA DE MADRID (1863), LOS CABALLEROS DE LA TORTUGA (1867) y LA VARITA DE VIRTUDES, MAGIA (1868), en cuatro actos: POR SEGUIR A UNA MUJER, con Hernando, Barbieri, Oudrid e Inzenga (1851), EL SARGENTO FEDERICO, con Barbieri (1856) y LOS MADGYARES (1857).

El libretista

Luis Olona Gaeta nació en Málaga en 1823 y murió en Madrid (en Barcelona, según el Espasa) el 13 de junio de 1863. Poeta y autor dramático español que hizo en su ciudad natal sus primeros pinitos pasando luego a Madrid, donde estudió Derecho, que no ejerció. Fue también empresario de teatros y socio, junto con los compositores del “grupo de los cinco” Hernando, Inzenga, Oudrid, Gaztambide y Barbieri y el barítono Francisco de Salas, de la sociedad en comandita creada para el establecimiento de la zarzuela en España, empresa que culminó con la creación de un teatro específico para el género, que fue desde el 10 de octubre de 1856 el Teatro de la Zarzuela. Entre sus numerosas obras destaco LA MENSAJERA, EL JURAMENTO Y LOS MADGYARES con música de Gaztambide, ENTRE MI MUJER Y EL NEGRO, de Barbieri, EL POSTILLON DE LA RIOJA de Oudrid, EL CAMPAMENTO de Inzenga, EL DUENDE de Hernando, EL SARGENTO FEDERICO de Gaztambide y Barbieri y POR SEGUIR A UNA MUJER de Hernando, Barbieri y Gaztambide.

Sinopsis

La acción transcurre durante el reinado de Felipe V en España, en 1710. El Conde del Arenal ha educado a María, la hija de su mayordomo difunto. Ésta y Carlos, su sobrino, que han crecido juntos, se han enamorado, pero ocultan esta pasión, debido a las diferencias sociales. Al regreso de una cacería, el Conde se hace gala de su buena puntería, aunque su criado Sebastián, los desmiente. Una vez repartida la caza, quedan solos en escena María y Carlos, que ha de incorporarse inmediatamente a su regimiento, y asegura a su amada que, por encima de las diferencias sociales, la hará su esposa. El Conde explica a Sebastián que tiene el proyecto de casarse con la Baronesa de Aguafría, pese a la diferencia de edad, para zanjar así un pleito que separa a ambas familias desde hace tiempo. Sebastián aprovecha la oportunidad para ofrecerse a su vez como esposo de María, a la que ama desde siempre, recibiendo de su señor una respuesta muy esperanzadora. El coche de la Baronesa de Aguafría sufre un accidente y ha de alojarse en la quinta. Asombrada comprueba que se encuentra en las posesiones de su prometido, sintiéndose bastante estafada al descubrir su edad, al mismo tiempo que se despierta en ella una inmediata pasión hacia Carlos. El Conde anuncia la doble boda que va a celebrarse. Carlos expresa su amor por María y el deseo de hacerla su esposa, a lo que el Conde se opone por las diferencias sociales que los separan. María, al ver que Carlos se somete sin protestar a la voluntad de su tío, acepta casarse con Sebastián. María, a solas con su dolor, es descubierta por el Marqués de San Esteban que llega en compañía del cabo Peralta, pidiendo hospitalidad. Carlos y el Marqués se conocen desde hace tiempo y cuando éste se entera del problema sentimental del amigo, le promete su ayuda, con la condición de que le deje obrar con entera libertad. María quiere retirarse a un convento, pero ante la sorpresa de todos, el Marqués pide su mano. No es menor el sobresalto de Sebastián cuando al volver con el notario, se entera de que María se casará con el Marqués.

Ha pasado un mes desde la boda y nadie ha podido abandonar la quinta debido al cerco de las tropas austriacas. María y el Marqués se alojan en habitaciones separadas, algo que causa bastante extrañeza. La propia María está dispuesta a pedir una aclaración. El Conde, por otro lado, está enfurecido por las galanterías que la Baronesa recibe del Marqués. Aparece Carlos, que recuerda los dulces momentos que vivió con María en esa mansión. Cuando se entera por Peralta de lo acontecido, se siente traicionado hasta el punto de querer matar al Marqués. Pero éste, inmediatamente, le aclara la situación. Para evitar la deshonra de una condena a muerte a causa de un duelo, ha jurado a su general dejarse matar en el campo de batalla. Al ser el esposo de María, ésta a su muerte heredará su posición, pudiendo casarse entonces con Carlos. Conmovido por tanta generosidad, Carlos acepta retirarse pero antes deja una nota a María donde le indica su próximo retorno. María se encuentra con el Marqués y le reprocha su despego y los galanteos que destina a la Baronesa. Para dulcificar la situación, ambos cantan al piano un dúo. María descubre entonces el billete de Carlos y se siente inquieta y distraída. Cuando María y Carlos se reencuentran, aquélla le rechaza asegurando que ama a su marido. El Marqués, escondido, ha escuchado toda esta conversación y cuando se despide de Carlos, camino del campo de batalla, deja entrever que el también ama a María. Indignado, Carlos se confía a la Baronesa pero la dama le hace entrar en razón, descubriéndole la generosidad de su amigo. Carlos se propone salvar al Marqués aunque sea a costa de su propia vida. María se encuentra con Peralta y le pregunta ansiosa por qué está ensillado el caballo de su marido, recibiendo del cabo respuestas evasivas. Finalmente, aparece Sebastián con la noticia de que el Marqués ha partido. María ordena que preparen el coche para seguir al amado esposo.

En el campamento del ejército español, se escucha el canto de unos soldados. María y Sebastián han llegado al campamento, seguidos por el Conde y la Baronesa. Carlos intenta persuadir al Marqués de que no se deje matar en la batalla. Sebastián, que ha intentado sonsacar datos a Peralta, sólo ha logrado emborracharse con él. Los dos cantan unas animadas coplas. El Marqués ordena a Peralta que lleve una carta a su esposa y se quede con ella hasta la tarde del día siguiente. Pero el cabo intuye sus intenciones y se niega a abandonarle. María aparece y declara todo su amor al Marqués y cuando éste va a expresarle los mismos sentimientos, se escucha el toque de diana, obligándole a partir a la batalla. Repentinamente, aparecen Carlos y la Baronesa. Carlos, por medio de la Baronesa, ha logrado el perdón real para el Marqués, que contento lo acepta, pero quiere renunciar a María en favor de su amigo. Entre todos le convencen del amor de su joven esposa y la obra acaba con la unión feliz de la pareja.

Índice de escenas

Zarzuela en tres actos con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Preludio e Introducción “¡Ellos son! ¡Ellos son! 2. Coro y Cavatina de la Baronesa ¡Torpe! Señora, sosegaos. 3. Romanza de María “¡Ah! Yo me vi en el mundo desamparada”, Romanza del Marqués “Cuan brilla el sol en la verde pradera” y Terceto “Guarde Dios a la niña hermosa”. 4. Final del Primer Acto “Su rara hermosura, su dulce candor”.

Acto II: 5. Introducción y Coro de la murmuración “Vedle que pensativo…..Dicen que María llora sin cesar”. 6. Cavatina de la Baronesa “¡Ja. Ja. Ja! ¡Oh que Marqués!”. 7. Romanza de Carlos “Gracias fortuna mía”. 8. Dúo del piano “Es el desdén acero de doble filo”. 9. Dúo de María y Sebastián “¡Ah! Ya no hay duda. ¿Qué os sucede?”.

Acto III: 10. Introducción y Coro de la diana “Soldados de la ronda, partamos ya”. 11. Brindis y dúo de Sebastián y Peralta “¡Brindis! ¡A la fortuna y a la victoria!”. 12. Dúo de María y el Marqués “Guarde Dios al gentil marido”. 13. Final “¡Ah! Risueña brilló la aurora”.

Personajes

Los principales son:

María: Acogida por el Conde y enamorada de Carlos. Soprano.
Baronesa: Bella viuda que se enamora de Carlos. Soprano.
El Marqués de San Esteban: Amigo de Carlos que casa con María. Barítono.
Carlos: Sobrino del Conde. Barítono.
Conde del Arenal: Partidario de Felipe V. Bajo.
Peralta: Cabo del ejército y amigo del Marqués. Barítono.
Sebastián: Criado del Conde. Tenor cómico.


KATIUSKA

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Katiuska

Opereta en dos actos, en prosa y verso
Texto original de E. GONZÁLEZ DEL CASTILLO y MANUEL M. ALONSO
Música de PABLO SOROZÁBAL
Estrenada el 27 de enero de 1931 en el Teatro Victoria de Barcelona


Elenco del estreno

Katiuska: GLORIA ALCARAZ, Olga: AMPARO ALBIACH, Pedro Stakof: MARCOS REDONDO, Príncipe Sergio: MATEO GUITART, Coronel Bruno Brunovich: ANGEL DE LEÓN, Boni: JOSÉ ACUAVIVA

La obra

Esta obra ha tenido muchos avatares que voy a intentar exponer, empezando por el de ser titulada como opereta y no como zarzuela. Sobre este tema genérico hubo hace algún tiempo un esbozo de debate en el Foro Nueva Zarzuela a raíz de la pregunta de algún aficionado y no me acuerdo si fue El Pichi el que explicaba la diferencia entre opereta y zarzuela, pero el tema no fue acotado con rotundidad, yo diría que porque es tema menor que no afecta a la esencia del género y quizás se ha utilizado esa denominación para obras cuyo argumento no se ha desarrollado en el ambiente castizo o regional español, como ocurre por ejemplo MOLINOS DE VIENTO, LA GENERALA, esta KATIUSKA, etc..... Un apunte más de fondo aporta una voz autorizada, la del Padre Federico Sopeña que por un lado achaca el nombre de opereta al intento de Sorozabal de desembarazarse del “mal rollo” de la procaz revista, a la sazón en auge, y por otro lado me parece entender que reivindica para Katiuska el “concepto” zarzuela aunque vestido de la “forma” opereta. Creo que merece la pena dejar hablar a Sopeña sobre esto; así sobre lo primero, dice literalmente: “Katiuska no se titula zarzuela sino opereta. Quiere ser, pues, música ligera. En aquella época la fuerza que hoy tiene la canción venía especialmente del teatro: danzas rusas, fox, de Katiuska se hicieron popularísimas pronto, pero sabiendo quien las cantaba, que se trataba de música, de buena música, como lo había sido la opereta en Viena y en París durante el siglo XIX. Sorozabal está en esa línea: mientras los compositores de zarzuela de entonces descienden muchos escalones para acercarse a la procaz “revista” de aquellos tiempos, el músico donostiarra alza su punto de mira. Por ejemplo frente al tradicional gracioso de nuestro teatro lírico, que podía cantar mal y aun no tener voz, Katiuska fue pedestal para que en su papel divertido se consagrara una artista tan fina, tan sugestiva como Enriqueta Serrano. Otro ejemplo: el “si vas a París papá” canción vodevilera, vulgar, de moda entonces, fue vencida por el “A parís me voy” de Sorozabal, divertida música, sí, pero obra de excelente música.” Sopeña, sobre el segundo tema antes apuntado, dice literalmente: “Aunque Katiuska se llama opereta, hay algo que está ligado con la zarzuela tradicional: el acento sobre la romanza, sobre lo emotivo. No la ligereza con cierto barniz de sentimentalismo típico de la opereta, sino la tradicional expresión lírica, la honda y fuerte expresión amorosa creada por un músico que se sentía actual y romántico a la vez. El gran músico de teatro que es Sorozabal se ve aquí, en esta obra de juventud, pues a través de la romanza nos da personajes que no son títeres, sino personajes de carne y hueso. Hay en esas romanzas, que pronto se hicieron popularísimas, una gradación hábil e instintiva a la vez: la voz grave de barítono expresando una emoción no ruda, pero si resueltamente varonil, fácil a la violencia y la voz de Katiuska que, deseando como escaparse hacia la pajarería de las tiples ligeras, se centra en un lirismo ingenuo y hondo al mismo tiempo, mientras que el tenor, por el mundo caído que representa, se lo coloca en un cierto tono gris logradísimo musicalmente”.

Otro avatar de esta obra lo constituye el nombre de la obra, iba a llamarse Katiuska solamente, pero un problema con un “listo”, que lo registró anticipadamente en la Sociedad de Autores, provocó la coletilla de “la mujer rusa”, que luego fue cambiada por la de “la Rusia roja” por motivos propagandísticos-políticos en aquella época, que tras la guerra civil, desnudaron el nombre de coletillas, ahora también por esos motivos nada literarios ni musicales, aunque de signo contrario.

En cuanto al estreno propiamente dicho, estaba previsto para finales de 1930, pero el éxito que seguía obteniendo “El cantar del arriero” condicionó la demora, aumentando la expectación, pues ya se habían grabados los discos, aunque no puestos a la venta, y algo se habría filtrado. Llegó el 21 de enero de 1931 y el éxito fue tremendo por la música y los intérpretes pero no por el libreto que no fue bien acogido, y así lo asume el mismo Marcos Redondo en sus Memorias, al preguntarse “¿Respondió el libro a esa gran expectación? A mi parecer, no. El libro Katiuska o la Rusia roja, como se llamaba la obra la noche de su estreno, defraudó por completo al público, sobre todo el segundo acto”. Tan fue así que en diez días se realizó un segundo acto totalmente distinto que fue el que triunfó, y desde entonces no ha dejado de hacerlo, como ocurrió el 11 de mayo de 1932 cuando en el Cine Rialto de Madrid Katiuska “confirmó la alternativa”. Yo tuve la suerte de ver Katiuska en Salamanca en 1965 en el Teatro Bretón a la compañía de Tamayo, la protagonista me parece que se llamaba María Antonia Rey y me agradó mucho por el gusto y la sensibilidad con que cantó, Pedro Stakof fue Raimundo Torres al que después de la función tuve ocasión de conocer y saludar en la Plaza Mayor; aunque él era más un barítono dramático y la partitura estaba hecha para otro tipo de voz, me entusiasmó. Por cierto que el Diccionario de la Zarzuela señala que muchos años después del estreno Sorozabal bajó medio tono la romanza de barítono “la mujer rusa” inicialmente concebida para el registro vocal de Marcos Redondo, lo que aun hoy habrá que tener en cuenta a la hora de “calificar” versiones.

Ya publicada esta Reseña, y dentro del Foro Nueva Zarzuela, Elías la enriquece con el siguiente comentario que le agradezco:

“Tan solo quisiera, con tu permiso, hacer una pequeña aportación sobre la revisión del segundo acto de “Katiuska”, tras la noche de su estreno, que creo será de tu interés y del de los foreros. Creo entender que no dispones del libro autobiográfico de Pablo Sorozábal. Son muchos los grandes amantes de la zarzuela que no han podido hacerse con él. Debes luchar lo indecible por conseguirlo, aunque no es fácil. Su propio hijo tan solo tiene un ejemplar, pues después de mucho indagar sin éxito contacté con él por teléfono, allá por 1999, y no pudo atender mi demanda. Apenas dos semanas después lo conseguí del modo más inesperado y surrealista imaginable. Te digo esto, porque en esta autobiografía de Sorozábal, y tras estrenarse “Katiuska” en Barcelona, se acometió la revisión de la obra, como tú muy bien indicas. La misma noche del estreno ya detectaron sus autores que debían modificar el segundo acto. Hay un dato que, según el compositor vasco, fue determinante para aún siendo él un novel imponer su criterio sobre el de los libretistas. Ese dato fue la opinión del limpiabotas que le limpió los zapatos a Sorozábal, al día siguiente del estreno. Dicha noche el primer acto fue un exitazo, pero el segundo decayó ayudado por la floja interpretación de los protagonistas, según opinión de los autores de la obra. Dice Sorozábal en su libro: “Martí Alonso se puso a ojear la prensa, buscando alguna crítica y yo me dispuse a que me limpiasen los zapatos. Empezó el limpiabotas su faena y antes de terminar la limpieza de uno de los zapatos se dirigió a mí diciéndome:
-¡Vaya música más bonita que ha escrito usted!
-¿Estuvo en el estreno?
-Claro que estuve.
-¿Y le gustó?
-La música sí, pero el libro es una m…
-Dígame ¿porqué no le gustó el libreto?
-¡Hombre! -me contestó- el primer acto si que me gustó, y mucho, pero el segundo, aquello de París y del cabaret, nada.
-¿Qué es lo que a usted le hubiese gustado?- Mire, no sé… pero después de los tiros y de ver como el barítono, Marcos, saltó por la ventana, lo que me hubiese gustado es saber si le habían herido o si había logrado escapar.

Terminó su faena, se fue con su caja a postrarse ante otro cliente que le había hecho señas y yo le dije a Manolo Martí: Este es el que tiene la razón. No se trata de cortar, peinar, quitar o poner penachos. Tenemos que hacer un acto nuevo. Mi colaborador en principio puso cara de asombro. Luego me dio la razón. Todavía no sabíamos como iba a reaccionar la gente, ni la empresa. Pero yo me di cuenta de que al final quien tenia razón era el limpiabotas y estaba decidido a seguir su opinión....A eso de las cuarenta representaciones, un buen día se levantó el telón y sin haberlo anunciado se representó la “Katiuska” sin el cabaret de París, todo sucedía en un solo decorado y sin salir de Rusia.Y fue un éxito.” No está de más añadir, que como la primera versión discográfica de esta zarzuela se grabó antes de su estreno, con el compromiso de la casa editora de no sacar los discos a la venta hasta después de la “premier”, esa misma noche ya sonó la grabación en el vestíbulo del teatro, cuando el público salía al acabar la representación.

No deja de resultar llamativo que siendo “Katiuska” la primera obra lírica de Sorozábal, se grabase antes de darse a conocer. Por tal razón, y gracias a las recuperaciones de “Bluemoon”, disponemos de los fragmentos cuya letra fue modificada, y del “Canto a la patria”, suprimido posteriormente”.

El compositor:

Pablo Sorozabal nació en San Sebastián el 18 de septiembre de 1897 y murió en Madrid el 26 de diciembre de 1988. Se inició musicalmente en San Sebastián primero en la Academia de Bellas Artes estudiando solfeo con Manuel Cendoya , luego en el Orfeón Donostiarra en que estudió violín con Alfredo Larrocha y piano con Germán Cendoya y finalmente como violinista en la Orquesta del Gran Casino dirigida por el citado Larrocha y eventualmente por Fernández Arbós quien en 1919 propició su llegada a Madrid integrado en la Orquesta Sinfónica de Madrid. De allí su salto a Alemania, pensionado, en donde consolidó sus conocimientos de composición, violín y dirección de orquesta. Durante varios años (hasta 1932) estuvo a caballo entre Alemania y Madrid, en donde iba componiendo Katiuska e incluso la posterior Adiós a la Bohemia, contándose que ni los mismos libretistas de Katiuska confiaban en él por no ser músico de teatro, pero, según La Voz de San Sebastián antes del estreno, “la obra llegó a Marcos Redondo, el barítono de las delicadezas, de la verdadera sapiencia de cantor y gusto. Sorozabal encontró al poderoso padrino que había de presentar su obra ante el público”. Además de su actividad como compositor, sobre todo de zarzuelas (aunque también hay en su haber obras sinfónicas), destacó en la Dirección de Orquesta desempeñando durante los dos primeros años de la guerra civil la de la Banda Municipal de Madrid, lo que a la postre le causó sinsabores derivados de su carácter fuerte e independiente y del “desvío”, por utilizar un eufemismo, que le demostraron las instancias oficiales y con que le obsequiaron algunos de sus compañeros como, al parecer, Guerrero y Moreno Torroba, no pudiendo pese a todo dar con Sorozabal en tierra. De su producción zarzuelística detallaré: KATIUSKA (1931), LA ISLA DE LAS PERLAS y ADIOS A LA BOHEMIA (1933), LA DEL MANOJO DE ROSAS (1934), LA TABERNERA DEL PUERTO (1936), CUIDADO CON LA PINTURA (1939/40), BLACK EL PAYASO (1942), LA ETERNA CANCION (1945), LOS BURLADORES (1948), ENTRE SEVILLA Y TRIANA (1950) y LAS DE CAIN (1958).

Los libretistas

Manuel Martí Alonso, del que el Diccionario de la Zarzuela sólo aporta el dato biográfico de su muerte el 23 de septiembre de 1962 y la colaboración en los libretos de KATIUSKA y LA ISLA DE LAS PERLAS de Sorozabal y EN EL BALCON DE PALACIO de Romo.

Emilio González del Castillo nacido en Madrid el 4 de abril de 1882 y muerto en la misma ciudad el 31 de enero de 1940. Fue autor de la letra de muchas revistas de Alonso, de su famosísima canción “Maitechu mía” y de más de ochenta obras líricas entre las que destacan las siguientes zarzuelas: LA CALESERA, LAS LEANDRAS y LA PICARONA de Alonso, LOS CALABRESES de Luna y KATIUSKA de Sorozabal.

Sinopsis

El argumento consiste en escenas de la revolución rusa en que se enfrentan por un lado, las fuerzas político-militares emergentes con los nostálgicos del régimen zarista y por otro lado el amor de un representante de cada uno de estos sectores, que al final triunfa, todo ello trufado del ambiente popular ruso y da la gracia y picaresca de unos personajes interesados por el dinero (Amadeo Pich) por la coquetería (Olga) o por todo junto (Coronel Bruno Brunovich) que a su vez hace la vida imposible con el gorroneo y la jerarquía a Boni. A este argumento de poca consistencia, presta Sorozabal una música “de verdad” apoyada en los coros (de nuevo cito a Sopeña que dice “Sorozabal, músico vasco, espléndidamente formado en la polifonía, da a los coros de Katiuska, sin dejarse llevar nunca de la querencia orfeónica, una dignidad y un poder excepcionales en la zarzuela) como en “todo es camino”, “salida del príncipe”, “ya anocheció ya no debéis partir” o “ven a mi casa en trineo”; o en números cómicos hilados y dignos como “cosacos de Kazán” o “rusita rusa divina”, las sublimes romanzas de Katiuska “vivía sola” o “noche hermosa”, la de tenor “es delicada flor”, las del barítono, sensible como “calor de nido” o vibrante y apasionada como “la mujer rusa” o el gran dúo “somos dos barcas”.

Indice de escenas

La obra se desglosa musicalmente en dos actos y los siguientes números:

Acto I: 1. Coro mixto “Todo es camino lleno de tristeza”. 2. Romanza de Pedro “Calor de nido, paz del hogar”. 3. Terceto cómico de Olga, Boni y el coronel “Cosacos de Kazán”. 4. Presentación del Príncipe “Es delicada flor”. 5. Romanza de Katiuska “Vivía sola con mi abuelita”. 6. “Ya anocheció ya no debéis partir” y romanza de Pedro “La mujer rusa”. 7. Concertante y final del acto I “El reloj las 10 ya dio”.

Acto II: 8. Preludio. 9. Olga y coro “Ven a mi casa en trineo: Ucraniano de mi amor”. 10. Romanza de Katiuska “Noche hermosa de jazmines perfumada”. 11. Cuarteto cómico con Olga, coronel, Tatiana y Boni “Rusita, rusa divina”. 12. Dúo de Katiuska y Pedro “Somos dos barcas”. 13. Terceto cómico de Olga. Coronel y Amadeo Pich “A París me voy”. 14. Final “Esta mujer tuya nunca ha de ser”.

Personajes

Los principales son los siguientes:

Katiuska: Única superviviente de la familia imperial rusa, protegida por el Prícipe Sergio y el Conde Iván y que termina enamorada de Pedro Stakof. El personaje lo interpreta una soprano.
Pedro Stakof: Comisario del Soviet de nobles ideales enamorado de Katiuska. Se enfrenta con los zaristas por su ideología, con sus soldados por defender a Katiuska y con el populacho por ser el encargado de cobrar los tributos. El papel lo canta un barítono.
Príncipe Sergio: Alternativa de poder zarista tras la ejecución de la familia imperial. Papel creado para un tenor.
Olga: Joven coqueta novia de Boni, asediada por el coronel Bruno Brunovich. Canta el papel una tiple cómica.
Bruno Brunovich: Coronel “en paro” del ejército zarista. Simpático pero solemne y vacuo en su patriotismo y bajo en sus instintos, en tiempos tuvo un asuntillo amoroso con Tatiana y ahora seduce a Olga, esclaviza a Boni y gorronea siempre. Papel para un bajo.
Boni: Antiguo asistente del coronel y novio “hasta cierto punto” de Olga. Papel para un tenor cómico.
Tatiana: Tía de Boni, dueña de la posada donde gorronea el coronel, y algo celestinesca al relatar a Olga sus antiguos amores. Papel para una tiple cómica a actriz cantante.
Amadeo Pich: Simpatiquísimo viajante de medias de “La Corona Imperial” de Tarrasa, que porfía en cobrar al coronel una antigua factura. Papel para un actor cantante.


LA DEL MANOJO DE ROSAS

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La del manojo de rosas

Sainete lírico en dos actos, divididos en seis cuadros
Texto original de RAMOS DE CASTRO y ANSELMO C. CARREÑO
Música de PABLO SOROZÁBAL
Estrenada el 13 de noviembre de 1934 en el Teatro Fuencarral de Madrid


Elenco del estreno

Ascensión: MARUJA VALLOJERA, Clarita: MARÍA TÉLLEZ, Doña Mariana: AMPARO BORI, Joaquín: LUIS SAGI-VELA, Ricardo: MANUEL CORTÉS, Capó: ELADIO CUEVAS, Espasa: FRANCISCO ARIAS, Don Pedro: VICENTE GÓMEZ BUR, Don Daniel: FRANCISCO RUIZ

La obra

Esta compañía fue formada por Emilio Sagi-Barba para actuar en el mencionado teatro del que también era co-empresario, recuperando títulos clásicos del repertorio compuestos por Gaztambide, Oudrid etc…, pero debido a la mala situación económica que tan quijotesca aventura conllevó, cambió el rumbo reapareciendo, tras tres años de retirada, el gran barítono con LA DEL SOTO DEL PARRAL y propiciando el estreno de la obra que nos ocupa por su hijo Luis Sagi-Vela que había debutado dos años antes con LA ROSA DEL AZAFRAN y estrenado el año anterior EL AMA, ambas de Guerrero.

Al modo de ver del Padre Sopeña, los creadores del sinfonismo español, Falla, Turina, Conrado del Campo, Esplá….tuvieron que “luchar” doblemente contra la zarzuela, por un lado contra su avejentamiento y rigidez escénica, por otro lado como tentación económica que solucionaba “a corto plazo” la posibilidad de un beneficio material que se presentaba como menos asequible en las obras sinfónicas. En el “antizarzuelismo” de estos autores hay, como contraste, el cariño por el sainete, por el género chico, admiran a Chueca, a Jiménez y a la fuente de todo eso: a Barbieri. La llamada “zarzuela grande” incapaz de representar un auténtico capítulo de nacionalismo, intenta mantenerse agarrándose al “cuadro madrileño” (Doña Francisquita y, de alguna manera, Luisa Fernanda) pero se trata de la evocación nostálgica de un ayer y por tanto inauténtica como teatro, no comparable al genial “sainete largo” de Arniches con todo su trasfondo de evolución social. Pues bien, LA DEL MANJO DE ROSAS, actualiza sin nostalgia, sin pastiche, el sainete madrileño. Si la joya del viejo género resumía tantas cosas en su título “Agua, azucarillos y aguardiente”, el tránsito del tiempo queda fijado sencillamente con el grito inicial de “Mantecao, helao”. El título de la zarzuela viene de la segunda frase del famoso dúo de LA REVOLTOSA y de él arranca la música, pero que camina inmediatamente por la senda personalísima de Sorozabal.

La obra obtuvo un gran éxito que, curiosamente, con el paso del tiempo no sólo no ha decaído sino que se ha consolidado como una de las zarzuelas más representadas en las últimas décadas.

Elías, nuestro compañero en el Foro Nueva Zarzuela me hace llegar una serie de anécdotas sobre esta obra y su compositor que no me resisto a que figuren en esta reseña para enriquecerla:

“Según cita en su autobiografía Pablo Sorozábal, el libreto de “La del manojo…” se lo dieron a él después de haberlo rechazado Moreno Torroba, a quien le pareció demasiado moderno para ponerle música. Conocido es que a Sorozábal no le asustaban las modernidades. De hecho si hay un músico renovador del género, aunque fuese en su última época, fue él. Además solía modificar las escenas, siempre con el permiso de los autores. En “La del manojo” no faltaron sus aportaciones y sugerencias. Hasta tal punto que se suprimió la escena inicial concebida por los libretistas, y que debía transcurrir en el aeródromo de Madrid, con varias vicetiples y Joaquín como mecánico de aviones.

Según Sorozábal se estrenó martes y 13, y fue una obra que el entonces coempresario del Teatro Fuencarral, Emilio Sagi Barba, programó sin demasiadas esperanzas de éxito ni de futuro. Tanto es así que se estrenó en noviembre, cuando el Fuencarral estaba previsto que el 8 de enero cerrase su escenario al teatro para transformarse en cine. Pero el éxito fue tal, que tras estar en cartel a diario, cuando cerró el Fuencarral pasó al Ideal, al Calderón y a la Zarzuela representándose en todo ellos a la vez a la vez.

Incluso el compositor, archivero y crítico de prensa, Julio Gómez, vaticinó tras el estreno que “La del manojo” solo estaría unos días en cartel. Sorozábal no cita su nombre, pero sí dice que tal vaticinio provino del autor de una “Suite en la”. Dice el maestro vasco que cuando se estrenó la obra en el Fuencarral la entrada costaba 3 pesetas, ascendiendo a 6 pesetas cuando llegó al Teatro de la Zarzuela.

No deja de ser curioso que dos de los grandes éxitos de nuestra zarzuela y sobre todo de Sorozábal, los compusiera el músico vasco porque otros colegas los rechazaron. Si Moreno Torroba dijo nones a “La del manojo”, Guridi hizo lo propio cuando se le ofreció el libreto de “La tabernera”, porque en aquel entonces estaba musicando otra obra de corte marinero: “Mari Eli”. A Sorozábal lo de las vicetiples parece ser que no le iba mucho. En el libreto de “La tabernera” también aparecía un grupo de ellas, vestidas de marino americano. En su lugar compuso la romanza de Simpson. Nunca sabremos si Ascensión y Marola hubieran sido tan populares y celebradas de no haberles puesto música Sorozábal. Lo que sí sabemos es que la zarzuela que compuso Guridi cuando rechazó “La tabernera” está totalmente olvidada”.

El compositor:

Pablo Sorozabal nació en San Sebastián el 18 de septiembre de 1897 y murió en Madrid el 26 de diciembre de 1988. Se inició musicalmente en San Sebastián primero en la Academia de Bellas Artes estudiando solfeo con Manuel Cendoya , luego en el Orfeón Donostiarra en que estudió violín con Alfredo Larrocha y piano con Germán Cendoya y finalmente como violinista en la Orquesta del Gran Casino dirigida por el citado Larrocha y eventualmente por Fernández Arbós quien en 1919 propició su llegada a Madrid integrado en la Orquesta Sinfónica de Madrid. De allí su salto a Alemania, pensionado, en donde consolidó sus conocimientos de composición, violín y dirección de orquesta. Durante varios años (hasta 1932) estuvo a caballo entre Alemania y Madrid, en donde iba componiendo Katiuska e incluso la posterior Adiós a la Bohemia, contándose que ni los mismos libretistas de Katiuska confiaban en él por no ser músico de teatro, pero, según La Voz de San Sebastián antes del estreno, “la obra llegó a Marcos Redondo, el barítono de las delicadezas, de la verdadera sapiencia de cantor y gusto. Sorozabal encontró al poderoso padrino que había de presentar su obra ante el público”. Además de su actividad como compositor, sobre todo de zarzuelas (aunque también hay en su haber obras sinfónicas), destacó en la Dirección de Orquesta desempeñando durante los dos primeros años de la guerra civil la de la Banda Municipal de Madrid, lo que a la postre le causó sinsabores derivados de su carácter fuerte e independiente y del “desvío”, por utilizar un eufemismo, que le demostraron las instancias oficiales y con que le obsequiaron algunos de sus compañeros como, al parecer, Guerrero y Moreno Torroba, no pudiendo pese a todo dar con Sorozabal en tierra. De su producción zarzuelística detallaré: KATIUSKA (1931), LA ISLA DE LAS PERLAS y ADIOS A LA BOHEMIA (1933), LA DEL MANOJO DE ROSAS (1934), LA TABERNERA DEL PUERTO (1936), CUIDADO CON LA PINTURA (1939/40), BLACK EL PAYASO (1942), LA ETERNA CANCION (1945), LOS BURLADORES (1948), ENTRE SEVILLA Y TRIANA (1950) y LAS DE CAIN (1958).

Los libretistas

Anselmo Cuadrado Carreño, según el Diccionario de la Zarzuela nació en Segovia en el siglo XIX, otras fuentes afinan más y dicen que fue 1896 el año de su natalicio situándolo en Madrid, en donde murió el 16 de mayo de 1952. En acertada colaboración con Fernández de Sevilla ha producido muchas obras de las que destaco LA DEL SOTO DEL PARRAL, de Soutullo y Vert, LOS CLAVELES de Serrano, AL DORARSE LAS ESPIGAS de Balaguer y DON MANOLITO de Sorozabal; fuera de esa colaboración escribió con Ramos de Castro LA DEL MANOJO DE ROSAS de Sorozabal y ME LLAMAN LA PRESUMIDA de Alonso y en solitario SOL EN LA CUMBRE de Sorozabal de cuya partitura “sacó” Sorozabal una romanza que le arregló a Marcos Redondo para su lucimiento personal en LA TABERNERA DEL PUERTO, que luego fue sustituida por el “Chíbiri Chíbiri”.

Francisco Ramos de Castro nació en Madrid en 1890 y murió, también en Madrid, el 4 de noviembre de 1963. Licenciado en Derecho, se dedicó al periodismo y a la literatura, siendo autor de numerosas obras teatrales de carácter cómico, desde sainetes a zarzuelas y sobre todo revistas y comedias musicales. Colaboró frecuentemente con Anselmo Cuadrado Carreño y fruto de ello fueron sus obras LA DEL MANOJO DE ROSAS, con música de Sorozabal y ME LLAMAN LA PRESUMIDA de Alonso. Fue un gran conocedor de resortes teatrales que supo modernizar la zarzuela actualizando las situaciones de los personajes y argumentos, consiguiendo efectos cómicos a través de diálogos ágiles, utilizando el retruécano, además de gran facilidad de inspiración para acomodarse a los números musicales.

Sinopsis

La acción tiene lugar en 1934, en una plaza de barrio madrileña en la que hay un garaje, un bar y una tienda de flores llamada «La del Manojo de Rosas». Se encuentran en la tienda, Joaquín, oficial mecánico del garaje con su aprendiz Capó, además de Don Daniel, el dueño de la tienda de flores y el camarero del bar, apodado Espasa por su afición a usar grandilocuentes expresiones, y romper los moldes del vocabulario. Ascensión, la florista, hija de Don Daniel, es una mocita madrileña de educación esmerada, pero orgullosa de su origen obrero, por lo que no quiere oír hablar de amores más que con un hombre de su clase. Aunque Don Daniel le ha aconsejado aceptar la proposición de Ricardo, joven y simpático aviador, Ascensión a quien quiere es a Joaquín, el mecánico, que le corresponde. Ricardo, tras una conversación con Don Daniel, está convencido de ser el candidato predilecto de Ascensión, y decide ir a declararse, pero al llegar a la puerta de la floristería se encuentra con Joaquín, los dos intercambian bravatas y amenazas. En contraste con este conflicto amoroso aparece otro entre Clarita, una coqueta manicura, Capó y Espasa. Aunque novia del primero, se deja querer por el otro, para así poner a prueba su amor. Espasa, que piensa que Clarita está loca por él, utiliza toda su verborrea para aburrir a Capó con sus camelos y hacerse dueño de la situación. Los padres de Joaquín, son Doña Mariana, mujer simpática y afable, y Don Pedro Botero, así apodado por ser un próspero traficante de chatarra. Ascensión lleva todos los días un ramo de rosas a Doña Mariana, sin saber que es la madre de Joaquín, por lo que, cuando aparece éste vestido como un señorito, comprende la florista que ha sido engañada en su buena fe. Más tarde, Ascensión está sentada en la puerta de su tienda y llega Joaquín, que como si no la hubiera visto en su casa, trata de piropearla. Pero ella le reprocha su conducta y le desprecia. Al enterarse de la ruptura, Ricardo, que no pierde la oportunidad, vuelve a cortejar a Ascensión quien, en su despecho, le acepta como novio delante de Joaquín. Meses después, Espasa, ahora cobrador de autobús, sigue mareando a Capó con su palabrería, que decide pagarle de la misma forma, y con la ayuda de un diccionario gitano, deja a Espasa descentrado y sorprendido. Envalentonado, Capó corteja a Clarita en puro argot faraónico. Por su parte, la relación entre Ascensión y Ricardo, cada día es mas fría, ella recela de todo. Don Pedro Botero se ha arruinado en el negocio de chatarra, y Joaquín tiene que volver al garaje como mecánico, esta vez por necesidad. Joaquín, al ver la frialdad que reina entre Ascensión y Ricardo, siente renacer la esperanza y expresa su cariño por Ascensión, seguro de que ella volverá a quererle. Enterada de la ruina de los padres de Joaquín, Ascensión lleva un ramo de rosas a Doña Mariana. Al salir se encuentra con Joaquín que, emocionado, agradece su delicadeza. Ambos recuerdan con tristeza los días felices de su amor. Ricardo ha comprendido que lo mejor es renunciar a Ascensión y pide Espasa que se lo diga. Ascensión pide a Clarita que le diga lo mismo a Ricardo y ambos quedan como buenos amigos, cuando llega Joaquín se reconcilia con Ascensión, mientras Clarita, Capó y Espasa brindan por la felicidad de «La del Manojo de Rosas».

Pocas zarzuelas hay que tengan un tema básico, un “leitmotiv” tan característico y hermoso, tan evocador como el expresado en la frase “no corté más que una rosa” de LA DEL MANOJO DE ROSAS. Su autor se dio cuenta del hallazgo y utilizó esta triste melodía como base de esta zarzuela, colocándola ya en la introducción y confiándola al más sensible de los instrumentos, al clarinete. Otro número interesante sigue, con un tema que ha hecho famosa a esta zarzuela: “Dice la gente del barrio” para el papel de la soprano, protagonista a la que se refiere el tema del preludio, que reaparece en su sentida canción “No corté más que una rosa”, que se prolonga después con la frase “Gavilán que con plumaje de palomo”. En el segundo acto se destacan el Preludio, con alusiones al tema y a otros momentos del drama, la Farruca o segundo dúo cómico de la obra y la romanza de barítono “Madrileña bonita”. La escena final entre soprano y barítono tiene un clima muy logrado y la reaparición del tema cumple su misión una vez más.

Indice de escenas

La obra se desglosa musicalmente en dos actos y los siguientes números:

Acto I: 1. Introducción y presentación de Ascensión “Dice la gente del barrio”. 2. Dúo de Ascensión y Joaquín “Hace tiempo que vengo al taller”. 3. Dúo de Ricardo y Joaquín “¿Quién es usted? 4. Romanza de Ascensión “No corté más que una rosa”. 5. Dúo cómico “Tienes que ser dócil”. 6. Concertante final del acto I “El que se cambia de ropa”.

Acto II: 7. Preludio. 8. Dúo cómico “Chinochilla de mi charniqué”. 9. Romanza de Joaquín “Madrileña bonita”. 10. Dúo de la ventana entre Ascensión y Joaquín “¿Está esto muy bajo?.... Qué tiempos aquellos”. 11. Final de la obra “¿Es que tú te has creído?.....Cuanto me hiciste sufrir”.

Personajes

Los principales son los siguientes:

Ascensión: Florista enamorada de Joaquín que “pasa a mejor vida”. Soprano.
Clarita: Ayudante de Ascensión y novia de Capó, a pesar de todo. Tiple cómica.
Joaquín: Estudiante de Ingeniería y luego obrero, enamorado de Ascensión. Barítono.
Ricardo: Aviador presuntuoso pretendiente de Ascensión. Tenor.
Capó: Obrero algo flojo pretendiente de Clarita. Tenor cómico.
Espasa: Camarero, fresco y así motejado por ser un diccionario viviente. Actor cantante.


LA DEL SOTO DEL PARRAL

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La del soto del parral

Zarzuela en dos actos, y tres cuadros, en prosa
Texto original de LUÍS FERNÁNDEZ DE SEVILLA y ANSELMO C. CARREÑO
Música de SOUTULLO y VERT
Estrenada el 26 de octubre de 1927 en el teatro de La Latina de Madrid


Elenco del estreno.

Germán: EMILIO SAGI-BARBA, Aurora: PAQUITA MORANTE, Miguel: CONSTANTINO J. PARDO, Catalina: JACINTA LA VEGA, Damián: VICENTE GÓMEZ BUR, Tío Prudencio: CARLOS OLLER, Tío Sabino: EUGENIO CASALS

La obra

Fue tal el éxito conseguido que a partir del 15 de diciembre se representó además en el teatro Apolo por la compañía de Selica Pérez Carpio. La dedicatoria del libreto rezaba “A Segovia, recia tierra castellana en cuya tradicional hidalguía y pintorescas costumbres hallaron ambiente para esta zarzuela, los Autores” prueba clara del deseo de los compositores y libretistas de situarnos en un costumbrismo no exento de verismo; todo ello unido a la inspiración y a la elegancia y/o bravura que se espera de las voces, hacen de esta zarzuela una de las más importantes de la época contemporánea, y así ha calado en la gente, incluso la ajena a nuestro género, que la identifica como un prototipo de la zarzuela gracias sobre todo a su más famoso número el “Donde estarán nuestros mozos”.

Por cierto que de un debate habido en el Foro Nueva Zarzuela sobre esta obra, resulta que la famosa romanza “Bella enamorada” de los mismos autores, se diseñó para esta obra y no para EL ULTIMO ROMANTICO en donde finalmente quedó ubicada, debido al veto que le puso Emilio Sagi-Barba al parecer celoso del protagonismo que esa pieza le concedía al tenor en detrimento de su personaje. También es posible que dicha romanza hubiera tenido cabida anteriormente en el estreno de EL AMA DEL BATAN, que pudo ser el título primitivo de la zarzuela que luego se llamó LA DEL SOTO DEL PARRAL.

Los compositores

Reveriano Soutullo Otero nació en Puenteareas (Pontevedra) el 11 de julio de 1880 y murió en Madrid el 29 de octubre de 1932. Desde niño mostró grandes disposiciones para la música recibiendo sus primeras lecciones de su padre Director de la Banda de Redondela, a los 14 años dirigía el Orfeón de Tuy al que llevó a ser uno de los mejores de Galicia y desde 1896 a 1900 fue cornetín solista en el Regimiento Murcia de Vigo, hasta que en 1902 marcha a Madrid y se matricula en el Conservatorio en donde en 1903 obtiene el primer premio de armonía y en 1907 el primer premio extraordinario de composición. Al terminar la carrera fue pensionado por el Ayuntamiento de Vigo para perfeccionar sus estudios en Italia, Francia y Alemania, en cuya etapa escribió una opera LA DEVOCION DE LA CRUZ, sobre la obra de Calderón de la Barca y la suite para orquesta VIGO ejecutada con éxito en el Teatro Real. En 1907 empieza a estrenar en Madrid, sin éxitos fulgurantes, como tampoco en la época en que, según fuentes (para mi no muy convincentes) de que se hace eco el Diccionario de la Zarzuela, colaboró con Luna instrumentando partituras, concretamente le atribuyen la autoría de la canción española de EL NIÑO JUDIO. Desde su primera zarzuela EL REGRESO estrenada en Vigo en 1906, han sido numerosas sus composiciones destacando las 31 obras realizadas en colaboración con Juan Vert de las que menciono LA LEYENDA DEL BESO (1924), LA DEL SOTO DEL PARRAL (1927) y EL ULTIMO ROMANTICO (1928).

Juan Vert Carbonell nació en Carcagente (según el Espasa, en Onteniente) el 22 de abril de 1890 y murió en Madrid el 16 de febrero de 1931. Empezó a estudiar música siendo muy niño con su padre Juan Bautista, se trasladó a Onteniente donde continúa sus estudios con Enrique Casanova, Director de la Banda y organista de su iglesia parroquial. Pasando luego al Conservatorio de Valencia, siendo alumno predilecto de Emilio Vega director de la Banda Municipal de Valencia, que, al ser nombrado Director de la de Alabarderos en Madrid, sustituyendo a Bartolomé Pérez Casas, tiró de Juan Vert para la capital haciéndole ingresar en el Conservatorio donde logró el premio de honor de armonía y composición. Su primera zarzuela fue LAS VIRGENES PAGANAS (1915) y ya después enlaza casi sin solución de continuidad con Reveriano Soutullo destacando de las 31 obras realizadas en colaboración con él LA LEYENDA DEL BESO (1924), LA DEL SOTO DEL PARRAL (1927) y EL ULTIMO ROMANTICO (1928).

La unión de estos dos músicos (1919-1931) fue mucho más allá de una colaboración, pues según Soutullo “Vert hacía sus números y yo los míos y después nos preocupábamos de darles unidad. Entre Juan y yo había una compenetración tan grande que los números suyos parecían hechos por mí y viceversa. En lo referente a orquestación nos ocurrieron cosas graciosas. Este schotis, decía la gente, está orquestado por Fulano y la melodía es del otro, pues era al revés…… Vert orquestaba formidablemente”.

Los libretistas

Luís Fernández García nació en Sevilla (de ahí que utilizara como segundo apellido “Sevilla” aunque no consta que lo cambiase jurídicamente) el 16 de marzo de 1888 y murió en Madrid el 30 de noviembre de 1974. Fue dramaturgo y colaboró en diversos periódicos. Con 15 años estrena su primera obra EL NUMERO 13 siguiendo otras muchas, entre otras LOS MARQUESES DE MATUTE, en colaboración con Carreño, que aun se mantiene en el candelero; en cuanto al teatro lírico destacan las obras compuestas al alimón con Anselmo C. Carreño de las que destaco LA DEL SOTO DEL PARRAL, de Soutullo y Vert, LOS CLAVELES de Serrano, AL DORARSE LAS ESPIGAS de Balaguer y DON MANOLITO de Sorozabal; en solitario escribió LA ETERNA CANCION, de Sorozabal y con Pilar Millán Astray CAYETANA LA RUMBOSA de Alonso.

Anselmo Cuadrado Carreño, según el Diccionario de la Zarzuela nació en Segovia en el siglo XIX, otras fuentes afinan más y dicen que fue 1896 el año de su natalicio situándolo en Madrid, en donde murió el 16 de mayo de 1952. En acertada colaboración con Fernández de Sevilla ha producido muchas obras de las que destaco LA DEL SOTO DEL PARRAL, de Soutullo y Vert, LOS CLAVELES de Serrano, AL DORARSE LAS ESPIGAS de Balaguer y DON MANOLITO de Sorozabal; fuera de esa colaboración escribió con Ramos de Castro LA DEL MANOJO DE ROSAS de Sorozabal y ME LLAMAN LA PRESUMIDA de Alonso y en solitario SOL EN LA CUMBRE de Sorozabal de cuya partitura “sacó” Sorozabal una romanza que le arregló a Marcos Redondo para su lucimiento personal en LA TABERNERA DEL PUERTO, que luego fue sustituida por el “Chíbiri Chíbiri”.

Sinopsis

La acción de LA DEL SOTO DEL PARRAL transcurre en una finca segoviana a mediados del siglo XIX. Son sus principales personajes: Aurora y Germán, matrimonio de labradores a los que el dueño de la finca al morir les había dejado ésta en usufructo, y Miguel, hijo del dueño. Miguel está prometido a Angela, una moza del pueblo con la que su padre había tenido amores. Estos amores sólo eran conocidos por Germán, a quien se los reveló el padre de Miguel en su lecho de muerte, obligándole bajo juramento a no revelarlo jamás. Naturalmente Germán no ve con buenos ojos el noviazgo de Miguel con Angela y trata por todos los medios de impedir esa boda, siempre sin revelar su secreto. Esta situación produce recelos en Aurora, la mujer de Germán, que a consecuencia de una cita de éste con Angela cree que su marido está enamorado de ésta. Miguel, por otra parte, cree que su amigo Germán le traiciona con su novia, y entre todos existe una violenta tensión. Así las cosas interviene en el drama el tío Prudencio, un viejo romancero, pintoresco tipo muy frecuente en los antiguos lares castellanos, que trata de sacar partido de la situación para componer una de sus historias, enredando él mismo a los personajes en una intriga que consiste en concertar una cita de Germán con Angela y advertir a Miguel de esta cita para que acuda a sorprenderlos. Pero no contaba con la verdad, y esta es que, al afear Germán a Angela su conducta, Miguel se entera de todo y Germán se reconcilia con Aurora, mientras Angela se ve abandonada. Paralelamente a esta trama principal, se desarrollan otros sucedidos protagonizados por los novios Damián y Catalina pareja cómica que da la consabida réplica a la parte seria y finalmente tiene mucha importancia el entorno popular y regionalista que subyace en diversas fases de la acción, como en la “consulta” en que el tío Sabino, curandero, aconseja a las mozas como curar sus males o en la ronda de enamorados.

Como suele ocurrir, demasiado frecuentemente por desgracia, en nuestra querida zarzuela, la música está muy por encima del libreto, y los compenetrados compositores plasman en esta obra todo su saber para lograr, al entender de muchos, su mejor partitura, en que es difícil destacar un número sobre otro, ya sea serio, cómico o de raíz popular, y así oímos al coro mixto en su primera intervención “Voz de la campana” seguida de la jota “seca” cantada por Germán “No hay en tierras de Segovia” para tras otra intervención del coro de mozos “Contentos de la cosecha” dar paso a la brillante romanza del protagonista “Ya mis horas felices”. El graciosísimo dúo cómico de Catalina y Damián “Que soy la más linda de todas las mozas” sirve de pórtico a la ronda de enamorados “Donde estarán nuestros mozos” el número más famoso de esta obra y de los más conocidos de todo el género. La tensión crece con el soberbio dúo de Aurora y Miguel “Mintió su cariño” y con el de Aurora y Germán “Ten pena de mis dolores…..Mi cariño verdadero”, y para aliviarlo en medio de ambos se intercala “¿A la consulta se puede entrar?” cantado por el tío Sabino y el coro femenino, inspirado número que merece el merecido calificativo de “pequeña delicia” por parte de Juan Arnau. Llegamos a la cúspide dramática, que algunos consideran de influencia verista, en el concertante “¿Qué buscas, qué quieres de mi?” que en realidad es un terceto cantado por Aurora, Miguel y Germán en mitad del cual se incrusta una intervención del coro y personajes cómicos. La obra termina con la reaparición del folklore mediante la utilización de la dulzaina y el tamboril y una copla de raíz popular “En la cumbre nace el agua” cantada por Aurora.

Índice de escenas

Zarzuela en dos actos con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Introducción “Voz de la campana”. 2. Romanza de Germán “Ya mis horas felices”. 3. Dúo de Catalina y Damián “Que soy la más linda”. 4. Ronda de enamorados “¿Donde estarán nuestros mozos?”. 5. Dúo de Aurora y Miguel “Mintió su cariño”.

Acto II: 6. Coro de la consulta “¿A la consulta se puede entrar?”. 7. Dúo de Aurora y Germán “Ten pena de mis amores”. 8. Concertante “¿Qué buscas, qué quieres de mi? 9. Final “En la cumbre nace el agua”.

Personajes

Los principales son:

Aurora: Labradora, casada con Germán. Soprano
Germán: Labrador, casado con Aurora. Barítono.
Miguel: Amigo de Germán y novio de Angela. Tenor.
Catalina: Moza graciosa y algo dominante, novia de Damián. Tiple cómica (salvo en la versión de Alhambra en que Teresa Berganza canta el papel.)
Damián: Mozo holgazán y novio de Catalina. Tenor cómico.
Tío Sabino: Curandero y correveidile. Actor cantante.


LAS DE CAÍN

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Las de Caín

Zarzuela en tres actos
Texto original de SERAFÍN y JOAQUÍN ÁLVAREZ QUINTERO
Música de PABLO SOROZÁBAL y PABLO SOROZÁBAL hijo
Estrenada el 23 de diciembre de 1958 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid


Elenco del estreno

Rosalía: MARTA SANTAOLALLA, Marucha: MARIA FRANCISCA CABALLER, Amalia: FINA GESSA, Estrella: YOLANDA OTERO, Fifí: MARI CARMEN CASAS, Doña Elvira: SELICA PÉREZ CARPIO, Alfredo: ESTEBAN ASTARLOA, Don Segismundo: RAFAEL LÓPEZ SOMOZA, Pepín: NORBERTO CARMONA, Tío Cayetano: MANUEL GAS, Marín: FRANCISCO MAROTO, Tomás: PABLO PASCUAL

La obra

La obra no ha tenido excesiva difusión pese a contar con gran cantidad de números agradables, desde los preludios instrumentales a las romanzas “Rosa, mi Rosalía” de barítono y “Qué es el amor?” de soprano, dúos de estos dos protagonistas “Dime por que no has venido” y “Canta la creación” y sobre todo los números de voces múltiples como concertantes, tercetos y cuartetos en que emerge una música vivaz.

Los compositores:

Pablo Sorozabal nació en San Sebastián el 18 de septiembre de 1897 y murió en Madrid el 26 de diciembre de 1988. Se inició musicalmente en San Sebastián primero en la Academia de Bellas Artes estudiando solfeo con Manuel Cendoya, luego en el Orfeón Donostiarra en que estudió violín con Alfredo Larrocha y piano con Germán Cendoya y finalmente como violinista en la Orquesta del Gran Casino dirigida por el citado Larrocha y eventualmente por Fernández Arbós quien en 1919 propició su llegada a Madrid integrado en la Orquesta Sinfónica de Madrid. De allí su salto a Alemania, pensionado, en donde consolidó sus conocimientos de composición, violín y dirección de orquesta. Durante varios años (hasta 1932) estuvo a caballo entre Alemania y Madrid, en donde iba componiendo KATIUSKA e incluso la posterior ADIOS A LA BOHEMIA, contándose que ni los mismos libretistas de KATIUSKA confiaban en él por no ser músico de teatro, pero, según La Voz de San Sebastián antes del estreno, “la obra llegó a Marcos Redondo, el barítono de las delicadezas, de la verdadera sapiencia de cantor y gusto. Sorozabal encontró al poderoso padrino que había de presentar su obra ante el público”. Además de su actividad como compositor, sobre todo de zarzuelas (aunque también hay en su haber obras sinfónicas), destacó en la Dirección de Orquesta desempeñando durante los dos primeros años de la guerra civil la de la Banda Municipal de Madrid, lo que a la postre le causó sinsabores derivados de su carácter fuerte e independiente y del “desvío”, por utilizar un eufemismo, que le demostraron las instancias oficiales y con que le obsequiaron algunos de sus compañeros como, al parecer, Guerrero y Moreno Torroba, no pudiendo pese a todo dar con Sorozabal en tierra. De su producción zarzuelística detallaré: KATIUSKA (1931), LA ISLA DE LAS PERLAS y ADIOS A LA BOHEMIA (1933), LA DEL MANOJO DE ROSAS (1934), LA TABERNERA DEL PUERTO (1936), CUIDADO CON LA PINTURA (1939/40), BLACK EL PAYASO (1942), LA ETERNA CANCION (1945), LOS BURLADORES (1948), ENTRE SEVILLA Y TRIANA (1950) y LAS DE CAIN, con su hijo Pablo Sorozabal Serrano (1958).

Pablo Sorozabal Serrano, nació en Madrid en 1934 y murió en la misma ciudad en 2007. Hijo del famoso compositor homónimo y de la tiple cómica Enriqueta Serrano; su padre le dedicó LA DEL MANOJO DE ROSAS al manifestar que había nacido junto con aquella partitura. Ha sido compositor, escritor y traductor. Entre sus obras no dramáticas señalo CANTOS DE AMOR Y PAZ , CANTOS DE AMOR Y LUCHA y el HIMNO DE LA COMUNIDAD DE MADRID , con letra de Agustín García Calvo. En el campo dramático detallo la ópera LA TIERRA ROJA y la zarzuela LAS DE CAIN (1958) ésta en colaboración con su padre.

Los libretistas

Los hermanos Serafín y Joaquín Alvarez Quintero, nacieron en Utrera (Sevilla) el 26 de marzo de 1871 y el 21 de enero de 1873 y murieron en Madrid el 12 de abril de 1938 y el 14 de junio de 1944. Fueron dos de los mejores saineteros del teatro lírico español. Su éxito fue tan precoz como su vocación, y en enero de 1888 estrenaron su primera obra teatral, ESGRIMA Y AMOR, en el Teatro Cervantes de la capital de Andalucía. Se trasladaron a Madrid en 1889. De temperamentos muy diferentes, Serafín era abierto, locuaz, comunicativo, en tanto que Joaquín mostraba habitualmente un hermetismo silencioso e introvertido, consistiendo su gran parecido en que, cada cual a su modo, derrochaban simpatía e ingenio.

La popularidad de “los niños sevillanos” fue inmensa en España y en la América española, llegando a escribir 227 obras, de las cuales intento hacer relación completa de las relativas al género lírico, pudiendo servir la misma de demostración, a través de los nombre de los compositores con los que trabajaron, de su ingente aportación a nuestra querida zarzuela: GILITO (1889 - Osuna), LA BUENA SOMBRA (1898 - Brull), EL PEREGRINO (1898 - Gómez-Zarzuela), LOS BORRACHOS (1899 - Giménez), EL TRAJE DE LUCES (1899 - Fernández Caballero y Hermoso), EL MOTETE (1900 - Serrano), EL ESTRENO (1900 - Chapí), EL GENERO INFIMO (1901 - Valverde hijo y Barrera), ABANICOS Y PANDERETAS o A SEVILLA EN EL BOTIJO (1902 - Chapí), LA REINA MORA (1903 - Serrano), EL MAL DE AMORES (1905 - Serrano), FEA Y CON GRACIA (1905 - Turina), EL AMOR EN SOLFA (1905 - Chapí y Serrano), LA MALA SOMBRA (1906 - Serrano), NANITA NANA (1907 - Serrano), LA BELLA LUCERITO (1907 - Saco del Valle), LA PATRIA CHICA (1907 - Chapí), LAS DE CAIN (1908; estrenada en 1958 con música de Sorozabal, padre e hijo), LAS MIL MARAVILLAS (1908 - Chapí), EL PATINILLO (1909 - Giménez), LA MUELA DEL REY FARFAN (1909 - Vives), ANITA LA RISUEÑA (1911 - Vives), SABADO SIN SOL (1912 - Bravo), EL AMOR BANDOLERO (1913 - Bravo y Torres), ISIDRIN O LAS 49 PROVINCIAS ( 1915 - Giménez), BECQUERIANA (1915 - Opera de Maria Rodrigo), DIANA CAZADORA o PENA DE MUERTE AL AMOR (1915 - María Rodrigo), LA HISTORIA DE SEVILLA (1917 - Bravo), LA CASA DE ENFRENTE (1917 - Luna), LA DEL DOS DE MAYO (1928 - Barrera), LOS PAPIROS (1921 - Luna), MARIANELA (1923 - Opera de Jaime Pahissa), LAS MUERTES DE LOPILLO (1925 - Font), EL NIÑO ME RETIRA (1929 - Calleja), LAS RAYAS DE LA MANO (1931 - Guerrero), PITOS Y PALMAS (1932 - Alonso), LA MANGA ANCHA (1933 - Cayo Vela), COLORES Y BARRO (1934 - Guerrero), LA GIRALDA (1939 - Padilla), EL MALEFICIO (1939 - Moreno Torroba), LA VENTA DE LOS GATOS (1943 - Opera póstuma de Serrano), LOS BURLADORES (Estrenada en 1948 - Sorozabal).

Sinopsis

Entre las numerosas hijas de Don Segismundo de Caín, la mayor, Rosalía, está a punto de casarse con Alfredo, pero no se decide hasta que se casen sus hermanas menores lo que convierte a toda la familia en una agencia matrimonial en busca de novios que van cayendo en el morral por las buenas o por las malas; al final solo queda Fifí por lo que convencen al Tío Cayetano, más que maduro, para que ocupe la última vacante.

Indice de escenas

La obra se desglosa musicalmente en tres actos y los siguientes números:

Acto I: 1. Preludio. 2. Terceto de Tomás, Pepín y Tío Cayetano “¡Don Cayetano! ¿Cómo está usted?”. 3. Cuarteto de Amalia, Tomás, Estrella y Pepín “Tu mamá se ha calado las gafas negras”. 4. Dúo de Rosalía y Alfredo “Caballero, perdón por favor……Dime por que no has venido”. 5. Final del acto I “Mi hija Estrella”.

Acto II: 6. Preludio. 7. Romanza de Alfredo “Rosa, mi Rosalía”. 8. Concertante. “Mama, hija mía”. 8bis. Número de Don Segismundo “¡La soledad es madre de la inspiración!”. 9. Cuarteto de Don Segismundo, Tío Cayetano, Pepín y Alfredo “¡Ay, que juerga nos traemos”. 10. Final del acto II “¡Ay, Dios mío, Virgen Santa!”.

Acto III: 11. Preludio. 12. Romanza de Rosalía “¿Qué es el amor?”. 13. Dúo de Rosalía y Alfredo “Tra-la la, la….Canta la creación”. 14. Final del acto III “¡Niñas! ¡Niñas! ¿Hay sitio para este par de mozos?”.

Personajes

Los principales son los siguientes:

Rosalía: La mayor de 5 hermanas y novia de Alfredo. Soprano.
Marucha, Amalia, Estrella y Fifí: Hermanas de Rosalía. Sopranos.
Doña Elvira: Madre de Rosalía. Soprano.
Don Segismundo: Padre de Rosalía. Bajo.
Alfredo: Novio de Rosalía. Barítono.
Pepín, Marín y Tomás: Novios, por fas o por nefás, de hermanas de Rosalía. Tenores.
Tío Cayetano: Casi anciano al que le colocan a la incasable Fifí. Bajo.


LAS LEANDRAS

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Las leandras

Pasatiempo comico-lirico en dos actos, divididos en un prologo,
cinco cuadros, varios subcuadros y una apoteosis
Texto original de EMILIO Glez. DEL CASTILLO y MANUEL MARTI ALONSO
Música de FRANCISCO ALONSO
Estrenada el 12 de noviembre de 1931 en el Teatro Pavón de Madrid


Elenco del estreno

Concha y La Aurelia: CELIA GÁMEZ, Aurora: AMPARITO SARA, Fermina: CORA GÁMEZ, Tío Francisco y Paco: PEPE ALBA, Leandro: ENRIQUE PARRA, Porras: JOSÉ BÁRCENAS, Casildo: MANUEL RUBIO, Don Francisco: JULIO LORENTE, Don Cosme: ANDRÉS GAGO, Gomoso: MANUEL P. MOULIAN

La obra

LAS LEANDRAS, revista denominada pasatiempo cómico lírico, fue diseñada especialmente para Celia Gámez que lideró el reparto del estreno en los papeles de Concha y La Aurelia, acompañada, entre otros muchos, de su hermana Cora Gámez en Fermina.

Rodean el estreno un clima de expectación antes y un éxito entusiástico después, debido sobre todo a la música de Alonso esparcida en varios números pegadizos como el de las viudas “Ay que triste ser la viuda”, el de las canarias “Al bailar el tajaraste”, la habanera “Dile al gomoso” y sobre todo a dos, que en el ambiente teatral se llaman “bombas”: un chotis “El Pichi” lleno de garbo y un pasodoble “Los Nardos” brillante y chulapo y, al decir de Montero Alonso, “con una cierta y recóndita gota de melancolía temblando entre sus compases.

El compositor

Francisco Alonso, nació en Granada el 9 de mayo de 1987 y murió en Madrid el 18 de mayo de 1948. De 1900 datan sus primeras obras conocidas, estrenadas en Las Escuelas del Ave María del Padre Manjón, poco después en 1903 es nombrado director de la Orquesta Filarmónica de Granada y de la Banda de obreros polvoristas de El Fargue (según el Diccionario de la Zarzuela en 1906). En 1911 marcha a Madrid aunque nunca perdió su idiosincrasia “granaína”, pues prácticamente fue embajador de Granada en Madrid. Imposible relacionar ni siquiera un porcentaje considerable de sus obras, solo citaré entre las zarzuelas LA LINDA TAPADA y LA BEJARANA (1924), CURRO EL DE LORA y LA CALESERA (1925), LA PARRANDA (1928), LA PICARONA (1930), ME LLAMAN LA PRESUMIDA (1935), ROSA LA PANTALONERA (1938), MANUELITA ROSAS y LA ZAPATERITA (1941) y CAYETANA LA RUMBOSA (1951) y entre las Revistas, LAS CORSARIAS (1919), LAS CASTIGADORAS (1927) y LAS LEANDRAS (1931), entre otras composiciones destaca la famosísima MAITECHU MÍA y EL HIMNO DE LA EXPOSICIÓN IBEROAMERICANA DE SEVILLA (1929) reliquia recientemente desenterrada por Blue Moon al incluirla en los 5 CDs de Miguel Fleta. Compositor chispeante y brillante que yo creo que pudo alcanzar más calidad de habérselo propuesto pero, como a Guerrero y otros, le atrapó el éxito pronto y fácil, con apresuramiento salvado sólo por su inspiración (consta que los ensayos de La Calesera empezaron sin haber acabado los números musicales, entre ellos el famoso pasacalle y más todavía la romanza final para Marcos Redondo cuya frase musical “tu me puedes olvidar, yo jamás te olvidaré” pasó de las musas al teatro unos días antes del estreno) desembocando en la Revista que en definitiva dañó a la Zarzuela, y eso que aquellas Revistas eran muy superiores a las que les sucedieron. Por eso me hace gracia que “sea políticamente correcto” asimilar lo zarzuelero con su predominio en una determinada época de España, más o menos desde los felices 20 hasta la mediación de la dictadura franquista, cuando, a mi parecer, precisamente la Zarzuela ha sido víctima y no verdugo de la situación vivida en esos años por la música en España.

Los libretistas

Emilio González del Castillo nacido en Madrid el 4 de abril de 1882 y muerto en la misma ciudad el 31 de enero de 1940. Libretista e Interventor del Estado en los ferrocarriles de España. Fue autor de la letra de muchas revistas de su gran amigo Alonso, de su famosísima canción “Maitechu mía” y de más de ochenta obras líricas, muchas en colaboración con José Muñoz Román, entre las que destacan las siguientes zarzuelas: LAS LEANDRAS, LA CALESERA y LA PICARONA de Alonso, estas dos últimas en colaboración con Luís Martínez Román, LOS CALABRESES de Luna y KATIUSKA de Sorozabal.

José Muñoz Román nació en Calatayud (Zaragoza) el 26 de enero de 1903 y murió en Madrid el 6 de febrero de 1968. Desde muy joven empezó a escribir teatro, estrenando en 1928 LA SUERTE NEGRA o LOS LAUREANOS con música de Acevedo y Alonso y en 1929 EL ROMERAL con música de Acevedo y Díaz Giles. Pero donde consiguió sus más señalados éxitos fue en el campo de la revista, sobre todo en LAS LEANDRAS en colaboración con Emilio González del Castillo, y con otras con música de Alonso y de la mano de Celia Gámez como LAS CASTIGADORAS, LAS DE VILLADIEGO, DOÑA MARIQUITA DE MI CORAZON y LUNA DE MIEL EN EL CAIRO. También con Guerrero le sonrió el éxito como con CINCO MINUTOS NADA MENOS y YO SOY CASADO SEÑORITA.

Sinopsis

Una sucesión de equívocos ideados para que Concha, una supuesta colegiala huérfana costeada por su tío Don Francisco, no deje de percibir de este un importante premio en metálico por sus éxitos docentes. Lo que no sabe el pobre viejo es que la chica dejó el colegio y es una vedette de revista. Entre todos configuran un colegio en el local de una antigua casa de citas.

Indice de escenas

Pasatiempo cómico-lírico en dos actos con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Introducción. 2. A dar la lección. 3. Las viudas “Ay que triste ser la viuda que a un marido llora”. 4. Trío “Ahora es casarse cosa de juego”. 5. Chotis “Pichi es el chulo que castiga”. 6. Final del acto “Clara Bow gentil star”.

Acto II: 7. Las canarias “Al bailar el tajaraste”. 8. Habanera “Dile al gomoso….Llévame a la verbena de San Antonio”. 8ª. Pasodoble “Por la calle de Alcalá….Lleve usted nardos caballero”. 9. Orquesta sola. 10. Final “El beso de una mujer”

Personajes

Detallo los principales:

Concha: Escrupulosa colegiala de un centro muy especial. Vedette.
Aurora: Hija de Porras. Tiple.
Fermina: Colegiala de verdad. Tiple cómica.
Manuela: Madre de Fermina. Actriz.
Porras. Apuntador. Tenor cómico.
Don Cosme: Empresario del teatro. Barítono.
Leandro: Novio de Concha. Actor cantante.
Don Francisco: Tío de Concha. Actor.
Tío Francisco: Marido de Manuela y asiduo del “antiguo” colegio. Tenor.
Casildo: Prometido de Fermina. Tenor cómico.


LA LEYENDA DEL BESO

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La leyenda del beso

Zarzuela en dos actos, el segundo dividido en dos cuadros, en prosa y verso
Texto original de ENRIQUE REOYO, ANTONIO PASO DIAZ y JOSÉ SILVA ARAMBURU
Música de REVERIANO SOUTULLO Y JUAN VERT
Estrenada el 18 de enero de 1924 en el Teatro Apolo de Madrid


Elenco del estreno

Amapola: MARÍA CABALLÉ, Iván: JAIME ELÍAS, Mario: FRANCISCO LATORRE, Simeona: EUGENIA GALINDO, Gorón: VICENTE MAURI, Coral: CRISTINA PEREDA, Gurko: MANUEL GÓMEZ

La obra

Aunque la obra obtuvo éxito, no ha quedado “completa” en el repertorio sino por algún número, concretamente el Intermedio del que son innumerables las versiones que se han grabado, saliéndose incluso de su entorno musical, para llegar al campo de la música ligera, como con “Los Relámpagos” o al de la canción pop como “Mocedades” versión en que además la dotaron de letra con el famoso “Amor de hombre”, osadía que creo que les costó un pleito con Autores. Se aduce por el Diccionario de la Zarzuela, y yo creo en este caso que con razón, que la obra muestra una desigualdad palpable entre los números que la componen, destacando a mi entender el comienzo con las intervenciones de Iván y Mario “Cantando Amarguras” y “Tras la jauría”, el dúo “Amor mi raza sabe conquistar” no unánimemente elogiado en las fuentes consultadas, la serenata “Oye hermosa prisionera”, la escena de la fragua “Quien trabaja cantando” seguida de la poderosa romanza de tenor “Hecho de un rayo de luna” y por supuesto el genial Intermedio.

Los compositores

Reveriano Soutullo Otero nació en Puenteareas (Pontevedra) el 11 de julio de 1880 y murió en Madrid el 29 de octubre de 1932. Desde niño mostró grandes disposiciones para la música recibiendo sus primeras lecciones de su padre Director de la Banda de Redondela, a los 14 años dirigía el Orfeón de Tuy al que llevó a ser uno de los mejores de Galicia y desde 1896 a 1900 fue cornetín solista en el Regimiento Murcia de Vigo, hasta que en 1902 marcha a Madrid y se matricula en el Conservatorio en donde en 1903 obtiene el primer premio de armonía y en 1907 el primer premio extraordinario de composición. Al terminar la carrera fue pensionado por el Ayuntamiento de Vigo para perfeccionar sus estudios en Italia, Francia y Alemania, en cuya etapa escribió una opera LA DEVOCION DE LA CRUZ, sobre la obra de Calderón de la Barca y la suite para orquesta VIGO ejecutada con éxito en el Teatro Real. En 1907 empieza a estrenar en Madrid, sin éxitos fulgurantes, como tampoco en la época en que, según fuentes (para mi no muy convincentes) de que se hace eco el Diccionario de la Zarzuela, colaboró con Luna instrumentando partituras, concretamente le atribuyen la autoría de la canción española de EL NIÑO JUDIO. Desde su primera zarzuela EL REGRESO estrenada en Vigo en 1906, han sido numerosas sus composiciones destacando las 31 obras realizadas en colaboración con Juan Vert de las que menciono LA LEYENDA DEL BESO (1924), LA DEL SOTO DEL PARRAL (1927) y EL ULTIMO ROMANTICO (1928).

Juan Vert Carbonell nació en Carcagente (según el Espasa, en Onteniente) el 22 de abril de 1890 y murió en Madrid el 16 de febrero de 1931. Empezó a estudiar música siendo muy niño con su padre Juan Bautista, se trasladó a Onteniente donde continúa sus estudios con Enrique Casanova, Director de la Banda y organista de su iglesia parroquial. Pasando luego al Conservatorio de Valencia, siendo alumno predilecto de Emilio Vega director de la Banda Municipal de Valencia, que, al ser nombrado Director de la de Alabarderos en Madrid, sustituyendo a Bartolomé Pérez Casas, tiró de Juan Vert para la capital haciéndole ingresar en el Conservatorio donde logró el premio de honor de armonía y composición. Su primera zarzuela fue LAS VIRGENES PAGANAS (1915) y ya después enlaza casi sin solución de continuidad con Reveriano Soutullo destacando de las 31 obras realizadas en colaboración con él LA LEYENDA DEL BESO (1924), LA DEL SOTO DEL PARRAL (1927) y EL ULTIMO ROMANTICO (1928).

La unión de estos dos músicos (1919-1931) fue mucho más allá de una colaboración, pues según Soutullo “Vert hacía sus números y yo los míos y después nos preocupábamos de darles unidad. Entre Juan y yo había una compenetración tan grande que los números suyos parecían hechos por mí y viceversa. En lo referente a orquestación nos ocurrieron cosas graciosas. Este schotis, decía la gente, está orquestado por Fulano y la melodía es del otro, pues era al revés…… Vert orquestaba formidablemente”.

Los libretistas

Antonio Paso Cano, nació en Granada el 9 de septiembre de 1870 y murió en Madrid el 11 de julio de 1958. Estudió Derecho pero se dedicó al periodismo y al teatro, como autor y como director de escena. Muchas de sus obras fueron en colaboración con otros autores. En el campo de la zarzuela destacan EL BATEO y LA ALEGRIA DE LA HUERTA, de Chueca, EL ASOMBRO DE DAMASCO, EL NIÑO JUDIO y BENAMOR, de Luna y LA LEYENDA DEL BESO, de los maestros Soutullo y Vert.

De Enrique Reoyo y Herrera no he conseguido saber donde y cuando nació y según el Diccionario de la Zarzuela murió en San Lorenzo del Escorial el 1 de enero de 1938. Por esa fuente y una pequeña reseña en un apéndice del Espasa sabemos que fue autor en 1909 de EL PRIMER NOVIO, en colaboración con Diego San José, de una obra de versos en 1914 HORAS TONTAS y de una obra para el teatro en colaboración con Paso LOS CIEN MIL HIJOS DE SAN LUIS, en 1918. Para el teatro lírico escribió varios libretos, siempre en colaboración, destacando LA LEYENDA DEL BESO, de los maestros Soutullo y Vert y EL HUESPED DEL SEVILLANO, de Guerrero. Serafín Adame nos dice que fue médico en ejercicio, práctica que luego abandonó para dedicarse al teatro, cuya actividad y su vecindad en El Escorial con Luca de Tena propició la amistad y la colaboración.

José Silva Aramburu, nació en Madrid el 7 de mayo de 1896 y murió en la misma ciudad el 8 de julio de 1960. Estudió Derecho y trabajó en el Ayuntamiento de Madrid, además de su dedicación al teatro. En el terreno lírico es autor en solitario de SE HA PERDIDO UNA VEDETTE, con música de Dotras Vila, y en colaboración con Paso y Reoyo, de LA LEYANDA DEL BESO, de Soutullo y Vert.

Sinopsis

La escena representa el parque de un señorial castillo en tierras castellanas. Antes de alzarse el telón se escucha una canción cíngara en la que el cantor expresa amarguras de un constante caminar que alegra solo el amor de la mujer querida. Hacen su entrada en escena Mario -señorito de la heredad- y sus amigos con los que regresa de una cacería para celebrar su próxima boda. Se disponen a comer cuando aparece Juan, el guarda del castillo, quien explica a Mario que una tribu de gitanos ha pedido permiso para acampar en las tierras, de la propiedad. Añade que hace veinte años, cuando esta misma tribu pasó por el lugar, el padre del señorito Mario les dio permiso para pernoctar en sus campos. Tras del guarda han llegado algunos de los gitanos para pedir personalmente permiso. Entre ellos va Amapola, joven y hermosa gitana de la que esta enamorado Iván, perteneciente a la caravana nómada y cuya madre murió en las tierras del padre de Mario durante la acampada de veinte años atrás. La presencia de Amapola ha impresionado al conde Mario, quien concede a los gitanos el permiso para acampar. Una condición impone por su hospitalidad: «que mañana, cuando en unión de estos amigos visite yo vuestro campamento, nos esperéis ataviados con vuestras galas mas vistosas y nos alegréis con vuestros cantos y vuestras danzas». Alesko, jefe de la tribu, accede y Mario les hace pasar al interior de la casa, pero reteniendo en conversación a Amapola, a quien alaba su hermosura y corteja. La escena es vista por Iván, que aparta a la joven de Mario. Mientras éste confiesa que la joven le ha seducido y que «por un beso de su boca seria capaz de la mayor locura», Iván y Amapola se ensartan en una discusión cuya base son los celos de aquel y los deseos de libertad de ésta. Se despiden los gitanos del conde hasta mañana en la fiesta y queda Mario con sus amigos. Pocos instantes después se oye la voz de Amapola pidiendo socorro. El jabalí herido en la cacería ha atacado a la joven que es traída, desmayada, por Mario. Guando recobra el sentido, Mario le declara su pasión, queriendo besarla. Aparece la madre Ulita, hechicera de la tribu, quien detiene a Mario diciéndole que si besa a Amapola encontrara la muerte. Le relata una leyenda que habla de la hermosura que tuvo la madre de Amapola, la cual requerida por un noble renegó de su raza. Marchitada aquella belleza, fue humillada por el hombre que adoró, del que tuvo una hija, Amapola, y con la que, a punto de morir, volvió con los suyos, antes de expirar juró velar por su hija poniendo la muerte en sus labios. Mario no hace caso de la leyenda y pretende besar los labios de Amapola, pero madre Ulita arranca a ésta de los brazos de Mario.

El segundo acto nos muestra el campamento de los gitanos. Se hacen los preparativos para la fiesta, a la que Iván dice no querer asistir. Madre Ulita le hace observar que la pasión del conde por Amapola será cosa pasajera. En cualquier caso, la hechicera defenderá su amor. Llegan Mario y sus amigos, a quienes recibe Alesko. Los aristócratas quieren divertirse y proponen que se les lea la buenaventura, Amapola se ofrece a hacerlo para Mario, pero Iván se interpone. Sin embargo, su actitud violenta es calmada por Alesko y madre Ulita, que piden disculpas al conde. Después de leídas las buenaventuras, los amigos del conde visitan el campamento, quedando aquél rezagado. A solas se encuentra con Amapola. Le propone abandonar a Iván -al que ella teme, pero no ama- y reunirse por la noche en el castillo. Ella asiente y se separan sigilosamente. Empieza la fiesta, en la que Amapola canta y baila una zambra. Iván es calmado en sus celos por madre Ulita. Formula un brindis el conde y ofrece su copa a Amapola para que beba en ella, pero Iván no puede contenerse más y le arrebata la copa, pero una vez más la madre Ulita y Alesko piden disculpas a Mario. En el cuadro siguiente transcurre en el mismo pasaje del primer acto. Es de noche, Mario está atormentado por la duda de si Amapola acudirá o no a su cita. Se siente profundamente enamorado de la joven gitana. Amapola aparece y dice querer a Mario con el temor de perderle. Un dúo de amplia pasión, durante el cual Mario besa a Amapola, es truncado bruscamente por la aparición de Iván en actitud amenazadora. Se interpone madre Ulita que reprocha a Amapola la traición a su raza. La joven comprende la locura que iba a hacer; recuerda el engaño de que fue víctima su madre y parte con los suyos en inacabable camino «que será ahora más triste, porque he visto el amor». Mario la ve marchar, muerta su ilusión de amor.

Índice de escenas

Zarzuela en dos actos con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Preludio, Iván “Cantando amarguras”, coro general “Caminar sin fin” y Mario “Tras de la jauría”. 2. Canción de Amapola “Caminar sin fin….Mi canción quiere fingir una alegría”. 3. Dúo de Amapola e Iván “Amor mi raza sabe conquistar”. 4. Duetto cómico “Ay sóplame, sóplame, sopla”. 5. Serenata de Mario “Oye hermosa prisionera”. 6. Dúo de Amapola y Mario “Gran Dios, es la gitana….Oye, gitana, la de los ojos negros”.

Acto II: 7. Escena de la fragua “Quien trabaja cantando” y canto al cuchillo “Hecho de un rayo de luna”. 8. Garrotín “Se pone el cuerpo así”. 9. Zambra “Cuando bajo el cielo suena mi cantar”. 10. Brindis “¡Oh licor, que das la vida! 11. Intermedio. 12. Final ¿Vendrás mujer?

Personajes

Los principales son:

Amapola: Gitana pretendida por Iván y Mario. Soprano
Coral: Gitana. Soprano
Iván: Gitano enamorado de Amapola. Tenor.
Mario: Conde y señor del castillo que se enamora perdidamente de Amapola. Barítono.
Gorón: Amigo de Mario. Tenor cómico.
Simeona: Novia de un guardia del castillo. Tiple cómica
Ulita: Hechicera de la tribu de gitanos. Actriz.
Gurko: Gitano. Tenor


LA LINDA TAPADA

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La linda tapada

Zarzuela en dos actos
Texto original de JOSÉ TELLAECHE
Música de FRANCISCO ALONSO
Estrenada el 19 de abril de 1924 en el Teatro Cómico de Madrid


Elenco del estreno

Laura: EMILIA IGLESIAS, Inés: RAFAELA HARO, Teodora: LAURA BLASCO, Don Iñigo: JOSÉ LUIS LLORET, Gitano: PEPE MARÍN, Jerónimo Chinchilla: JOAQUÍN ROA, Ambrosio: CARLOS RUFART, Alguacil Triguillos: MARIANO OZORES

La obra

A la sazón el maestro Alonso llevaba para adelante esta zarzuela y también LA BEJARANA que estrenó dos meses después y LA CALESERA que lo hizo un año más tarde. El éxito es muy grande, gusta mucho el libro de Tellaeche y la música es aplaudida con entusiasmo; el crítico de ABC escribe “Bien dispuestas las situaciones musicales, el maestro Alonso las aprovechó excelentemente, compenetrándose de tal modo con el ambiente del libro, que ha sido una perfecta colaboración la suya, atendiendo con especialidad, como sucede en el acto primero, a la entonación general de escenas y personajes, al conjunto, preocupándose de unificar el carácter y el estilo, elegantizando el ritmo popular, como en la jácara y en la jota final. En el acto segundo, el maestro Alonso da valor a un episódico momento, escribiendo una sentida lamentación, el adiós a la vida de un condenado a muerte, y subraya luego el alegre aire de una chacona con garbosa línea. A este número sigue un liadísimo quinteto de cómica factura, que fue repetido, como algunos de los citados números, con ruidoso aplauso. El público estimó la partitura del maestro Alonso como su obra más completa”. Para mi toda la obra es una pura delicia aunque con unas cumbres sensacionales a las que elevaría no sólo la canción del gitano (que a juicio de Arnau, “fue rápidamente popular y quedó como canción desgajada del contexto total de la obra a que pertenece para éxito de famosos cantantes, en cabeza Marcos Redondo”) y la jota, sino también los números estudiantiles tan bien acoplados al ambiente de una ciudad en que tanto significan, como “Moza de Salamanca” y “Consiguió un estudiante” sin olvidarnos de la chacona y la pavana, que realzan la parte “picaresca” típica del periodo histórico en que se desarrolla la acción, la impactante frase musical “Castellana, castellana” del número 2 de la zarzuela, e incluso el fado, que alguien considera forzado en la obra, olvidando que Laura es portuguesa.

El compositor

Francisco Alonso, nació en Granada el 9 de mayo de 1987 y murió en Madrid el 18 de mayo de 1948. De 1900 datan sus primeras obras conocidas, estrenadas en Las Escuelas del Ave María del Padre Manjón, poco después en 1903 es nombrado director de la Orquesta Filarmónica de Granada y de la Banda de obreros polvoristas de El Fargue (según el Diccionario de la Zarzuela en 1906). En 1911 marcha a Madrid aunque nunca perdió su idiosincrasia “granaína”, pues prácticamente fue embajador de Granada en Madrid. Imposible relacionar ni siquiera un porcentaje considerable de sus obras, solo citaré entre las zarzuelas LA LINDA TAPADA y LA BEJARANA (1924), CURRO EL DE LORA y LA CALESERA (1925), LA PARRANDA (1928) y LA PICARONA (1930); y entre las Revistas, LAS CORSARIAS (1919), LAS CASTIGADORAS (1927) y LAS LEANDRAS (1931), entre otras composiciones destaca la famosísima MAITECHU MÍA y EL HIMNO DE LA EXPOSICIÓN IBEROAMERICANA DE SEVILLA (1929) reliquia recientemente desenterrada por Blue Moon al incluirla en los 5 CDs de Miguel Fleta. Compositor chispeante y brillante que yo creo que pudo alcanzar más calidad de habérselo propuesto pero, como a Guerrero y otros, le atrapó el éxito pronto y fácil, con apresuramiento salvado sólo por su inspiración (consta que los ensayos de La Calesera empezaron sin haber acabado los números musicales, entre ellos el famoso pasacalle y más todavía la romanza final para Marcos Redondo cuya frase musical “tu me puedes olvidar, yo jamás te olvidaré” pasó de las musas al teatro unos días antes del estreno) desembocando en la Revista que en definitiva dañó a la Zarzuela, y eso que aquellas Revistas eran muy superiores a las que les sucedieron. Por eso me hace gracia que “sea políticamente correcto” asimilar lo zarzuelero con su predominio en una determinada época de España, más o menos desde los felices 20 hasta la mediación de la dictadura franquista, cuando, a mi parecer, precisamente la Zarzuela ha sido víctima y no verdugo de la situación vivida en esos años por la música en España.

El libretista

José Tellaeche y Arrillaga, nació el 12 de diciembre de 1887 en Madrid y allí murió el 13 de septiembre de 1848. Dramaturgo, colaborador en diarios y revistas y director del Teatro Apolo en su etapa final. Se distinguió por su conocimiento de los recursos escénicos unido a un estilo desenvuelto y enérgico. Sus obras más conocidas son LA LINDA TAPADA y CURRO EL DE LORA de Alonso, LAS CALATRAVAS de Luna y EL ULTIMO ROMANTICO de Soutullo y Vert.

Sinopsis

La Dama portuguesa Doña Laura Marialba llega a Salamanca, en unión de su dueña Mencía, en busca del capitán Don Iñigo de Albornoz, que pernocta en la ciudad castellana para reclutar gente con destino a los Tercios de Flandes, hacia donde partirá el capitán tan pronto como acabe la recluta. Parece ser que Don Iñigo, durante su estancia en la corte, no hizo mucho caso de doña Laura cuando ésta le fue presentada. Laura quedó enamora del joven Capitán y dolida a la vez por la falta de atención que le demostrara don Iñigo. Pero su cariño caló hondo, a tal extremo que ideó marchar tras el a Salamanca y presentarse ante el capitán don Iñigo con la cara tapada. Su estratagema comienza a tener éxito cuando logra que las gentes de la ciudad se interesen por saber quien será la linda tapada, como todos la llaman ya. Entre los hombres, está, naturalmente, el capitán don Iñigo de Albornoz. Surge un inconveniente y con el que no contaba la joven, el corregidor de la ciudad, hombre impertinente y caprichoso, que no deja en paz a una ninguna dama que merezca la pena. Para verse libre del acoso, doña Laura recurre a la ayuda que se brinda a prestarla Inés, casada con el picaruelo Jerónimo Chinchilla, que también colabora en la ayuda con su mujer. Ambrosio, dueño del mesón donde se hospeda Laura Marialba, está de acuerdo con el corregidor, al que rinde incondicional pleitesía, para allanarle el camino que conduce a la conquista de la misteriosa mujer. La noche que el corregidor y su gente se presentan en el mesón para buscar a Laura, se encuentran con las espadas del capitán don Iñigo de Albornoz y Andrés, quienes hacen huir a todos los representantes de la justicia. Laura de acuerdo con el plan que le indicaron Inés y Jerónimo, se disfraza de hombre y se presenta ante el capitán como pariente de la «linda tapada». Finge ser un caballero portugués interesado por la dama. El capitán cae en la celada y exterioriza de una manera clara el cariño que ya siente por Laura de Marialba, la misteriosa mujer. Esta comienza a saborear el triunfo que ha conseguido sobre su amado, y a la vez, sobre el corregidor, que no vuelve a molestarla. El alguacil Triguillos también prueba la hiel del desengaño, enamorándose de Inés, a quien confunde con la linda tapada. Puesto que la mujer de Jerónimo, se disfrazó con las ropas de la señora, según el plan previsto. Inés aprovechó bien la ocasión y la fue fácil sacarle el dinero a Triguillo, quien le entregó hasta el último doblón. Llega el momento en que el capitán don Iñigo de Albornoz y sus gentes han de partir a Flandes. Esta es la ocasión en que doña Laura de Marialba, se da a conocer en su verdadera personalidad. El capitán renueva ante su amada todo su sentir, y ella promete seguirle hasta Flandes.

Indice de escenas

Zarzuela en dos actos, con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Introducción “Una canción alegre canta Inesilla canta” y jácara “Casose una moza”. 2. Escena “La tapada que aquí llega…..Capitán de los Tercios de Flandes luché con denuedo” concertante “Castellana, castellana” y dúo “Muriéndome de amores”. 3. Terceto cómico “En la Corte yo fui comedianta”. 4. Pasacalle de estudiantes y charras “Del amor de un estudiante …..Moza de Salamanca…..” 5. Coro de alguaciles “Vigila la ronda…. Con mucho cuidado….Por ella que aquí se oculta”. 6. Dúo “A mi prima Laura…. Yo nunca supe lo que es amor…Muriéndome de amores”, rondalla estudiantil “Consiguió un estudiante con su guitarra doctorarse en amores en Salamanca” y jota “Por España y por mi dama…A España llegué de Flandes”.

Acto II: 7. Escena de cómicos “Comediantes hoy llegaron”, canción del gitano “En la cárcel de Villa” y chacona “Chacona, si te encuentro sola”. 8. Pavana “Permitidme señora un momento….De vuestra mano cogida.....…Señor, señor, señor”. 9. Fado “Escucha este cantar de amores”. 10. Número cómico “Prendámosla, cojámosla”. 11. Marcha final “Por el Rey, por su bandera….De España son los soldados”.

No figuran en la grabación discográfica los números 3 y 10.

Personajes

Detallo los principales:

Laura: La “linda tapada” enamorada del capitán a quien sigue. Soprano.
Mencía: Dueña de Laura. Actriz cantante.
Inés: Desenvuelta mujer de Jerónimo Chinchilla. Tiple cómica.
Teodora: Comediante. Tiple cómica.
Don Iñigo: Capitán “de los tercios de Flandes”. Barítono
Gitano: Condenado a muerte. Barítono.
Ambrosio: Dueño del mesón en que se aloja la tapada. Tenor.
Jerónimo Chinchilla: Pícaro esposo de Inés. Barítono.
Triguillos: Alguacil esquilmado por Inés. Tenor cómico.
Corregidor: Pretendiente de Laura. Tenor.

 


LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS

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La Lola se va a los puertos

Ópera en dos actos
Texto original de GUILLERMO y RAFAEL FERNÁNDEZ-SHAW
Música de ANGEL BARRIOS
Estrenada el 17 de diciembre de 1955 en el Teatro del Liceo de Barcelona


Elenco del estreno de la ópera

Toñy Rosado, Pilar Torres, Carlos Munguía, Manuel Ausensi y Joaquín Deus

La obra

La zarzuela LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS se estrenó en el Teatro Albéniz de Madrid en 1950 aunque su preparación viene de antiguo pues se cita correspondencia entre Angel Barrios y los Hermanos Machado sobre el tema, desde 1934. Tras el estreno recibió el premio a la mejor obra lírica del Ministerio de Educación. Fue convertida en ópera y estrenada en el Teatro del Liceo de Barcelona el 17 de diciembre de 1955 siendo sus principales intérpretes Toñy Rosado, Pilar Torres, Carlos Munguía, Manuel Ausensi y Joaquín Deus.

Para mi gusto, el preludio es precioso (curiosamente me recuerda mucho en algunos pasajes a “Mujeres mariposillas” de LOS CLAVELES, de Serrano estrenada en 1929), y dentro de una línea, digamos andalucista, sobresalen partes de origen flamenco, como la petenera o la serrana y otras más cercanas a un nacionalismo andaluz como la romanza “ojitos de terciopelo”, el coro “la rosa tan rebonita”, el dúo habanera de sopranos y sobre todo el dúo final de Lola y Heredia, de elevado alcance lírico y que resume el espíritu de la obra.

El compositor

Compositor y guitarrista, Angel Barrios nació en Granada el 4 de enero de 1882 y murió en Madrid el 17 de noviembre de 1964. Su padre “el Polinario” tuvo una taberna/museo cerca de la Alhambra que se convirtió en centro cultural flamenco de primer orden y a la que asistían Falla, Lorca, Rusiñol y Zuloaga entre otras celebridades. El hijo además de guitarrista y violinista entabló selectas amistades con músicos como Falla, Granados, Turina, Albéniz, Arbós, Ravel y Dukas. Estudió composición con Antonio Segura Mesa y más tarde los amplió con Conrado del Campo. Fundó el Trío Iberia (guitarra, laud y bandurria) y compuso numerosas obras pianísticas y para guitarra, la ópera EL AVAPIES y las zarzuelas LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS, JUAN LUCERO, EL NOMBRE DEL REY, entre otras.

Los libretistas

El libreto de la zarzuela está basado en la obra de Manuel y Antonio Machado Ruiz LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS, siendo un honor extraordinario para nuestro género el que ambos autores hayan tenido relación con el mismo. Manuel nació en Sevilla el 29 de agosto de 1874 y murió en Madrid el 19 de enero de 1947, Antonio nació en Sevilla el 26 de julio de 1875 y murió en el exilio en Colliure (Francia) el 22 de febrero de 1939. Independientemente de la obra que cada uno realizó por su lado, destacando la de Don Antonio en su calidad no sólo de gran escritor y sublime poeta sino de verdadero filósofo, pero siendo muy apreciable también la de su hermano, obra cuya simple relación o resumen entiendo supera el ámbito de esta reseña y nos puede mejor ocupar aquí la que escribieron en colaboración, entre las que destaco LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS (1929) y LA DUQUESA DE BENAMEJI (1932).

La adaptación de la obra para la versión operística fue realizada por:

Guillermo Fernández-Shaw Iturralde, nació en Madrid el 26 de febrero de 1893 y allí murió el 17 de agosto de 1965; hijo de Carlos Fernández Shaw (libretista de LA REVOLTOSA, LA VIDA BREVE y muchas más) siguió sus pasos académicos, estudiando Derecho, profesionales, ejerciendo el periodismo, y vocacionales como libretista teatral. Es esta la faceta que nos ocupa y en la que sucedió a su padre fallecido en 1911, heredando de él su gracia gaditana y ….a su amigo Federico Romero que se convirtió en su colaborador hasta 1951, época en la que estrenaron LA CANCION DEL OLVIDO de Serrano en 1916, DOÑA FRANCISQUITA de Vives y EL DICTADOR de Millán, en 1923, EL CASERIO de Guridi en 1926, LA VILLANA de Vives en 1927, LA ROSA DEL AZAFRAN de Guerrero en 1930, LUISA FERNANDA de Moreno Torroba en 1932, LA TABERNERA DEL PUERTO de Sorozabal en 1936, finalizando su “entente cordial” en 1951. Luego todavía estrenó con su hermano Rafael, EL CANASTILLO DE FRESAS de Guerrero en 1951, EL GAITERO DE GIJON de Romo en 1953 y MARIA MANUELA de Moreno Torroba en 1957, además de la transformación en ópera de la zarzuela LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS del compositor y guitarrista granadino Angel Barrios sobre texto de Antonio y Manuel Machado. Fue Laureado con la Legión de Honor francesa y su labor literaria se extendió también a la poesía y a la traducción de autores del calibre de Rostand, Goethe y Schiller.

Rafael Fernández-Shaw Iturralde nació en Madrid el 10 de noviembre de 1905 y murió en la misma capital el 26 de septiembre de 1967; hijo de Carlos Fernández Shaw (libretista de LA REVOLTOSA, LA VIDA BREVE y muchas más) y hermano del más famoso y prolífico Guillermo. Fue oficial del Banco de España y luego conservador del edificio. En cuanto a la zarzuela detallo su primera obra, en solitario, LA BARBIANA de Magenti en 1932 y luego, colaborando con su hermano, LA DUQUESA DEL CANDIL de Leoz en 1949, EL CANASTILLO DE FRESAS de Guerrero en 1951 y MARIA MANUELA de Moreno Torroba en 1957, además de la transformación en ópera de la zarzuela LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS del compositor y guitarrista granadino Angel Barrios sobre texto de Antonio y Manuel Machado.

Sinopsis

En la hacienda de Don Diego se unen con él, Lola y Heredia cantaora y guitarrista unidos por el arte, con Rosario y José Luis cuyo noviazgo hace tambalear Lola por la impresión que produce en José Luis y también en su padre que a toda costa quiere conseguir a la cantaora, que finalmente se va con Heredia y su guitarra.

Índice de escenas

Zarzuela en dos actos, con los siguientes números musicales, aunque debo advertir que, al carecer de fuentes, me he basado en la versión de concierto abajo citada, intentando componer los números a la par que escuchaba la obra, por lo que es posible que haya omisiones, fallos o títulos incorrectos, por lo que pido anticipadas disculpas:

Acto I: 1 Preludio. 2 Romanza de Heredia "Copla y mujer". 3 Dúo de Don Diego y Lola. 4 Petenera "Hay un camino muy largo de este lejano querer”. 5 Romanza de Lola "Ojitos de terciopelo". 6 Romanza de José Luis "No volveré a verla, no podré mirarla" y Coro “La rosa tan rebonita ¿te quieres casar conmigo?”. 7 Dúo habanera de Lola y Rosario.

Acto II: 8 Dúo de Lola y José Luis "Mi padre no puede explicar". 9 Serrana del Heredia. con intervención final de Lola. 10 Dúo de Don Diego y José Luis "Tu no sabes lo que es un cariño". 11 Dúo de Lola y Heredia "La Lola se va a los puertos, la isla se queda sola.....La Lola se va a los puertos mi alma se queda sóla".

Personajes

Los principales, son:

Lola: Cantaora “adosada” a Heredia y su guitarra. Soprano.
Rosario: Novia de José Luis. Soprano.
Don Diego: Rico hacendado andaluz, perdidamente enamorado de Lola. Bajo.
José Luis: Hijo de Don Diego que también pretende a Lola. Tenor.
Heredia: Guitarrista acompañante sempiterno de Lola. Barítono.


LOS DE ARAGON

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Los de Aragón

Zarzuela de costumbres aragonesas en un acto, dividido en cuatro cuadros, en prosa
Texto original de JUAN JOSÉ LORENTE
Música de JOSÉ SERRANO
Estrenada el 16 de abril de 1927 en el Teatro Centro de Madrid


Elenco del estreno

Gloria: MARÍA BADÍA, Agustín: DELFÍN PULIDO, Cantador: Sr. OLCINA

La obra

Todo el empeño del compositor en esta obra consistió en construir una partitura sin más motivo y ritmo que los de la jota, y a fe que lo logró mezclando además motivos patrióticos y religiosos tan ensalzados a la sazón, en plena dictadura de Primo de Rivera. La obra triunfó y algunas de sus páginas siguen escuchándose con deleite.

El compositor

El compositor José Serrano Simeón nació en Sueca (Valencia) el 14 de octubre de 1873 y murió en Madrid el 8 de marzo de 1941. Tras despuntar precozmente en su ciudad natal como instrumentista y compositor bajo la tutela artística de su propio padre, estudió en el Conservatorio de Valencia en los cursos 1891/3 y recibió lecciones de Salvador Giner con quien ya se destapó su rara facilidad para la melodía, aprovechando composiciones de aquella época para obras posteriores como EL MOTETE. Auspiciado por Don Simón Vila y becado pasó a Madrid en 1895 dedicado de lleno a la composición pero con enormes dificultades para darse a conocer. Perdida la beca cuenta Arnau que escribía romanzas que vendía a cualquier precio y que ofreció a un editor una de ellas, por cinco duros, siendo rechazada por el mismo: esa romanza la incluyó luego en EL CARRO DEL SOL, como la serenata veneciana que daría la vuelta al mundo como la mejor canción veneciana, a juicio de Mascagni. Por aquel entonces, le presentaron a Fernández Caballero quien, por su ceguera, le propuso colaborase en pasar de las musas al papel pautado los frutos tardíos de su inspiración, como así hizo con GIGANTES Y CABEZUDOS; decisiva también fue la amistad trabada en 1900 con los Alvarez Quintero que le surtieron de muchos libretos empezando ese mismo año con EL MOTETE que alcanzó extraordinario éxito y fue la base de su posterior carrera, apoyada sobre todo en el género chico. Fuera de la zarzuela adquirieron popularidad su ópera LA VENTA DE LOS GATOS obra póstuma aunque empezada en los años 20, LA CANCIÓN DEL SOLDADO (1917), el HIMNO A VALENCIA (1909)) escrito para la Exposición levantina de 1909 y entronizado como Himno Regional en 1925 y el himno VALENCIA CANTA compuesto para la Coronación de la Virgen de los Desamparados; pero donde más han proliferado sus éxitos ha sido en el campo de la zarzuela, sobresaliendo LA REINA MORA (1903), EL MAL DE AMORES y MOROS Y CRISTIANOS (1905), LA MALA SOMBRA (1906), ALMA DE DIOS (1907), LA ALEGRÍA DEL BATALLÓN (1909), EL TRUST DE LOS TENORIOS (1910), EL CARRO DEL SOL (1911), EL AMIGO MELQUÍADES (1914), LA CANCIÓN DEL OLVIDO (1916), LOS DE ARAGÓN y LAS HILANDERAS (1927), LOS CLAVELES (1929), LA DOLOROSA (1930) y su obra póstuma GOLONDRINAS DE MADRID (1944).

El libretista

Juan José Lorente Millán nació en Villarroya de la Sierra (Zaragoza) sobre 1880 dentro de una modesta familia de labradores y murió en Madrid el 13 de marzo de 1931. Cursó la carrera de maestro y se dedicó al periodismo en El Heraldo de Aragón donde fue revistero taurino y se hizo popular en una sección de actualidad: “Ráfagas”. Escribió muchas obras para el teatro, entre ellas “Aires del Moncayo” y “El dulce veneno” pero su mayor fama la debe a los libretos de las zarzuelas LOS DE ARAGON y LA DOLOROSA, ambas con música de Serrano.

Sinopsis

Durante la ausencia de su novio Agustín, en Africa luchando contra el moro, Gloria rompe la promesa que le hizo y actúa como canzonetista, enfrentándose por ello y además con su familia. Cuando vuelve Agustín y se entera reacciona primero visceralmente pero luego al verla y ante la Virgen del Pilar, perdona.

Índice de escenas

Zarzuela en un acto, con los siguientes números musicales:

1. Introducción y raconto de Agustín “Esta historia de amargura….Agüita que corre al mar….Por pensar en una Gloria otra gloria conseguí…Bendito el amor de España. 1.bis. Intermedio y cuplets “Ma petite tre joli”. 2. Romanza de Gloria “Vuelven las horas lejanas….Palomica aragonesa”. 3. Rondalla “Cantemos a la Virgen”. 4. Plegaria “Ay Madre de Dios”, dúo de Gloria y Agustín “Es ella” y romanza de Agustín “Cuantas veces solo….Los de Aragón”. 5. Final “Palomica aragonesa…Agúita que corre al mar”.

Personajes

Los principales, son:

Gloria: Aragonesa novia de Agustín. Mezzosoprano o soprano.
Agustín: Maño convertido en héroe militar en Africa. Tenor.

 


LUISA FERNANDA

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Luisa Fernanda

Comedia lírica en tres actos, en verso
Texto original de FEDERICO ROMERO y GUILLERMO FERNÁNDEZ SHAW
Música de FEDERICO MORENO TORROBA
Estrenada el 26 de Marzo de 1932 en el Teatro Calderón de Madrid


Elenco del estreno

Vidal: EMILIO SAGI-BARBA (que ese mismo día cumplió 56 años), Luisa Fernanda: SELICA PÉREZ CARPIO, Carolina: LAURA NIETO, Javier: FAUSTINO ARREGUI

La obra

El éxito fue grande, y así ha continuado a lo largo de los años. Se cuenta en el Diccionario de la Zarzuela que los antecedentes del estreno, venían enmarcados en la similitud de la situación política de la fecha de la época del estreno, Segunda República, con la de los tiempos en que se desarrollaba la acción de la obra, finales del reinado de Isabel II y preludio, por tanto, de la Primera República. Incluso el día del estreno los libretistas publicaron en ABC una autocrítica, a mi entender un tanto deslavazada e incoherente, pues tratan de armonizar “su argumento” con unas posibilidades históricas (estampas madrileñas en la corte en ciernes de Luisa Fernanda, esposa del conspirador y pretendiente Montpensier) que no llegaron a granar.

El compositor
El compositor Federico Moreno Torroba nació en Madrid el 3 de marzo de 1891 y murió también en Madrid el 12 de septiembre de 1982. En su amplia trayectoria de compositor, director de orquesta y empresario, destacan éxitos fuera del ámbito de la zarzuela, como su obra sinfónica LA AJORCA DE ORO (1918), las óperas LA VIRGEN DE MAYO (1925) y EL POETA (1980, estrenada por Plácido Domingo que tenía verdadero afecto personal al maestro) y sus composiciones para guitarra clásica. Pero donde más han proliferado sus éxitos ha sido en el campo de la zarzuela, desde la primera LA MESONERA DE TORDESILLAS (1925), y luego LA MARI BLANCA Y LA PASTORELA (1926, la segunda en colaboración con Pablo Luna), LA MARCHENERA (1928), MARÍA LA TEMPRANICA (1930 adaptación de la obra de giménez), AZABACHE y LUISA FERNANDA (1932), XUANÓN (1933), LA CHULAPONA (1934), MONTECARMELO (1939), MARAVILLA (1941), LA CARAMBA (1942), LA ILUSTRE MOZA (1943) y MARÍA MANUELA (1957), sólo por señalar las que me consta que han tenido trascendencia fonográfica.

Los libretistas

Guillermo Fernández-Shaw Iturralde, nació en Madrid el 26 de febrero de 1893 y allí murió el 17 de agosto de 1965; hijo de Carlos Fernández Shaw (libretista de LA REVOLTOSA, LA VIDA BREVE y muchas más) siguió sus pasos académicos, estudiando Derecho, profesionales, ejerciendo el periodismo, y vocacionales como libretista teatral. Es esta la faceta que nos ocupa y en la que sucedió a su padre fallecido en 1911, heredando de él su gracia gaditana y …. su amigo Federico Romero que se convirtió en su colaborador hasta 1951, época en la que estrenaron LA CANCION DEL OLVIDO de Serrano en 1916, DOÑA FRANCISQUITA de Vives y EL DICTADOR de Millán, en 1923, EL CASERIO de Guridi en 1926, LA ROSA DEL AZAFRAN de Guerrero en 1930, LUISA FERNANDA de Moreno Torroba en 1932, LA TABERNERA DEL PUERTO de Sorozabal en 1936, finalizando su “entente cordial” con LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS del compositor y guitarrista granadino Angel Barrios sobre la obra de Antonio y Manuel Machado. Luego todavía estrenó con su hermano Rafael, EL CANASTILLO DE FRESAS de Guerrero en 1951, EL GAITERO DE GIJON de Romo en 1953 y MARIA MANUELA de Moreno Torroba en 1957. Fue Laureado con la Legión de Honor francesa y su labor literaria se extendió también a la poesía y a la traducción de autores del calibre de Rostand, Goethe y Schiller.

Federico Romero Sarachaga, nació en Oviedo en noviembre de 1886 (el día 11 según el Espasa y el 15 si hacemos caso al Diccionario de la Zarzuela) y murió en Madrid el 30 de junio de 1976, pero aunque vivió también en Zaragoza, se le considera “manchego de pro” al no haber perdido su relación con La Solana desde que su familia se instaló allí a principios del siglo XX y al haber colaborado decisivamente en “La Rosa del Azafrán” zarzuela emblemática de esa región, musicada por otro manchego ilustre. Muy amigo de Carlos Fernández Shaw, a su muerte comenzó una colaboración con su hijo Guillermo que duró cuarenta años y que fructificó en obras como: LA CANCION DEL OLVIDO de Serrano en 1916, DOÑA FRANCISQUITA de Vives y EL DICTADOR de Millán, en 1923, EL CASERIO de Guridi en 1926, LA ROSA DEL AZAFRAN de Guerrero en 1930, LUISA FERNANDA de Moreno Torroba en 1932, LA TABERNERA DEL PUERTO de Sorozabal en 1936 y LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS de Barrios en 1951, destacadas de entre su producción de 65 obras. Fue impulsor en 1932 de la Sociedad General de Autores de España, y su denodado cariño por los temas madrileños y manchegos fue reconocido al ser nombrado miembro de número del Instituto de Estudios Madrileños e hijo adoptivo de La Solana.

Sinopsis

El argumento estriba en una historia de amor con avatares, pues Luisa Fernanda está enamorada de Javier, su novio de siempre, pero luego ante la inconstancia y vanidad del mismo, oye las pláticas de Vidal, y finalmente ante la desgracia de Javier vuelve a él, con la generosidad de Vidal. Todo ello enmarcado en un ambiente algo histórico, en que se combina la conspiración, el madrileñismo y lo extremeño; es curioso pero es el caso más claro que conozco en que parte de esta zarzuela sirva como símbolo de Madrid (por ejemplo la mazurca de las sombrillas) y parte como emblema de Extremadura (como los vareadores o el “cerendero”). A mi entender en Luisa Fernanda ocurre lo que en la mayoría de las zarzuelas, en que la música está muy por encima del libreto. En este caso la música es encantadora y se acopla a los distintos “ambientes” antes mencionados. Aunque (como decía el Guerra) “hay gente pa to”, y así vemos como el Diccionario de la Zarzuela señala que la música va “desde la mayor torpeza hasta verdaderos aciertos”, llamando torpeza al primer número de la obra que contiene una pequeña introducción, un cuadro costumbrista (mi madre me criaba pa chalequera) y la habanera del soldadito, y francamente no comparto esa crítica. Es preciosa la romanza de Javier “De este apacible rincón de Madrid” tan aprovechada por los tenores como luego veremos, impactante el dúo de Vidal y Luisa Fernanda “En mi tierra extremeña”, primoroso el de Carolina y Javier “Caballero del alto plumero”, deliciosa la mazurca de las sombrillas, picaresco el dúo de Carolina y Vidal “Para comprar a un hombre”, vibrante el terceto “Cuanto tiempo sin verte” y dramática y apasionada la romanza de Vidal “Luche la fe por el triunfo”. Y que decir del final de la obra: la romanza con coros de Vidal “En una dehesa de la Extremadura” tan sentida en esa querida tierra, o el conmovedor dúo final de Luisa Fernanda y Javier, para terminar con la pieza regional “el cerendero”. Hay un fado “lorito real” que sólo lo he oído en la versión de Selica, Redondo y Arregui que luego detallo.

Índice de escenas

Zarzuela en tres actos, con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Escena “Mi madre me criaba pa chalequera” y habanera del Saboyano “Marchaba a ser soldado”. 2. Romanza de Javier “De este apacible rincón de Madrid”. 3. Dúo de Luisa Fernanda y Vidal “En mi tierra extremeña”. 4. Dúo de Carolina y Javier “Caballero del alto plumero”.

Acto II: 5. Mazurca de las sombrillas “A San Antonio como es un santo casamentero”. 6. Dúo de Carolina y Vidal “Para comprar a un hombre”. 7. Terceto “Cuanto tiempo sin verte Luisa Fernanda”. 8. Romanza de Vidal “Luche la fe por el triunfo”. 9. Escena “Muera el prisionero, muera sin piedad”.

Acto III: 10. Los vareadores “En una dehesa de la Extremadura”. 11. Dúo final de Luisa Fernanda y Javier “Cállate corazón”. 12. Final “El Cerandero se ha muerto”.

Personajes

Los principales son:

Luisa Fernanda: Muchacha madrileña hermosa y con garbo. Soprano.
Carolina: Duquesa voluble que intenta seducir a los protagonistas. Soprano.
Rosita: Modista. Tiple cómica
Mariana. Posadera vecina de Luisa Fernanda: Actriz cantante.
Vidal: Hacendado extremeño enamorado de Luisa Fernanda. Barítono
Javier: Militar, mujeriego y pretendiente de Luisa Fernanda. Tenor.
Nogales: Revolucionario liberal. Actor cantante.
Anibal: Revolucionario aficionado. Actor cantante.


EL MAL DE AMORES

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El mal de amores

Sainete lírico en un acto
Texto original de SERAFÍN y JOAQUÍN ALVAREZ QUINTERO
Música de JOSÉ SERRANO
Estrenada el 28 de enero de 1905 en el Teatro Apolo de Madrid


Elenco del estreno

Carola: JOAQUINA PINO, Mariquilla: LOLA MEMBRIVES, Amapola: JULIA MESA, Rafael: JUAN REFORZO, Antoñillo: ANSELMO FERNÁNDEZ, Don Lope: EMILIO CARRERAS, Señor Cristóbal: JOSÉ MESEJO

La obra

El estreno no fue un éxito atisbándose el concurso de “reventadores” entonces muy en boga y, tanto el Diccionario de la Zarzuela como Arnau, nos brindan un ramillete de opiniones, muchas de ellas, en mi opinión, incongruentes o injustas, como por ejemplo “que sonaba demasiado a Serrano”, que para sainete era demasiado largo (15 minutos de música) y que tenía un tono dramático o melodramático en algunas escenas. De todas maneras ya en la segunda representación la zarzuela emprendió la senda del éxito hasta el punto de que los libretistas dedicaron la primera edición del libreto a los artistas del Teatro Apolo “…….que han pasado, con nosotros, en el breve término de veinticuatro horas, y como por arte de magia, del disgusto de un fracaso completo a la alegría de un éxito verdaderamente satisfactorio”.

El que Serrano suene a Serrano es un timbre de gloria así como que esta obra recuerde a LA REINA MORA, por cierto que en la última vez que la he oído, hace un rato en la versión de Cora Raga y Marcos Redondo, me vuelve a encantar la inspiración de este músico y añado a mis antiguas preferencias personales, “La canción de la gitanilla” y el dúo de Carola y Rafael “Aquí me tienes Carola”, todo el terceto con sus dúos incrustados con una melodía que efectivamente recuerda a LA REINA MORA y que hace pensar en aquella opinión “gastronómica” y bastante malévola de Vives sobre el gran músico de Sueca “Si Serrano supiese algo más que hacer melodías, ningún músico comería en España”.

El compositor

El compositor José Serrano Simeón nació en Sueca (Valencia) el 14 de octubre de 1873 y murió en Madrid el 8 de marzo de 1941. Tras despuntar precozmente en su ciudad natal como instrumentista y compositor bajo la tutela artística de su propio padre, estudió en el Conservatorio de Valencia en los cursos 1891/3 y recibió lecciones de Salvador Giner con quien ya se destapó su rara facilidad para la melodía, aprovechando composiciones de aquella época para obras posteriores como EL MOTETE. Auspiciado por Don Simón Vila y becado pasó a Madrid en 1895 dedicado de lleno a la composición pero con enormes dificultades para darse a conocer. Perdida la beca cuenta Arnau que escribía romanzas que vendía a cualquier precio y que ofreció a un editor una de ellas, por cinco duros, siendo rechazada por el mismo: esa romanza la incluyó luego en EL CARRO DEL SOL, como la serenata veneciana que daría la vuelta al mundo como la mejor canción veneciana, a juicio de Mascagni. Por aquel entonces, le presentaron a Fernández Caballero quien, por su ceguera, le propuso colaborase en pasar de las musas al papel pautado los frutos tardíos de su inspiración, como así hizo con GIGANTES Y CABEZUDOS; decisiva también fue la amistad trabada en 1900 con los Alvarez Quintero que le surtieron de muchos libretos empezando ese mismo año con EL MOTETE que alcanzó extraordinario éxito y fue la base de su posterior carrera, apoyada sobre todo en el género chico. Fuera de la zarzuela adquirieron popularidad su ópera LA VENTA DE LOS GATOS obra póstuma aunque empezada en los años 20, LA CANCIÓN DEL SOLDADO (1917), el HIMNO A VALENCIA (1909)) escrito para la Exposición levantina de 1909 y entronizado como Himno Regional en 1925 y el himno VALENCIA CANTA compuesto para la Coronación de la Virgen de los Desamparados; pero donde más han proliferado sus éxitos ha sido en el campo de la zarzuela, sobresaliendo LA REINA MORA (1903), EL MAL DE AMORES y MOROS Y CRISTIANOS (1905), LA MALA SOMBRA (1906), ALMA DE DIOS (1907), LA ALEGRÍA DEL BATALLÓN (1909), EL TRUST DE LOS TENORIOS (1910), EL CARRO DEL SOL (1911), LAS ESTRELLAS, EL PRINCIPE CARNAVAL y EL AMIGO MELQUÍADES, con Quinito Valverde (1914), LA CANCIÓN DEL OLVIDO (1916), LOS DE ARAGÓN y LAS HILANDERAS (1927), LOS CLAVELES (1929), LA DOLOROSA (1930) y su obra póstuma GOLONDRINAS DE MADRID (1944).

Los libretistas

Los hermanos Serafín y Joaquín Alvarez Quintero, nacieron en Utrera (Sevilla) el 26 de marzo de 1871 y el 21 de enero de 1873 y murieron en Madrid el 12 de abril de 1938 y el 14 de junio de 1944. Fueron dos de los mejores saineteros del teatro lírico español. Su éxito fue tan precoz como su vocación, y en enero de 1888 estrenaron su primera obra teatral, ESGRIMA Y AMOR, en el Teatro Cervantes de la capital de Andalucía. Se trasladaron a Madrid en 1889. De temperamentos muy diferentes, Serafín era abierto, locuaz, comunicativo, en tanto que Joaquín mostraba habitualmente un hermetismo silencioso e introvertido, consistiendo su gran parecido en que, cada cual a su modo, derrochaban simpatía e ingenio.

La popularidad de “los niños sevillanos” fue inmensa en España y en la América española, llegando a escribir 227 obras, de las cuales intento hacer relación completa de las relativas al género lírico, pudiendo servir la misma de demostración, a través de los nombre de los compositores con los que trabajaron, de su ingente aportación a nuestra querida zarzuela: GILITO (1889 - Osuna), LA BUENA SOMBRA (1898 - Brull), EL PEREGRINO (1898 - Gómez-Zarzuela), LOS BORRACHOS (1899 - Giménez), EL TRAJE DE LUCES (1899 - Fernández Caballero y Hermoso), EL MOTETE (1900 - Serrano), EL ESTRENO (1900 - Chapí), EL GENERO INFIMO (1901 - Valverde hijo y Barrera), ABANICOS Y PANDERETAS o A SEVILLA EN EL BOTIJO (1902 - Chapí), LA REINA MORA (1903 - Serrano), EL MAL DE AMORES (1905 - Serrano), FEA Y CON GRACIA (1905 - Turina), EL AMOR EN SOLFA (1905 - Chapí y Serrano), LA MALA SOMBRA (1906 - Serrano), NANITA NANA (1907 - Serrano), LA BELLA LUCERITO (1907 - Saco del Valle), LA PATRIA CHICA (1907 - Chapí), LAS DE CAIN (1908; estrenada en 1958 con música de Sorozabal, padre e hijo), LAS MIL MARAVILLAS (1908 - Chapí), EL PATINILLO (1909 - Giménez), LA MUELA DEL REY FARFAN (1909 - Vives), ANITA LA RISUEÑA (1911 - Vives), SABADO SIN SOL (1912 - Bravo), EL AMOR BANDOLERO (1913 - Bravo y Torres), ISIDRIN O LAS 49 PROVINCIAS ( 1915 - Giménez), BECQUERIANA (1915 - Opera de Maria Rodrigo), DIANA CAZADORA o PENA DE MUERTE AL AMOR (1915 - María Rodrigo), LA HISTORIA DE SEVILLA (1917 - Bravo), LA CASA DE ENFRENTE (1917 - Luna), LA DEL DOS DE MAYO (1928 - Barrera), LOS PAPIROS (1921 - Luna), MARIANELA (1923 - Opera de Jaime Pahissa), LAS MUERTES DE LOPILLO (1925 - Font), EL NIÑO ME RETIRA (1929 - Calleja), LAS RAYAS DE LA MANO (1931 - Guerrero), PITOS Y PALMAS (1932 - Alonso), LA MANGA ANCHA (1933 - Cayo Vela), COLORES Y BARRO (1934 - Guerrero), LA GIRALDA (1939 - Padilla), EL MALEFICIO (1939 - Moreno Torroba), LA VENTA DE LOS GATOS (1943 - Opera póstuma de Serrano), LOS BURLADORES (Estrenada en 1948 - Sorozabal).

Sinopsis

El sainete cuenta la leyenda de un pozo cuya agua cura el mal de amores, y así sucede a Carola, mujer que huye de un novio impuesto, y a Rafael, su verdadero amor, que se finge muerto para ahuyentar a los perseguidores. Alrededor de esta trama aparecen otros personajes, como Mariquilla y su novio Antoñillo, y una gitanilla presa, Amapola que canta su emotiva zambra.

Índice de escenas

Sainete en un acto con los siguientes números musicales:

Acto único: 1. Introducción, dúo de la gitana y Mariquilla “Dame un buche d'agua…..Bebe, bebe” y canción de la gitanilla “Migueliyo er de la jara”. 2. Terceto “A la zombra de mi amó….Maripositas del aire….Floresiyas del campo”. 3. Dúo de Carola y Rafael “Aquí me tienes Carola”. 4. Escena final “A la zombra de mi amó…Der arroyo en el cristá”.

Personajes

Los principales, son:

Carola: Enamorada de Rafael. Mezzosoprano.
Amapola: Gitanilla presa. Mezzosoprano.
Mariquilla: Hija del ventero y novia de Antoñillo. Soprano.
Rafael: Novio de Carola. Barítono.
Antoñillo: Novio de Mariquilla. Tenor.


LA MALA SOMBRA

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La mala sombra

Sainete lírico en un acto.
Texto de SERAFIN y JOAQUIN ALVAREZ QUINTERO.
Música de JOSE SERRANO.
Estrenado el 25 de septiembre de 1906 en el Teatro Apolo de Madrid


Elenco del estreno

Pepa la Garbosa: JOAQUINA PINO, Leonor: MARIA PALOU, Angelillo: LUIS MANZANO, Baldomero: EMILIO CARRERAS, Curro Meloja: JOSE ONTIVEROS, La sorda: PILAR VIDAL, Taburete: PEDRO RUIZ DE ARANA, Peregrín: JOSE MESEJO, Juan de Dios: VICENTE GARCIA VALERO, Badana: SR. SORIANO, José Poto, Potito: MIGUEL MIHURA ALVAREZ.

La obra

Resumiendo el comentario que le dedica el Diccionario de la Zarzuela, esta obra nos puede servir de ejemplo para abarcar el significado que tuvo el género chico en Serrano: simplificación del lenguaje musical lo que conlleva la elección de los actores que habían de interpretar sus partituras de forma que se busque más su sal y gracia al incorporar los tipos que su proclividad al bel canto. La música de LA MALA SOMBRA cumple a la perfección el cometido que tiene dentro del sainete, equilibrando la mayor importancia que en el éxito conseguido se atribuyó al texto, y dibujando con tino la característica de cada personaje: la juventud, alegría y naturalidad de Angelillo y Leonor, el talante perdedor de Baldomero, un tinte más serio para Pepa, o la "mala sombra" de Curro Meloja que incita a la comicidad a fuer de su anticomicidad. La crítica ensalzó el sainete y Chispero escribió "Los chistes -naturales, rápidos, de situación más que de retruécano- de diálogo se hicieron pronto populares en toda España. Pocas veces se alcanzó más completamente la total aquiescencia de un público para una obra regional....¡El telón se levantó dieciocho veces al acabar la obra! No hay que decir que en el mes de octubre se llenó Apolo hasta el tejado todas las noches, en primera y última sección, pues LA MALA SOMBRA dobló desde el día siguiente de su estreno".

Como curiosidad decir que intervino como actor en el estreno el padre del famoso dramaturgo Miguel Mihura

El compositor

El compositor José Serrano Simeón nació en Sueca (Valencia) el 14 de octubre de 1873 y murió en Madrid el 8 de marzo de 1941. Tras despuntar precozmente en su ciudad natal como instrumentista y compositor bajo la tutela artística de su propio padre, estudió en el Conservatorio de Valencia en los cursos 1891/3 y recibió lecciones de Salvador Giner con quien ya se destapó su rara facilidad para la melodía, aprovechando composiciones de aquella época para obras posteriores como EL MOTETE. Auspiciado por Don Simón Vila y becado pasó a Madrid en 1895 dedicado de lleno a la composición pero con enormes dificultades para darse a conocer. Perdida la beca cuenta Arnau que escribía romanzas que vendía a cualquier precio y que ofreció a un editor una de ellas, por cinco duros, siendo rechazada por el mismo: esa romanza la incluyó luego en EL CARRO DEL SOL, como la serenata veneciana que daría la vuelta al mundo como la mejor canción veneciana, a juicio de Mascagni. Por aquel entonces, le presentaron a Fernández Caballero quien, por su ceguera, le propuso colaborase en pasar de las musas al papel pautado los frutos tardíos de su inspiración, como así hizo con GIGANTES Y CABEZUDOS; decisiva también fue la amistad trabada en 1900 con los Alvarez Quintero que le surtieron de muchos libretos empezando ese mismo año con EL MOTETE que alcanzó extraordinario éxito y fue la base de su posterior carrera, apoyada sobre todo en el género chico. Fuera de la zarzuela adquirieron popularidad su ópera LA VENTA DE LOS GATOS obra póstuma aunque empezada en los años 20, LA CANCIÓN DEL SOLDADO (1917), el HIMNO A VALENCIA (1909)) escrito para la Exposición levantina de 1909 y entronizado como Himno Regional en 1925 y el himno VALENCIA CANTA compuesto para la Coronación de la Virgen de los Desamparados; pero donde más han proliferado sus éxitos ha sido en el campo de la zarzuela, sobresaliendo LA REINA MORA (1903), EL MAL DE AMORES y MOROS Y CRISTIANOS (1905), LA MALA SOMBRA (1906), ALMA DE DIOS (1907), LA ALEGRÍA DEL BATALLÓN (1909), EL TRUST DE LOS TENORIOS (1910), EL CARRO DEL SOL (1911), EL AMIGO MELQUÍADES (1914), LA CANCIÓN DEL OLVIDO (1916), LOS DE ARAGÓN y LAS HILANDERAS (1927), LOS CLAVELES (1929), LA DOLOROSA (1930) y su obra póstuma GOLONDRINA DE MADRID (1944).

Los libretistas

Los hermanos Serafín y Joaquín Alvarez Quintero, nacieron en Utrera (Sevilla) el 26 de marzo de 1871 y el 21 de enero de 1873 y murieron en Madrid el 12 de abril de 1938 y el 14 de junio de 1944. Fueron dos de los mejores saineteros del teatro lírico español. Su éxito fue tan precoz como su vocación, y en enero de 1888 estrenaron su primera obra teatral, ESGRIMA Y AMOR, en el Teatro Cervantes de la capital de Andalucía. Se trasladaron a Madrid en 1889. De temperamentos muy diferentes, Serafín era abierto, locuaz, comunicativo, en tanto que Joaquín mostraba habitualmente un hermetismo silencioso e introvertido, consistiendo su gran parecido en que, cada cual a su modo, derrochaban simpatía e ingenio.

La popularidad de "los niños sevillanos" fue inmensa en España y en la América española, llegando a escribir 227 obras, de las cuales intento hacer relación completa de las relativas al género lírico, pudiendo servir la misma de demostración, a través de los nombre de los compositores con los que trabajaron, de su ingente aportación a nuestra querida zarzuela: GILITO (1889 - Osuna), LA BUENA SOMBRA (1898 - Brull), EL PEREGRINO (1898 - Gómez-Zarzuela), LOS BORRACHOS (1899 - Giménez), EL TRAJE DE LUCES (1899 - Fernández Caballero y Hermoso), EL MOTETE (1900 - Serrano), EL ESTRENO (1900 - Chapí), EL GENERO INFIMO (1901 - Valverde hijo y Barrera), ABANICOS Y PANDERETAS o A SEVILLA EN EL BOTIJO (1902 - Chapí), LA REINA MORA (1903 - Serrano), EL MAL DE AMORES (1905 - Serrano), FEA Y CON GRACIA (1905 - Turina), EL AMOR EN SOLFA (1905 - Chapí y Serrano), LA MALA SOMBRA (1906 - Serrano), NANITA NANA (1907 - Serrano), LA BELLA LUCERITO (1907 - Saco del Valle), LA PATRIA CHICA (1907 - Chapí), LAS DE CAIN (1908; estrenada en 1958 con música de Sorozabal, padre e hijo), LAS MIL MARAVILLAS (1908 - Chapí), EL PATINILLO (1909 - Giménez), LA MUELA DEL REY FARFAN (1909 - Vives), ANITA LA RISUEÑA (1911 - Vives), SABADO SIN SOL (1912 - Bravo), EL AMOR BANDOLERO (1913 - Bravo y Torres), ISIDRIN O LAS 49 PROVINCIAS ( 1915 - Giménez), BECQUERIANA (1915 - Opera de Maria Rodrigo), DIANA CAZADORA o PENA DE MUERTE AL AMOR (1915 - María Rodrigo), LA HISTORIA DE SEVILLA (1917 - Bravo), LA CASA DE ENFRENTE (1917 - Luna), LA DEL DOS DE MAYO (1928 - Barrera), LOS PAPIROS (1921 - Luna), MARIANELA (1923 - Opera de Jaime Pahissa), LAS MUERTES DE LOPILLO (1925 - Font), EL NIÑO ME RETIRA (1929 - Calleja), LAS RAYAS DE LA MANO (1931 - Guerrero), PITOS Y PALMAS (1932 - Alonso), LA MANGA ANCHA (1933 - Cayo Vela), COLORES Y BARRO (1934 - Guerrero), LA GIRALDA (1939 - Padilla), EL MALEFICIO (1939 - Moreno Torroba), LA VENTA DE LOS GATOS (1943 - Opera póstuma de Serrano), LOS BURLADORES (Estrenada en 1948 - Sorozabal).

Sinopsis

Nos dice Salvador Valverde que "Se trata de un sainete original donde se presenta una Sevilla sin gracia y sin sol. Se pone en evidencia a los "falsos graciosos", en el tipo de Curro Melojas, cuyos dichos, timos y muletillas se pusieron de moda ("sipi", "nopi", "naturaca"). El personaje confirmaba que en la tierra de la gracia, también existe la "guasa" y el "malaje" es decir la mala sombra, Y....que en Andalucía también llueve. La acción de la mala sombra transcurre en un bar-betunería del señor Baldomero que pone al mostrador a su hermosa cuñada, Pepa la Garbosa y de limpiabotas al avispado Angelillo novio de su hija Leonor a escondidas suya. Los que se van "comiendo" el bar son los amigos de Baldomero, tres compadres tuertos que intentan atraer a la flamante clientela con su cante flamenco "el verduguito apretó, mi padre sacó la lengua, mi madre se impresionó", pero lo que hacen es poner en fuga a los clientes con sólo mirarlos, sin necesidad del cante, pues para los supersticiosos andaluces un tuerto trae mala suerte. Por si no fuera suficiente para los parroquianos, también está Taburete, el celosísimo novio de Pepa, que vigila su trabajo en el bar y desafía al que le diga el mínimo piropo. La Garbosa, más que atracción de forasteros, es motivo de batallas y escándalos que arruinan el modesto negocio. Angelillo y Leonor, terminan poniendo a todos en la calle y haciéndose cargo del negocio, que en lo sucesivo se llamará la buena sombra".

Índice de escenas

Sainete lírico en un acto, con los siguientes números musicales:

Acto único: 1. Introducción, escena y tango "Con uno de tus zapatos...Por un moreniyo agrasiao". 2. Terceto de Pepa, Taburete y Angelillo "¡Várgame er cielo, José María...Píeme er pan que gano". 3. Dúo de Leonor y Angelillo "Ven aquí clavellina". 4. Coplas de Curro Meloja y de Pepa "Au, au.....Por una mala gachí".

Personajes

Los principales, son:

Pepa la Garbosa: Cuñada de Baldomero y novia de Taburete. Mezzosoprano.
Leonor: Hija de Baldomero y novia de Angelillo. Soprano.
Baldomero: Pobre hombre con gafe. Tenor cómico.
Angelillo: Limpiabotas. Tenor cómico.
Curro Meloja: Gracioso con "mu mala sombra". Tenor cómico.
Taburete: Matón. Actor cantante.
Peregrín, Juan de Dios y Badana: Tres compadres tuertos con poco ángel. Actores.


MARAVILLA

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Maravilla

Comedia lírica en tres actos.
Texto de ANTONIO QUINTERO y JESUS MARIA DE AROZAMENA.
Música de FEDERICO MORENO TORROBA
Estrenada el 12 de abril de 1941 en el Teatro Fontalba de Madrid.


Elenco del estreno

Maravilla: SELICA PEREZ CARPIO, Elvira: MARUJA VALLOJERA, Rafael: LUIS SAGI VELA, además, PABLO GORGE, ARTURO LLEDO y ANTONIO PRIETO.
La obra

El ABC del día siguiente al estreno publicó la siguiente crónica, en la que queda reflejada la magnitud del éxito obtenido, que luego ha quedado reducido al de la romanza de barítono (cantada también por algunos tenores) "Amor vida de mi vida" del tercer acto: "Gran noche la de ayer en Fontalba para el género lírico. Sábado de verdadera gloria que vio la resurrección de una modalidad teatral que parecía aletargada. Jornada, ante todo, de triunfo para una compenetración como se ve pocas veces del libro y de la música, unidos hasta el límite posible en el acierto. MARAVILLA, comedia lírica de Antonio Quintero y Jesús María de Arozamena, con música de Moreno Torroba, posee un libro optimista, muy bien trazado, con tipos de auténtica personalidad, diálogo chispeante y emocional, y situaciones originalísimas, avaloradas por espléndidos cantables que preparan al compositor su terreno. En resumen: la conjunción de Quintero y Arozamena -de la que hay que esperar espléndidos resultados-, ha dado uno de los libros líricos más graciosos e interesantes de estos últimos tiempos. Aprovechando las excelencias apuntadas, Moreno Torroba ha compuesto una partitura maestra, de aparente sencillez, que en muchos momentos es la cima de su carrera artística. Si tomamos a LUISA FERNANDA como base, MARAVILLA es, a nuestro juicio, una de las mejores partituras de Torroba. Fácil, melódica, con amplitud técnica que sitúa al ilustre académico al lado de los mejores que hoy tiene el género lírico. Hay de todo en sus números calurosamente aplaudidos y bisados; un chotis, un pasodoble, una canción de barítono......El dúo de bajo y tiple -magnífico de novedad e inspiración- fue un éxito rotundo. También el cuarteto constituye una brillante página. Con todas estas cualidades la obra se hará centenaria en el cartel. Para Selica Pérez Carpio, prodigiosa Maravilla, y Sagi Vela, que hace una creación personal, fueron los mejores aplausos. Sagi, cada día mejor como actor y cantante, dijo la partitura de forma depurada, culminando en la romanza del acto tercero. Compartieron el triunfo Maruja Vallojera, Arturo Lledó, que estuvo graciosísimo, Gorgé y Antonio Prieto. Los autores de MARAVILLA e intérpretes recogieron desde el escenario las ovaciones que les tributó el público".

Como curiosidad decir que Joaquín de Sagarmínaga da cuenta de que Pablo Gorgé puso broche a una prolongadísima carrera lírica interviniendo en abril de 1941 en estas representaciones del Teatro Fontalba.

Como muestra del interés que sigue despertando esta zarzuela, traigo aquí lo que de la misma escribe Joaquín Zueras Navarro en el lugar citado en el apartado bibliográfico de este reseña: "MARAVILLA se estrenó en el Teatro Fontalba de Madrid el 12 de abril de 1941, con libreto de Antonio Quintero y Jesús María de Arozamena. La acción transcurre en Madrid a principios del siglo XX. Manuela-Maravilla ha ido creciendo al lado de un convento que tiene a Emilio por jardinero. A instancias de las monjas se casan. Maravilla, que vende flores, tiene muchos admiradores a causa de su preciosa voz. Emilio muere y Maravilla hace galas como tiple en el extranjero. La trama se complica cuando Elvira, su hija, se enamora, dando lugar a una serie de malentendidos entre ambas que terminarán por resolverse. Tanto en el estreno como en el disco actúan Luis Sagi-Vela (Rafael) Maruja Vallojera (Elvira) y Angelita Durán (Manuela-Maravilla), y a las pistas del sello Columbia se sumaron dos del sello Regal: el Chotis y la canción Millonarios de Ilusión. En esta zarzuela rezuma un casticismo elegante y una hondura dramática en determinados momentos comparable a felices episodios de algunas óperas, como la "Romanza de Rafael": Amor, vida de mi vida, qué triste es decirte adiós, te llevas la juventud de este querer sin redención.... También parece un homenaje a Madrid, al que Torroba regresó pletórico y lleno de proyectos, finalizada la contienda: ¡Ay Madrid, por fin te veo!, se deslumbra mi alma con la luz de tu cielo. A través de la tierra, por los mares inmensos, en las noches triunfales te enviaba mil besos.". Los atinados comentarios vertidos en este artículo no quedan empañados por los errores deslizados en su cuerpo, al considerar a Angelita Durán como participante en el estreno o al decir que "Millonario de ilusión" era una de las pistas grabadas para el sello Regal.

El compositor

El compositor Federico Moreno Torroba nació en Madrid el 3 de marzo de 1891 y murió también en Madrid el 12 de septiembre de 1982. En su amplia trayectoria de compositor, director de orquesta y empresario, destacan éxitos fuera del ámbito de la zarzuela, como su obra sinfónica LA AJORCA DE ORO (1918), las óperas LA VIRGEN DE MAYO (1925) y EL POETA (1980, estrenada por Plácido Domingo que tenía verdadero afecto personal al maestro) y sus composiciones para guitarra clásica. Pero donde más han proliferado sus éxitos ha sido en el campo de la zarzuela, desde la primera LA MESONERA DE TORDESILLAS (1925), y luego LA MARI BLANCA Y LA PASTORELA (1926, la segunda en colaboración con Pablo Luna), LA MARCHENERA (1928), MARÍA LA TEMPRANICA (1930 adaptación de la obra de Giménez), AZABACHE y LUISA FERNANDA (1932), XUANÓN (1933), LA CHULAPONA (1934), MONTECARMELO (1939), MARAVILLA (1941), LA CARAMBA (1942), LA ILUSTRE MOZA (1943) y MARÍA MANUELA (1957).

Los libretistas

Jesús María de Arozamena Berasategui, Libretista, Abogado, Maestro y periodista, nació en San Sebastián el 19 de enero de 1918 y murió en Madrid el 29 de junio de 1972. Fue subdirector de "El Correo Español" de Bilbao y de "La Voz de España" de San Sebastián. También ocupó el cargo de consejero delegado de la Sociedad General de Autores de España. Escribió el drama MARI DOLOR premiado por la Real Academia Española en 1917. En 1948 obtuvo el Premio Nacional de Teatro Ruperto Chapí, por su versión de MIRENTXU de Guridi. En el campo musical destacan sus revistas EL AGUILA DE FUEGO y SU EXCELENCIA LA EMBAJADORA con música de Francis López, el espectáculo EL COMPAS DEL CANTE con música de Quintero, Solano y Quiroga y las zarzuelas MARAVILLA con música de Moreno Torroba, LA CONDESA DE LA AGUJA Y EL DEDAL con música de Guridi y EL HIJO FINGIDO con música de Joaquín Rodrigo.

Antonio Quintero Ramírez, dramaturgo nacido en Jerez de la Frontera (Cádiz) en 1895 y muerto en Madrid en 1977, se dedicó fundamentalmente a la realización de espectáculos de copla andaluza, no en balde formó parte de la trilogía "Quintero, León y Quiroga" y de otros espectáculos líricos, como las zarzuelas AZABACHE, en colaboración con Pascual Guillén, (1932) y MARAVILLA (1941), ambas con música de Federico Moreno Torroba.

Sinopsis

Acto I

Jardín y fachada de una iglesia y convento de monjas en Madrid. Al lado un pequeño edificio para venta de flores. Sus dueños son Emilio y Manuela, esta bastante más joven que su marido, con una gran voz, guapa y simpática, lo que da origen a los celos de Emilio. En la puerta de la iglesia dos falsos ciegos piden limosna y hacen de celestinas llevando y trayendo recados de feligreses. Emilio tiene prohibido a su esposa cantar en público, pese a que amigos y asistentes a la iglesia lo solicitan insistentemente. Entre ellos está el señor Agapito, jefe de la claque del Teatro Real, quien aprovecha cualquier motivo para que Zabala, famoso bajo del Real oiga cantar a Manuela. La ocasión se presenta de improviso. La Madre Superiora del Convento quiere satisfacer a unas señoras de la alta sociedad que vienen ayudando a que la comunidad salga adelante en sus necesidades y que también se lo habían solicitado. La noticia se extiende por todo el barrio llenando la iglesia. En tanto Manuela canta el Ave María prometido, su marido se sienta frente al puesto de flores, saca su pañuelo y llora en silencio; de la tienda sale una niña, Elvira, su hija que corre a sus brazos, Emilio la mira y la besa con desesperación.

Acto II

Veinte años más tarde. Fallecido su marido, Manuela es una famosísima cantante, Maravilla, admirada por el mundo entero. Su hija, Elvira, que dejó al cuidado del antiguo encargado de la claque del Real, Agapito, y de su esposa, Casta, se ha convertido en una preciosa mujer. El matrimonio regenta ahora una sastrería teatral en donde son asiduos concurrentes Faustino, empresario, y Rafael, joven cantante con una magnífica voz pero, hasta ahora, sin suerte. Ambos beben los vientos por Elvira, aunque esta se inclina más por el empresario, en tanto Agapito y Casta lo hacen por el barítono. De improviso y ante el asombro de todos se presenta en el taller Maravilla, que viene a cantar en una función benéfica. Confiesa a su hija que en las pocas horas que está en Madrid le ha sucedido algo extraordinario, ha conocido a un joven que será quien le de réplica en la función homenaje y que por primera vez, tras largo años, ha sentido una especie de flechazo hacia su persona, quedando con él para que venga a buscarla. Aparece Rafael, que es el joven en cuestión. Tras las presentaciones Maravilla y Rafael se despiden cogiéndose, muy acaramelados, del brazo. Ante el miedo a perderlo, Elvira se ha dado cuenta de que a quien ama realmente es a Rafael, inicia un ademán como tratando de pararlos....

Acto III

Llegó el día de la función benéfica. Zabala, el que fuera bajo en el Real y que dejó su carrera por ayudar a Maravilla en sus comienzos, se convirtió en su eterno acompañante, esperando con el tiempo llegar a algo más, tiene una escena con Rafael un poco violenta, precisamente por el cariño que Maravilla demuestra por este. Aparece Agapito que en pocas palabras lo aclara todo. Fue él quien hizo venir a Maravilla urdiendo toda la trama de los ficticios amores con Rafael. Elvira, entretanto, ha dejado una carta para su madre en la que le desea toda la felicidad del mundo y que se va en busca de la suya con Faustino, el empresario. Cuando se preparan para ir en su busca aparece Faustino que trae a Elvira, pues "por muy mala persona que le consideren, con el, no descarrila ninguna mujer honrada." Maravilla confiesa que le ha hecho sufrir para que aprenda lo que duele perder un buen amor, ya que su única ilusión es ser una buena madre, los demás amores no cuentan para ella. Al escuchar estas palabras Zabala baja la cabeza y quien sabe si no se seca una lágrima, mientras, Agapito, con la mirada, está rogándole que sea otra vez la Maravilla, altiva y triunfadora, heroína de todas las independencias guerreras, menos de aquella en que fue trofeo su eterno corazón de mujer...

Índice de escenas

En uno de los archivos del catálogo de la Biblioteca Nacional figura la relación de números que componen la partitura de esta obra, que son los siguientes sin detallar donde se produce la separación de los actos primero y segundo:

Actos I y II: Introducción. 1. "El mes de abril". 1.bis "Pasen Vdes. señores". 2. Chotis "Allá en el puente de la pradera". 3. Romanza de Maravilla "¡No puedo más, no puedo más!". 4. "La, la, la, la, la". 5. "Dios te salve María". 6. "Tiene la tarara cierto parpadeo". 7. "Son tus besos niña bella". 8. Pasacalle "Mi reina, mi gloria, mi cielo, mi vida...¡Ay Madrid, por fin te veo!". 9. "La señora de Fernández".

Acto III: Preludio. 10. Romanza de Elvira "Madre mía perdón te suplico". 11. Los coraceros "¡Auxilio! ¡Socorro! ¡Ladrones!". 12. Romanza de Rafael "Adios dijiste....Amor vida de mi vida".

Personajes

Los principales son los siguientes:

Maravilla: Famosísima cantante, Soprano.
Elvira: Hija de Maravilla. Soprano.
Rafael: Cantante enamorado de Elvira. Barítono.


LA MARCHENERA

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La marchenera

Zarzuela en tres actos, en prosa
Texto original de RICARDO GONZÁLEZ DEL TORO Y FERNANDO LUQUE
Música de MORENO TORROBA
Estrenada el 7 de abril de 1928 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid


Elenco del estreno

Paloma: MARÍA BADÍA, Valentina: FELISA HERRERO, Taravilla: FLORA PEREIRA, Conde de Hinojares: RAMÓN ESTARELLES, Don Félix: DELFÍN PULIDO, Orentino: MANUEL HERNÁNDEZ

La obra

El libreto fracasó estrepitosamente, al parecer debido, según el Diccionario de la Zarzuela, al fallecimiento de Fernando Luque que lo había iniciado teniendo que ser terminado por González del Toro no preparado, en solitario, para los menesteres de una zarzuela grande; fue calificada en “El Sol” como una momia zarzuelera vestida de ricos y sabrosos ritmos. No obstante la calidad musical salvó la obra que tuvo una magnífica acogida a la que contribuyeron los cantantes del estreno, dándose además la circunstancia de que Felisa Herrero se destacó en su papel sobre la teóricamente primera soprano. Dentro de la vistosidad general de casi toda la obra, a mi me han entusiasmado siempre la petenera “Tres horas antes del día” y el primoroso intermedio o preludio del acto tercero, con un perfume a Turina que subyuga.

El compositor

El compositor Federico Moreno Torroba nació en Madrid el 3 de marzo de 1891 y murió también en Madrid el 12 de septiembre de 1982. En su amplia trayectoria de compositor, director de orquesta y empresario, destacan éxitos fuera del ámbito de la zarzuela, como su obra sinfónica LA AJORCA DE ORO (1918), las óperas LA VIRGEN DE MAYO (1925) y EL POETA (1980, estrenada por Plácido Domingo que tenía verdadero afecto personal al maestro) y sus composiciones para guitarra clásica. Pero donde más han proliferado sus éxitos ha sido en el campo de la zarzuela, desde la primera LA MESONERA DE TORDESILLAS (1925), y luego LA MARI BLANCA Y LA PASTORELA (1926, la segunda en colaboración con Pablo Luna), LA MARCHENERA (1928), MARÍA LA TEMPRANICA (1930 adaptación de la obra de Giménez), AZABACHE y LUISA FERNANDA (1932), XUANÓN (1933), LA CHULAPONA (1934), MONTECARMELO (1939), MARAVILLA (1941), LA CARAMBA (1942), LA ILUSTRE MOZA (1943) y MARÍA MANUELA (1957), sólo por señalar las que me consta que han tenido trascendencia fonográfica.

Los libretistas

Ricardo González del Toro, nació en Cádiz en 1875 y murió en Madrid el 11 de mayo de 1958. Dramaturgo que casi siempre escribió en colaboración primero con Miguel Mihura y a partir de 1920 con otros. En el campo de la zarzuela, con Mihura, escribió LA CANCION ESPAÑOLA con música de Vives, con Paso POR UNA MUJER con música de Lambert (que incluye la famosa romanza para barítono “Carretera Castellana”) y con Fernando Luque LA MARCHENERA con música de Moreno Torroba del que también escribió MARI BLANCA y MARIA LA TEMPRANICA.

Fernando Luque Aladro, sólo figura en el Diccionario de la zarzuela que murió el 29 de enero de 1927. Escribió en colaboración con varios autores. Destacando en el campo de la zarzuela LA PASTORELA con música de Luna y Moreno Torroba (que incluye la brillante romanza de barítono “Canto a Castilla”) y LA MARCHENERA con música de Moreno Torroba.

Sinopsis

Lioso argumento en que Paloma, siendo primero calumniada en público por Don Félix al interpretar equívocamente su relación con su protector el Conde, termina casándose con ella, tras haber tonteado también con la hija del noble.

Índice de escenas

Zarzuela en tres actos, con los siguientes números musicales:

Acto I: 1. Introducción y escena “Ya está el patio adornao…..Paloma la Marchenera más guapa y más repulía”. 2. Romanza del Conde “Caballero veinticuatro de Jerez de la Frontera……Amores son mis amores mi patria y mi dama…..Por ellas, solo por ellas concibo la muerte”. 3. Presentación de Don Félix “Yo soy un hombre, sencillamente, que de la vida quiere gozar”. 4. Dúo de Paloma y Don Félix “Aun esta aquí…..Yo soy Paloma, Marchenera bravía”. 5. Escena “Bailaores, tocaores” y petenera “3 horas antes del día”. 6. Final del acto I “A qué presumir de brava…..Cuando la noche callada duerme Marchena tranquila”.

Acto II: 7. Escena “Viva abril que es la alegría”, tirana “Mocito que estás mirando” y zapateado “Cuando te veo mové”. 8. Dúo del columpio de Valentina y Don Félix “Frente al tenderete de la buñolera….Sobre mi alazán, ay mi dulce amor”. 9. Dúo cómico “Con mi falda escarolada…..Mírame que voy de moda”. 10. Dúo de Paloma y el Conde “Alza esa frente Paloma…..El pueblo tiene un cantar”. 11. Final del acto II “A beber va Mairena”.

Acto III: 12. Intermedio musical. 13. Voz de mujer “Deseando estoy que llegue”. 14. Romanza de Don Félix “Callada noche andaluza”. 15. Dúo cómico, Pavana “Yo en Madrid de damisela”. 16. Concertante y final “Aun siendo una villanía…..Aquí señor Conde, aquí me tenéis”.

Personajes

Los principales son:

Paloma: Ahijada de la ventera y protegida del Conde. Soprano.
Valentina: Hija del Conde. Soprano.
Taravilla: Criada del ventorrillo. Tiple cómica.
El Conde Hinojares: Conspirador liberal. Barítono
Don Félix: Donjuán madrileño enamorado de Paloma. Tenor.
Orentino: Amanuense que termina emparejado con Taravilla. Tenor cómico.
Don Miguelito: Intrigante. Tenor cómico.


MARGARITA LA TORNERA

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Margarita la tornera

Leyenda lírica en tres actos, y ocho cuadros
Texto original de CARLOS FERNÁNDEZ SHAW
Música de RUPERTO CHAPÍ
Estrenada el 24 de febrero de 1909 en el Teatro Real de Madrid


Elenco del estreno

Margarita: IDA GOBATTO, Sirena: ANITA HERNÁNDEZ, Don Juan: FULGENCIO ABELLA, Don Lope: FRANCESCO CIGADA, Gavilán: FRANCISCO MEANA

La obra

En la reseña de LA REVOLTOSA (1897) referí, al hablar de sus precedentes, que Fernández Shaw y Chapí tenían entre manos MARGARITA LA TORNERA, cuando el músico le pidió entre tanto una obra en un acto, que fue EL CORTEJO DE LA IRENE (1896) y a raíz de su éxito le recomendó adaptar LA FIERECILLA DOMADA al ambiente madrileño, recomendándole para esa adaptación a José López Silva, lo que tuvo lugar en LAS BRAVÍAS (1896), también con éxito. Esto quiere decir que aunque la obra que nos ocupa no se terminó hasta 1906 y no se estrenó hasta 1909, su “fase estética” data de trece años antes del estreno. Fue por entonces cuando Peña y Goñi expresó a Chapí su interés en presentarle a Carlos Fernández Shaw y éste que se había comprometido en su momento con Zorrilla para escenificar su leyenda MARGARITA LA TORNERA (compuesta por el célebre literato formando parte de sus “Cantos del Trovador” escritos entre 1841 y 1842) le propuso al compositor iniciar la colaboración con dicha obra, diciéndole más o menos “Me parece bien, pero debíamos dejarlo para más adelante. Ese asunto es merecedor de que se estudie despacio para hacer con él una producción de gran envergadura. Mientras ¿por qué no me escribe una obra en un acto?”. Es indudable que el gran músico llevó en su mollera esta ingente obra muchos años, pero no fue hasta el verano de 1905 cuando, recluyéndose en Garrincho Alto (una casa de campo situada entre las poblaciones alicantinas de Monóvar y Pinoso) acometió el proyecto definitivamente, y ya el 23 de julio comunicó al libretista que había terminado el primer acto y el 28 de agosto que había terminado la obra. Chapí instrumento la ópera en el verano de 1906, pero el Teatro Real, siempre remiso a abrir sus puertas a la ópera española pese a la categoría y fama de sus autores, no la acogió hasta el 24 de febrero de 1909, recibiendo su autor ovaciones clamorosas y representándose ocho veces seguidas, las primeras dirigidas por el compositor que luego fue sustituido por Ricardo Villa, pues Chapí se encontraba ya enfermo muriendo pocos días después.

El libreto de la obra se basa directamente en la obra de Zorrilla antes mencionada, pero no era original del mismo, pues Sagardía informa que Mariano de Cavia escribió que esta leyenda ya la habían contado Alfonso el Sabio, Lope de Vega y hasta San Alfonso María de Ligorio en cierto libro intitulado “Glorias de María”. En Zorrilla fue claro predecente del Tenorio, con personajes paralelos como Don Juan de Alarcón (luego Don Juan Tenorio), Margarita (Doña Inés), Don Lope (Don Luis Mejía) y hasta Gavilán (Ciutti), pero varía radicalmente el desenlace, pues mientras en MARGARITA LA TORNERA es la Virgen la que realiza un milagro, ocupando su puesto de tornera entre las monjas para salvar a Margarita y Don Juan se condena y muere fulminado, en el Tenorio Don Juan es el que encuentra la salvación por la intercesión de Doña Inés.

Musicalmente la partitura encierra fragmentos bellísimos: la declaración de amor de Don Juan de Alarcón a Margarita; el abandono del convento por la tornera, después de una terrible lucha entre sus deberes religiosos y su amor por Don Juan, que coincide con el paso de la comunidad por los claustros al tiempo que estalla una tempestad; la zarabanda, el cuartetino de Margarita, Sirena, Don Juan y Don Lope; la fiesta en el casón de los duendes y el cuadro último, el regreso de Margarita, que se inicia nada más decir “Por fin ¡mi convento!. Una pieza de las que más destacan es la Trova o Serenata, verdaderamente conmovedora que canta Don Juan de Alarcón ante la reja de la celda de Margarita e interviene ésta y Gavilán y que empieza con las palabras “¡Margarita! Margarita misteriosa; mariposa, que la luz buscando vas”.

El compositor

Ruperto Chapí y Llorente nació en Villena (Alicante) el 27 de marzo de 1851 y murió en Madrid el 25 de marzo de 1909. Su quintoabuelo, Claudio Sapi era oriundo de Lyon, pero a su hijo se le encuentra en Ayora, y su nieto vive ya en Villena. El apellido se transforma en Chapí posiblemente en 1708. Tras el paso de otras tres generaciones llegamos a la del padre del músico, barbero sangrador y, según el Espasa, gran aficionado a la música en una familia en que se aprendía solfeo al mismo tiempo que a leer y escribir. Primero Villena y luego Bocairente conocen la voluntad de hierro y el talento de un joven abnegado. En 1866 compuso ESTRELLA DEL BOSQUE, su primera zarzuela y en 1867 marcha a Madrid matriculándose en el Conservatorio y viviendo con mil apreturas hasta conseguir en 1872, junto con Bretón, el premio extraordinario del Conservatorio. Desde 1874 reside en Roma y París a causa de haber sido el primer español que logró la concesión del pensionado de número en la Academia de Roma, volviendo a Madrid en 1880. En 1873 compone ABEL Y CAIN, que el Diccionario de la Zarzuela reputa como su primera zarzuela, desde entonces han sido innumerables citando entre ellas MUSICA CLASICA (1880), LA TEMPESTAD (1881), EL MILAGRO DE LA VIRGEN (1884), LA BRUJA (1887), LAS HIJAS DEL ZEBEDEO (1889), EL REY QUE RABIO (1881), EL TAMBOR DE GRANADEROS (1894), LAS BRAVIAS (1896), LA REVOLTOSA (1897), PEPE GALLARDO, LA CHAVALA y CURRO VARGAS (1898), EL BARQUILLERO (1900), EL PUÑAO DE ROSAS y LA VENTA DE DON QUIJOTE (1902) y LA PATRIA CHICA (1907). Además compuso música religiosa, una sinfonía sobre DON QUIJOTE DE LA MANCHA, la famosa FANTASIA MORISCA y varias óperas de las que cito CIRCE (1902) y MARGARITA LA TORNERA (1909), los esfuerzos que hizo para la composición de esta última obra le llevaron a la muerte un mes después de su estreno, hora suprema que le llegó cuando en su delirio agónico balbuceaba la zarabanda de su ópera. Pese a tantas obras, hay que decir con Carlos Gómez Amat que “Bretón compuso numerosas óperas y Chapí cuenta con un extenso catálogo en varios géneros, pero uno y otro siempre serán los autores de LA VERBENA DE LA PALOMA y LA REVOLTOSA”.

No se puede olvidar su contribución tanto a la renovación de la Zarzuela rescatándola del italianismo en que estaba inmersa, como al fortalecimiento de los derechos de los autores primero con la creación en 1895/6 de la Sociedad de Autores Compositores y Editores de Música que cristalizó finalmente en la Sociedad de Autores formada en 1901 con la ayuda de Silesio Delgado y pese a los ataques de los mismos autores que se oponían a su redención: ¡Vivan las caenas si parecen buenas y son de reloj!

Los libretistas

Carlos Fernández Shaw nació en Cádiz el 23 de septiembre de 1865 y murió en Madrid el 7 de junio de 1911. Licenciado en Derecho sin llegar a ejercer. Poeta, escritor y periodista. En el campo de la música teatral destacó como libretista, sobre todo en las siguientes obras, casi todas en colaboración, con López Silva: LA CHAVALA, LA REVOLTOSA Y LAS BRAVIAS (todas con música de Chapí), con Arniches: LA CANCION DEL NAUFRAGO (música de Morera), otras en solitario MARGARITA LA TORNERA (MÚSICA DE Chapí) DON LUCAS DEL CIGARRAL (música de Vives) o LA VIDA BREVE (música de Falla).

Sinopsis